Crítica Cinéfila: The Mitchells vs. The Machines

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.

Cuando Pixar lanzó Toy Story al mundo, Disney de repente parecía dinosaurios en comparación, no solo por esos gráficos en 3D, sino por la inteligencia creativa de narración que los acompañaba. Se necesitaron más de dos décadas para que cualquier otra película animada importante se sintiera tan revolucionaria, pero Spider-Man: Into The Spider-Verse, del poderoso dúo de productores Phil Lord y Christopher Miller, en colaboración con los cineastas Peter Ramsey, Rodney Rothman y Bob Persichetti, era una película de superhéroes deslumbrante tan sofisticada que se sentía como si hubiera llegado desde otro universo por completo. Ahora, The Mitchells Vs The Machines, producido por Lord y Miller, y añadiendo los escritores y directores Michael Rianda y Jeff Rowe, demuestra que no fue casualidad. Estos caballeros realmente están años luz por delante de la competencia.

Al igual que con Spider-Verse, lo primero que te golpea son las imágenes, una combinación dinámica de texturas 2D y 3D, aquí adornadas con una capa adicional de dibujos animados que se derraman de los pensamientos y emociones de los personajes, salpicando la pantalla y la acción, resultando hipercinético e hipercinematográfico. Y al igual que con Spiderverse, su concepto central parece no estar obstaculizado por las convencionalidades, una forma elegante de decir que su trama es una locura. Los Mitchells son una familia nuclear disfuncional al estilo de Los Simpson que lucha por conectarse entre sí en el mundo de la tecnología moderna, obligados a derribar a PAL, una aparato de Inteligencia Artificial malvada similar a Alexa (una alegre Olivia Colman) que ha esclavizado a la humanidad en cubos flotantes; fue creada originalmente como una asistente de bolsillo al estilo de Siri que se vuelve rebelde tras "su" inventor de Silicon Valley (Eric André) la deja a un lado en la última presentación de producto de la compañía al estilo de Steve Jobs. De alguna manera, esta combinación de forma burbujeante y función despreocupada encaja a la perfección: piense en la metaexplosión de Scott Pilgrim absorbida por el ingenio creativo de The LEGO Movie, con una revisión visual de Spider-Verse .

Aquí, Katie, quien, en uno de los conceptos más inspirados de "The Mitchells" (y que parece un personaje inspirado en su cinéfila aquí presente), parece ser la autora de esta película de desastres a medida que avanza, se refiere a su tribu como la "peor familia de todos los tiempos". Eso es obviamente una hipérbole, pero también una representación justa de cómo se siente. Katie acaba de ingresar a la universidad en California y no puede esperar para irse de casa a un lugar donde las personas "capten" su inadaptado sentido de la creatividad, como se ve en una serie de videos caseros de baja fidelidad (la mayoría de ellos protagonizados por el perro de la familia, Monchi). A esta artista incomprendida le encanta garabatear, y su estética de arte encuadernador se filtra en la película, una mezcla entre memes de Internet, corazones y arcoíris adornados a mano.

A los guionistas de Hollywood les gusta describir a las familias impulsadas por conflictos como "disfuncionales", pero ese eufemismo general en realidad se refiere precisamente a lo que las hace dramáticas. Katie desearía que su padre la apoyara más, pero Rick no entiende YouTube, lo que lleva a una ruptura potencial en el vínculo padre-hija. En un último intento por arreglar las cosas, Rick cancela el vuelo de Katie y se compromete a llevarla a la escuela en su lugar, metiendo a todos en la destartalada camioneta naranja quemada. Esta habría sido una idea desacertada en circunstancias normales. Agregue a continuación un apocalipsis de robots y las probabilidades de salvar a esta familia, y mucho menos a toda la humanidad, se desploman bastante precipitadamente.

En medio del caos, The Mitchells Vs The Machines nunca pierde de vista su núcleo emocional: la relación fracturada entre Katie (Abbi Jacobson), que vuela del nido, y su amado padre Rick (Danny McBride). A lo largo del tiempo de ejecución, Rianda y Rowe crean espacio para escenas de padre e hija delicadamente dibujadas: sus perspectivas sobre su cambiante dinámica familiar se muestran igualmente válidas pero crucialmente desalineadas. También tiene matices su versión de la tecnología: que Rick la ve como una distracción y que Katie la ve como una herramienta para dar rienda suelta a su creatividad en un mundo que se siente mucho más real que cualquier polémica.

Y aunque muchos dirán que les faltarán detalles de identidad a Katie (les aseguro que la comunidad LGBTQ+ la clamará como queer), no le resta ni un solo detalle a este acomplejado e imperfectamente perfecto personaje, además que todo lo que presente se suma a la aventura animada más rápida, divertida y futurista en comparación a Spider-Verse. 

Por supuesto, es una broma que las máquinas estén tratando de apoderarse de la tierra, ya que la película reconoce tácitamente que los humanos hemos estado dejando que la tecnología nos convierta en zombis todo el tiempo. En una escena temprana divertida pero real, Rick intenta llamar la atención de su familia en la mesa, pero están demasiado distraídos por las pantallas brillantes como para prestarle atención.

Las películas animadas de estudio a menudo se trabajan hasta la saciedad, y uno tiene que sospechar que alguna versión de la historia imaginaba la supervivencia de los Mitchell (mientras que los robots capturan al resto del mundo) debido a una regla en la que todos acordaron desconectarse por el Duración del viaje por carretera. Pero Katie necesita su cámara para documentar los momentos más extravagantes de la película, y ni Netflix ni Sony están realmente interesados ​​​​en convencer a los consumidores de que se desconecten por completo, por lo que la advertencia sobre la tecnología se entrega entre comillas.

"The Mitchells" a menudo se basa más en un ritmo rápido que en una lógica inquebrantable para salir adelante de todos modos. Como tal, nos conformamos con una versión extremadamente comprimida de la Tercera Guerra Mundial, en la que la humanidad sucumbe rápidamente a las máquinas voladoras que disparan láser. Las similitudes están ahí en todo, desde el sentido del humor (donde lo que primero se lee como un desapego irónico resulta estar basado en un sentimiento genuino al final) hasta el estilo de animación (observa los globos oculares y cómo el ajuste más sutil de dos pupilas negras puede decir tanto). Se necesita mucho cuidado para hacer que un esfuerzo tan superficialmente tonto resuene con el público, y este talentoso equipo pone atención en todo, desde el aspecto general, que injerta los encantos retro de la animación de cel dibujada a mano en un rico mundo renderizado en 3D, hasta el ingenioso truco de sembrar detalles que dan sus frutos en el tercer acto como si fueran gags desechables en todo momento.

Después de una serie de éxitos, la fórmula de Lord y Miller comienza a mostrarse y los chistes siguen funcionando, incluso si ahora reconocemos la estrategia, ya que todos están al servicio de una base emocional sincera. Una y otra vez, desde “Spider-Man: Into the Spider-Verse” hasta “The Mitchells”, su mensaje ha sido “está bien que seas extraño/a”. O bien, "abraza a tu bicho raro interior". Tal estímulo en realidad tiene credibilidad porque los cineastas han hecho exactamente eso en la narración.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 5ta temporada

La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4, yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento.

En cada temporada, Big Mouth de Netflix se propone demostrar que, sí, es una comedia obscena... pero siempre es mucho más que eso. Desde su primera temporada engañosamente simple y burda hasta su quinta entrega más actual, la serie (al igual que sus personajes) se ha tomado el tiempo necesario para madurar. Es un proceso complicado, pero el lío es necesario. La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4 , yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento, como la depresión, las inseguridades, los celos y más. Sin embargo, como temporada independiente, Big Mouth Season 5 se siente un poco como un brote de crecimiento incómodo. Donde las temporadas anteriores se comprometieron con el crecimiento de personajes particulares o un estudio en profundidad de un aspecto del crecimiento, la temporada 5 se siente más como una evolución que como una resolución.

En la temporada 5 de Big Mouth, el amor está en el aire en Bridgeton Middle School. Nuestros tumultuosos preadolescentes se encuentran recuperándose de las rupturas, provocando nuevas atracciones y experimentando con la intimidad ... física y emocional. La llegada de los Lovebugs agrega una nueva y complicada capa a la tensión sexual y la desesperación por la conexión: para algunos de nuestros personajes, el amor será un desarrollo emocionante para sí mismos, mientras que otros están destinados al dolor y angustia.

En caso de que aún no fuera evidente, se centra en temas de madurez emocional. Los cuerpos están cambiando, las hormonas están enfurecidas y estar en el precipicio de la edad adulta significa que los niños de Bridgeton Middle School tienen una nueva visión del mundo, de sus seres queridos y de sí mismos. Big Mouth saca el torrente de atracción de la lujuria cachonda, y agrega el elemento aplastante de un flechazo devorador. Lo que pasa con el amor es que puede convertirse fácilmente en odio.

Así profundiza en la expresión emocional, no solo en el ámbito del amor joven, sino como una elección y una forma de ser. La madurez emocional toma muchas formas. Se trata de comunicación entre socios, tan importante para el placer físico como para la confianza y el apoyo. Se trata de comprender y desentrañar las relaciones complejas entre padres e hijos. Se trata de ser un buen amigo, admitir las malas acciones y elegir ser responsable de sus acciones o apelar a su mejor yo.

Hasta este punto, lo que Big Mouth realmente ha podido colgar es su inocencia. La inocencia de los personajes y su viaje de descubrimiento ha mantenido al espectáculo sobre una base sólida. Y ha complicado enormemente este espacio asentado al poner a cada uno de sus personajes en fases completamente diferentes de su desarrollo e incluso llegar a retratar su primera instancia de dos personajes que pierden su virginidad. Eso cambia las cosas.

Por un lado, es un movimiento audaz y definitivamente una representación honesta del crecimiento. Todos maduramos a diferentes ritmos y acumulamos experiencias en una amplia línea de tiempo. Sin embargo, lleva a los personajes a una especie de umbral. ¿Qué pasa con los personajes que se cruzan, que crecen primero, y qué pasa con los que todavía están pasando por cambios? Ese es el desafío al que se enfrenta cada temporada de Big Mouth a partir de este momento.

Pero incluso cuando las cosas se complican, la temporada 5 todavía se mantiene fuerte como la serie animada más inteligente. La creciente colección de monstruos hormonales, bichos del amor, gusanos del odio, mosquitos de la ansiedad, y más son abrumadores para el espectador... pero nunca confusos y siempre retratados de una manera que se siente auténtica a las emociones complicadas que todos hemos experimentado, y solidificando que a medida que la serie experimenta sus propios cambios, las raíces del desenfreno loco siguen siendo fuertes. Sin culpa, todo placer.

Crítica Cinéfila: Luca

La historia se desarrolla en un hermoso pueblo al lado del mar en la Riviera Italiana. Es la del crecimiento de un niño que experimenta un verano inolvidable con helado, pasta e interminables viajes en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un gran secreto: es un monstruo marino de otro mundo ubicado justo debajo de la superficie del agua. 

En 2012, Pixar lanzó "Brave", la poco convencional "película de princesas" ambientada en las Tierras Altas de Escocia, y con ella llegó "La Luna". Después de ver el corto de 7 minutos, “La Luna”, fue difícil concentrarse en la función. Es uno de los mejores cortometrajes de Pixar, lleno de un gran encanto, temas dinámicos sobre la unión familiar, la importancia de un trabajo bien hecho, y con un estilo distintivo que lo distingue no solo de otros cortometrajes de Pixar sino también de sus características. Ahora, diez años después del debut del cortometraje, el cineasta detrás de "La Luna”, Enrico Casarosa, finalmente ha presentado su ópera prima en Pixar, "Luca". Y como "La Luna”, es mágico, emotivo y diferente a todo lo que el estudio ha hecho antes. Si el cortometraje anunció a Casarosa como uno de los narradores más originales y distintivos del estudio, “Luca” lo confirma.

“Luca” tiene lugar en la Italia de la posguerra, en las aguas de una pequeña ciudad ficticia llamada Portorosso. Es en estas aguas donde vive, trabaja y tiene familias de una especie de monstruo marino. (Su aspecto es como una linda versión de las bestias que se ven en "The Shape of Water"). Un joven de una familia de monstruos marinos, Luca (Jacob Tremblay), anhela escapar de su existencia monótona. Esa fuga se presenta en forma de un encuentro casual con Alberto (Jack Dylan Grazer), un monstruo marino de su edad que se ha instalado en una isla cercana. Alberto le enseña a Luca que cuando sale del agua, se transforma en un humano y puede caminar entre ellos (si vuelve al agua o se salpica, vuelve a su forma acuática). Juntos, hacen un plan audaz para visitar Portorosso, a pesar de que es una pequeña comunidad obsesionada con la pesca (y profundamente desconfiada de las criaturas de las profundidades, gracias a las leyendas locales sobre monstruos marinos), donde obtendrán una Vespa y viajarán por el resto del mundo humano. También en la agenda: comer toneladas de helados y pastas.

En lo que respecta al alto concepto, “Luca” es una de las mejores en cuanto a las presentaciones adorables de Pixar. Presenta un acertijo identificable (los padres sobreprotectores de Luca, interpretados por Maya Rudolph y Jim Gaffigan, quienes prohíben su intento de aventurarse), inmerso en el marco de una fábula clásica (en la línea de algo como "La Sirenita"), con lo suficientemente moderno en su trama y las complejidades temáticas para mantenerlo atractivo y contemporáneo. Si esta ingeniosa presunción fuera todo lo que "Luca" hizo especial, sería bastante fenomenal. Afortunadamente, sin embargo, hay mucho más debajo de la superficie.

Por un lado, está el aspecto único de la película. Casarosa ha dicho que se inspiró en una variedad de estilos de animación, incluida la animación stop-motion del estudio británico Aardman y, por supuesto, la animación tradicional de Studio Ghibli y su cineasta estrella Hayao Miyazaki. Los personajes mismos tienen un aspecto mucho más exagerado y caricaturesco. Sus movimientos a menudo se recortan o empujan de maneras que son muy diferentes de una función tradicional de Pixar, que a menudo se inclina por el lado del realismo.

"Luca" está más interesado en la verdad emocional, en la forma en que algo se siente y en cómo se ve. Y la estilización algo intensificada nunca se interpone en el camino de esas emociones; en todo caso, los eleva. También le permite a Casarosa y su equipo ir más allá en términos de intensidad sin dejar de mantener una clasificación PG apta para familias (en particular, hay una escena en la que un matón local se vuelve físico que hubiera sido mucho más sorprendente sin esta estética). Hay un suave surrealismo en la película, tanto en la apariencia como en la narración que ocasionalmente se desplaza hacia el territorio de los sueños (Casarosa también ha citado a Federico Fellini como una influencia). A diferencia de "Soul" que separó el reino fantástico del nuestro, "Luca" tiene éxito al hacer que el mundo real sea más mágico.

También está la relación en el corazón de "Luca" que lo distingue. Se ha hablado mucho de las similitudes de la película, al menos superficialmente, con "Call Me By Your Name", otra historia ambientada en una Italia soleada. Su cineasta ya ha descartado las similitudes por completo, sin embargo la comparación existe de manera impresionante. Nunca está implícito explícitamente que las criaturas marinas tengan sentimientos el uno por el otro, pero su relación es claramente más romántica que cualquier otro dúo de Pixar del mismo sexo que no coincida. Y mientras los cineastas afirman que no hay nada ahí, existe una clara sensualidad en la forma en que interactúan los personajes, en sus miradas y toques. También está el tema de que "Luca" es una historia sobre cómo ocultar quién eres de quienes te aman (como la familia humana con la que se enganchan los chicos, incluida una niña que crea fricciones entre Alberto y Luca) debido a los temores dominantes de ser rechazados o repudiados. Es aceptación, no una Vespa nueva y reluciente, lo que los chicos anhelan con tanta desesperación, entre ellos, sus familias y la comunidad que los rodea. Ahora, metafóricamente hablando, este escenario se puede aplicar a muchas experiencias; la especificidad de la relación de Alberto y Luca la hace universal.

Vale la pena señalar que "Luca" no se desvía de la tradición de Pixar en un área clave: tiene un final absolutamente devastador que te dejará destrozado y probablemente sollozando. La relativa simplicidad de la historia de "Luca", sobre todo viniendo tan pronto después del "Soul" filosófico, le da este poder único. Hay momentos en los que indudablemente llorarás solo por la pura belleza de lo que estás viendo, no solo por la animación (con su trabajo de diseño, iluminación y fotografía virtual de primer nivel) sino por la alegría pura de la historia en sí. Esta película llenará tu corazón. Casarosa es un artista con una verdadera perspectiva, intrépido en sus impulsos creativos e ilimitado en su compasión, y “Luca” es una expresión pura de estas sensibilidades.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 4ta temporada

Nick Kroll y Andrew Goldberg, amigos íntimos en la vida real, exploran las aventuras de los adolescentes durante la pubertad en esta serie cómica de dibujos animados.

Todo el mundo pasó por los mismos sentimientos mientras estaba en la escuela secundaria: crecer es y siempre será la parte más difícil de la vida. Durante las últimas tres temporadas, Big Mouth ha relatado con detalles profundamente inquietantes todas las formas en que esa declaración es físicamente cierta, desde preadolescentes obsesionados con la masturbación y niños que lloran el vello púbico ausente, hasta coquetear con un pariente y preocuparse por los períodos. Pero la temporada 4 es la primera vez que la serie se compromete a relatar la verdad interna detrás de esa famosa frase. Crecer es difícil; tanto físicamente, como emocional y mentalmente.

Siempre que Big Mouth ha encarnado luchas de salud mental, ha estado en su mejor momento. David Thewlis embrujó la temporada 2 como el mago de la vergüenza, un ser que toma cualquier acción desagradable y la magnifica para que sea lo más devastadora internamente posible. Jean Smart hizo lo mismo en la temporada 3 con su Depression Kitty, un gato gigante que convenció a la inteligente y motivada Jessi (Jessi Klein) de que era más fácil rendirse que intentarlo. Estos momentos fueron tan perspicaces y dolorosamente divertidos como Big Mouth sabe hacerlo, equilibrando brillantemente la verdad tácita de cuán poderosas son estas emociones con sus tontas contrapartes de dibujos animados. Pero a pesar de lo excelentes que eran, a menudo eran pocos y distantes entre sí.

En ese frente, la temporada 4 cambia completamente el guión. Las bromas sobre la masturbación, el punto G y el monstruo hormonal todavía están ahí, y todavía son obscenas, pero por una vez es la salud mental de estos jóvenes lo que ocupa un lugar central. Lo que es especialmente impresionante es que la lucha interna de cada niño es drásticamente diferente a la del otro.

Mientras Jessi tiene que lidiar con las consecuencias del divorcio de sus padres y mudarse a una escuela académicamente desafiante, la siguen Depression Kitty y Tito the Anxiety Mosquito (Maria Bamford), un dúo letal que la convencen de dudar de sí misma. Para Andrew (John Mulaney), sus problemas de salud mental se convierten en una sensación amplificada de pavor de morir en cualquier momento, un miedo que le inculcan sus padres constantemente ansiosos. Matthew (Andrew Rannells) lucha contra el miedo de que si sale del armario le costará su familia. Y Nick (Nick Kroll) toma la opción más nuclear de todos. A medida que los pensamientos oscuros giran en su cabeza, elige cerrarse por completo.

La parte más interesante de estas respuestas variadas es que todas provienen aproximadamente de las mismas emociones desencadenantes. A medida que cada personaje es molestado por Tito y en menor grado por Depression Kitty y Shame Wizard, manejan sus bromas y dudas de sí mismos de formas drásticamente diferentes. Es raro ver la enfermedad mental representada de esta manera, como algo que nos afecta a todos pero que nos convence de que estamos solos. Eso es lo que hacen la depresión, la ansiedad y la vergüenza, nos dividen cruelmente. Es milagroso que cualquier programa, y ​​mucho menos uno animado que una vez ahogó a Florida en un sumidero, haya logrado capturar esta dualidad.

Tan inteligentes como son todos estos arcos, es la historia de Missy la que merece más elogios. La residente de Big Mouth se ha merecido durante mucho tiempo una historia más sustanciosa que sus sueños despiertos de Nathan Fillion, y en esta temporada finalmente obtiene una mientras explora su identidad racial. Mientras Missy aprende de sus primos lo que significa ser negro mientras sus padres le dicen que la raza no debería importar, ves a Missy literalmente destrozándose a sí misma durante toda la temporada. Es desgarrador ver sufrir a un personaje tan intrínsecamente encantador como Missy, especialmente de esta manera compleja y emocionalmente agotadora que no tiene una respuesta "correcta". Entonces, cuando Jenny Slate finalmente le entrega el papel a Ayo Edebiri en el penúltimo episodio, es un momento de alivio bien merecido.

Por supuesto, estamos hablando de Big Mouth. Todavía hay muchas bromas horribles que casi te hacen vomitar, como un pelotón de surfistas de tampones y el pene de un adolescente que tiene acento de Long Island por alguna razón. Pero esta vez los cambios por los que todo el mundo está pasando son un poco más abstractos, para mejor.