Crítica Cinéfila: Something Very Bad Is Going to Happen

En la víspera de su boda, una mujer viaja a la casa de la familia de su prometido, donde una serie de sucesos inquietantes comienzan a volverla paranoica.

Según las canciones de amor, encontrar a tu alma gemela debería ser una experiencia cálida, placentera y dichosa. Pero intenta explicarle eso a una novia nerviosa en los días previos a su boda, cuando se da cuenta de cuánto de su futuro ha apostado a que su prometido es realmente el indicado. "Something Very Bad Is Going to Happen" de Netflix, de la creadora Haley Z. Boston y los productores ejecutivos Matt Duffer y Ross Duffer, toma esos nervios preboda y los amplifican hasta extremos sobrenaturales, para finalmente convertirse en una visión sorprendentemente reflexiva y satisfactoriamente sangrienta sobre la imposibilidad de la certeza de un romance absoluto.

A primera vista, Rachel Harkin (Camila Morrone) y Nicky Cunningham (Adam DiMarco) parecen una pareja prometedora. Ella es la melancólica, un manojo de ansiedades envuelto en camisetas negras y rodeado por una omnipresente bocanada de humo de marihuana. Él es el optimista impecable, siempre dispuesto a dar una respuesta tranquilizadora o un comentario ingenioso. A pesar de sus personalidades opuestas, es evidente que se entienden a la perfección, comprenden las necesidades, los deseos y el sentido del humor del otro. Cuando están juntos, incluso una parada en carretera para repostar y tomar un café puede convertirse en una cita improvisada y coqueta, salpicada de chistes picantes sobre sexo oral y reflexiones juguetonas sobre los hijos que tal vez esperan tener algún día.

Sin embargo, Rachel presiente que algo no anda bien. A medida que la pareja se acerca a la gran casa de vacaciones de los Cunningham en el campo, donde planean celebrar su boda dentro de cinco días, parecen abundar los malos presagios: fragmentos de una conversación inquietante que se escuchan por casualidad, un zorro muerto al costado del camino, un auto que pasa con la inscripción "recién casados" escrita con pintura color sangre.

Una vez que llegan a Somerhouse, los malos presagios se convierten en malas señales, incluyendo una bastante literal: una tarjeta dirigida a Rachel que dice: "NO TE CASES CON ÉL". La familia de Nicky, encabezada por su egocéntrica madre Victoria (Jennifer Jason Leigh), alterna entre una distancia hacia Rachel que raya en el desdén y un entusiasmo por la boda que roza la intromisión. Circulan historias de un monstruo asesino de novias que acecha en el bosque, con el que Jules, el hermano mayor de Nicky (Jeff Wilbusch) pudo haberse topado de niño. Incluso teniendo en cuenta la tendencia paranoica que Rachel admite, parece obvio que hay algo más que la típica incomodidad previa a la boda.

Boston y la directora Weronika Tofilska (quien dirigió el primer episodio, entre otros) resaltan los matices macabras de los tópicos nupciales más conocidos con un humor retorcido y pícaro. Los arreglos de los vestidos se realizan en un frenesí de lágrimas violentas y cortes afilados. Un altar de cedro hecho a medida, desde algunos ángulos, algo sacado de un cuento de hadas, y desde otros (para disgusto de la snob hermana menor de Nicky, Portia, interpretada por Gus Birney) algo de "El proyecto de la bruja de Blair". Con suficiente amplificación, el clic de la cámara de un fotógrafo de bodas podría sonar como una pistola descargándose.

"Something Very Bad is Going to Happen" cultiva su aura de terror tanto a través de la violencia gráfica que a través de la sorpresa y la sugerencia, desde cortes abruptos que desorientan nuestra percepción del tiempo, hasta una banda sonora llena de baladas que suenan casi inquietantes en su melancolía amorosa («You Are My Destiny» de Paul Anka es una pista recurrente clave), pasando por ángulos de cámara temblorosos que nos convierten en cómplices involuntarios de alguien o algo invisible. Pero a medida que la trama se vuelve más retorcida y luego se adentra en lo sobrenatural, no necesariamente rehúye mostrarnos algo muy malo: un animal despellejado, una parte del cuerpo cercenada, chorros de sangre.

Morrone demuestra ser una heroína de terror bastante hábil, manteniendo a Rachel con los pies en la tierra, con una simpatía y una cercanía realistas, incluso cuando su estado mental se deteriora en proporción directa al terror que la rodea. Frente a ella, DiMarco interpreta a Nicky como una variación de su tremendo rol en The White Lotus: es innegablemente dulce, pero quizás también demasiado ansioso por ser percibido como tal. Es mérito de los intérpretes que nos resulte casi tan difícil como a Rachel discernir si realmente están enamorados y simplemente tienen miedo en circunstancias tan escalofriantes, o si no lo están y ella solo intenta convencerse a sí misma de que sí lo está porque su vida depende de ello.

Sin embargo, a su alrededor, el elenco tiene más dificultades para destacar. Birney causa una impresión inmediata como la princesa mimada Portia, pero luego no se le ofrece nada más allá de brindar un alivio cómico intermitente; de ​​manera similar, Leigh tiene una entrada impactante como una figura casi fantasmal que deambula por los pasillos, pero luego su personaje está tan poco desarrollado que se requiere un diálogo para explicar que se supone que debemos encontrarla extremadamente narcisista. Por otro lado, personajes como Jules y su esposa Nell (Karla Crome) y el padre de Nicky (Ted Levine) se vuelven más interesantes a medida que los conocemos mejor, pero luego no se les concede suficiente tiempo en pantalla para que vayan más allá de ser meros contrapuntos a la historia de Rachel y Nicky.

La superficialidad de los personajes resulta especialmente extraña, dado que "Something Very Bad is Going to Happen" dispone de demasiado tiempo. En su trama y estructura, a menudo se asemeja más a una película de dos horas que a una serie, estirada para llenar ocho episodios de 45 minutos con la excusa de que sería más fácil obtener luz verde para esta última. Sin embargo, esos minutos adicionales se destinan más a saturar la trama con desvíos innecesarios (como una cacería repleta de metáforas) o a extender los necesarios (como una investigación en la biblioteca) hasta dos o tres veces su duración lógica.

Y, sin embargo, no puedo decir que me aburriera ni un solo momento. La serie sobresale en su capacidad de hechizar mediante detalles extraños, pistas falsas engañosas e indicios inquietantes. Y subyacente a todo ello, se encuentra una exploración inesperadamente sincera de lo que el verdadero amor puede o debería sentirse, justo en el filo de la navaja entre el sentimentalismo y el cinismo. Rachel tiene más motivos que la mayoría para angustiarse por la cuestión de cómo reconocer realmente a un alma gemela: si se trata de una cuestión de destino o simplemente de una decisión, de puro sentimiento o de algún cálculo oscuro y objetivo. Pero la serie funciona porque estas preguntas tampoco son un asunto menor para el resto de nosotros. «Hasta que la muerte nos separe» es una afirmación romántica. También es, como señalaría la serie con gran duda, una especie de amenaza: un recordatorio de que, incluso en el mejor de los casos, todo está destinado a terminar en un mar de sangre y lágrimas.

Crítica Cinéfila: The Conjuring, Last Rites

Los investigadores de lo paranormal Ed y Lorraine Warren se enfrentan a un último caso aterrador en el que están implicadas entidades misteriosas a las que deben enfrentarse.

La saga de "El Conjuro" de James Wan ha persistido como una especie de contradicción. Su dinastía —10 películas en total— contradice una serie que, a diferencia de franquicias igualmente grandes como Marvel o DC, realmente triunfa como reflexiones íntimas sobre la fe y la familia. No es difícil ver por qué las películas de "El Conjuro" en particular han sido tan populares: son historias católicas en las que personas fundamentalmente buenas se ven desafiadas a mantener sus almas intactas en un mundo donde Dios y el diablo no son abstracciones sino fuerzas reales en nuestro mundo material.

A pesar de los juguetes espeluznantes, las muñecas malditas y las bestias con cuernos, "El Conjuro" trata del poder del amor para alejar el espectro del mal. Y un símbolo de ese poder siempre han sido Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga, respectivamente). Si bien los Warren de la vida real tenían una mala fama ganada que desconozco a detalle, los de la ficción son una pareja sumamente entrañable cuyo amor mutuo es mucho más firme que el velo entre los vivos y los muertos.

Para los fans de la serie, el guion inicial de Last Rites resulta, a primera vista, bastante escalofriante. La cuarta película promete una historia tan devastadora para la vida de los Warren, que se ven obligados a alejarse del foco de atención, poniendo fin a sus carreras. Dado que los Warren en la vida real vivieron hasta bien entrada la vejez, y que su hija Judy Spera ahora dirige su propia empresa de investigación paranormal (y, además, que la película se ha promocionado ampliamente como la última película de los Warren ficticios), el guion resulta, en el mejor de los casos, un tanto ligero.

"Last Rites" es apropiadamente aterradora, mucho más exitosa en una base de susto por susto que la segunda o tercera película, y un regreso suavizado a los placeres estéticos del primer Conjuro de Wan . Los guionistas Ian B. Goldberg, Richard Naing y David Leslie Johnson-McGoldrick nos devuelven inteligentemente a la cuestión de la viabilidad de los Warren como unidad familiar, preguntando, por primera vez en la franquicia, cuál podría ser el costo psicológico de sus casos, no solo para Ed y Lorraine, sino también para su hija, Judy (Mia Tomlinson). Después de todo, esta es una vida dedicada a tratar íntimamente con los fantasmas, demonios y espíritus asesinos.

La película comienza la noche del nacimiento de Judy, en 1964, cuando los jóvenes Ed y Lorraine (Orion Smith y Madison Lawlor, respectivamente) se libran de un extraño espejo endemoniado y corren al hospital. Pero al nacer la bebé muerta, Lorraine reza para que reviva. La escena plantea la difícil posibilidad de que su hija esté condenada o, peor aún, que Lorraine haya ofrecido el alma de Judy al diablo a cambio de una larga vida.

Durante gran parte de la película, esa atractiva idea sustenta la trama principal como una bomba de tiempo. El director Michael Chaves, de forma mucho más acertada y conmovedora que en sus anteriores trabajos para la franquicia, construye una tensión intensa mediante presagios efectivos y con varias complejas máquinas de Rube Goldberg. Last Rites se basa en la supuesta aparición fantasmal de la casa de la familia Smurl en West Pittston, Pensilvania, entre 1974 y 1989, una aparición que desencadenó un revuelo mediático y un libro coescrito por los Warren. .

Como en cualquier otra película de "El Conjuro", los detalles del "porqué" son menos importantes que la mecánica misma del fantasma, y ​​Chaves y compañía prescinden de la labor investigadora que dificultó "El Diablo me obligó a hacerlo" en favor de una serie de escenas realmente espeluznantes. También vinculan de forma importante las propias experiencias de los Warren con las de la familia Smurl, lo que le da a este capítulo una sensación más personal y, sin duda, más devastadora que las anteriores.

En una saga admirablemente seria, "Last Rites" se lleva fácilmente el reconocimiento como el capítulo más sano del grupo, con su insistencia en Dios y la fe tambaleándose hacia la propaganda religiosa. Pero el enfoque es indudablemente efectivo, con un clímax que es tan aterrador como emocionalmente resonante. De una manera que no siempre ha sido cierta en "The Conjuring", muchos de los momentos más aterradores de la película están ligados a la perfección a los riesgos emocionales de los personajes. Una escena en la que Judy es perseguida por una presencia fantasmal mientras se prueba vestidos de novia frente a un espejo infinito es uno de los sustos más impresionantes de la franquicia, y hay otra escena exquisitamente discordante con un personaje recurrente de la saga que es una manipulación magistral.

Todos estos momentos culminan en una pregunta que ha estado presente en las diez películas del universo extendido: ¿Es mejor ahuyentar los fantasmas del pasado con pura fuerza de voluntad o enfrentarlos sin miedo? Para Ed, Lorraine y, quizás especialmente, para Judy, es una pregunta que los perseguirá en la siguiente etapa de la vida, o más allá del falso reflejo del espejo, hacia la trampa mortal de lo desconocido.

Crítica Cinéfila: Weapons

Cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su desaparición.

A medida que pasan los años, y a pesar de ser uno de mis géneros favoritos, el terror se ha convertido en una experiencia monótona y redundante. Así que, cuando una película como "Weapons" surge de las sombras y me hace gritarle a la pantalla, reírme nerviosamente y sentirme genuinamente estresada de principio a fin, no puedo evitar considerarla una especie de milagro.

Al igual que la película anterior del cineasta Zach Cregger, "Barbarian", "Weapons" es felizmente cruel, constantemente sorprendente, brutalmente divertida y completamente maldita. Sin embargo, mientras que "Barbarian" parecía tres películas unidas, esta está impresionantemente unificada. Incluso con una narrativa familiar basada en capítulos, logra ofrecer una pesadilla única y coherente. Esta estructura podría haber resultado exagerada en manos menos expertas, pero Cregger la utiliza con precisión para amplificar el terror, la tensión y la carga emocional, segmento por segmento, cuidadosamente calibrado.

"Weapons" ofrece una narrativa de terror multiperspectiva que gira en torno a un misterio central escalofriante: la repentina desaparición de 17 niños de una misma clase escolar en un tranquilo pueblo estadounidense, los cuales se levantaron exactamente a las 2:17 a.m. y salieron de sus casas. Mientras el dolor, la sospecha y la paranoia se extienden por la comunidad, la película sigue a una serie de personajes aparentemente inconexos cuyas historias revelan gradualmente una verdad siniestra e interconectada. Con cada capítulo, el terror se profundiza, llegando a un clímax impactante y que desafía el género, como nunca antes había visto en pantalla.

Justine, interpretada por Julia Garner ("Ozark"), se encuentra en el centro de la enloquecedora tragedia del pueblo. Cada uno de los niños desaparecidos era parte de su aula, dejándola con la ira de padres confundidos y una comunidad que lucha por dar sentido a las piezas. Archer, interpretado por un Josh Brolin ("No Country for Old Men") perfectamente desconcertado, es el padre de uno de los niños desaparecidos y está ciegamente dedicado a descubrir la verdad, sin importar el costo. Alden Ehrenreich ("Solo") y Benedict Wong ("Doctor Strange") también interpretan a ciudadanos clave de Maybrook: un policía y un director de escuela, respectivamente.

A la sombra desgarbada de "Barbarian", uno se adentra a "Weapons" esperando giros bruscos. Y se obtienen. Pero lo que no se espera es lo emocionalmente destrozada que uno se siente al final de la trama. La historia encuentra su equilibrio a través de las vidas entrecruzadas de personajes como Justine y Archer, pero es la dinámica entre el joven Alex y su grotesca tía Gladys lo que realmente eleva esta película a dimensiones nunca antes vistas. Sus escenas son eléctricas, desconcertantes y sádicamente juguetonas. Cary Christopher, como Alex, es simplemente fenomenal. Su actuación incluso conmueve hasta las lágrimas durante un momento tranquilo pero poderoso de reconciliación. Cada vez es más raro que una película de terror aborde el trauma infantil con tanta originalidad, eficacia y autenticidad.

Todos los años, determinar cuál o cuáles han sido las mejores películas de terror se vuelve una tarea aún más compleka; sin embargo, "Weapons" es exactamente todo el menú de arquetipos clásicos del terror: confianza, crueldad y una rotunda negativa a tomar de la mano. No hay explicaciones excesivas. No hay exposiciones interminables. Simplemente un cineasta que confía en que su público le siga el ritmo. Una deliciosa noche de terror de un director que promete. Cregger entra en la estimada compañía de maestros del terror moderno como Ari Aster, Robert Eggers y Jordan Peele. 

Es importante que haga una pausa aquí, específicamente, para mencionar que Amy Madigan como Gladys es absolutamente aterradora. Ofrece una actuación curiosamente clásica, como si hubiera escapado de un grotesco cuento de hadas de los hermanos Grimm y se hubiera adentrado directamente en el mundo de Cregger. Es pícara y operística, pero nunca exagerada. Cary Christopher, de nuevo, está asombroso junto a ella en su camino compartido al infierno. 

Esta es una película perfecta o casi perfecta. Sus escenas de muerte se encuentran, con diferencia, entre los actos de violencia más grotescos y prolongados de la película. Aun así: brutal, impactante, original y grotescamente divertida a la vez, "Weapons" es un regalo de oro para el cine. Cregger se ha consolidado como una de las voces más emocionantes de la narrativa de género actual con esta película. Es original. Es una locura. Y es un don excepcional seguir sorprendiéndose como periodista de género hoy en día. 

Crítica Cinéfila: The Sandman, 2da temporada (2da parte)

Dream intenta evitar su muerte inminente a manos de las Bondadosas, a la vez que lidia con las consecuencias de sus acciones pasadas, en particular hacia su hijo, Orfeo. 

Desde sus inicios, The Sandman ha sido una serie de televisión sobre dioses y leyendas que viven para siempre, o al menos mientras los mortales contemos sus historias; terminar una serie sobre "lo Infinito" no es tarea fácil. Por eso, es un logro impresionante que The Sandman concluya con algunos de los episodios más impactantes de toda su trayectoria, dando un cierre digno a una saga extensa y centenaria. Todos los coloridos reinos de fantasía y las extrañas criaturas que hacen de esta serie un deleite visual siguen presentes. Pero también hay momentos de serena reflexión, mientras humanos, demonios y deidades se preguntan: ¿Puede un dios morir de verdad?

El dios en cuestión es Dream (Tom Sturridge), quien terminó la primera parte de la segunda temporada tomando una decisión crucial: arriesgarse a la ira de las Furias mitológicas asesinando por piedad a su hijo, Orfeo. En la amalgama de mitología, religión y folclore de "The Sandman", existen reglas inquebrantables contra el derramamiento de sangre familiar. La segunda parte de la segunda temporada se basa en gran medida en la posibilidad real de que los días de Dream estén contados, ya que las diosas griegas de la venganza, conocidas eufemísticamente como "las Bondadosas", pretenden hacerle pagar por lo que ha hecho.

Los cinco episodios evitan en su mayoría los flashbacks y digresiones prolongadas que han sido un elemento básico de Sandman hasta ahora. La trama está más centrada y posee una fascinación oscura, similar a observar un desastre que se desarrolla lenta e inevitablemente. Una vez Dream se da cuenta de que las imparables Bondadosas están decididas a matarlo, empieza a hacer planes para defender su reino etéreo, "el Ensueño", mientras se prepara para la probabilidad de su muerte. Irónicamente, casi todas las decisiones que toma para intentar evitar la fatalidad la acercan a su puerta.

El reparto secundario de Sandman disfruta de muchos momentos juguetones en esta media temporada. Freddie Fox, como el caótico dios nórdico Loki, y Jack Gleeson, como el hada malcriada Puck, cobran protagonismo desde el principio, ya que sus personajes se unen para secuestrar a Daniel, un bebé nacido en el Sueño y elegido por Dream para ser su posible sucesor. Más adelante en la temporada, Jenna Coleman, como la cínica detective sobrenatural Johanna Constantine, y Boyd Holbrook, como la pesadilla ambulante Corinthian, colaboran para encontrar a Daniel y frustrar los planes de Loki y Puck. Su inesperada química romántica aporta un toque de dulzura a episodios que, de otro modo, estarían llenos de muerte y destrucción. Ann Skelly también destaca como Nuala, un hada modesta pero valiente que se esfuerza por reunir a diversas criaturas mágicas en defensa de Dream. El rico universo que The Sandman ha construido cuidadosamente a lo largo de sus dos temporadas realmente empieza a dar frutos en estos episodios, a medida que convergen las diversas historias y personajes.

Las estrellas invitadas del Volumen 2 aparecen principalmente en escenas donde se despiden conmovedoras, en una de dos circunstancias. O reciben la visita de Dream, quien intenta cerrar viejos asuntos por si acaso ocurre lo peor, o reciben la visita de las Bondadosas, quienes los masacran. No importa cuántas veces muera un personaje favorito de los fans de Sandman en estos episodios (y sucede con frecuencia), las muertes son impactantes.

Cada vez que el Rey del Sueño y sus hermanos, cada vez más enfrentados, intentan resolver viejos rencores y compensar errores pasados, la serie se vuelve emocionante y conmovedora. Ver a Dream viajar a través de múltiples reinos y eras, terrenales y de otras épocas, mientras interactúa con otros seres sobrenaturales que conocen la vida durante miles de años, le da peso a esta imaginativa y fantástica historia de terror. 

Las debilidades que plagaron la primera temporada y media siguen siendo evidentes hasta el final. Incluso mientras brujas ancestrales arrasan el Ensueño y varios mortales e inmortales con superpoderes siembran el caos en la Tierra, el tono de El Hombre de Arena permanece extrañamente apagado. La interpretación de Sturridge de Dream —de voz suave y pausada— tiende a marcar el ritmo de los actores que lo rodean, de maneras que pueden drenar la energía de una escena. Esta cualidad apagada se acentúa especialmente en el primer episodio de este volumen, "Tiempo y Noche", en el que Dream reacciona al darse cuenta de que su vida corre peligro inminente con largas, lentas y susurrantes conversaciones con sus padres, Padre Tiempo (Rufus Sewell) y Madre Noche (Tanya Moodie).

Aun así, la quietud del Hombre de Arena siempre tiene un propósito, por frustrante que pueda ser. Dream visita a Time y Night para lidiar con sus sentimientos sobre la muerte de Orfeo y con la forma en que su familia parece esforzarse por evitar mostrar afecto o compasión por los suyos. A medida que Sueño conversa con familiares y amigos como su hermana Despair (Donna Preston), su bibliotecaria Lucienne (Vivienne Acheampong) y su viejo conocido Hob Gadling (Ferdinand Kingsley), comienza a comprender que estar vivo conlleva responsabilidades que van más allá de las reglas que sigue; que las conexiones personales importan. Aunque estas escenas carecen de hechizos mágicos y monstruos gruñones, son emocionantes a su manera, porque las ideas que exploran tienen una verdadera resonancia, tanto en este mundo de fantasía como en el nuestro. Como mínimo, es reconfortante ver que incluso el distante y oficioso rey de los sueños puede empezar a ablandarse y cambiar.

Con una gran reunión en el penúltimo episodio, The Sandman completa apropiadamente la historia que ha contado desde el estreno de la serie. Comenzó con Dream en una jaula, aprisionado por humanos que esperaban explotar su poder. Tras escapar, Dream intentó restaurar su vida a como era antes, pero encontró poca satisfacción. A lo largo de estas dos temporadas, ha estado tratando de derivar un significado más profundo de su trabajo como creador de sueños, y todo este tiempo ha estado trabajando hacia la hermosa y profunda comprensión que alcanza aquí al final. Si los dioses perduran porque los humanos creen que los necesitan, tal vez la mejor manera de que entidades como Dream sean útiles sea aprovechar las fortalezas infravaloradas de la humanidad. Esa es una nota agradable y sutil para un final de serie tan lujoso y ambicioso.

Crítica Cinéfila: Late Night with the Devil

En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica. 

Hay una magia alocada en la televisión nocturna, donde las estrellas salen a brillar ante un público en vivo que aplaude y las reglas del decoro parecen relajadas en un ambiente de estudio que imita una sala de estar limpia y nítida. Sabemos que cada invitado está allí para promocionarse a sí mismo y a su último producto, pero entre las sonrisas practicadas y las bromas estratégicas, existe la embriagadora posibilidad de que algo impuro y real, algo impactante, incluso, pueda colarse a medida que nos acercamos a la medianoche. Este es el espacio resbaladizo y surrealista de la televisión celebrado en "Late Night with the Devil", una película de terror ordenada y temblorosa donde los programas de entrevistas y el mundo de los muertos chocan. 

Los guionistas y directores Cameron Cairnes y Colin Cairnes (también conocidos como los hermanos Cairnes) sitúan su película en el 1977. En televisión, Johnny Carson, con su amplia sonrisa y su agudo ingenio, era el rey del Late Night, un encantador embajador de todo Hollywood y sus travesuras en busca de fama. Así como Carson extendió gentilmente su sala de estar a la nuestra, también lo hicieron los horrores caseros del cine de los años 70. Películas aterradoras como "Carrie" y "The Exorcist" aterrorizaban a los espectadores con historias retorcidas de jóvenes de aspecto inocente irrevocablemente inclinadas hacia el mal y la devastación ante nuestros propios ojos. Con Late Night with the Devil, los hermanos Cairnes reúnen estos mundos de miedo y diversión en un viaje emocionante, mezquino y enfermizamente satisfactorio. 

El actor David Dastmalchian (The Suicide Squad, Ant-Man) se convierte en el centro de atención como el presentador de un programa de entrevistas, Jack Delroy. Un talentoso actor con el don de la palabra, su programa podría haber rivalizado con el dominio de Carson en los programas nocturnos, si no fuera por una tragedia personal el año anterior que rompió el corazón de Jack y descarriló la popularidad del programa. Desesperado por revivir sus perspectivas en decadencia, planea un programa de Halloween que el mundo nunca olvidará. Junto con un psíquico (que podría ser un estafador) y un escéptico profesional (que vive para causar problemas), Jack consigue una entrevista controvertida con una joven misteriosa. Lily (Ingrid Torelli) fue parte de un culto satánico devoto a un demonio peligroso. Una vez que se esfumó, ella fue la única que sobrevivió. Ahora, bajo el cuidado de su tutora/terapeuta (Laura Gordon), Lily ha venido a altas horas de la noche para compartir su historia, y tal vez presentarnos a su amigo especial, el Sr. Wriggles. 

Al plantear su argumento como precursor del pánico satánico de los años 80, los hermanos Cairnes rápidamente establecen una sensación de aprensión para sus espectadores, que conocen muy bien los rumores descabellados sobre adoradores del diablo, demonios, fantasmas y cerdos llamados Jodie que están por venir. El precursor del pánico moral y la paranoia es la ingenuidad perforada por un miedo penetrante. ¿Y qué mejor burbuja acogedora para perforar que la atmósfera agradable de un programa de entrevistas? 

Un ingenioso diseño de producción reconstruye cuidadosamente esta época. Tonos cálidos pero apagados de marrones, amarillos y naranjas se arremolinan en el escenario. Trajes elegantes y overoles de mezclilla ubican a los invitados en una época de estilo vanguardista y aparente inocencia, cuando una adolescente atendía la prensa vestida como una muñeca en lugar de una supermodelo. Mientras tanto, la cinematografía nos recuerda a la era del VHS, con fallos analógicos que podrían no ser nada... o podrían ser una advertencia de que algo va mal. Todos estos detalles capturan la época con tanta minuciosidad que, si no reconoces a los actores, podrías confundir Late Night with the Devil con un clásico de culto olvidado, del tipo auténtico que alguna vez se encontraba en las codiciadas cintas VHS. 

Sin embargo, la oda más importante a esta era es el tono del programa de entrevistas. Con una bravuconería despreocupada, Dastmalchian se pavonea en el papel de anfitrión imperturbable. Ya sea mostrando una sonrisa falsa para el público o bromeando con sus invitados en disputa, se siente profundamente integrado en esta marca alegre de entretenimiento y ventas. Al basar el primer acto en las realidades familiares del programa de entrevistas de los años 70, los hermanos Cairnes y Dastmalchian se meten debajo de nuestra piel y nos ponen la piel de gallina mientras arman un escándalo. 

Esta película no pretende ser tan llamativa en su espectáculo demoníaco como "Carrie" o "The Exorcist", que se jactaron de baldes de sangre de cerdo y vómitos vociferantes, respectivamente. Al igual que Rosemary's Baby, es una mezcla atmosférica que supura con trauma emocional. No se preocupe; habrá estallidos de bilis, sangre y una carnicería climática. Sin embargo, esos fragmentos sangrientos no serían tan contundentes si no fuera por la tensión dramática que ocurre detrás de escena del programa de entrevistas plagado de Jack. En cierto sentido, Dastmalchian debe asumir dos papeles: el de profesional consumado y el de desastre personal. Debajo de su traje a medida hay un corazón tembloroso que anhela algo más que grandes índices de audiencia gracias a este diabólico truco publicitario. Anhela una prueba de que hay algo más que esta vida, algo más allá. Y arriesgará cualquier cosa, incluso su alma, para lograr esta revelación. 

Dastmalchian ha interpretado con frecuencia a hombres espeluznantes (Prisoners) y criminales extravagantes (Ant-Man). Su característica intensidad se agita bajo la superficie incluso cuando Jack se porta bien ante la cámara del estudio. En sus ojos parpadea un fuego caótico de dolor, esperanza y ambición que no se puede sofocar. Y se refleja en la mirada desconcertante de una niña que dice albergar un espíritu demoníaco. Son una pareja hecha no en el cielo sino en el infierno. Y presenciar su enfrentamiento es una diversión de morderse las uñas. Rindiendo homenaje al horror de los años 70, "Late Night with the Devil" está impregnada de la estética de la época y su ansiedad moral emergente, así como del ritmo metódico que nos atrapa y no nos suelta hasta ese momento macabro final. 

Crítica Cinéfila: The Exorcist - Believer

Desde la muerte de su esposa embarazada en un terremoto en Haití hace 12 años, Victor Fielding ha criado solo a su hija Angela. Pero cuando Angela y su amiga Katherine desaparecen en el bosque, solo para regresar tres días después sin recordar lo que les sucedió, se desencadena una cadena de eventos que obligarán a Victor a confrontar el mal y, en su terror y desesperación, busca a la única persona viva que ha presenciado algo así antes: Chris MacNeil.

Advertencia: esta crítica contiene spoiler relacionado a The Exorcist: Believer

El mayor acto diabólico que ha ocurrido sobre esta cinéfila fue el autoconvencimiento de que una secuela de “El Exorcista” en 2023 podría realmente aprovechar su potencial. Claro, la trilogía ultradesechable de películas de “Halloween” de David Gordon Green no inspiró muchas esperanzas de que le iría mejor con una franquicia de terror aún más sagrada; por el contrario, sugirió que el ex favorito de las películas indies estaba empeñado en destruir hasta el último rastro de la promesa que alguna vez mostró en la industria cinematográfica. Y claro, el vertiginoso acuerdo de distribución de 400 millones de dólares que poseyó a Green para resucitar este clásico siempre iba a ser una bendición a medias, o quizás más bien una terrible maldición, para una película convencional cuyo atractivo en el mercado se basa en nuestros recuerdos colectivos de un preadolescente, como la imagen de una niña penetrándose un crucifijo mientras gritaba: "¡Deja que Jesús te folle!" 

Pero el hecho de que vivamos en una época de histeria derechista y pánico moral renovado parecía como si pudiera ser (debería ser) una invitación a canalizar el espíritu de William Friedkin y hacer algo que pareciera incluso una fracción tan transgresora como lo hizo la original de 1973. Después de todo, la propiedad pertenece a un subgénero que inherentemente reafirma el dogma cristiano y, por lo tanto, se le concede un permiso especial para traspasar los límites de lo que el público que asiste a la iglesia está dispuesto a soportar.

A pesar de la controversia que el clásico de Friedkin provocó entre el grupo puritano, “El Exorcista” es, en última instancia, tan “basada en la fe” como cualquiera de las películas que se pueden ver anunciadas hoy en Fox News, pero aún así menos terrorífica que cualquier otro clásico de terror, y esperaba que devolver la serie a sus raíces le permitiera a Green tener la oportunidad de reimaginar "Pazuzu" (el demonio que poseyo a la inocente Regan) para una generación de padres estadounidenses que han sido condicionados a temer a un millón de hombres en un país cuyas leyes y clima político reaccionario representan una amenaza mucho más directa para sus hijos. 

Mi fe estaba profundamente equivocada, no sólo porque “The Exorcist: Believer” es una película hiperconservadora que pasa todo su tiempo torturando a su personaje principal por priorizar el bienestar de su esposa sobre la seguridad de su feto (una elección que no se nos revela hasta el final), sino también porque lo único que esta infernal sesión de espiritismo realmente considera sagrada es su propia propiedad intelectual. Una película execrable que casi no se redime con nada más que la bien modulada actuación principal de Leslie Odom Jr. y la sensación ambiental de inquietud que Green proyecta durante la primera mitad de la historia, "Believer" es tan creativamente cobarde y desprovista de sus propias ideas que todo su concepto de sacrilegio se limita a poner en peligro el legado de su franquicia. 

Quizás ese no sería un punto conflictivo si “Believer” no hiciera también un trabajo tan perezoso al exhumar el legado de su franquicia. De hecho, es difícil pensar en algo más condenatorio en cualquier película reciente que la escena en la que los demonios dentro de los preadolescentes poseídos de Green intentan demostrar su impiedad repitiendo exactamente la misma línea de diálogo que irritó al público hace 50 años. Si se hace un esfuerzo nominal para dar a entender que estamos tratando con el mismo demonio que una vez hizo que Linda Blair se sintiera mal durante un largo tiempo, eso en realidad hace que al final resulta aún más vergonzoso: el mal nunca descansa y, sin embargo, medio siglo de tiempo de preparación todavía no fue suficiente para que a este príncipe de las tinieblas se le ocurra algún truco nuevo.

Supongo que eso es de esperarse en un momento en el que estas secuelas se sienten legalmente obligadas a ofrecer más de lo mismo. Basado en una historia atribuida a Green, Scott Teems y Danny McBride, el guión de Green y Peter Sattler reproduce los detalles exitosos de El Exorcista desde el principio, ya que hace eco al llevarnos a un país sofocante y "exótico" lejos de donde se desarrollará la mayor parte de la acción. En lugar de Irak, “Believer” se abre en Haití, y en lugar de un prólogo ambientador impregnado de una atmósfera misteriosa, comienza con un sobresalto barato.

Por supuesto, lo más aterrador de esta secuencia inicial no es la pelea de perros en las calles de Puerto Príncipe, sino más bien el hecho de que alguien pensó que era una buena idea utilizar con ligereza el terremoto de 2010 que mató alrededor de 316,000 personas como contexto de la elección que el turista estadounidense Victor Fielding (Odom) se ve obligado a hacer entre su esposa demasiado embarazada para viajar y el feto que parecía que iba a salir literalmente en cualquier momento. 

Corte a: trece años después, cuando Victor es un padre soltero que cría a su hija Angela (Lidya Jewett, impresionantemente comprometida), en un suburbio de Georgia tan maduro para Satanás que Ann Dowd es su vecina de al lado. Ella es muy distinta a Victor, como una enfermera de la sala de emergencias cuyo exceso de entusiasmo disfraza una preocupación genuina en lugar de un motivo oculto relacionado al culto, pero se vuelve difícil notar la diferencia después de que se revela que ella es una ex monja. quien todavía se arrepiente del aborto que tuvo antes de tomar sus votos. 

De todos modos, Victor es tan sobreprotector con Angela como cabría esperar, por lo que es un momento decisivo cuando acepta dejar que su hija vaya a casa de su amiga Katherine (Olivia O'Neill) después de la escuela. Ángela le dice que van a hacer la tarea juntas, pero solo porque su padre probablemente diría que no si ella le contara sus planes reales para la tarde: caminar hacia el bosque espeluznante en las afueras de la escuela, adentrarse en una pesadilla hundida de algún tipo y abrir accidentalmente un portal al infierno en un esfuerzo equivocado por comunicarse con la madre de Ángela. Los detalles de sus travesuras se describen a grandes rasgos porque la primera mitad de la película está impulsada por el misterio de lo que realmente les pasó a esas chicas y por qué desaparecieron durante tres días enteros (como Jesús, vaya sorpresa) antes de reaparecer en una granja al azar a unas 30 millas de distancia. 

Por supuesto, no es un gran misterio para nosotros, porque sabemos que esta película se llama "El Exorcista", incluso si todavía tenemos que descubrir que, en ningún momento presentará a un exorcista real. "Believer" opta en cambio por una coalición multirreligiosa de aficionados que incluye a un sacerdote local inútil, una espiritista interpretada por el actriz Okwui Okpokwasili, y los padres evangélicos de Katherine, cuya fe sacudida es reemplazada por el tipo de confianza divina única en cristianos blancos de clase media alta en un país que cada día se vuelve menos secular.

Una escena tibia en la que la recién poseída Katherine asiste a los servicios del domingo por la mañana personifica lo terrorífica que pudo haber sido esta película, pero "Believer" de todos modos prefiere malgastar ese momento con un breve tramo en el que los padres de las niñas luchan por encontrarle sentido a lo que les pasa a sus hijas. Odom hace un buen trabajo interpretando la confusión desgarradora; su rostro hace palpable el miedo de no poder comprender o proteger a su hija (ya sea que estén habitados por Satanás o simplemente atravesando la pubertad), y Green aprovecha ese miedo en la secuencia directa pero efectiva en la que Víctor se da cuenta de que el horror es proveniente del interior de la casa. 

Por desgracia, cualquier indicio de profundidad o textura se pierde más rápido una vez que todos están de acuerdo en que Angela y Katherine están poseídas, un diagnóstico que no deja mucho lugar para el escepticismo, pero sí escenas de diálogo llamativas sobre lo difícil que es para Víctor aceptar cosas fuera de su sistema de creencias, después de que las niñas empiezan a tener brotes y a oler mal, dos cosas que nunca les pasarían a niños de 13 años bajo ninguna otra circunstancia... aparentemente. No ayuda que el diablo sea presentado como poco más que un troll del nivel de Deadpool que piensa que es gracioso saber que está en una película de “El Exorcista”. Su movimiento característico es simplemente recordarle a la gente sus compromisos morales más inquietantes, como si no pensaran en ellos todos los días de sus vidas; como si Víctor se hubiera olvidado por completo de la vez que vio a su esposa muy embarazada morir aplastada en un terremoto hasta que un demonio tuvo el descaro de recordarlo por él.

Y entonces Víctor hace lo que aparentemente cualquier padre haría en esta situación: toca a la puerta de la veterana de “El Exorcista”, Ellen Burstyn, en su casa de la playa que ella aparentemente compró con su parte de esos $400 millones, y le pide consejo. La aparición de Burstyn es discreta e hilarante por la desconexión entre la temblorosa seriedad de la voz de la actriz y la energía de su personaje. Green intenta reconciliar esas vibraciones conflictivas alejando a Chris MacNeil de la hija que casi pierde en la película original (lo que se convierte en otra oportunidad más para avergonzar a Víctor por el pecado que cometió durante el prólogo), pero ni siquiera la fuerza combinada del Cielo y el Infierno sería lo suficientemente poderoso como para salvar a “Believer” de desinflarse por completo una vez que llegue al pasado. 

Todo lo que queda en ese punto es el exorcismo en sí, filmado con toda la tensión de un sermón del domingo por la mañana mientras se desarrolla un dilema moral que una vez más obliga a los padres de la película a tomar una decisión de vida o muerte sobre sus hijos, como si estuviera poniendo a prueba a Víctor para ver si ha aprendido a no intervenir en el plan de Dios. “Ten fe”, le dice Chris a él (y creo que a la audiencia también). Para cuando “The Exorcist: Believer” llega a su apropiada y mediocre escena final, se vuelve casi imposible argumentar que tener mala fe en las secuelas es mejor que simplemente dar una nueva oportunidad. Creo que ni en esta vuelta Green tendría la oportunidad de salvar su propio renombre y volver a su antiguo género.

Crítica Cinéfila: Talk to me

La solitaria adolescente Mia se engancha a la emoción de invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales y se debate entre decidir en quién puede confiar: en los vivos o en los muertos. 

Los objetos malditos/embrujados no son nada nuevo en el género de terror; basta con mirar la cinta de vídeo de The Ring, los muñecos poseídos de Chucky y Annabelle, y quizás más apropiadamente para esta película, "The Monkey's Paw" de WW Jacob, es fácil ver por qué se han convertido en un elemento básico del horror; es fácil crear un tono siniestro en torno a algo tangible y una excelente manera de crear misterio para engancharte a un concepto: siempre sabes que algo malo sucederá cuando esté cerca. En el caso de "Talk To Me", el objeto es una mano embalsamada de origen desconocido que ha acabado en posesión de un grupo de adolescentes en Adelaida, Australia.

Pronto, la famosa mano embalsamada se convierte en una sensación viral en la escuela secundaria cuando se filma a los participantes dispuestos a tomar la mano y pronunciar las palabras "háblame" seguidas de "te dejo entrar"; ser poseído por los espíritus con los que han entrado en contacto y durar 90 segundos con ellos dentro de sí. La adrenalina es otra cosa, lo que lleva a que algunos adolescentes se enganchen al nuevo "reto", incluida Mia (Sophia Wilde), que todavía está de luto por el suicidio de su madre hace dos años. Pero cuando una sesión sale mal, Mia pronto descubre que los espíritus tienen un control sobre ella mucho más fuerte de lo que había supuesto. 

Esta película de terror australiana independiente ya ha causado sensación desde su debut en el Festival de Cine de Adelaida el año pasado. Desencadenó una guerra de ofertas tras su debut en Sundance y desde entonces ha generado gran expectativa como una de las películas de terror más alabadas por la crítica del último año. Si bien puede ofrecer varios tropos familiares, no es difícil ver por qué se ha ganado tal reputación. Realizado por YouTubers convertidos en cineastas, Danny y Michael Philippou, también conocidos como RackaRacka, "Talk To Me" es un ejercicio de género eficaz que genera una energía adecuadamente espeluznante y enigmática en torno a este objeto maldito, alimentada por imágenes de pesadilla y actuaciones sólidas. También es muy divertido, especialmente en sus primeros momentos, lo que ayuda a unirte a los personajes antes de que todo se vuelva una locura fuera de control. 

Los hermanos gemelos Philippou ya han conseguido una importante base de fans a través de su canal de YouTube, y sus cortos de terror y comedia subversiva acumulan más de 6,5 millones de seguidores y 1.500 millones de visitas. Traducen efectivamente esa atractiva ambición y talento en su primer largometraje, producido por Causeway Films (detrás de "The Babadook", en el que ambos hermanos Philippou trabajaron en papeles menores) y apoyado por Screen Australia. 

Al igual que el éxito de terror "Smile" del año pasado, suceden muchas cosas bajo la superficie de Talk To Me . El guión, de Danny Philippou y Bill Hinzman, colaborador de los hermanos desde hace mucho tiempo, aborda los miedos del mundo real: la muerte de un padre, la naturaleza insidiosa del dolor y la soledad, el atractivo y las mentiras de las redes sociales. Todos estos elementos se arremolinan dentro de Mia, dejándola, como a tantos adolescentes, vulnerable a actividades arriesgadas que prometen hacerla más popular, darle algunas respuestas y, fundamentalmente, permitirle salir de su propia cabeza.

Pero, también como "Smile", "Talk To Me" está tan preocupada por los sustos viscerales y por la introspección psicológica y, con ese fin, combina efectos prácticos y en cámara (y una hábil edición de Geoff Lamb) para crear algunas secuencias genuinamente inquietantes. El sorprendente diseño de sonido de Emma Bortignon es una mezcla desorientadora de lo real y lo extraño, subrayando escenas de posesión con una palpable sensación de temor que contrasta con la salvaje euforia de las reacciones de los niños. Y particularmente efectivo es el uso del color en la película: la paleta de colores inicialmente vibrante de Mia se desvanece lentamente a medida que comienza a perder todo sentido de sí misma. 

Las primeras secuencias que involucran las fiestas donde nuestro joven elenco se engancha al poder de la mano también sirven para establecer el atractivo y la atracción del objeto en el centro de la película. Tratada como si fuera la nueva droga de moda en el campus, "Talk To Me" se basa en "Flatliners" de Joel Schumacher para establecer que hay un subidón que todos persiguen de este objeto que resulta difícil de dejar ir, incluso una vez que las cosas dan un giro. Los paralelos con las drogas son fáciles de leer y, inteligentemente, la película no te golpea en la cabeza con ese mensaje, con un montaje en particular que crea de manera experta tanto la sensación de diversión como el peligro al comunicarse con los muertos. 

Como protagonista de la película, Sophia Wilde brilla, superando hábilmente el trauma y la soledad de Mia mientras intenta encontrar una manera de afrontar la pérdida de su madre. Cree haber encontrado una respuesta con la mano embalsamada, ya que pronto se convence de que es una forma de comunicarse con su madre, pero, por supuesto, las cosas toman un giro mucho más oscuro. Mia pasa por el escurridor y Wilde es convincente en todo momento, realizando el tipo de actuación llamativa que la convierte en alguien a seguir en el futuro. 

Los sustos se transmiten de forma eficaz y con un tono juguetón y irónico. Los realizadores conocen bien la mecánica de un buen susto y se alegran de hacerte esperar la gran revelación, mientras que a menudo también realzan los sustos con efectos de sonido estremecedores y violencia impactante. Es una gran experiencia con un cine lleno, ya que los sustos se van eliminando, jalándote sobre una cuerda floja antes de cortar repentinamente la línea debajo de tus pies. 

Crítica Cinéfila: The Boogeyman

La alumna de instituto Sadie Harper y su hermana pequeña Sawyer se están recuperando de la reciente muerte de su madre pero no cuentan con demasiado apoyo por parte de su padre, Will, un terapeuta que está lidiando con su propio dolor. Cuando un paciente desesperado aparece inesperadamente en su casa buscando ayuda, deja atrás una aterradora entidad sobrenatural que se aprovecha de las familias y se alimenta del sufrimiento de sus víctimas.

Después de haber visto películas como Pet Sematary (2019), Firestarter (2022) y Mr. Harrigan's Phone (2022), veía imposible de que algún director pudiese hacer una buena adaptación de una novela de terror de Stephen King. Es cierto, tenemos clásicos inolvidables, como The Shining (1980) y Misery (1990), o adaptaciones más modernas como It (2017) y Gerald's Game (2017) que cumplen con aterrorizar tanto física como mentalmente a una audiencia, y permitirles trasladarse psicológicamente a ese lugar donde el terror va más allá que un par de apuñaladas o machetazos. Es un terror traumático.

Sin embargo, "The Boogeyman" de Rob Savage, la última de una larga lista de adaptaciones de Stephen King, es definitivamente una entrada sólida en el canon de terror moderno. Basada libremente en la historia corta de King sobre una criatura aterradora que tiene como objetivo consumir a una familia, esta versión amplía el alcance de la narrativa sin dejar de mantener un sentimiento personal contenido. Varios tropos y temas de King aparecen a lo largo, todos los cuales están ingeniosamente y eficientemente doblados en el tapiz espeluznante y ocasionalmente inquietante de tensión que Savage teje aquí. 

La realidad es que el monstruo Boogeyman daba tanto miedo en la novela que tuvieron que cambiar su estilo en la película. Pero para una película que inicialmente tenía la intención de ir directamente al streaming o película para TV, "The Boogeyman" podría terminar siendo la versión de 2023 de "Smile" del año pasado, un proyecto que sorprende al público con su efectividad y supera las expectativas de los analistas de la industria, incluyendo a esta cinéfila.

Ha pasado un mes desde que la familia Harper sufrió una trágica pérdida. Will (Chris Messina), un terapeuta que tiene su oficina de trabajo en el hogar familiar, perdió a su esposa en un accidente automovilístico y está tratando desesperadamente de mantener una sensación de normalidad para sus hijas, Sadie (Sophie Thatcher), una estudiante de secundaria, y la joven Violet. (Vivian Lyra Blair). Pero mientras las chicas están abiertas a lidiar con sus emociones en torno a la pérdida de su madre, Will se ha cerrado a sí mismo, claramente no listo para lidiar por completo con el vacío monumental que todos están experimentando.

Cuando un hombre misterioso y con problemas llamado Lester Billings (David Dastmalchian) llega a la casa para buscar tratamiento de Will, le cuenta una historia sobre eventos horribles que le sucedieron a su propia familia, incluida la muerte de sus hijos. Trae una hoja de papel, un dibujo que uno de sus hijos hizo de una criatura que los aterrorizaba escondiéndose en sus armarios y debajo de la cama. Cuando Will pregunta qué es la criatura, Lester responde: "Es lo que se lleva a tus hijos cuando no estás prestando atención". Esa línea no se extrae directamente del cuento de King, pero captura perfectamente el espíritu del trabajo del autor: esa idea de no prestar atención es una noción escalofriante que afecta a los niños que pueden sentirse pequeños e indefensos.

El significado metafórico de la criatura proporciona cierta riqueza intelectual a esta historia, pero también es un monstruo espeluznante de piernas delgadas que se arrastra por los techos y se alimenta del miedo de sus sujetos, lo cual genera suficiente momentum terrorífico como para quitarle el sueño a cualquiera. El concepto de "alimentarse de los miedos" debería sonar familiar para los fanáticos de Stephen King: este ente tiene un modus operandi similar a IT, la antigua fuerza malvada multidimensional que toma la forma de Pennywise. Hablando en términos prácticos, también parece recordar un poco a los extraterrestres en "A Quiet Place", especialmente al final de la película, cuando el público finalmente ve de cerca al monstruo después de que pasa la mayor parte del tiempo corriendo entre las sombras, un detalle que realmente ayuda a mantener la tensión y el miedo hacia lo que aún no se conoce tan de frente.

Las cosas van mal para la familia Harper una vez que Lester Billings, sin darse cuenta, trae a la criatura a su hogar, y los escritores Mark Heyman ("Black Swan") y Scott Beck & Bryan Woods ("A Quiet Place") infundir esa sensación de inquietud a lo largo del resto de la historia cuando la criatura aparentemente infecta a Violet y se aprovecha de sus vulnerabilidades emocionales a raíz de la muerte de su madre.

Mientras que Violet está siendo aterrorizada en silencio, Sadie está experimentando los terrores de la escuela secundaria y se enfurece contra un grupo de chicas que se encuentran entre los personajes de pantalla más despiadados y excesivamente (o mejor dicho, innecesariamente) crueles. La película funciona como un acto de equilibrio, yuxtaponiendo las ansiedades de la adolescencia con los miedos más sobrenaturales del propio Boogeyman. Si alguna vez has visto una película antes, puedes adivinar que todas las tramas secundarias chocan de una manera que podría destrozar a esta familia de una vez por todas, o finalmente permitirles obtener algo de catarsis y enfrentar su dolor colectivo.

Pero en este caso, hay que reconocerle a Rob Savage su talento, porque él sabe cómo crear suspenso de formas visuales poderosas. En una película sobre una criatura que acecha en la oscuridad, Savage y su director de fotografía Eli Born ("Hellraiser", "Wild Indian") emplean sabiamente la luz como arma, ensamblando a Sawyer con una fiel bola de luz que ella hace rodar hacia los armarios o pasillos siniestros, y rastrean bellamente la iluminación, descubriendo resultados espeluznantes en los fragmentos de sombras. Más adelante en la película, Sawyer está jugando un videojuego en la sala de estar por la noche y puede iluminar brevemente la habitación haciendo que el personaje del juego ilumine la pantalla, proporcionando momentáneamente destellos de claridad mientras la criatura se abre paso a través de su periferia.

Thatcher, que se destacó con su actuación en "Yellowjackets" de Showtime, tiene una gran energía de Mary Elizabeth Winstead en esta película. Ella soporta la mayor parte del peso de esta película y lo hace con aplomo, descubriendo lentamente información sobre esta misteriosa fuerza malévola y aportando una perspectiva y un aspecto físico a este papel que hace que Sadie se sienta identificable y real. Su coprotagonista, Vivian Lyra Blair, quien recientemente interpretó a la joven Leia Organa en la serie "Obi-Wan Kenobi" de Lucasfilm, tiene éxito en transmitir el terror desde los ojos de una niña bien despierta, y afortunadamente nunca se apoya en esa precocidad "Disneyficada" que tan a menudo supera las actuaciones infantiles y me hacen retroceder decepcionada.

Mientras tanto, Chris Messina, quien realmente solo ha estado en un par de proyectos de terror o relacionados con el terror en su larga carrera, argumenta que debería ser un elemento básico en este género al presentar una actuación tranquila y directa como un hombre que está haciendo todo lo que puede para mantener unida a su familia, pero no se atreve a abordar su propio dolor. Se ha convertido pacientemente en uno de los actores de carácter más confiables de Hollywood, y aunque no hace nada llamativo aquí, siempre eleva lo que sea que esté haciendo y es genial verlo envejecer en esta fase de su carrera, con líneas desgastadas en su cara y canas en la barba. 

"The Boogeyman" no se propone reinventar la rueda, pero afortunadamente no es necesario. Savage sabe exactamente cómo presionar todos los botones correctos y tirar de todas las palancas correctas para diseñar la máxima potencia, utilizando configuraciones clásicas y recompensas de maneras entretenidas y satisfactorias. Él parece estar en lo que solía ser una carrera profesional común para un director en Hollywood, antes de los días del dominio de la propiedad intelectual: hacer un par de proyectos llamativos y de bajo presupuesto antes de graduarse progresivamente a una película de estudio de presupuesto medio. Se siente como una rareza que los cineastas modernos tengan la oportunidad de perfeccionar sus habilidades en este nivel medio antes de ser absorbidos por una máquina de franquicias más grande, pero me alegro de que haya sucedido aquí y sigo teniendo curiosidad por ver cómo se ve la trayectoria de Savage en el próximos años. Si sigue haciendo películas de terror tan confiables como esta, el género se va a enriquecer aún más.

Crítica Cinéfila: Evil Dead Rise

Historia de dos hermanas separadas cuyo reencuentro se ve interrumpido por el surgimiento de demonios poseedores de carne, empujándolos a una batalla por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más aterradora que se pueda imaginar. 

Una secuencia de apertura de una cabaña junto al lago en "Evil Dead Rise", escrita y dirigida por  Lee Cronin  (The Hole in the Ground), funciona como una declaración de que la última entrega de esta franquicia encajará perfectamente en el mundo de "Evil Dead", mientras se ramifica en un nuevo terreno e ideas sangrientas. Eso significa una historia independiente que trae la sangre retorcida y las emociones de muerte ligera, incluso cuando su tradición no está tan bien definida como su terror visceral.

Beth (Lily Sullivan), técnica de guitarra en gira, decide reunirse con su hermana separada Ellie (Alyssa Sutherland) para que la guíe después de hacerse una prueba de embarazo. Han pasado meses desde que Ellie supo de Beth, y ella tiene sus propios problemas con los que lidiar. Ahora es madre soltera de tres hijos, Danny (Morgan Davies), Bridget (Gabrielle Echols) y la joven Kassie (Nell Fisher), y necesita mudarse gracias a que su apartamento está en un edificio que se encuentra en un estado de deterioro extremo, y lo van a derrumbar. La reunión entre hermanas se ve interrumpida cuando un terremoto golpea su vecindario de Los Ángeles y abre un pozo en el garaje del edificio que desentierra una bóveda secreta donde se encuentra el Necronomicon.

En los intentos de Lee Cronin de abrir nuevos caminos, el cineasta nunca pierde de vista lo que hace que una película de Evil Dead sea una muerte maléfica. El cineasta rinde homenaje a las películas anteriores a través de un trabajo de cámara icónico, líneas citables, tomas heróicas, armas claves y un compromiso admirable de derramar la mayor cantidad de sangre posible. El rallador de queso podría haberse catapultado al instante a ser el centro de atención gracias a un brillante momento del tráiler, pero a Cronin no le faltan formas espeluznantes de repartir castigos a sus personajes o idear nuevas armas ingeniosas para desmembrar y mutilar. En este frente, Evil Dead Rise es un placer absoluto para la multitud que se disfruta de momentos dramáticos espeluznantes por Deadite.

Lily Sullivan y Alyssa Sutherland también son artistas deslumbrantes que representan una interesante bienvenida a esta sádica familia. La presentación inicial de Beth como una metedura de pata perpetua la hace muy adecuada para seguir los pasos de Ash J. William, y su transición de perdida y asustada a protectora decidida crea una oposición atractiva a la actuación absolutamente demente de Sutherland como uno de los enemigos Deadite más aterradores que ha tenido la franquicia. Excepto por la precocidad absolutamente adorable de Nell Fisher, ningún otro personaje se acerca a estas hermanas en Evil Dead.

La estructura pasa de básica y repetitiva a mejoría; un primer acto inestable pasa demasiado tiempo preparando las apuestas para Beth y Ellie, para pasar por alto la mayor parte del forraje de tal manera que sus destinos no ascienden a mucho más que una sorpresa rápida y una risa macabra o tres. La historia es más independiente de lo que cabría esperar. Es menor comparativamente; esto no es para morirse del miedo, estamos aquí para la carnicería y el splatstick. Pero se ve exacerbado por la necesidad de reglas y tradiciones más firmemente establecidas. Vemos imágenes en el libro que luego veremos en la realidad, pero lo que significan nunca se explora por completo de una manera que une la posesión inicial con la culminación salvaje de dicha posesión en el tercer acto. En términos de giros malvados, nada se acerca a tocar la actuación de Sutherland tampoco. Algunas batallas de Deadite pueden sentirse ganadas con demasiada facilidad para este universo, incluso cuando vienen con galones de sangre derramada y fluidos corporales.

Un gran segundo acto que trae escalofríos, humor splatstick y una gran cantidad de vísceras eleva los niveles de energía a un grado implacable, y Cronin nunca mira hacia atrás. El cineasta se compromete por completo a hacer una película de Evil Dead, superando los límites y asegurándose sin miedo de que ni siquiera los niños estén a salvo en este universo. Cuando todo está dicho y hecho, no está claro qué desencadena exactamente Necronomicon Volume Two y qué podría significar para el futuro de la franquicia, pero su búsqueda de ofrecer una nueva entrada retorcida hace lo suficiente para mantenerlo interesante, al límite y muy entretenido. Hay una consideración encomiable aquí al abordar ciertos elementos recurrentes de la franquicia.

Evil Dead Rise no es tan nihilista como la entrada anterior, pero con frecuencia es tan intensa. Un fantástico due de protagonistas en Sullivan y Sutherland, especialmente Sutherland, combinadas con una serie interminable de homenajes a la franquicia y niveles desquiciados de vísceras aseguran un momento terriblemente bueno en el cine. Más importante aún, abre las posibilidades de la franquicia e infunde la más sincera esperanza de que no pasarán otros diez años antes de la próxima.

Halloween Cinéfila: Las mejores películas de terror del 2022 (so far)

2022 ha sido un año escandalosamente bueno para el cine de terror.

La variedad, complejidad y volumen de las películas de terror estrenadas este año es verdaderamente asombrosa; una verdadera riqueza empapada de sangre y locura. La cosecha fue tan impresionante que fue difícil omitir algunas películas para poder hacer esta lista, aunque si analizamos el catálogo completo, nos encontraremos con algunas grandes decepciones (como Scream, Halloween Ends, Texas Chainsaw Massacre). Pero por ahora, aquí hay 10 películas de terror de este año. 

Les aviso: estas son películas que personalmente creo que cumplen con los parámetros del género y por eso entran en este listado:

1. "Smile" (Estreno: Septiembre 2022)

"Smile" es inteligente y efectivo y, en ocasiones, bastante aterrador. Una joven psiquiatra (Sosie Bacon) tiene una paciente que se suicida frente a ella, y mientras lo hace la paciente lleva una sonrisa muy espeluznante en la cara. Después de investigar un poco, comienza a entender que el suicidio es parte de un patrón más grande, conectado a esa sonrisa espeluznante. Sí, esta es totalmente una película de miedo arquetípica de un viernes por la noche, pero como tal realmente tiene éxito, gracias en gran medida a su tono sombrío, que canaliza todo el tema del suicidio y el trauma que deja este en las personas que quedan como testigos. 

2. "Bodies, bodies, bodies" (Estreno: Agosto 2022)

Algo interesante de esta película, en comparación con las demás, es que "Bodies Bodies Bodies" es mucho más divertida, más inteligente y más moderna. La historia se narra en un mundo de la Generación Z, con un montón de jóvenes con diversidades e influencias, atrapados en una casa sin electricidad durante un huracán. A medida que se desata el conflicto, uno por uno, la tensión y la hilaridad siguen aumentando. Es tanto una crítica corta como una celebración del momento cultural actual, donde las víctimas se convierten en supervivientes y el trauma generacional se vuelve francamente mortal. 

3. "Werewolf by Night" (Estreno: Octubre 2022)

Dentro del universo cinematográfico de Marvel, "Werewolf by Night", un especial de minipelícula/TV que se registra en poco menos de una hora, sigue al personaje principal (interpretado por Gael García Bernal), mientras se siente atraído por una inquietante finca para cazar a un monstruo aterrador. ¿Qué quieren los otros cazadores con la criatura? ¿Y cómo va a salir vivo de esta cosa sin que descubran su monstruoso secreto? En parte misterio de puerta cerrada, en parte emocionante aventura de Marvel, es un híbrido de monstruos que se convierte en un gran éxito. El director Michael Giacchino, filmando en blanco y negro y considerablemente alentando el terror, hace que la primera incursión real del UCM en el horror sea un buen momento empapado de sangre. 

4. "Prey" (Estreno: Julio 2022)

Sí, la mayoría de las precuelas pueden ser terribles. Pero de vez en cuando hay una como "Prey" que es tan buena, tan lleno de imaginación y emoción, que es imposible descartar el ejercicio de la precuela de Hollywood como totalmente indigno. "Prey" es una precuela de la franquicia principal "Predator", esta vez ambientada en 1719 y siguiendo a una joven Comanche (Amber Midthunder) mientras se enfrenta a una versión temprana del Predator que conocemos y amamos. El director Dan Trachtenberg ("10 Cloverfield Lane") combina piezas magníficamente coreografiadas, genuinamente aterradoras y muy sangrientas con una encantadora historia de madurez de una joven que quiere probarse a sí misma y salvar a todo su pueblo. Esta es fácilmente la mejor película de "Predator" desde la original, una que, después de años de spin-offs y secuelas mediocibles, te emociona con la franquicia una vez más.

5. "Barbarian" (Estreno: Septiembre 2022)

El debut de género de Zach Cregger, "Barbarian", se beneficia de un sabroso tráiler que no estropea ninguno de los numerosos giros de la película. Basta con decir que las cosas no van demasiado bien para Tess (Georgina Campbell), que solo está tratando de encontrar un lugar seguro para quedarse mientras está en Detroit para una entrevista de trabajo. Cregger obviamente ama el género y sabe exactamente cómo manipular las expectativas de la audiencia para sustos únicos, creando un ritmo peculiar a través de los distintos actos de la película. Al casar los miedos modernos con la técnica de terror de la vieja escuela, "Barbarian" seguramente se convertirá en una favorita para los próximos maratones de terror durante Halloween.

6. "The Black Phone" (Estreno: Junio 2022)

El dúo creativo de "Sinister" y "Doctor Strange", C. Robert Cargill y Scott Derrickson, colaboraron una vez más en esta adaptación de un cuento de Joe Hill en el que "The Grabber" (Ethan Hawke) secuestra a niños en el Colorado de los años 70. La película evoca el espíritu del mejor trabajo de Stephen King, mientras los niños lidian con habilidades sobrenaturales para derrotar a un villano psicótico. El guion es lo suficientemente resistente como para mantener las emociones a punta al igual que los sustos, ya que está lleno de los tropos más adecuados de este lado de Hawkins, Indiana. Hawke saborea y manipula el universo como el enmascarado Grabber, en una actuación físicamente aterradora que pide más apariciones.

7. "You Won't be Alone" (Estreno: Abril 2022)

"You Won't Be Alone", del cineasta australiano macedonio Goran Stolevski, se enfoca en una joven de Macedonia del siglo XIX raptada en su niñez y transformada/criada como bruja. La joven asume diferentes formas y habita la vida de varias personas. La película adquiere la sensación y la forma de una película de antología a veces en lugar de una narrativa lineal directa. Y a medida que la película avanza, te lanza un hechizo por sí sola. En última instancia, la película trata sobre lo que significa ser humano y lo difícil que es esa existencia. Con un estilo naturalista y un cameo de la leyenda del género Noomi Rapace, es imborrable y singular. 

8. "X/Pearl" (Estrenos: Marzo y Septiembre 2022)

Cuando "X" se estrenó en el Festival de Cine South by Southwest esta primavera, se le presentó una ventaja: un adelanto de "Pearl", una película precuela/de origen ya rodada, filmada en secreto y revelada, por primera vez, a la audiencia del Festival de Austin. Mientras que "X" tomó sus señales de las películas de explotación de la década de 1970, siguiendo a un grupo de valientes cineastas del género pornográfico (incluidos Kid Cudi, Brittany Snow y Mia Goth) mientras eran aniquilados, uno por uno, por una anciana amargada llamada Pearl (también Mia Goth); "Pearl" fue un melodrama estilo Technicolor que explora cómo Pearl acabó con esa ambición sangrienta. Independientemente, estas películas son geniales, con el escritor/director Ti West mostrando lo hábil que se había convertido como cineasta y ofreciendo representaciones comprensivas de lo que podrían haber sido villanos de dibujos animados. Pero juntas, las dos películas mejoran y se profundizan. Prepárense para la tercera parte ("MaXXXine"), que llegará el año que viene.

9. "Men" (Estreno: Mayo 2022)

La última pesadilla de Alex Garland es una fábula demasiado oportuna sobre los hombres que controlan y violentan a las mujeres. Efectivamente, "Men" está protagonizada por la brillante Jessie Buckley como una mujer que se va de vacaciones al campo británico después del suicidio de su marido. Desafortunadamente, está rodeada de docenas de hombres que se parecen a un siniestro Rory Kinnear, que interpreta de forma jugosa a todos los otros personajes con niveles vacilantes de hostilidad hacia ella. Aunque la película ofrece muy poca información sobre la dinámica de género, hay varias escenas indelebles que aumentan la tensión al 100%. Y con un acto final increíblemente divisivo y repugnante, es una película diseñada para estimular más discusión con cada nueva audiencia.

10. "Nope" (Estreno: Julio 2022)

Personalmente... mi favorita del año. Con "Nope", el escritor/director Jordan Peele se distó a hacer "la gran película OVNI estadounidense que necesitábamos". Él hizo eso, y luego algo más. Aparentemente la historia de un hermano y una hermana (Daniel Kaluuya y Keke Palmer) que heredan el rancho de caballos de su familia después de la misteriosa muerte de su padre y se aterrorizan por algo que acecha en el cielo, "Nope" es mucho más. Es una película sobre el costo de disfrutar del espectáculo; sobre la relación de la humanidad con los animales y otros grupos marginados y explotados; una película clásica sobre la realización de películas; un western revisionista; un comentario sobre nuestra incesante necesidad de documentar nuestra vida diaria (incluido lo que acecha arriba); y un espectáculo de ciencia ficción a gran escala. Todo eso es parte de lo que hace que "Nope" sea tan especial. En la forma en que Peele escuciona secuencias, ya sea la forma en que un OVNI se cierne erniamente sobre una granja o el ataque asesino de un chimpancé asesino, ha mejorado su juego como director y, con solo tres películas, consolidó su lugar como uno de los cineastas más consumados y emocionantes que trabajan hoy en día. Hay misterios que "Nope" todavía persiste, pero eso es parte del regalo de sus películas: puedes discutirlas y diseccionarlas mucho después de haber salido del cine.

Y a ti... ¿cuáles han sido tus películas favoritas del año?