Crítica Cinéfila: Frankenstein

Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza científica, Frankenstein considera que la criatura carece de inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.

Las influencias del terror gótico han impregnado la obra de Guillermo del Toro desde que el cineasta mexicano irrumpió en la escena con "Cronos", "The Devil's Backbone" y "El Laberinto del Fauno" (mi película favorita de todos los tiempos). El encuentro del guionista y director con la inmortal novela de Mary Shelley de 1818 se ha hecho esperar, y tras innumerables adaptaciones cinematográficas, se siente como un renacimiento electrizante. La suntuosa reinterpretación de "Frankenstein", obra de este gran maestro que desafía los géneros, honra la esencia del libro, pues se trata más de tragedia, romance y una reflexión filosófica sobre el significado de ser humano.

La ausencia o la imperfección paterna han sido un tema recurrente en las películas de Del Toro, recibiendo aquí un tratamiento conmovedor en la angustiosa relación entre el científico egocéntrico Victor Frankenstein y la criatura sin nombre a la que da vida a partir de partes del cuerpo cosidas entre sí. Esos papeles son interpretados, respectivamente, por Oscar Isaac con la tensa intensidad de un artista atormentado, cuya arrogancia se ve consumida poco a poco por el remordimiento; y por Jacob Elordi en una actuación reveladora, notable por su expresividad física, pero quizás aún más por su inocencia, su profundo anhelo y el vacío abrumador que le sigue cuando la Criatura comprende quién y qué es. La película plantea la cuestión de si la monstruosidad se define por la apariencia o por las acciones.

Además de su fuerza emocional, "Frankenstein" de Guillermo del Toro es una película de intensos placeres sensoriales. La aclamada imaginación visual del director (canalizada a través del excepcional trabajo de colaboradores que repiten en la película, como el director de fotografía Dan Lausten, la diseñadora de producción Tamara Deverell y la diseñadora de vestuario Kate Hawley) deleita constantemente la vista. El audaz uso del color, especialmente los rojos y verdes saturados que abrasan las sombras, es impresionante. Mientras tanto, los oídos se deleitan con una potente banda sonora orquestal que se encuentra entre las obras más cautivadoras de Alexandre Desplat.

Dividida en un preludio y dos partes cuyos títulos, "Victor’s Tale" y "The Creature’s Tale", dejan clara su perspectiva de juicio, la historia comienza en el Ártico, donde un capitán de barco danés (Lars Mikkelsen) supervisa los esfuerzos de su tripulación por desenterrar su nave del hielo. Al investigar un incendio que divisan al otro lado de la tundra, encuentran a Victor (Isaac) herido y al borde de la muerte, aunque sus perros de trineo están ilesos. La criatura, enfurecida, aparece casi como un gigante, una figura imponente y encapuchada, envuelta en pieles de animales. "Víctor. Tráelo ante mí", gruñe, apartando a los tripulantes que lo atacan y le disparan, y usando su fuerza descomunal para inclinar el barco. Cuando un disparo de trabuco derriba al monstruo y este cae por las grietas a las aguas heladas, el capitán lo da por muerto. Pero Víctor le asegura que la criatura es inmortal y que regresará; suplica a los daneses que lo dejen en el hielo y que ella se lo lleve.

Víctor le cuenta su historia al Capitán, comenzando con su infancia en una gran plantación familiar que ya no existe. Su madre francesa era todo su mundo hasta que murió al dar a luz a su segundo hijo. Esto deja al joven Víctor (Christian Convery) a merced de su frío y autoritario padre, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un distinguido médico británico a quien sospecha de haber salvado a su hermano pequeño a costa de la vida de su madre (parecería un homenaje a "El Laberinto del Fauno"). La acción avanza rápidamente hasta 1855, cuando Victor se dirige al Real Colegio de Medicina, demostrando su éxito inicial en la reanimación de tejido muerto. La comunidad médica, con sus pelucas y su actitud desdeñosa, se burla de la idea de que él domine las fuerzas de la vida y la muerte. Pero por razones que van más allá del interés científico y que se aclararán más adelante, el acaudalado comerciante de armas Heinrich Harlander (Christophe Waltz) se siente lo suficientemente intrigado como para financiar la investigación y experimentación de Victor.

Por esta época, reaparece William (Felix Kammerer), el hermano menor predilecto de Victor, ahora comprometido para casarse con Elizabeth ( Mia Goth ), sobrina de Heinrich, cuyo agudo intelecto y curiosidad científica cautivan instantáneamente a Victor. La entrada de Goth, con un deslumbrante vestido azul pavo real y un tocado de plumas, le confiere un aspecto casi sobrenatural. Es el primero de varios atuendos que la diseñadora de vestuario Hawley creó para Elizabeth —entre ellos, un traje verde musgo con velo y un vestido de novia blanco enjoyado— que la retratan como una figura de cuento de hadas, mostrando una belleza segura de sí misma. 

Aunque el título de “reina del terror” de Goth está más que consolidado, del Toro parece haber visto algo más en la actriz: una inteligencia directa, un espíritu y una fuerza que refuerzan la delicadeza de porcelana de su personaje. La predilección de Elizabeth por el color evoca una impactante imagen anterior de la madre de Victor en las escaleras de la casa ancestral familiar, envuelta en un velo rojo sangre que ondeaba al viento. También la define como una libre pensadora inconformista, muy parecida a Victor, con su elegante atuendo en blanco y negro con detalles rojos; él viste con un estilo ajustado, al estilo de una estrella de rock, a diferencia de otros hombres de la época con sus voluminosos trajes de tweed, quizás para destacarlo como una mente innovadora, atrevida y modernista.

Hay imágenes asombrosas a lo largo de toda la película; una de las más impactantes es el enorme laboratorio construido para Victor en un remoto castillo de la costa escocesa (casi todos los decorados de Deverell eran construcciones físicas hechas desde cero, como el barco danés, o composiciones de estructuras existentes, no creaciones digitales). Inspirándose en el clásico «laboratorio del científico loco» y elevando el ambiente con el tipo de detalles atmosféricos que caracterizan a Guillermo del Toro, los diseñadores equiparon el espacio con pararrayos plateados sujetos a una torre exterior, máquinas de vapor y enormes cilindros convectores verticales. La inscripción latina en la fachada del edificio —«Aqua est vita»— resulta apropiada para un experimento nacido de una tormenta. 

Inicialmente, Victor selecciona partes adecuadas del cuerpo de hombres condenados a muerte justo antes de ser ahorcados. Pero con la escalada de la Guerra de Crimea, los campos de batalla le proporcionan una gran variedad de cadáveres mutilados, entre los que abundan los hombres fuertes y de extremidades largas que necesita. Más que una simple cabeza cosida a un cuerpo y reconectada con un nuevo cerebro, la Criatura de Victor parece una cabeza de frenología de cerámica unida a una escultura de mármol remendada, cubierta únicamente con un taparrabos de vendas. Elordi habita el diseño de criatura de Mike Hill con una seductora mezcla de torpeza y gracia, pero, de forma igualmente notable, con una sensualidad que recuerda la carga erótica que del Toro y Hill imprimieron al hombre pez anfibio en "The Shape of Water".

Desde sus primeras apariciones, la Criatura muestra una vulnerabilidad conmovedora, deleitándose como un bebé con nuevos descubrimientos como el agua o las hojas. Víctor la mantiene encadenada en una gran área de contención, por la seguridad tanto del creador como de la criatura. Cuando Elizabeth la descubre allí, como atraída por el instinto, él queda hechizado por su presencia etérea, mientras que ella parece intuir la humanidad innata de la Criatura.

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Pero pronto se hace evidente que Víctor no había reflexionado mucho sobre lo que ocurriría después de la creación. Su confianza se resquebraja cuando Guillermo pregunta: "¿Te has preguntado alguna vez, de todas las partes que componen a ese hombre, en cuál alberga el alma?". Del Toro reconoce la influencia de la obra maestra homónima de James Whale de 1931 como una influencia decisiva, y su versión también se nutre de su secuela, posiblemente aún mejor, "Frankenstein's Bride" de 1935. Esto se hace evidente en la historia de la criatura, cuando escapa del castillo y encuentra refugio en una granja aislada con un anciano ciego (David Bradley), quien se alegra enormemente de tener compañía. Uno de los momentos más conmovedores de la película es cuando la criatura aprende la palabra "amigo". Ese es solo el comienzo de su educación, pues los libros le abren un mundo entero de lenguaje y conocimiento. La gran tristeza de la historia reside en la incomprensión entre “padre e hijo”, pero la desgarradora experiencia de pérdida de la Criatura es lo que lleva la monstruosidad a otro nivel. La desolación que lo invade al descubrir, a través del cuaderno de Víctor, que es "un miserable hecho con los desechos de la muerte", se agrava al comprender que la muerte definitiva se le ha arrebatado, negándole así el alivio a su dolor. Cuando unos cazadores lo abaten, sus pensamientos más íntimos se convierten en un tormento eterno y abrasador:"De nuevo el silencio, y luego la vida despiadada".

La cita de Byron con la que Del Toro cierra la película —"Y así el corazón se romperá y, sin embargo, seguirá viviendo"— indica claramente la visión del director sobre Frankenstein como una tragedia romántica de proporciones operísticas. "No puedo morir. Y no puedo vivir solo", le dice la Criatura a Víctor durante un enfrentamiento crucial. Los ojos oscuros y expresivos de Elordi transmiten una tristeza penetrante que no se había sentido en este personaje. La complejidad también reside en la gama emocional de la conmovedora interpretación de Isaac como Víctor, un hijo traumatizado que, al intentar jugar a ser Dios, engendra a su propio hijo traumatizado en el laboratorio. La caída en desgracia de este genio visionario, devastado por las consecuencias de sus actos, es una tragedia tan dolorosa como la de la Criatura. Aquí todos juegan a villanos y víctimas. Y todos saben crear la empatía suficiente para que cada uno duela en momentos cruciales.

"Frankenstein" ha sido un proyecto muy querido por el director Guillermo del Toro durante mucho tiempo, pero no hace falta leer sobre los más de diez años que le llevó sacarlo adelante para comprenderlo. La pasión se desborda en cada fotograma, convirtiéndose de las mejores películas de Guillermo del Toro, esta es una narración épica con una belleza, emotividad y maestría excepcionales. El "Frankenstein" de Del Toro es un logro extraordinario que, en cierto modo, se apropia de la historia emblemática del género de terror y la transforma en un relato de perdón. Si bien Netflix le ofrece a esta obra maestra visual solo tres semanas en cines antes de su estreno en streaming, merece ser disfrutada en la gran pantalla.

Crítica Cinéfila: Late Night with the Devil

En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica. 

Hay una magia alocada en la televisión nocturna, donde las estrellas salen a brillar ante un público en vivo que aplaude y las reglas del decoro parecen relajadas en un ambiente de estudio que imita una sala de estar limpia y nítida. Sabemos que cada invitado está allí para promocionarse a sí mismo y a su último producto, pero entre las sonrisas practicadas y las bromas estratégicas, existe la embriagadora posibilidad de que algo impuro y real, algo impactante, incluso, pueda colarse a medida que nos acercamos a la medianoche. Este es el espacio resbaladizo y surrealista de la televisión celebrado en "Late Night with the Devil", una película de terror ordenada y temblorosa donde los programas de entrevistas y el mundo de los muertos chocan. 

Los guionistas y directores Cameron Cairnes y Colin Cairnes (también conocidos como los hermanos Cairnes) sitúan su película en el 1977. En televisión, Johnny Carson, con su amplia sonrisa y su agudo ingenio, era el rey del Late Night, un encantador embajador de todo Hollywood y sus travesuras en busca de fama. Así como Carson extendió gentilmente su sala de estar a la nuestra, también lo hicieron los horrores caseros del cine de los años 70. Películas aterradoras como "Carrie" y "The Exorcist" aterrorizaban a los espectadores con historias retorcidas de jóvenes de aspecto inocente irrevocablemente inclinadas hacia el mal y la devastación ante nuestros propios ojos. Con Late Night with the Devil, los hermanos Cairnes reúnen estos mundos de miedo y diversión en un viaje emocionante, mezquino y enfermizamente satisfactorio. 

El actor David Dastmalchian (The Suicide Squad, Ant-Man) se convierte en el centro de atención como el presentador de un programa de entrevistas, Jack Delroy. Un talentoso actor con el don de la palabra, su programa podría haber rivalizado con el dominio de Carson en los programas nocturnos, si no fuera por una tragedia personal el año anterior que rompió el corazón de Jack y descarriló la popularidad del programa. Desesperado por revivir sus perspectivas en decadencia, planea un programa de Halloween que el mundo nunca olvidará. Junto con un psíquico (que podría ser un estafador) y un escéptico profesional (que vive para causar problemas), Jack consigue una entrevista controvertida con una joven misteriosa. Lily (Ingrid Torelli) fue parte de un culto satánico devoto a un demonio peligroso. Una vez que se esfumó, ella fue la única que sobrevivió. Ahora, bajo el cuidado de su tutora/terapeuta (Laura Gordon), Lily ha venido a altas horas de la noche para compartir su historia, y tal vez presentarnos a su amigo especial, el Sr. Wriggles. 

Al plantear su argumento como precursor del pánico satánico de los años 80, los hermanos Cairnes rápidamente establecen una sensación de aprensión para sus espectadores, que conocen muy bien los rumores descabellados sobre adoradores del diablo, demonios, fantasmas y cerdos llamados Jodie que están por venir. El precursor del pánico moral y la paranoia es la ingenuidad perforada por un miedo penetrante. ¿Y qué mejor burbuja acogedora para perforar que la atmósfera agradable de un programa de entrevistas? 

Un ingenioso diseño de producción reconstruye cuidadosamente esta época. Tonos cálidos pero apagados de marrones, amarillos y naranjas se arremolinan en el escenario. Trajes elegantes y overoles de mezclilla ubican a los invitados en una época de estilo vanguardista y aparente inocencia, cuando una adolescente atendía la prensa vestida como una muñeca en lugar de una supermodelo. Mientras tanto, la cinematografía nos recuerda a la era del VHS, con fallos analógicos que podrían no ser nada... o podrían ser una advertencia de que algo va mal. Todos estos detalles capturan la época con tanta minuciosidad que, si no reconoces a los actores, podrías confundir Late Night with the Devil con un clásico de culto olvidado, del tipo auténtico que alguna vez se encontraba en las codiciadas cintas VHS. 

Sin embargo, la oda más importante a esta era es el tono del programa de entrevistas. Con una bravuconería despreocupada, Dastmalchian se pavonea en el papel de anfitrión imperturbable. Ya sea mostrando una sonrisa falsa para el público o bromeando con sus invitados en disputa, se siente profundamente integrado en esta marca alegre de entretenimiento y ventas. Al basar el primer acto en las realidades familiares del programa de entrevistas de los años 70, los hermanos Cairnes y Dastmalchian se meten debajo de nuestra piel y nos ponen la piel de gallina mientras arman un escándalo. 

Esta película no pretende ser tan llamativa en su espectáculo demoníaco como "Carrie" o "The Exorcist", que se jactaron de baldes de sangre de cerdo y vómitos vociferantes, respectivamente. Al igual que Rosemary's Baby, es una mezcla atmosférica que supura con trauma emocional. No se preocupe; habrá estallidos de bilis, sangre y una carnicería climática. Sin embargo, esos fragmentos sangrientos no serían tan contundentes si no fuera por la tensión dramática que ocurre detrás de escena del programa de entrevistas plagado de Jack. En cierto sentido, Dastmalchian debe asumir dos papeles: el de profesional consumado y el de desastre personal. Debajo de su traje a medida hay un corazón tembloroso que anhela algo más que grandes índices de audiencia gracias a este diabólico truco publicitario. Anhela una prueba de que hay algo más que esta vida, algo más allá. Y arriesgará cualquier cosa, incluso su alma, para lograr esta revelación. 

Dastmalchian ha interpretado con frecuencia a hombres espeluznantes (Prisoners) y criminales extravagantes (Ant-Man). Su característica intensidad se agita bajo la superficie incluso cuando Jack se porta bien ante la cámara del estudio. En sus ojos parpadea un fuego caótico de dolor, esperanza y ambición que no se puede sofocar. Y se refleja en la mirada desconcertante de una niña que dice albergar un espíritu demoníaco. Son una pareja hecha no en el cielo sino en el infierno. Y presenciar su enfrentamiento es una diversión de morderse las uñas. Rindiendo homenaje al horror de los años 70, "Late Night with the Devil" está impregnada de la estética de la época y su ansiedad moral emergente, así como del ritmo metódico que nos atrapa y no nos suelta hasta ese momento macabro final. 

Crítica Cinéfila: Croma Kid

Durante la década de los años 90, Emi (Bosco Cárdenas), un típico preadolescente malhumorado que ama la música, siempre se siente avergonzado por su familia y sus hazañas como magos en la televisión. Pero su vida toma un giro inesperado cuando, durante una visita a los estudios de grabación, descubre un dispositivo analógico que causa que su familia desaparezca en medio de una filmación. 

Pablo Chea, el hijo de reconocido cineasta Claudio Chea, hace su debut en el cine dominicano con una película que se puede colocar en la lista de referencias de películas que honren la evolución y trascendencia de la producción audiovisual dominicana. Con una diversidad de actores que toman sus roles como si el guión fue escrito pensado en ellos, y una colorización que permite trasladarnos directamente a la época de los 90, Cromakid es una película sobre la búsqueda del rol propio en este mundo y cómo esto permitirá encontrar el camino hacia los grandes desafíos que la vida vaya presentando.

La película inicia con un joven que llega a un estudio con el fin de transcribir unas cintas de VHS. Así cuenta la historia de cómo su interés por la producción y el croma viene de sus padres y su abuelo, quienes desde su niñez tenían un programa con usos de croma para crear efectos visuales y fondos de escenografía diversos. A pesar del poco presupuesto, lograban sacar distintos proyectos gracias a que cada uno cumplía con un rol: Lito (Jaime Pina) era el encargado de la parte creativa como la grabación y el montaje, mientras que su hija Daniela (Nashla Bogaert) se encargaba de la logística y la organización de los programas, y Brandon (David Maler) era el compañero de rutinas de Daniela y apoyaba en la toma de desiciones - a veces no bien calculadas - de las producciones.

Al haber crecido en una dinámica familiar poco convencional, Emi (Bosco Cárdenas) evidentemente no es tu niño convencional: llama a programas de radio para grabar las canciones que él mismo solicita, juega con el croma a crear efectos visuales poco realistas y tiene una gran naturaleza para meterse en problemas en el colegio sin siquiera llevar una postura de niño rebelde. De esta manera va viendo las herramientas audiovisuales como más que una manera de entretener a un público, y por eso se avergüenza de sus padres y su contenido; si se hubiese desenvuelto en un mundo moderno, seguramente Emi se hubiese viralizado al difundir sus videos experimentales y artísticos.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades financieras que la familia afronta, el equipo ha decidido dar el gran paso de dejar de hacer el contenido de su programa casero y se va a un estudio donde, aún con el costo de renta que significa, deciden darle la oportunidad. Emi, quien en su primera visita al estudio se logró apropiar de un anticuado lector de croma para repararlo en casa y hacer sus experimentos visuales, es testigo de la desaparición inexplicable de sus padres en medio de la primera grabación en el estudio. A pesar de toda la ausencia de lógica alrededor de este hecho, él siempre tiene la percepción de saber cómo resolver este gran misterio, y cuando logre descubrirlo, descubrirá a su vez por qué el croma siempre le llamó la atención.

A pesar de la estructura narrativa pasiva que mantiene la historia a lo largo de la película, esto obliga a quedarnos en los personajes, empatizar con sus necesidades y sufrir con sus crisis emocionales. El hecho que estos se resuman a cuatro personas permiten que la conexión entre ellos y hacia afuera mantenga su esencia. A pesar de que parecerían ir a la par en cuanto a protagonismo y perspectiva narrativa, el punto de vista lo carga Emi de Bosco, quien a su corta edad logra guiar a la audiencia a través de los ojos de un niño de los 90, con una carga emocional pesada: una actitud de mini-adulto por la falta de un adulto real en casa, la independencia para resolver lo que sea (hasta si esto es un aparato tecnológico que seguramente solo la generación X o expertos en materia audiovisual que trabajaron en esa época lo entendería) y el florecimiento de atracción hacia alguien que, a pesar de la diferencia de edad y lo diferente que es a él, parecería tener un interés por él.

Aunque el Departamento de Arte se la lució con las ambientaciones de la casa familiar, la escuela y el estudio, con colores que casi teletransportan a la perfección a un tiempo que a lo mejor mucho solo conocen por el cine y otros lo tomarán como un llamado nostálgico de su época dorada, la verdadera sorpresa la dan las actuaciones envolventes y motivadoras. Nashla Bogaert se destaca de todos, no solo porque es la única mujer del cast principal, sino más bien por salirse del papel que la tenían encasillado desde hace un buen tiempo y darle carácter y autoridad a la historia, convirtiéndose en el toque realista de lo que se puede o no hacer en el mundo artístico en el que se mueven. Su Daniela se siente como un grito de madurez a su carrera, uno que espero se lo permitan porque ella es muy merecedora de papeles que resalten tanto su belleza física como su profesionalidad en la actuación. Lo mismo ocurre con David Maler quien se convierte, tanto física como psicológicamente, en el alivio cómico de la película; claramente, Daniela es la figura maternal que se asegura de que todos mantengan una rutina en casa, mientras que Brandon parece representar el desequilibrio que su rectitud necesita. Jaime Pina como Lito representa la ternura y libertad que todo abuelo debe representar para un niño.

Entre el rejuego de escenografía, vestuario adecuados a los 90, una musicalización orgánica y envolvente, y un conjunto de talentos entremezclados que se salen de sus roles más tradicionales, "Croma Kid" se siente como un homenaje a una época, a la profesión de creación audiovisual para entretener, y al mismo medio de comunicación y cómo ha evolucionado. Pablo Chea se convierte en un excelente narrador, claro del enfoque que quiere darle, las emociones que quiere evocar y el recuerdo que pretende prevalecer,  con un lenguaje distintivo que marca su sello particular narrativo y que, aunque no parece tener la intención de replicar la forma en que su padre contaba historias, sí se sentiría como una carta de amor a quien seguro lo impulsó a seguir esta carrera.

Crítica Cinéfila: Uncle Frank

En 1973, una chica de 18 años llamada Beth y su tío Frank se embarcaron en una aventura por carretera que les llevaría de Manhattan a Creekville, en Carolina del Sur, para estar presentes en el funeral del patriarca de su familia. Durante el viaje se une a ellos inesperadamente el amante de Frank, Walid. Juntos, descubrirán el verdadero significado de la familia y de la libertad.

Alan Ball, una de las personas que ha hecho que el drama televisivo de formato largo sea más interesante en su conjunto que su equivalente en la gran pantalla en los últimos años, ha subrayado su comodidad superior con ese formato en las pocas funciones teatrales que ha realizado hasta la fecha. Su guión para "American Beauty", que dirigió Sam Mendes, fue brillante pero simplista; como guionista y director de “Towelhead” de 2007, no pudo completar la complicada agenda de la novela de Alicia Erian en dos horas.

He ahí donde entra "Uncle Frank" en tarima digital y logra un equilibrio más exitoso. Ambientada a principios de los 70, presenta al hábil y confiable Paul Bettany como un hombre gay obligado a enfrentarse a la familia sureña de la que se ha mantenido distante, aunque de todos modos se las han arreglado para comunicar una desaprobación tácita de que él sea "diferente". Bien redactado y manejado con gracia, esta es una súplica matizada de aceptación amorosa que debería atraer a una audiencia bastante amplia, incluso si se basa en los melodramáticos llorones.

Cuando tenía 14 años y vivía en un pequeño pueblo de Carolina del Sur, la precoz Beth Bleshoe (Sophia Lillis), se siente muy diferente, no encajando ni con los niños hiperactivos de su familia bulliciosa ni con las adolescentes del grupo. El abuelo (Stephen Root) es un patriarca de mano dura que su padre (Steve Zahn) intenta emular, mientras que las mujeres (Judy Greer y Margo Martindale) se limitan a quejarse en la cocina.

La única persona con la que Beth realmente disfruta estar cerca, y que realmente escucha lo que tiene que decir, es su tío Frank (Bettany) que visita con poca frecuencia, un profesor de literatura que huyó a Nueva York hace mucho tiempo. Sin embargo, a pesar de que él es inteligente, divertido y considerado, Beth no puede evitar darse cuenta de cómo gran parte de la familia lo excluye sutilmente, o no tan sutilmente, en el caso del abuelo. Cuando Frank la anima a pensar fuera de la caja local y crear su propia identidad, ella se toma esas palabras en serio. Por lo tanto, cuatro años después, ella es estudiante de primer año de la Universidad de Nueva York, donde él enseña.

Gracias a la connivencia de un compañero de clase más sofisticado (Colton Ryan), Beth pronto descubre el secreto de Frank: no solo no está casado con una "esposa" previamente presentada (Britt Rentschler), sino que ha estado viviendo con su novio Walid, también conocido como Wally (Peter Macdissi), durante una década. Esta noticia apenas ha sido digerida cuando los Bledsoes son llamados de regreso. Ha habido una muerte, y todos deben presentar sus respetos, de mala gana o no.

El viaje se vuelve más complicado cuando se descubre que Wally ha estado siguiendo a Frank y su sobrina. En uno de los puntos más débiles de la trama aquí, simplemente no puede entender por qué no se le puede presentar a la familia de su amante, a pesar de que en la cultura saudí que dejó atrás, tal reconocimiento de la homosexualidad podría ser recibido con arresto y ejecución.

Producida de manera atractiva, con atractivos detalles de diseño de época, "Uncle Frank" recuerda muchas sagas anteriores de presentación, pero vuelve a visitar su terreno familiar con una mezcla de humor y taquigrafía dinámica de caracteres. Los momentos ocasionales se vuelven más frecuentes en el camino hacia el sur, ya que Frank tiene recuerdos vaporosos de un romance adolescente condenado (representado por Cole Doman y Michael Perez), y luego, al llegar, cuando se cae del vagón incluso antes del funeral relacionado. Los acontecimientos dan un giro humillante y cruel. Con tragedias en el pasado y el presente, acompañadas de muchas lágrimas, discusiones, abrazos y afirmaciones curativas, la película se acumula en una exhibición más dramática de la necesaria para alcanzar el inevitable desvanecimiento de la nueva familia combinada.

Sin embargo, esos excesos tardíos funcionarán bien para muchos espectadores, e incluso en su forma más manipuladora, "Uncle Frank" permanece pulido y atractivo. Una gran ventaja es Bettany, que hace sentir profundamente la cortesía sureña residual del personaje principal, la urbanidad adquirida y las dolorosas cicatrices psicológicas. Aunque Beth es una especie de dispositivo de reemplazo de audiencia común, Lillis es completamente convincente como joven de su época.

Los roles secundarios están bien llenos, con el buen trabajo esperado de Zahn, Martindale, Root y otros. Donde la película pierde un poco su equilibrio es en la figura de Wally, que fue claramente escrito por Ball como un papel de ciruela para su creativo y compañero doméstico Macdissi. Pero la vivaz actuación de este último raya a veces en la masticación de escenarios, se siente como una construcción de personaje "despierta" y distrae de los conflictos familiares centrales de la historia que los ilumina.

Filmado principalmente en Carolina del Norte (no del Sur), "Uncle Frank" es un paquete logrado, aunque un par de tiros desde arriba corriendo desesperadamente por un bosque para evitar una tragedia podrían haber tenido un impacto más fuerte.