Halloween Cinéfila: Las mejores películas de terror del 2022 (so far)

2022 ha sido un año escandalosamente bueno para el cine de terror.

La variedad, complejidad y volumen de las películas de terror estrenadas este año es verdaderamente asombrosa; una verdadera riqueza empapada de sangre y locura. La cosecha fue tan impresionante que fue difícil omitir algunas películas para poder hacer esta lista, aunque si analizamos el catálogo completo, nos encontraremos con algunas grandes decepciones (como Scream, Halloween Ends, Texas Chainsaw Massacre). Pero por ahora, aquí hay 10 películas de terror de este año. 

Les aviso: estas son películas que personalmente creo que cumplen con los parámetros del género y por eso entran en este listado:

1. "Smile" (Estreno: Septiembre 2022)

"Smile" es inteligente y efectivo y, en ocasiones, bastante aterrador. Una joven psiquiatra (Sosie Bacon) tiene una paciente que se suicida frente a ella, y mientras lo hace la paciente lleva una sonrisa muy espeluznante en la cara. Después de investigar un poco, comienza a entender que el suicidio es parte de un patrón más grande, conectado a esa sonrisa espeluznante. Sí, esta es totalmente una película de miedo arquetípica de un viernes por la noche, pero como tal realmente tiene éxito, gracias en gran medida a su tono sombrío, que canaliza todo el tema del suicidio y el trauma que deja este en las personas que quedan como testigos. 

2. "Bodies, bodies, bodies" (Estreno: Agosto 2022)

Algo interesante de esta película, en comparación con las demás, es que "Bodies Bodies Bodies" es mucho más divertida, más inteligente y más moderna. La historia se narra en un mundo de la Generación Z, con un montón de jóvenes con diversidades e influencias, atrapados en una casa sin electricidad durante un huracán. A medida que se desata el conflicto, uno por uno, la tensión y la hilaridad siguen aumentando. Es tanto una crítica corta como una celebración del momento cultural actual, donde las víctimas se convierten en supervivientes y el trauma generacional se vuelve francamente mortal. 

3. "Werewolf by Night" (Estreno: Octubre 2022)

Dentro del universo cinematográfico de Marvel, "Werewolf by Night", un especial de minipelícula/TV que se registra en poco menos de una hora, sigue al personaje principal (interpretado por Gael García Bernal), mientras se siente atraído por una inquietante finca para cazar a un monstruo aterrador. ¿Qué quieren los otros cazadores con la criatura? ¿Y cómo va a salir vivo de esta cosa sin que descubran su monstruoso secreto? En parte misterio de puerta cerrada, en parte emocionante aventura de Marvel, es un híbrido de monstruos que se convierte en un gran éxito. El director Michael Giacchino, filmando en blanco y negro y considerablemente alentando el terror, hace que la primera incursión real del UCM en el horror sea un buen momento empapado de sangre. 

4. "Prey" (Estreno: Julio 2022)

Sí, la mayoría de las precuelas pueden ser terribles. Pero de vez en cuando hay una como "Prey" que es tan buena, tan lleno de imaginación y emoción, que es imposible descartar el ejercicio de la precuela de Hollywood como totalmente indigno. "Prey" es una precuela de la franquicia principal "Predator", esta vez ambientada en 1719 y siguiendo a una joven Comanche (Amber Midthunder) mientras se enfrenta a una versión temprana del Predator que conocemos y amamos. El director Dan Trachtenberg ("10 Cloverfield Lane") combina piezas magníficamente coreografiadas, genuinamente aterradoras y muy sangrientas con una encantadora historia de madurez de una joven que quiere probarse a sí misma y salvar a todo su pueblo. Esta es fácilmente la mejor película de "Predator" desde la original, una que, después de años de spin-offs y secuelas mediocibles, te emociona con la franquicia una vez más.

5. "Barbarian" (Estreno: Septiembre 2022)

El debut de género de Zach Cregger, "Barbarian", se beneficia de un sabroso tráiler que no estropea ninguno de los numerosos giros de la película. Basta con decir que las cosas no van demasiado bien para Tess (Georgina Campbell), que solo está tratando de encontrar un lugar seguro para quedarse mientras está en Detroit para una entrevista de trabajo. Cregger obviamente ama el género y sabe exactamente cómo manipular las expectativas de la audiencia para sustos únicos, creando un ritmo peculiar a través de los distintos actos de la película. Al casar los miedos modernos con la técnica de terror de la vieja escuela, "Barbarian" seguramente se convertirá en una favorita para los próximos maratones de terror durante Halloween.

6. "The Black Phone" (Estreno: Junio 2022)

El dúo creativo de "Sinister" y "Doctor Strange", C. Robert Cargill y Scott Derrickson, colaboraron una vez más en esta adaptación de un cuento de Joe Hill en el que "The Grabber" (Ethan Hawke) secuestra a niños en el Colorado de los años 70. La película evoca el espíritu del mejor trabajo de Stephen King, mientras los niños lidian con habilidades sobrenaturales para derrotar a un villano psicótico. El guion es lo suficientemente resistente como para mantener las emociones a punta al igual que los sustos, ya que está lleno de los tropos más adecuados de este lado de Hawkins, Indiana. Hawke saborea y manipula el universo como el enmascarado Grabber, en una actuación físicamente aterradora que pide más apariciones.

7. "You Won't be Alone" (Estreno: Abril 2022)

"You Won't Be Alone", del cineasta australiano macedonio Goran Stolevski, se enfoca en una joven de Macedonia del siglo XIX raptada en su niñez y transformada/criada como bruja. La joven asume diferentes formas y habita la vida de varias personas. La película adquiere la sensación y la forma de una película de antología a veces en lugar de una narrativa lineal directa. Y a medida que la película avanza, te lanza un hechizo por sí sola. En última instancia, la película trata sobre lo que significa ser humano y lo difícil que es esa existencia. Con un estilo naturalista y un cameo de la leyenda del género Noomi Rapace, es imborrable y singular. 

8. "X/Pearl" (Estrenos: Marzo y Septiembre 2022)

Cuando "X" se estrenó en el Festival de Cine South by Southwest esta primavera, se le presentó una ventaja: un adelanto de "Pearl", una película precuela/de origen ya rodada, filmada en secreto y revelada, por primera vez, a la audiencia del Festival de Austin. Mientras que "X" tomó sus señales de las películas de explotación de la década de 1970, siguiendo a un grupo de valientes cineastas del género pornográfico (incluidos Kid Cudi, Brittany Snow y Mia Goth) mientras eran aniquilados, uno por uno, por una anciana amargada llamada Pearl (también Mia Goth); "Pearl" fue un melodrama estilo Technicolor que explora cómo Pearl acabó con esa ambición sangrienta. Independientemente, estas películas son geniales, con el escritor/director Ti West mostrando lo hábil que se había convertido como cineasta y ofreciendo representaciones comprensivas de lo que podrían haber sido villanos de dibujos animados. Pero juntas, las dos películas mejoran y se profundizan. Prepárense para la tercera parte ("MaXXXine"), que llegará el año que viene.

9. "Men" (Estreno: Mayo 2022)

La última pesadilla de Alex Garland es una fábula demasiado oportuna sobre los hombres que controlan y violentan a las mujeres. Efectivamente, "Men" está protagonizada por la brillante Jessie Buckley como una mujer que se va de vacaciones al campo británico después del suicidio de su marido. Desafortunadamente, está rodeada de docenas de hombres que se parecen a un siniestro Rory Kinnear, que interpreta de forma jugosa a todos los otros personajes con niveles vacilantes de hostilidad hacia ella. Aunque la película ofrece muy poca información sobre la dinámica de género, hay varias escenas indelebles que aumentan la tensión al 100%. Y con un acto final increíblemente divisivo y repugnante, es una película diseñada para estimular más discusión con cada nueva audiencia.

10. "Nope" (Estreno: Julio 2022)

Personalmente... mi favorita del año. Con "Nope", el escritor/director Jordan Peele se distó a hacer "la gran película OVNI estadounidense que necesitábamos". Él hizo eso, y luego algo más. Aparentemente la historia de un hermano y una hermana (Daniel Kaluuya y Keke Palmer) que heredan el rancho de caballos de su familia después de la misteriosa muerte de su padre y se aterrorizan por algo que acecha en el cielo, "Nope" es mucho más. Es una película sobre el costo de disfrutar del espectáculo; sobre la relación de la humanidad con los animales y otros grupos marginados y explotados; una película clásica sobre la realización de películas; un western revisionista; un comentario sobre nuestra incesante necesidad de documentar nuestra vida diaria (incluido lo que acecha arriba); y un espectáculo de ciencia ficción a gran escala. Todo eso es parte de lo que hace que "Nope" sea tan especial. En la forma en que Peele escuciona secuencias, ya sea la forma en que un OVNI se cierne erniamente sobre una granja o el ataque asesino de un chimpancé asesino, ha mejorado su juego como director y, con solo tres películas, consolidó su lugar como uno de los cineastas más consumados y emocionantes que trabajan hoy en día. Hay misterios que "Nope" todavía persiste, pero eso es parte del regalo de sus películas: puedes discutirlas y diseccionarlas mucho después de haber salido del cine.

Y a ti... ¿cuáles han sido tus películas favoritas del año?

Crítica Cinéfila: Pearl

Atrapada en la granja aislada de su familia, Pearl debe atender a su padre enfermo bajo la amarga y dominante vigilancia de su devota madre, deseando una vida glamorosa como la que ha visto en las películas. Precuela de 'X' (2022) centrada en los orígenes del personaje de Pearl (Mia Goth).

La perversamente entretenida X de Ti West, lanzada a principios de este año, colocó a un pequeño elenco y equipo de una producción porno de bajo presupuesto de Los Ángeles de la década de 1970 al territorio de la Masacre de Texas, y luego desató un mal insospechado sobre ellos. Su película dentro de una película duplicó la diversión de la explotación mientras subvirtió las normas de la sexualidad femenina, anulando la mirada masculina y resucitando ese retroceso más lujurioso, la agonía ninfómana trastornada. Rebobinando seis décadas, Pearl aviva más sueños de estrellato solo para desmantelarlos sin piedad, lo que significa que alguien va a pagar con sangre.

Si la serie de muertes se atan a la imaginación y carece de un verdadero factor de susto, los estilos retro de la precuela son una delicia. Los colores saturados de las imágenes del director de fotografía Eliot Rockett prácticamente saltan de la pantalla y los grandes sonidos de la banda sonora orquestal de la vieja escuela de Tyler Bates y Tim Williams señalan un gran drama y peligro desde el principio. La fuente del título vintage y el uso inventivo de los filtros y la disolución en las transiciones de escena completan la ilusión de los años 20.

Después de hacer el doble deber en X como la aspirante a reina del porno Maxine y Pearl, la esposa siniestra del agricultor todavía anhela verse a sí misma como un objeto de deseo en la pantalla de plata en su mente, Mia Goth regresa al personaje principal aquí en 1918, una época en la que su inocencia está empezando a desmoronarse. Su actuación tiene una calidad de Shelley Duvall, tanto emocionada como asustada por los impulsos que la superan.

Goth coescribió el guion con West mientras estaban en cuarentena por COVID en Nueva Zelanda para el rodaje de X, filmando a Pearl consecutivamente en los mismos sets y lugares. Incluso cuando la escritura y el ritmo se tambalean, como en su monólogo exagerado sobre la aplastante comprensión de Pearl de que sus sueños podrían permanecer incumplidos casi detiene a la película de sus pistas al final de la acción, el compromiso de Goth con la energía loca, más grande que la vida y los giros arquetípicos del papel, sigue siendo dominante.

Pearl está anhelando a su marido Howard (Alistair Sewell), luchando en la guerra mientras la mortal epidemia de gripe española atraviesa el mundo. Vive en la granja bajo el gobierno represivo de su madre inmigrante alemana estrictamente religiosa Ruth (Tandi Wright), ayudando a cuidar a su padre enfermo (Mathew Sunderland), que se volvió mudo e inmóvil por su condición. Pero el estado deprimente de su vida no impide que Pearl gire alrededor de su dormitorio, soñando con convertirse en bailarina para las películas.

"Soy especial", dice, reflejando la certeza de Maxine en la película anterior de que tenía el "factor X". "Algún día todo el mundo sabrá mi nombre". Esa creencia en sí misma es burlada por la amargada Ruth, que predice que está condenada al fracaso. También observa los extraños rasgos de su hija, tal vez notando cuando los animales de granja desaparecen para ser alimentados por Pearl al caimán que vive en el lago.

Sumergiéndome en el sulfato de morfina de su padre para aliviar sus frustraciones, Pearl escapa cuando puede al cine local, donde el apuesto proyeccionista (David Corenswet) se interesa por ella, alentando sus ambiciones de mundo del espectáculo. Al principio, sigue siendo fiel a su marido ausente, resolviendo su calentura en un espantapájaros del campo de maíz. Pero cuando el proyeccionista muestra a Pearl una película de "arte" europea picante (el cine erótico de aquella época), la tensión sexual entre ellos ya está en el aire. Ella confía en él sobre estar atrapada con sus padres: "Si tan solo murieran".

Es una apuesta segura en una película de Ti West que Pearl cumplirá su deseo, aunque tomará un tiempo agonizante y no serán las únicas víctimas, ya que fija todas sus esperanzas de estrellato en una próxima audición para un tour de baile regional, que se realizará en una iglesia local.

Ruth, mientras tanto, duplica las restricciones cuando percibe la oscuridad dentro de su hija. "La malevolencia está ensuciándote", le dice a Pearl. "Puedo verlo, y no dejaré que vuelvas a salir de esta granja". Esas son malas noticias para todos, incluida la alegre cuñada de Pearl (Emma Jenkins-Purro), que se escabulle a la audición de baile con ella.

Goth es excelente para revelar los hilos unidos que apenas mantienen a Pearl en la cordura a medida que se desenredan constantemente y su sanidad comienza a deslizarse, lo que la hace más temerosa de sus propias capacidades. "Me falta algo que el resto del mundo tiene", murmura con una voz temblorosa, mientras planea su escape de la granja, sus elaboradas fantasías y su realidad cada vez más indistinguibles.

West y Goth hacen un uso inteligente del campo del escenario, pero es escalofriante cuando Pearl comienza a destrozar todo a su alrededor y su pobre padre solo puede verlo en un silencio aterrorizado. Y es un testimonio de la colisión de dulce y siniestro en la actuación de Goth que sintamos su angustia cuando la audición va hacia en su contra, empujándola al límite.

A medida que la acción se desmorona salvajemente, Pearl se convierte tanto en un agente del caos como en una figura trágica, una vengativa Dorothy a la que se le negó el acceso al arcoiris. El rojo intenso del papel pintado del pasillo de la granja palpita positivamente, mientras que el lechón horneado dejado en el porche por Ruth en su negativa a la caridad se convierte en una colmena apilada de gusanos.

Es difícil saber qué harán los fanáticos del terror hardcore con esto, dado que es principalmente un riff sobre los arquetipos tradicionales de "imagen de las mujeres" con un ligero condimento de acción espeluznante, en lugar de lo contrario. Pero como una producción pandémica inteligentemente empaquetada con ecos narrativos de esa ansiedad global, es al menos algo fresco. Un retrato espantoso de otra joven hambrienta de una vida mayor que el destino que se le ha entregado, es una divertida pieza de compañía de X.

Crítica Cinéfila: The Good Nurse

Charlie Cullen es un enfermero considerado uno de los asesinos en serie más prolíficos de la historia. Bajo el apodo "Ángel de la Muerte", Cullen era un padre y marido que se ganaba la vida como cuidador. Su secreta afición de arrebatar vidas le llevó a estar implicado en la muerte de hasta 300 personas, repartidas entre nueve hospitales de las ciudades de Nueva Jersey y Pensilvania a lo largo de 16 años. 

Tuve la suerte de ver The Good Nurse sin saber absolutamente nada al respecto de su fuente de inspiración, solo sabía que era una película de Netflix protagonizada por Jessica Chastain y Eddie Redmayne. No tenía ni idea de cuál era siquiera "la buena enfermera" del título, no estaba familiarizada con el libro en el que se basa, ni siquiera con el hecho de que en realidad es una historia real. Por lo que sabía, era como una versión femenina de Freddie Highmore en The Good Doctor. Me senté solo durante dos horas aturdida por lo que estaba viendo que ocurría lentamente, un giro de eventos que no veía venir cuando me di cuenta de que tenía la misma experiencia de alguna manera como espectador que el personaje de Chastain, Amy Loughren, tuvo en la vida real. Es imposible escribir una crítica sensata de The Good Nurse y no revelar de qué se trata y ni siquiera a qué género pertenece. Así que esta es mi ALERTA DE SPOILER. Proceda con precaución.

Basado en un libro ampliamente investigado por Charles Graeber, The Good Nurse es una historia de crimen real sobre un notorio pero inusual asesino en serie llamado Charlie Cullen, que logró ir de hospital a hospital a conseguir trabajos como enfermero sin ser descubierto. Finalmente, en uno de ellos, los administradores del hospital llamaron a la policía cuando varios pacientes estaban muriendo misteriosamente. Era un patrón que desbloqueaba el misterio de lo que estaba sucediendo, y en realidad lo que había sucedido en muchos otros hospitales, todos con un empleado en común.

Adaptando este libro, que apuntaba fuertemente en la dirección de ser principalmente sobre las malas acciones de Charlie, que puso dosis letales a pacientes desconocidos que se encontraban en la Unidad de Cuidados Intensivos para llevar a cabo sus acciones sádicas; la escritora nominada al Oscar, Kristy Wilson-Cairns cambió el enfoque al de Loughren (Chastain), una enfermera sobrecargada pero dedicada, y quien fue fundamental para poner fin a la juerga de asesinatos de Cullen, pero lo que se vuelve igualmente importante aquí en la versión cinematográfica, ya que el énfasis está en una palabra que la define: "humanidad". Ella realmente es una buena enfermera, y en gran parte es una muy buena amiga de Charlie, que viene a trabajar al hospital y él le da el tipo de alivio que necesitaba desesperadamente para trabajar de noche para estar con sus hijos durante el día. Se acercan; para ella, él es un regalo del cielo, incluso cuidando a sus hijas, cocinando para ella y otras cosas que los amigos hacen el uno por el otro.

Así que se convierte en una conmoción cuando, después de una serie de muertes extrañas e inexplicables, algunos dedos apuntan a Charlie. Ella no lo cree, y no lo creerá, pero pronto no puede evitar la verdad una vez que un par de policías (Nnamdi Asomugha y Noah Emmerich) son llamados y tienen que lidiar con administradores de hospitales que básicamente están más interesados en salvar su reputación y la de la institución que en hacer lo correcto. Finalmente, reclutan a Amy bajo discreción, quien finalmente acepta a regañadientes se pone un micrófono oculto e intenta atrapar a Charlie en una confesión.

Esta sería una situación aterradora para cualquiera, pero Amy es bastante extraordinaria, ya que en su lugar utiliza la amabilidad y un enfoque humano hacia Charlie, una contradicción de muchos que podrían recurrir a la violencia para luchar contra la violencia. Se convierte en su historia: una mujer y una madre que puede estar muriendo por sí misma, trayendo cada fibra de su ser para hacer lo correcto, pero para hacerlo a su manera, sin duda un enfoque que la policía y los administradores del hospital han fallado en hacer.

Tobias Lindholm, un director danés de películas como A Hijacking y A War, hace un sensacional debut cinematográfico en inglés aquí guiando cuidadosamente la historia que, como he descubierto desde entonces, ha aparecido en 60 Minutes y en un documental (este último debutará en Netflix dos semanas después de la apertura de la película, otra buena estrategia de la página de streaming para seguir contando historias de Asesinos en serie). Emplea el estilo más sutil de un thriller, donde descubrimos la horrible verdad justo cuando Amy comienza a hacerlo. Es enormemente efectivo, al igual que el meticuloso guión de Wilson-Cairns, la edición precisa de Adam Nielsen junto con la cinematografía silenciada de Jody Lee Lipes.

Chastain, saliendo de una victoria en el Oscar interpretando otro papel de la vida real como Tammy Faye Baker, captura la compasión y el cordialidad de Loughren, junto con la convicción de que de alguna manera dependerá de ella terminar finalmente con esto, una persona común llamada a hacer algo que nunca podría haber imaginado. Ella es genial en el papel, y Redmayne interpretando el tipo de personaje oscuro que nunca lo hemos visto hacer antes es simplemente asombroso trayendo un tono vocal espeluznante y una fisicalidad tan particular al papel que causará escalofríos. Es un retrato de combustión lento, pero complejo porque Cullen nunca da una pista de por qué se ha convertido en este asesino sin pretensiones, no en el tipo normal de asesino en serie que a menudo vemos en las películas y en la vida real. Como se presenta aquí, hay una gran construcción para el personaje, ya que realmente está apoyando a Loughren durante la primera mitad de la película, pero el punto de inflexión es realmente genial.

El resto del reparto es excelente, incluyendo Asomugha, Emmerich y especialmente Kim Dickens, que interpreta el tipo de gerente para el hospital que da la misma cantidad de escalofríos a su manera que Cullen, pues es igualmente criminal por estar ocultando los crímenes que ocurren internamente para simplemente proteger la institución. En el verdadero caso, obtuvo un ascenso. "The Good Nurse" en ese sentido obtiene más gravedad en la forma en que también retrata el fracaso del sistema, en este caso los hospitales buscan su propio interés en lugar de los pacientes que cuentan con ellos. 

De esa manera, "The Good Nurse" tiene mucho en común con el ganador del Oscar "Spotlight", que se enfrentó a la Iglesia Católica, o incluso la excelente película protagonizada por Paul Newman "The Verdict" de Sidney Lumet en 1982, que también se centró en una persona que se levantaba contra todo pronóstico por el bien común. Pero lo bueno es que siempre habrán personas de buen corazón que tratarán de hacer el bien como ente individual y separado del sistema.

Crítica Cinéfila: The Woman King

Una epopeya histórica inspirada en los hechos reales que sucedieron en el Reino de Dahomey, uno de los estados más poderosos de África en los siglos XVIII y XIX. La historia sigue a Nanisca (Davis), general de la unidad militar exclusivamente femenina y a Nawi (Mbedu), una recluta ambiciosa. Juntas lucharon contra enemigos que violaron su honor, esclavizaron a su gente y amenazaron con destruir todo por lo que habían vivido.

En un momento en que Hollywood parece dividido entre sus promesas de rectificar la exclusión histórica y su comodidad con el conservadurismo existente, hay mucho en juego en The Woman King, la película de acción de Gina Prince-Bythewood inspirada en las mujeres guerreras del Dahomey, reino en el Benin precolonial. No ayuda que la película también haya tenido un viaje arduo y bien documentado desde el concepto hasta la pantalla, enfrentándose al rechazo y al escepticismo en todo momento.

Pero al final de la secuencia de apertura, un tramo cinético durante el cual las cuchillas cortan la carne y los puños chocan con los rostros, estaba claro que The Woman King sería recibida con una generosa recepción. Actuaciones enérgicas y precisión técnica se unen para lograr un efecto glorioso en la emocionante película de acción de Prince-Bythewood. Es una pieza de entretenimiento exuberante y de primera en muchos aspectos.

Pero como un producto de Hollywood, trabajando en el léxico cinematográfico estadounidense, The Woman King, con todas sus buenas intenciones, sin embargo, cae en las trampas esperadas del melodrama y la historia ofuscada. Quizás esos defectos sean el tema de conversaciones posteriores, cuando estimule un discurso crítico apasionado, del tipo que conduce a un impulso entusiasta para explorar la rica historia precolonial del continente africano o las copiosas narrativas actuales.

Entre las fortalezas clave de la película se encuentra un cuadro de giros estelares de alto octanaje, especialmente de Viola Davis. La actriz ganadora del Oscar, conocida por indagar en la psique de sus personajes, accede a un impresionante nivel de profundidad emocional y matices como Nanisca, la líder de Agojie.

Su personaje es familiar en su complejidad: una lideresa despiadada y protectora plagada de una actitud defensiva reflexiva. Nanisca ama a las mujeres de su régimen, a las que se refiere como hermanas, pero lucha por adoptar ideas diferentes. Esa postura hace que su relación con la nueva recluta de Agojie, Nawi (Thuso Mbedu), sea inicialmente difícil. Las dos chocan con frecuencia cuando la joven luchadora cuestiona repetidamente por qué ciertas reglas, como el celibato de por vida, todavía existen. Mbedu, la joya del Ferrocarril Subterráneo de Barry Jenkins, brilla como Nawi, una adolescente enviada para unirse a Agojie después de que su padre abandonara el proyecto de casarla a alguien.

El entrenamiento de la nueva cohorte de luchadoras enmarca la primera mitad de The Woman King, que se esmera en construir un retrato detallado de la vida de Agojie en el Reino de Dahomey. Estas escenas, además de las secuencias de acción, muestran los nítidos diseños de producción y vestuario de Akin McKenzie y Gersha Phillips. Vemos a las mujeres más jóvenes haciendo ejercicios dentro de las paredes de terracota del palacio, dando vueltas a través de las altas praderas de los alrededores y luchando entre sí para mejorar sus habilidades tácticas. También hay una energía sororal palpable entre estas mujeres, jóvenes y mayores. En Amenza (Sheila Atim), Nanisca tiene una amiga devota; en Izogie (una maravillosa Lashana Lynch), Nawi encuentra la comodidad y los controles de realidad necesarios. Estos montajes están respaldados por la exuberante partitura de Terence Blanchard.

El diseño meticuloso del escenario y el paisaje sonoro triunfante se unen para crear una narración encantadora y apócrifa sobre la protección y la expansión ética de un imperio, si tal noción existe. Pero el guión de Dana Stevens, basado en la historia de Maria Bello, intenta equilibrar varias tramas en competencia y no siempre constantes en el transcurso de dos horas. The Woman King comienza como un retrato y luego se entrega al melodrama cuando se enfrenta a los desafíos de traducir la historia para la pantalla y construir un hilo geopolítico coherente.

El origen de los Agojie no está documentado de manera confiable, pero los académicos sospechan que su unidad nació por necesidad: los Dahomey, conocidos por su guerra estratégica y sus incursiones de esclavos, contrarrestaron el desgaste de los hombres jóvenes reclutando mujeres en las filas militares; todas las mujeres solteras podrían ser alistadas. The Woman King no desarrolla la historia de origen, pero reconoce e intenta abordar la participación del reino en la esclavitud de otros africanos.

Tomando un giro pseudo-panafricanista, la película pone a Nanisca en el papel de disidente. Con la nación iniciando una guerra con el vecino reino Oyo, al que han rendido tributo durante décadas, la generala Agojie insta al rey Ghezo (John Boyega) a pensar en el futuro del Dahomey. Ella discute con él sobre la inmoralidad de vender su propia gente a los portugueses y sugiere que el reino se dedique a la producción de aceite de palma para el comercio. Ghezo no está convencido, temiendo que el cambio conduzca a la desaparición del reino. Nanisca le implora que no confíe en los colonizadores.

The Woman King revolotea entre la guerra con los Oyo, la batalla más amplia contra el invasor comercio de esclavos y el drama interno de los Agojie. La intuición de Nanisca resulta ser correcta, pero una pesadilla recurrente la obliga a luchar también con sus propios demonios. La generala debe considerar el peso de sus ambiciones de convertirse en Mujer Rey, un título conferido por Ghezo en la tradición Dahomey, y su pasado.

A medida que la guerra con los Oyo se profundiza y las escenas de lucha se vuelven cada vez más intensas, The Woman King se aferra a ritmos dramáticos familiares, apoyándose en temas universales de amor, comunidad y moralismo inequívoco. Para una epopeya que complazca a la multitud, piense en Braveheart con mujeres negras, esa combinación es más que suficiente.

Crítica Cinéfila: Smile

Después de presenciar un incidente extraño y traumático que involucra a un paciente, la Dra. Rose Cotter (Sosie Bacon) comienza a experimentar sucesos aterradores que no puede explicar. A medida que un terror abrumador comienza a apoderarse de su vida, Rose debe enfrentar su inquietante pasado para poder sobrevivir y escapar de su nueva y horrible realidad. 

La realidad comienza a desdibujarse y se deshace rápidamente para los desafortunados en "Smile". Una sonrisa espantosa seguida de un evento traumático hace que quienes lo presencian sucumban lentamente a su trauma/influencia. "Smile" lleva el concepto del objeto maldito a un nuevo nivel con una amenaza centrada en la salud mental que espera su momento, atormentando a sus víctimas a través del aislamiento y los traumas del pasado. Si bien muestra sus influencias con orgullo y sigue un camino familiar, Smile  ofrece pistas atractivas y afables, y algunos trucos aterradores bajo la manga para apaciguar al público general.

Rose Cotter (Sosie Bacon) trabaja 80 horas a la semana en la sala de emergencias de salud mental de su hospital. Es una adicta al trabajo que lo usa como un medio para evitar, o incluso reprimir, recuerdos dolorosos de la infancia. Eso cambia cuando intenta hablar con un nuevo paciente que habla de una entidad implacable que la persigue, sonriendo mientras la confronta con horribles visiones. Entonces ese paciente sorprendentemente se suicida frente a Rose. Poco después, Rose comienza a sufrir visiones horribles por lo que vio, y se intensifica lentamente. Cuanto más se da cuenta de que el tiempo se está acabando porque algo se está acercando a ella, más se convencen los demás de que no se encuentra bien.

El escritor/director Parker Finn continúa donde lo dejó con su cortometraje "Laura Hasn't Slept" para su debut cinematográfico. La continuación pasa la batuta del horror relacionado con la salud mental de la epónima Laura (Caitlin Stasey) a Rose, quien tiene su propia historia con la salud mental para discutir. Enmarcar a "Smile" más como una secuela que como una adaptación más larga es una elección inteligente para construir sobre las ideas presentadas mientras se centra la historia en un lado diferente de la salud mental.

Bacon lo convierte en una lideresa capaz. Su Rose es una profesional convincente y organizada que se deshace de las maneras más empáticas. A pesar de los escalofríos sobrenaturales, es un mérito de Bacon que nos haga cuestionar la cordura de Rose casi tanto como lo hace Rose. Kyle Gallner también inculca un interés arraigado en una capacidad más pequeña como Joel, un detective que está involucrado en el caso de Rose por múltiples razones, algunas personales. Su química contribuye mucho a impulsar la narrativa.

Finn se toma su tiempo para repartir los sustos, manteniendo el enfoque en el lento desmoronamiento de Rose. Eso no quiere decir que no haya ninguno; espere bastantes momentos escalofriantes que inducirán los jumpscares. Pero hay una cuidadosa moderación en la elaboración del miedo. Finn quiere que te involucres en la difícil situación de Rose, ante todo, mientras sus seres queridos le dan la espalda lentamente.

Pero  "Smile"  podría ser un poco demasiado exacto en el departamento de miedo. Es probable que los fanáticos del terror inteligentes también reconozcan algunas de las tácticas e influencias de miedo (como Oculus, It Follows y The Ring, lo que podría amortiguar parte del impacto. Hace que sea más fácil adivinar hacia dónde podría dirigirse la historia de Rose. El tercer acto acelera el ritmo, es hasta inesperado y contiene algunas imágenes de terror potentes, lo que lo convierte en un gran final que dejará a cualquiera con ganas de más.

En general, Parker Finn presenta algunas ideas interesantes sobre el trauma y su naturaleza insidiosa y parasitaria en nuestra psique, usando el horror de manera efectiva para transmitirlo. Bacon hábilmente mantiene la atención incluso en las pausas entre momentos de miedo inquietantes. Hay una familiaridad con la naturaleza y la fórmula de la maldición, lo que genera comparaciones fáciles con varias películas de terror amadas. Aún así, está bien elaborado e introduce una nueva mitología de sentimientos, con algunos sustos genuinos en el camino. Smile es un placer para la multitud lo suficientemente sólido como para dirigirse a la temporada de Halloween.

Crítica Cinéfila: Amsterdam

Epopeya romántica sobre tres amigos que se ven envueltos en una de las tramas secretas más impactantes de la historia de Estados Unidos. 

Desde hace un tiempo, David O. Russell ha sido el tío problemático de la industria, seguro de entretener y molestar en igual medida, dependiendo de lo que uno esté dispuesto a pasar por alto cuando se está haciendo la película. El hecho de que el guionista y director nominado al Oscar vuelva a participar en la comedia de aventuras de época "Amsterdam" después de siete años (desde "Joy" de 2015) indica que Hollywood está dispuesto a soportar los recordatorios de sus problemas de conducta y a apostar sobre la receta del poder de las estrellas, la inteligencia emocional y la farsa provocativa que forjaron "Flirting with Disaster", "Silver Linings Playbook" y "American Hustle".

Sin embargo, solo el primer ingrediente está en evidencia con "Amsterdam", y ni una alta dosis de Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Zoe Saldana, Anya Taylor-Joy, Rami Malek, Robert De Niro o Michael Shannon, pueden sacar este género sin gracia de su tropiezo narrativo hacia la relevancia contemporánea.

Al principio, la historia inicia en Nueva York en 1933, y se siente que se está gestando una imagen excéntrica de amigos, centrada en temas de integración y el trato a los veteranos. El personaje de Bale (y semi-narrador) es Burt Berendsen, un médico desaliñado, mitad católico, mitad judío, centrado en nuevos medicamentos para soldados heridos de la Gran Guerra como él (quien perdió un ojo) y separado de su esposa de Park Avenue, consciente de su estatus.

Respondiendo a una llamada de su amigo abogado Harold (Washington), un compañero veterano, la pareja se ve envuelta en desentrañar la misteriosa muerte de un general respetado (Ed Begley Jr.) que estaba programado para hablar en el evento de reunión de veteranos. La elegante hija del general (Swift, también describiendo su apariencia) sospecha de un crimen, lo que resulta cuando Burt y Harold se convierten en el objetivo de una investigación criminal dirigida por dos detectives (Schoenaerts y Nivola).

Pero luego retrocede a la Europa de 1918 y a un bromance empapado de sangre pero jovial sobre la curación y la libertad que detalla los orígenes de la amistad de Burt y Harold en un hospital del ejército francés, y su vínculo con la atenta y seductora enfermera Valerie (Robbie) para vivir una vida de arte, invención y amor en la bohemia Ámsterdam. También se conoce a un par de maestros espías aliados (Myers y Shannon), y la peculiaridad forzada, el estilo caótico y la química débil, especialmente entre Washington y Robbie, parece una preocupación más apremiante que si se está contando una historia coherente.

La sobrecarga de personajes y la complejidad de la trama alcanzan niveles críticos cuando es 1933 nuevamente. Malek y Taylor-Joy aparecen como una pareja adinerada con un gran interés en ayudar en la investigación de Burt y Harold, y De Niro emerge en el modo de anciano estadista como un general condecorado que puede ser la clave para exponer una infame conspiración. Pero en este punto, el giro hacia el thriller con una revelación malvada se siente como un mal trabajo de prótesis en un paciente. El mensaje torpe de Russell llamando a la diligencia en tiempos de paz en un mundo dividido con respecto al nexo de poder, dinero e influencia juega como una ocurrencia tardía subrayada en los márgenes de un guión que de todos modos no se estaba utilizando. Saber, cuando comienzan los créditos finales, que el personaje de De Niro está basado en una figura militar real de alguna consecuencia histórica entre las guerras hace poco para reconfigurar en nuestra mente el tedioso lío que acaba de concluir.

La marca de Russell de locura inspirada en Sturges siempre ha sido un acto de energía y tono de cuerda floja, pero "Amsterdam" ni siquiera se siente como un fracaso. Es descuidado y desconectado, repleto de personajes apenas dibujados que actúan como locos en medio de los años 30 cuando la cámara sin amarres de Russell y la edición discordante fuerzan el problema en lugar de capturar algo genuino que, incluso con un elenco tipo A, claramente no estaba allí para empezar. Sin embargo, Bale tiene sus momentos, y él y la enfermera de autopsias de Saldana comparten algunos repletos de vulnerabilidad que insinúan que una narrativa más enfocada habría servido mejor este enfrentamiento.

La deriva ingenua de Russell también se extiende a las áreas técnicas, ya que esta puede ser la película con peor aspecto de la carrera histórica del director de fotografía Emmanuel Lubezki: el pasado representado con un papel implacablemente plano, de color marrón grisáceo que embota los sentidos y crea una similitud visual en todos los continentes, las locaciones y los interiores cuidadosamente auténticos de la diseñadora de producción Judy Becker.

Cuando está trabajando a toda máquina, Russell puede organizar una fiesta acogedora y maravillosamente tensa, y claramente quería la misma vibra de "Amsterdam", ya que trata de valorizar la amistad y el amor mientras señala con el dedo una gran cantidad de males sociales. En cambio, cada escena se siente como una improvisación incoherente ensamblada apresuradamente después de que los miembros de la audiencia gritaran a la pantalla.

Crítica Cinéfila: The Catholic School

En un barrio residencial de Roma hay una conocida escuela católica donde se educa a los hijos de la clase media alta. Las familias sienten que en ese entorno sus hijos podrán crecer protegidos de la agitación que impregna la sociedad y que una educación estricta les abrirá las puertas de un futuro brillante. En la noche del 29 al 30 de septiembre de 1975 esa fortaleza de valores irreprochables se derrumbó bajo el peso de uno de los crímenes más atroces de la época: la masacre del Circeo.

Era 1975 en Roma, cuando una mujer escucha un ruido, que suena como un grito de auxilio, desde su apartamento en un barrio elegante y llama a la policía. Los uniformados llegan y encuentran a dos adolescentes encerradas en la cajuela de un Fiat 127 blanco, sus cuerpos brutalmente mutilados y con cicatrices. Una de ellas, Donatella Colasanti, de 17 años, está conmocionada pero viva; la otra, Rosaria López, de 19 años, está muerta. Dos de sus atacantes han sido encontrados y el otro, quizás alertado, ha huido.

La masacre de Circeo, como se conocería la violación y el asesinato, sacudió a la sociedad italiana. Fue un crimen agresivo, cometido por tres jóvenes que asistían a San Leone Magno, una prestigiosa escuela secundaria católica para varones; era un recordatorio de la misoginia, el clasismo y el fascismo que se exasperaba dentro de la nación. Eduardo Albinati relató esta desgarradora historia en su novela de 2016, "La escuela católica". Albinati asistió a la misma escuela que los acusados, y su historia semiautográfica usa el crimen como un lente para examinar el ambiente tóxico de la institución y las contradicciones inherentes. En la versión cinematográfica, que se estrenó en Venecia, el director italiano Stefano Mordini traduce la novela de Albinati en una experiencia cinematográfica desigual ya veces angustiosa.

La película comienza con una escena inquietante de los niños de esta escuela católica realizando ejercicios cerca de una piscina, una toma fascinante que anuncia el lenguaje visual seductor de la película. A través de una narración en off, Edo (Emanuele Maria Di Stefano) presenta a los estudiantes de esta exclusiva institución. Aunque la película necesita enfocarse solo en tres de ellos, The Catholic School se complace en detallar la vida de muchos de los estudiantes, quizás en un intento de pintar un retrato del mundo que habitaron y la contradicción inherente.

Arbus (Giulio Fochetti) es el más inteligente y el más escéptico cuando se trata de Dios y la escuela. Quiere escapar graduándose antes de tiempo. Su misantropía le otorga un nivel de respeto inigualable y lo evita de la intimidación, separándolo de sus compañeros de clase. Del otro lado del espectro religioso está Gioacchino (Andrea Lintozzi), un chico tranquilo que creció en un hogar piadoso. Luego viene Picchatello (Alessandro Cantalini), una amenaza cuya atractiva madre (Jasmine Trinca) se acuesta con su compañero de clase, Stefano Jervi (Guido Quaglione).

Los chicos que más tarde violarán y abusarán de Donatella (Benedetta Porcaroli) y Rosaria (Federica Torchetti) son, sin ningún orden especial, Angelo (Luca Vergoni), el que tiene un aterrador apetito por la violencia; Andrea (Giulio Pranno), cuya amenazadora reputación lo convierte en una figura misteriosa y muy respetada en la escuela; y Gianni (Francesco Cavallo), un niño larguirucho de pelo largo cuya tensa relación con su poderoso padre se convierte en uno de los puntos centrales de la película. A pesar de sus diferencias de edad y temperamento, estos niños se rigen por las reglas tácitas de la masculinidad. Sus creencias y comportamientos son simplemente intentos de realizar lo que creen que significa ser un hombre. Sería negligente si no mencionara la fuerza del elenco. Las sólidas actuaciones de los actores que interpretan a los estudiantes realmente mantienen unida la película.

The Catholic School se anuncia a sí misma como una línea de tiempo de los eventos antes de la masacre de Circeo, pero sus secuencias iniciales se sienten más como una serie de estudios de personajes, bocetos que revelan cómo opera la escuela y la comunidad en general. Con Edo como guía, llegse llega a comprender, a menudo con mano dura, los secretos, el engaño y las relaciones que impulsan el dinero. Mordini observa de cerca y explora con sensibilidad la vida hogareña de los niños, utilizando sus interacciones con sus padres y hermanos para pintar un retrato de una comunidad adinerada. Cada vez es más claro que los padres han enviado a sus hijos a esta institución no para recibir educación, sino como refugio. Aquí, bajo la dirección de severos administradores, los muchachos estarán a salvo de terribles influencias. Sin embargo, la siniestra verdad es que sus hijos son los violentos.

Es cuando "La Escuela Católica" cambia de rumbo y comienza a enfocarse en Angelo, Andrea y Gianni que se tambalea. Los personajes con los que se había pasado tanto tiempo de repente parecen irrelevantes, y las marcas de tiempo, que saltan y no tienen un orden coherente, dificultan el seguimiento de la cronología básica de los eventos. Lo que impulsa a los chicos a cometer un acto tan atroz tampoco está del todo claro. La película en sí comienza a sentirse como dos proyectos separados relacionados solo por la voz en off de Edo y las doradas imágenes del director de fotografía Luigi Martinucci.

Por supuesto, hay maneras de que la película psicoanalice a la comunidad y vuelva a contar esta desgarradora historia, pero el guión de Mordini, coescrito con Massimo Gaudioso y Luca Infascelli, lucha por hacerlo. Si el objetivo fuera subrayar cómo se derrumbaron los supuestos valores de este grupo de clase media alta, podría haber tenido más sentido comenzar la película con su final y luego dedicar más tiempo a lo que sucedió después de que se encontró a las niñas.

Las mujeres de la narración, que parecen las verdaderas víctimas de las reglas y la estructura tácitas de la comunidad, son defraudadas aquí. Si bien es interesante ver cómo las madres y hermanas de estos estudiantes navegan en una sociedad represiva e hipermasculina, es una pena que Donatella y Rosaria reciban muy poca atención más allá del indulgente tercer acto de Mordini, que se centra en la mecánica de su tortura. Teniendo en cuenta su gran impacto en la sociedad italiana (especialmente en Donatella, que dedicó su vida a luchar por la justicia), este marco no solo se siente demasiado superficial, sino que aparentemente refuerza el tipo de misoginia que The Catholic School busca señalar.

Crítica Cinéfila: Hocus Pocus 2

Han pasado 29 años desde que alguien encendió la Vela de la Llama Negra y resucitó a las hermanas Sanderson del siglo XVII, y ahora buscan venganza. De tres estudiantes de secundaria depende impedir que las voraces brujas causen un nuevo tipo de estrago en Salem antes del amanecer el día de Halloween.

Para cuando las brujas hermanas Sanderson quedan encantadas con las puertas electrónicas de un Walgreens, uno se da cuenta de lo perversamente fuera de curso que se ha ido "Hocus Pocus 2". El clásico de culto de Halloween de 1993 protagonizado por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy fue una película que es imposible volver a ver en este momento para no afectar los recuerdos que se tienen de esta, aunque hay que admitir que fue toda una sensación en su momento, y una bastante entretenida para toda la familia. Dirigida por Anne Fletcher ("The Proposal"), la secuela falla en todos los sentidos, como un vehículo achochado de los 90 y como una configuración centrada en la juventud para futuras entregas.

Aunque tiene sus fallas, el "Hocus Pocus" original (dirigido por Kenny Ortega) encontró una novedad con las hermanas Sanderson: la líder Winnie (Midler), la excéntrica y ladradora Mary (Najimy) y la tonta adorable Sarah (Parker): presentada como villanas de terror nivel los Tres Chiflados. Tres siglos después de ser ahorcadas por los residentes de Salem, fueron devueltas a la vida (gracias a un virgen adolescente que encendió una vela mágica) para enloquecer en la ciudad, absorbiendo la fuerza vital de los niños y así las hermanas puedan permanecer jóvenes.

Aunque parecía que se convirtieron permanentemente en polvo al final de la película del 93, "Hocus Pocus 2" vuelve a la trama, con jóvenes aspirantes a hechiceras, Becca (Whitney Peak) e Izzy (Belissa Escobedo) desatando a las brujas de nuevo sin darse cuenta. Reciben ayuda de su amiga Cassie (Lilia Buckingham), que ha pasado más tiempo con los chicos populares que con sus viejas amigas, cuando su padre, el alcalde (Tony Hale), se convierte en un objetivo inesperado para las travesuras vengativas de los Sanderson.

Las hermanas son las últimas, después de "Maléfica" y " Cruella ", en recibir una historia de origen del villano de Disney, donde finalmente se conoce cómo surge su poder y su ambición de venganza. Sin embargo, su historia de fondo de la infancia se ve forzada. Por un lado, es oportuno tener ese toque de empoderamiento femenino (y este es uno de los únicos aspectos de la película que funciona), pero también deja a los Sanderson en posiciones muy planas y estereotipadas.

Mientras que en la primera película eran mujeres tontas con una inclinación por los éxitos musicales inesperados, las hermanas en realidad se sentían peligrosas, ya que estaban asesinando niños a cambio de la eterna juventud. En la secuela, los Sanderson son satíricas, y en lugar de brujas asesinas, en su intento de ser todopoderosas, más ineptas que nunca, y con un cambio radical del género madre. Parecería más un musical que una película familiar de halloween.

Las brujas están descompuestas, pero el movimiento juvenil tampoco está bien servido. Hay tantos detalles referenciales y devoluciones al "Hocus Pocus" original apilados que los adolescentes no tienen el enfoque que necesitan para convertirse en héroes de esta historia. Colocando a las hermanas al frente y al centro en la secuela, se aleja del desarrollo de los personajes más jóvenes, aunque dos estrellas invitadas aprovechan al máximo su tiempo: Hannah Waddingham ("Ted Lasso") interpreta a una bruja que los Sanderson conocen en el Salem del siglo XVII, y Sam Richardson es el dueño de la tienda de magia frecuentada por Becca e Izzy. El resto es olvidable, junto con la trama.  Lo único que ha mejorado, por obvias razones, son los efectos visuales de esta entrega, los cuales se valoran aún más por haber tenido un estreno digital a través de Disney +, también avivando la alerta de si será o no un mejoramiento visual, o está condicionado por el tamaño de la pantalla.

Con sus estereotipos de películas para adolescentes y de pez fuera del agua, "Hocus Pocus 2" logra demostrar que no todas las películas populares necesitan una secuela estelar décadas después del hecho (la nueva "Top Gun" de Tom Cruise es la rara excepción.) Midler, Najimy y especialmente Parker dieron una chispa necesaria al original que falta en la secuela, una película maldita que carece del hechizo que lanzó aquella vez sobre los fanáticos nostálgicos.

Crítica Cinéfila: Blonde

La película es un retrato ficticio de la modelo, actriz y cantante durante los años 50 y 60, contada a través de la mirada moderna de la cultura de las celebridades.

“En las películas te cortan en pedacitos”, dice Marilyn Monroe de Ana de Armas a mitad de Blonde. “Es como un rompecabezas, pero tú no eres quien para armarlo”. Supuestamente está hablando de la forma en que se arman todas las películas; por supuesto, también es una referencia a la forma en que se armó esta película en particular. Blonde de Andrew Dominik, en efecto, es un rompecabezas sobre Norma Jeane Mortenson y Marilyn Monroe que se ha dejado intencionalmente incompleto, visto en fragmentos cautivadores y aterradores de su vida. Y la ha cortado en pedazos, casi literalmente. Desde los flashes, luces y los cables que rodean a Marilyn mientras abren la película, hasta las infinitas crueldades que se ejercen sobre su cuerpo y alma, es una película sobre la creación y fragmentación de la identidad de una figura de la industria. Y es brutal, sus superficies exuberantes y recreaciones del viejo Hollywood casi siempre dan paso a horrores indescriptibles.

También es, para ser claro, ficción. Blonde se basa en la novela de 2000 de Joyce Carol Oates, que se toma muchas libertades con la vida de Marilyn y otros. La película no pretende ser tal cual lo que ocurrió en la realidad, más bien es un viaje tan estilizado a través de la vida de este personaje que sería difícil encontrar una cronología biográfica a partir de ella. Aquellos que buscan una película biográfica sobre Marilyn Monroe seguramente se sentirán decepcionados, confundidos y/o indignados, lo que puede explicar por qué Netflix ha sido tan cauteloso con respecto a que alguien la vea hasta su estreno en el Festival de Cine de Venecia. De todos modos, la imagen seguramente alimentará interminables rondas de debates que pulverizarán el alma. De hecho, está diseñado para provocar las discusiones avivadas sobre el tema, la persona y el estilo en que esta película fue capturada.

Blonde comienza con Norma Jeane cuando su madre soltera, alcohólica y emocionalmente frágil, Gladys (Julianne Nicholson) le dice a Norma Jeane que su verdadero padre era un hombre con un nombre muy importante que ni ella podía nombrarlo. Una foto de él, una figura gallarda con sombrero y bigote, cuelga sobre la cama de Gladys. Armada simplemente con la pista de que su padre es un pez gordo que vive en las colinas de Hollywood, Norma Jeane pasará el resto de sus días buscando a este hombre, tanto en el mundo real como a través de sus relaciones con hombres, a muchos de los cuales ella llama "daddy".

Dominik ha estructurado la película en gran medida en torno a recreaciones impecables de imágenes de la carrera de Marilyn, pero cada recreación da paso a algo aterrador. Blonde está lleno de hermosas secuencias seguidas de imágenes que causan verdadero dolor de ver. La famosa secuencia de la rejilla del metro de The Seven Year Itch se convierte efectivamente en un espectáculo público extenso y en cámara lenta, un mar interminable de fotógrafos y espectadores la miran boquiabiertos, mientras el esposo de Marilyn la ve con disgusto. La canción "Bye, Bye Baby" de Gentlemen Prefer Blondes se convierte en una referencia al aborto que tiene de mala gana para hacer la película (y también porque teme que la locura de su madre pueda ser genética). Norma Jeane busca el amor y la aceptación a través de la imagen de Marilyn, que luego da acceso al público a los rincones más íntimos de su vida. La película también reclama ese acceso. Literal, la audiencia podrá entrar en su cuello uterino para mostrar el aborto antes mencionado. Como dije, la película duele.

Las tres relaciones románticas centrales aquí: un trío extendido y delirante con los magníficos vástagos de Hollywood, Charles Chaplin Jr. (Xavier Samuel) y Edward G. Robinson Jr. (Evan Williams); un matrimonio físicamente abusivo con Joe DiMaggio (Bobby Cannavale); un matrimonio emocionalmente codependiente con Arthur Miller (un Adrien Brody maravillosamente inquietante), todo habla de sus continuos esfuerzos por definirse a sí misma. Los hijos de estrellas de cine pueden sentir la presión opresiva de tener padres famosos, pero para Norma Jeane, al menos saben exactamente quiénes son. DiMaggio ha utilizado el béisbol para crear un personaje de forma similar a Marilyn. Y Miller, a su manera, también está tratando de encontrar a cierta Magda que amaba en su infancia; la encuentra en Marilyn, a quien llama “mi Magda, ” mientras ella encuentra otra versión más de “papá” en él. Y todos estos hombres reclaman diferentes tipos de propiedad sobre ella. Los jóvenes la exploran sexualmente. DiMaggio la golpea sin piedad. Miller toma sus palabras y las pone en sus obras sin decírselo.

Ya sea en el matrimonio o en otros asuntos, Norma Jeane rara vez  mantiene el balance. Ella se presenta para la constante salivación de los hombres, sus enormes ojos lascivos y sus bocas hinchadas y abiertas de manera surrealista. Y esos son solo los espectadores. Cuando le presentan al director del estudio “Mr. Z” (Daryl Zanuck), inmediatamente la inclina y la viola. Más tarde, dos agentes del Servicio Secreto la llevan a la habitación del hotel de John F. Kennedy, quienes en un momento la entregan (en sus palabras, como "un trozo de carne") al presidente, quien luego la obliga a hacerle una felación (en primer plano) mientras él mira la cobertura de misiles nucleares en la televisión y escucha a un hombre (J. Edgar Hoover, se supone) reprenderlo por teléfono por acusaciones de conducta sexual inapropiada. Luego, Marilyn es llevada, aturdida y herida, la cámara se desplaza y gira a su alrededor. Por momentos, la película se siente como un matadero visto desde el punto de vista del animal.

Hay algo repetitivo en todo esto, sin duda, pero Blonde nunca es tedioso o aburrido. La imaginación visual y sónica de Dominik trabaja horas extra para convertir cada secuencia en un viaje expresivo, con escenas de fantasía magníficamente filmadas en base a fábricas de sueños que se deslizan hacia horrores laberínticos. La partitura a la deriva y suavemente lamentándose de Nick Cave y Warren Ellis también ayuda. Pero la clave aquí es Ana de Armas, quien conquista desde el primer momento que aparece en escena. Su actuación no es exactamente lo que cabría esperar. Sin duda, está totalmente comprometida con un papel que requiere un físico intenso, mucha desnudez y lágrimas. Y ella imita hábilmente el estilo de Marilyn: su estilo de caminar, observar, de hablar a medio aliento.

Blonde es una película hermosa, fascinante y, a veces, profundamente conmovedora, en un estilo cinematográfico que evoca bastante los formatos del Hollywood de los 50 y los 60. Pero también es alienante, girando constantemente la cámara hacia el espectador, a veces con Marilyn dirigiéndose directamente a él. Va a ser una venta difícil, especialmente para una película que es tan no lineal y elíptica. Pero en algún lugar del núcleo de la película, a pesar de toda la parte extremadamente gráfica que contiene, hay una idea profundamente identificable. La búsqueda de Norma Jeane de un padre inexistente, y los diversos sustitutos que encuentra en el camino, hasta que se convierte en algo mucho más cósmico sobre la búsqueda de pertenencia en el desamor laberíntico de este mundo. Para aquellos de la audiencia que conectamos con esa idea, la película nos destruirá poco a poco, hasta morir junto a esta estrella que merecía más amor del Hollywood que tanto decía amarla.

Crítica Cinéfila: Fall

Para Becky y Hunter, la vida trata de superar tus miedos y empujar tus límites. Sin embargo, después de subir hasta la cima de una torre de comunicaciones abandonada, se encuentran atrapadas y sin forma de bajar. A 600 metros del suelo y totalmente alejadas de la civilización, las chicas pondrán a prueba sus habilidades de escaladoras expertas y lucharán desesperadamente por sobrevivir aunque lo tengan todo en contra. 

Ha pasado un año desde que Dan Connor (Mason Gooding) cayó y murió mientras escalaba rocas con su esposa Becky (Grace Caroline Currey) y su mejor amiga Hunter (Virginia Gardner). Esta última estaba escalando sin cuerda y burlándose de los otros dos por ser lentos mientras soltaban y volvían a unir sus cuerdas con cada maniobra para crear una estrategia de seguridad. Sin embargo, en lugar de ser irónico que Dan sea el que muere, la elección está puramente impulsada por la narrativa y el suspenso. Mientras que el resbalón de Hunter sería simplemente el fin del juego, él se cuelga y se balancea un poco mientras intenta desesperadamente agarrarse de un asidero y aliviar la presión ejercida sobre la tuerca / hexágono / calzo que mantiene la cuerda en su lugar. Tenemos un latido para esperar lo mejor antes de que desaparezca.

Como puede suceder después de un trágico accidente, Becky casi ha desaparecido. No ha escalado desde el incidente y apenas sale de su casa a menos que sea para ir al bar local y beber hasta quedar completamente borracha, considerando que Hunter se ha ido a viajar por el mundo y transmite en vivo acrobacias que desafían a la muerte y que continúa realizando a pesar de lo sucedido. El padre de Becky (James Conner de Jeffrey Dean Morgan) es el único que sigue alrededor para consolarla, pero ella lo evita. Es como si Becky deseara estar muerta también.

El director Scott Mann y el coguionista Jonathan Frank seguro estaban muy felices de llevarla a un escenario donde ese deseo pudiera hacerse realidad. Inicialmente concebido como un corto para un proyecto que finalmente se evaporó, los dos decidieron expandir su guión y presentarlo según las especificaciones para ver si algún patrocinador estaba interesado. ¿Y por qué no lo harían? Los thrillers de supervivencia de un solo lugar parecen ser el trend de estos días y este tiene el potencial de una cinematografía que induce al vértigo a medida que sus personajes luchan por aguantar. Fall nace por cortesía de Hunter apareciendo de la nada con una propuesta para nuestra Becky depresiva. Si Becky escala la desértica torre de televisión B67 con ella (más de 2000 pies de altura en medio del desierto), tal vez finalmente pueda seguir adelante.

Es posible. También es muy psicológicamente retador. Toda esta película es básicamente Hunter diciéndole a Becky que no sea un bebé porque ella no solía ser un bebé antes de que muriera su esposo. Hay un amor duro y luego está la conveniencia narrativa, algo en lo que Mann y Frank se apoyan en cada faceta de la película hasta que parece que la escribieron al revés. Esa elección genera aburrimiento porque tratar de ser atractivo haciendo que todo encaje perfectamente como un rompecabezas a menudo elimina cualquier espacio para el suspenso real. Al crear una infraestructura superficial que hace poco más que mover a sus personajes planos hacia su siguiente punto de control, todo lo que ocurre a lo largo del viaje se vuelve demasiado específico para la trama. Un fragmento de Becky bailando en un tubo (el único detalle de su vida que no es escalar ni pertenece a Dan) se convierte en presagio, no en complejidad.

Lo mismo ocurre con el único flashback del preaccidente de Dan y Becky. Si solo está mostrando uno, debe haber una razón (y la hay). Lo mismo se aplica a un "truco salvavidas" que Hunter le enseña a Becky en el restaurante que visitan la noche antes de partir hacia la torre. Mann y Frank nos toman de la mano mientras nos guían gradualmente a través del adagio cliché de "volver a montarse en el caballo" para recordar que la preciosidad de la vida puede ser tan estimulante como debilitante. Por lo tanto, no pierdan el tiempo preguntándose cómo estas mujeres pueden escalar hasta la muerte sin siquiera considerar qué puede salir mal. Porque además de llevar conscientemente cero alimento a pesar de la energía que están gastando tomando algunos electrolitos, ¿por qué estos adictos a la adrenalina no volverían a bajar?

La respuesta: no hay película si lo hacen. Y ese es inherentemente el problema con este rincón de nicho del género de thriller. Colocar a sus personajes en estas circunstancias salvajes a menudo requiere estupidez. Fall es exactamente lo que necesitas que sea (para aquellos que están emocionados de verlo) o exactamente lo que pensaste que sería (para aquellos arrastrados por sus amigos y no querían verla).

La presencia de Becky es igual a la ausencia de Dan, ambos son peones al servicio de la verdadera estrella: la locación. Los pernos oxidados de la torre, la extensión del páramo desierto, la altura que hace que la recepción celular sea inexistente y los buitres dando vueltas en busca de comida. Sin embargo, no se puede experimentar el drama simplemente parado debajo de este trozo de metal. Necesita activos fungibles para colocarse sobre él y ver cómo los castigará. Toda esa charla sobre el cierre es una excusa para llevar a Becky allí. La emoción de Hunter es satisfacer a sus fanáticos y enmascarar su propia culpa secreta. Cuando los cineastas finalmente deciden lanzar una bola curva, aterriza con un ruido sordo porque ingenuamente olvidaron que ciertos giros solo funcionan si uno se preocupa por sus personajes, algo que aquí es muy difícil de lograr.

Y tal vez es posible. Pero lamentablemente yo no pude empatizar con las protagonistas. Lo bueno, sin embargo, es que este hecho no niega el oficio o la tensión genuina construida independientemente. En parte debido a restricciones presupuestarias o porque sabía que ofrecería un mejor producto, Mann evita un escenario sonoro de pantalla verde para crear escenarios reales que imiten el escenario en pantalla. Currey y Gardner actúan sobre una estructura de veinte metros construida en la cima de una montaña para permitir que los momentos de perfil con el cielo parezcan auténticos. La gran cantidad de tomas sin un fondo visible para la escala daña la ilusión (las que la componen son efectivas), pero las cosas eventualmente se alejan de la acción y se acercan al drama de todos modos. Sin embargo, ese cambio exige una vez más una inversión personal, algo que el guión nunca proporciona.