Crítica Cinéfila: La Bachata de Biónico

El romántico Biónico lucha por encontrar un trabajo y un hogar para mantener a su prometida La Flaca tras la rehabilitación. Intenta dejar las drogas con la ayuda de su compañero Calvita.

República Dominicana tiene muchas riquezas visuales. Aunque se ha convertido en el escenario favorito del Caribe para grabaciones internacionales importantes, detrás de esa belleza tropical hay una riqueza cultural en cada esquina. Por eso se debe reconocer cada vez que un cineasta local decide salirse de la zona metropolitana y aterriza en medio del escenario popular: el barrio. "La Bachata de Biónico" de Yoel Morales es una comedia negra que sigue a varios de tantos personajes que todo barrio dominicano tiene, y lo hace sin ninguna pena a mostrar los colores vibrantes que tiene este país.

La historia sigue a Biónico (Manuel Raposo), un drogadicto que decide dejar el crack porque el amor de su vida, La Flaca (Ana Minier), saldrá de rehabilitación en una semana. Como se ve a lo largo de toda la trama, el día a día de Bionico consiste principalmente en drogas. Pero él, según su amigo Calvita (El Napo), nunca pierde su llamada telefónica de las tres con su prometida La Flaca. Aunque la pronta salida de la flaca lo pone bajo presión repentinamente, esto también lo motiva a hacerse un llamado de atención para considerar salir del barrio, buscar trabajo y dejar de consumir. 

Gracias a la banda sonora cómica que captura la esencia hilarante de las afirmaciones de romance de Bionico y sus afirmaciones de dejar las drogas, la película es divertida y dolorosa a la vez, se siente real pero a la vez intensa. La música encaja con el estilo de falso documental y captura los elementos exagerados, casi oníricos, de cuento de hadas de la mente de Biónico. Es un mundo de delirios que los espectadores comprenden al instante. Biónico afirma ser un romántico que espera a su amor, pero se acerca a otra mujer en busca de... eso mismo. Cuando decide dejar de consumir, Biónico posee esa mentalidad de "es fácil" hasta que sus amigos lo atan a la cama y él les ruega que lo desaten. A lo largo del camino, la música oscila entre ritmos bailables y la magia infantil, sonidos que uno podría escuchar al darle cuerda a una caja de música infantil. Parece una extensión del espíritu de Bionico, comprometido con el sonido más que con los acontecimientos que se desarrollan.

La película también transmite una intensa sensación de urgencia, capturada por la frenética sensación de vivir "el día a día" de Biónico y sus amigos. Cuando su amigo, a quien llaman "El Ingeniero" (Donis Taveras), muere, Biónico es quien señala que, independientemente de si eran cercanos o no, merece un entierro digno. No está claro si esto es una muestra de compasión por parte de Biónico o si es otro aspecto de la fantasía drogadicta donde él es el romántico cariñoso. Así que colocan su cuerpo afuera, intercambian algunas palabras y esperan a un hombre mayor con una plataforma de madera con ruedas venga por él. El hombre con la carreta es una representación fascinante y a la vez escalofriante de la muerte.

Sin embargo, después de que este anciano, de largos dedos negros y puntas como garras, se marcha con su amigo, todos, incluido Biónico, vuelven a consumir. Es un momento trágico, y la banda sonora de la película captura sus tonos oscuros al regresar con el asesino de su amigo. Es una escena escalofriante, ya que la película usa primeros planos de cada persona encendiendo un cigarrillo antes de alejarse para mostrar que la única iluminación en la habitación proviene de sus encendedores parpadeantes o de las velas que otros usan para calentar su droga favorita. Y mientras tanto, la fecha límite de Biónico para desintoxicarse y preparar todo para La Flaca se acerca cada vez más.

Mientras los directores del documental de Biónico entrevistan a unos adoradores del barrio, la película muestra otro elemento de la adicción: la justificación religiosa. Mucha gente usa la religión como el porqué de lo que hacen o no hacen. Las personas adictas a las drogas no son diferentes. La mentalidad de estos adoradores es que el Águila los protege, así que está bien que roben para conseguir el dinero para su siguiente subidón. Para Bionico, no es Dios ni El Águila quienes lo protegen, es su amor por La Flaca, una mujer que los espectadores solo ven en videos de TikTok hasta casi el final de la películ. La fantasía de ella surge en medio del peligro y la tragedia. Biónico escapa una y otra vez a un mundo donde es alguien que hace cualquier cosa por la mujer que ama. 

Para profundizar el impacto emocional de la película, cada uno de los protagonistas ofrece fantásticas actuaciones. En particular, Manuel Raposo destaca junto a El Napo. Su adicción, su camaradería y las absurdas decisiones que ambos toman son cómicas, pero también creíbles gracias a los actores que los interpretan.

Es como una comedia romántica con Biónico, y el público se deja llevar por la emoción a pesar de los momentos destinados a despertar a Biónico y a los espectadores. El tono de la película da un giro drástico y desconcertante en el clímax, dejando a todos en shock junto con Biónico. En un efecto "The Florida Project", se siente como si el final es una fantasía trágica en crescendo, hasta que finalmente llega el hombre de la carreta a llevarse el siguiente muerto del barrio. La Bachata de Bionico es una comedia oscura y una tragedia: un falso documental sobre la adicción que emplea la risa hacia las desgarradoras circunstancias reales de la naturaleza destructiva de la droga.

Crítica Cinéfila: Books and Drinks

David es el bohemio dueño de una librería de Brooklyn en bancarrota. Tras una visita inesperada de su madre, descubre que su padre ha muerto de un infarto, dejándole en herencia su casa en el Caribe. Raquel, su novia, insiste a David en que vuele a República Dominicana para vender la casa y así poder saldar las deudas y convertir su librería en el lugar que siempre ha soñado. María, una apasionada agente inmobiliaria, le ayudará en la gestión de la venta. 

"Libros y bebidas"; suena a la combinación perfecta para los que somos amantes literarios. Me lleva a verme en una playa con una buena Piña Colada acompañada de una novela relajada. En definitiva, una forma agradable pero sin complicaciones de pasar el rato. Que pena que la combinación se cae totalmente en la película de Geoffrey Cowpar. Esta trama, que es una co-producción de Caribbean Films, abandona las emociones de su título a su totalidad cuando nos da un personaje que no toma y que excluye en su lista de lectura cualquier Bestseller.

David (Jackson Rathbone) está estancado. Es dueño de una librería en decadencia en Brooklyn y vive a la sombra de su exitosa y exigente prometida, Rachel (Clara Lago). Su vida da un vuelco cuando su madre le revela que el padre que ella le dijo que llevaba muchos años muerto, en realidad estaba vivo, pero finalmente ha fallecido. Ahora David debe viajar a la República Dominicana para vender la mansión de su difunto padre y obtener su herencia. En el camino, se encuentra en una encrucijada "amorosa". Descubrirá qué atrajo a su padre a la isla: la gente, la cultura y la posibilidad del amor verdadero.

Cuando el público conoce a David y su librería, seguro les vendra a la mente "Alta Fidelidad". Al igual que Rob y su tienda de discos en esa película, el negocio de David apenas sobrevive, en parte debido a su actitud ligeramente esnob hacia la literatura (se niega a encargarle un ejemplar de "Fifty Shades of Grey" a alguien), y tiene que pasarse los días escuchando a su ruidoso y descarado empleado Michael (David Maler), quien quiere diversificar la oferta de la librería con "fiestas literarias". En esencia, fiestas literarias con temática de libros y bebidas que son "literarias" en el lenguaje moderno de nuestros tiempos.

La repentina revelación del fallecimiento de su padre, a quien se creía fallecido, envía a David a República Dominicana durante unos días para vender la mansión que ha heredado y así poder salvar su propio negocio. Lo que sigue es una clásica historia de pez fuera del agua: David lucha por congraciarse con los lugareños, especialmente con los empleados de su padre en la casa. Muchos lo ven como el hombre blanco que viene a perturbar la comunidad con la venta.

Pero su actitud ante su propia estancia temporal cambia cuando conoce a María (Nashla Bogaert), la agente inmobiliaria que vende esta propiedad. El resultado es el inevitable triángulo amoroso que comienza a gestarse. Uno que implica un malentendido obvio y artificial, que incluye un chapuzón "accidental" en la piscina y alguien que entra en el momento menos indicado. El problema de esta subtrama es: ¿de qué lado debemos ponernos? Del lado de David y sus crecientes sentimientos hacia María (quien de por sí tiene novio) o del lado de Rachel (quien de por sí es la novia de años de David). No lo ponen tan difícil en la medida que van mostrando aún más el comportamiento obsesivo/posesivo/narcisista de Rachel. Por lo que la audiencia naturalmente se inclinará por apoyar "el amor orgánico".

Es esta falta de conflicto la que da como resultado un plato bastante insípido, carente del sabor y el picante que caracterizan la gastronomía de nuestro país. No solo decide evitar el drama de la relación que se está deteriorando creando otras relaciones alternativas, sino que David evita congraciarse con la comunidad y el conflicto que allí surge con relación a su fin. Al ser vegano, no prueba su comida. Se niega a conducir el clásico descapotable de su padre debido al calentamiento global. Y, salvo alguna partida de dominó con los lugareños, pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa leyendo un libro (sin una copa de vino, por cierto).

Al centrarse en el tema central de la relación, la película pierde la oportunidad de explorar el aspecto más interesante de su viaje: intentar asimilar la pérdida de este hombre al que nunca conoció. Un descubrimiento emocional que no se puede lograr simplemente tocando las teclas del viejo piano de su padre. Jackson Rathbone, famoso por interpretar a Jasper en la saga "Twilight", es un protagonista simpático. Sin embargo, el guion no le da suficiente para engancharle, a diferencia de las películas de vampiros. Sus diálogos son extremadamente superficiales y sus saltos de personalidad, dependiendo de con quien esté conversando, lo hacen aún más confuso.

El resultado final es como una novela que ya has leído muchas veces. No hay nada sorprendente en la trama, el romance no es creíble, y los personajes son olvidables. Como las bebidas que disfrutan con un buen libro, no tiene la intensidad ni la profundidad de sabor necesarias para dejar una impresión duradera.

Crítica Cinéfila: El Método

Narra la historia de seis profesionales que llegan a una entrevista de trabajo en una visible empresa poderosa, los cinco están acompañados de un sexto, que es un infiltrado, y todos compiten por lograr la posición que, según se va develando, se trata de un puesto de poder en esta multinacional llegada al país.

Hacía mucho que David Maler venía dando indicadores de su estilo cinematográfico como director: una localización, un grupo pequeño de personajes con personalidades muy distintas, traumas y actitudes que van saliendo a flote y un final que evoque una alegoría al arte, la cultura y el choque social en un híbrido narrativo. "El Método" hace todo eso, y a su vez retoma la posiblidad de Maler como cineasta de autor. Pero también retoma la posibilidad de que él sigue siendo un cineasta inspirado de referencias internacionales.

"El Método" es la historia de seis aplicantes a un puesto gerencial en una reconocida empresa. No se sabe que tipo de producto o servicio brinda la empresa, pero por el estilo de la edificación, la sala de espera, el mismo salón de entrevistas y su excéntrico recepcionista, se da a entender que es una empresa posiblemente muy poderosa, y por cómo hablan los aplicantes de ella, al parecer muy prestigiosa en su área de mercado. 

Cuando los aplicantes, visiblemente distintos, se percatan que la entrevista es más bien una competencia de "quien es el mejor" donde ellos deben de realizar unos ejercicios en conjunto, como evaluarse y descartar los que consideren menos pertinentes, e incluso identificar a un posible topo entre ellos, la situación se va poniendo tensa cuando comienzan a sacar las uñas (o mejor dicho garras) por la sed de apoderarse de esta importante posición laboral.

Inspirada en la película española de 2005, esta versión trae consigo algunas sorpresas desde sus actores. Todos se adueñan en estos roles con actitudes casi contradictorias a lo que ya se ha visto de sus carreras. Se podría recorrer la mesa completa y se podría elogiar algo de cada uno, sobre todo de Dahiana Castro y Roger Wasserman quienes no dejan de sorprender en cada una de sus intervenciones, pero los que sobresalen más son Pepe Sierra como el desagradable Enrique, y Nashla Bogaert como la precavida Esther. Ambos dan una impresión inicial que los aterrizaba en arquetipos ya vistos, pero en la medida que la historia avanza, sus personajes se acomplejan y hasta parecería que se intercambian momentos dramáticos reactivos, llevándolos a un climax explosivo e inolvidable para cada uno. Si me preguntan quien creo es el o la protagonista, diría que es Esther, porque la historia incia con ella, pero así mismo, el personaje obliga a que uno empatice con su situación fuera de lo que ya esté pasando en el salón, recordándole a todos que, además de posibles talentos empresariales, no dejan de ser humanos.

Maler ya se autorefugió en dos aspectos que rescata de Cuarencena: el empleo de la división de la historia por capítulos o segmentos, y el uso de un único espacio o localización para narrar la historia completa. A diferencia de la original de El Método, en lugar de rejugar más con el escenario (más allá del salón de conferencias y el baño), rejuega más con la tensión entre los personajes, dando pequeños detalles a nivel de cámara de lo grande que es esta empresa y lo minúsculo que puede hacer sentir hasta al personaje más empoderado. 

El arte es otro gran tirano en esta trama, adueñándose de la atención de cualquiera que se detenga en la majestuosidad de la escenografía y la atención a la elegancia de los vestuarios y maquillajes, dando "ejecutivo" por cada vistazo. Incluso el personaje que podría salirse de lo formal por su actitud logra mantenerlo hasta que sea prudente, e insisto que sería hasta esto, porque las historias que encierran a personalidades como estas están destinadas a crear una bomba de tiempo interna donde sea un "todos contra todos" asesino, literal o metafóricamente.

Maler ya encontró su nicho. Los traumas que reflejan sus personajes y la pesadez del pasado individualista es lo que predomina en sus temas, y esta trama no es una excepción. También encontró la fórmula para evitar huecos narrativos o el abandono a la suerte de la audiencia de cualquier pregunta sin responder. Los capítulos se cierran, se marcan bien los destinos de todos los personajes y su final se siente como un momento agridulce bien alcanzado. 

Solo hay un pequeño problema con esta película, y es el hecho de que no se siente como una película dominicana. Desde los aspectos de la escenografía con lujos visualmente extranjeros hasta en la selección musical, parece ser en cualquier otro país, particularmente en alguno primermundista, y no en Dominicana. Quizás otros dirán que esto no es importante, pero sí importa si es una película que gana un festival local que celebra lo que ha sido "hecho en RD", provocando que las películas que son más folklóricas (aquellas que cuentan tramas locales que pueden empatizar con situaciones y públicos de fuera) pierdan momento, y a su vez volviendo a realzar como las referencias extranjeras siguen siendo preferidas contrario a las historias de adentro.

¿Esto es un detalle que afecta la película como lo que ha logrado ser? En realidad, no. "El Método" seguirá siendo una película bien lograda, bien contada y bien actuada. Independientemente de la impresión que deja en esta crítica, no deja de ser una película que resalta del montón y que a su vez vuelve a posicionar a David Maler como un director que sabe lo que quiere narrar y que lo demuestra en su filmografía.

Crítica Cinéfila: Croma Kid

Durante la década de los años 90, Emi (Bosco Cárdenas), un típico preadolescente malhumorado que ama la música, siempre se siente avergonzado por su familia y sus hazañas como magos en la televisión. Pero su vida toma un giro inesperado cuando, durante una visita a los estudios de grabación, descubre un dispositivo analógico que causa que su familia desaparezca en medio de una filmación. 

Pablo Chea, el hijo de reconocido cineasta Claudio Chea, hace su debut en el cine dominicano con una película que se puede colocar en la lista de referencias de películas que honren la evolución y trascendencia de la producción audiovisual dominicana. Con una diversidad de actores que toman sus roles como si el guión fue escrito pensado en ellos, y una colorización que permite trasladarnos directamente a la época de los 90, Cromakid es una película sobre la búsqueda del rol propio en este mundo y cómo esto permitirá encontrar el camino hacia los grandes desafíos que la vida vaya presentando.

La película inicia con un joven que llega a un estudio con el fin de transcribir unas cintas de VHS. Así cuenta la historia de cómo su interés por la producción y el croma viene de sus padres y su abuelo, quienes desde su niñez tenían un programa con usos de croma para crear efectos visuales y fondos de escenografía diversos. A pesar del poco presupuesto, lograban sacar distintos proyectos gracias a que cada uno cumplía con un rol: Lito (Jaime Pina) era el encargado de la parte creativa como la grabación y el montaje, mientras que su hija Daniela (Nashla Bogaert) se encargaba de la logística y la organización de los programas, y Brandon (David Maler) era el compañero de rutinas de Daniela y apoyaba en la toma de desiciones - a veces no bien calculadas - de las producciones.

Al haber crecido en una dinámica familiar poco convencional, Emi (Bosco Cárdenas) evidentemente no es tu niño convencional: llama a programas de radio para grabar las canciones que él mismo solicita, juega con el croma a crear efectos visuales poco realistas y tiene una gran naturaleza para meterse en problemas en el colegio sin siquiera llevar una postura de niño rebelde. De esta manera va viendo las herramientas audiovisuales como más que una manera de entretener a un público, y por eso se avergüenza de sus padres y su contenido; si se hubiese desenvuelto en un mundo moderno, seguramente Emi se hubiese viralizado al difundir sus videos experimentales y artísticos.

Sin embargo, y a pesar de las dificultades financieras que la familia afronta, el equipo ha decidido dar el gran paso de dejar de hacer el contenido de su programa casero y se va a un estudio donde, aún con el costo de renta que significa, deciden darle la oportunidad. Emi, quien en su primera visita al estudio se logró apropiar de un anticuado lector de croma para repararlo en casa y hacer sus experimentos visuales, es testigo de la desaparición inexplicable de sus padres en medio de la primera grabación en el estudio. A pesar de toda la ausencia de lógica alrededor de este hecho, él siempre tiene la percepción de saber cómo resolver este gran misterio, y cuando logre descubrirlo, descubrirá a su vez por qué el croma siempre le llamó la atención.

A pesar de la estructura narrativa pasiva que mantiene la historia a lo largo de la película, esto obliga a quedarnos en los personajes, empatizar con sus necesidades y sufrir con sus crisis emocionales. El hecho que estos se resuman a cuatro personas permiten que la conexión entre ellos y hacia afuera mantenga su esencia. A pesar de que parecerían ir a la par en cuanto a protagonismo y perspectiva narrativa, el punto de vista lo carga Emi de Bosco, quien a su corta edad logra guiar a la audiencia a través de los ojos de un niño de los 90, con una carga emocional pesada: una actitud de mini-adulto por la falta de un adulto real en casa, la independencia para resolver lo que sea (hasta si esto es un aparato tecnológico que seguramente solo la generación X o expertos en materia audiovisual que trabajaron en esa época lo entendería) y el florecimiento de atracción hacia alguien que, a pesar de la diferencia de edad y lo diferente que es a él, parecería tener un interés por él.

Aunque el Departamento de Arte se la lució con las ambientaciones de la casa familiar, la escuela y el estudio, con colores que casi teletransportan a la perfección a un tiempo que a lo mejor mucho solo conocen por el cine y otros lo tomarán como un llamado nostálgico de su época dorada, la verdadera sorpresa la dan las actuaciones envolventes y motivadoras. Nashla Bogaert se destaca de todos, no solo porque es la única mujer del cast principal, sino más bien por salirse del papel que la tenían encasillado desde hace un buen tiempo y darle carácter y autoridad a la historia, convirtiéndose en el toque realista de lo que se puede o no hacer en el mundo artístico en el que se mueven. Su Daniela se siente como un grito de madurez a su carrera, uno que espero se lo permitan porque ella es muy merecedora de papeles que resalten tanto su belleza física como su profesionalidad en la actuación. Lo mismo ocurre con David Maler quien se convierte, tanto física como psicológicamente, en el alivio cómico de la película; claramente, Daniela es la figura maternal que se asegura de que todos mantengan una rutina en casa, mientras que Brandon parece representar el desequilibrio que su rectitud necesita. Jaime Pina como Lito representa la ternura y libertad que todo abuelo debe representar para un niño.

Entre el rejuego de escenografía, vestuario adecuados a los 90, una musicalización orgánica y envolvente, y un conjunto de talentos entremezclados que se salen de sus roles más tradicionales, "Croma Kid" se siente como un homenaje a una época, a la profesión de creación audiovisual para entretener, y al mismo medio de comunicación y cómo ha evolucionado. Pablo Chea se convierte en un excelente narrador, claro del enfoque que quiere darle, las emociones que quiere evocar y el recuerdo que pretende prevalecer,  con un lenguaje distintivo que marca su sello particular narrativo y que, aunque no parece tener la intención de replicar la forma en que su padre contaba historias, sí se sentiría como una carta de amor a quien seguro lo impulsó a seguir esta carrera.

Crítica Cinéfila: Motel

 ¿Cuántas cosas raras pueden pasar en la habitación de una cabaña? 

Si las paredes de los moteles hablarán, ya uno pudiese imaginarse la cantidad de historias que delatarían. En la República Dominicana, la habitación de un motel (o cabaña, como son conocidas de manera popular) se le da mucho más uso que una habitación matrimonial. Con la posibilidad de acceder por algunas horas o estar de paso toda la noche, la cantidad de personas que acceden allí, no solo a la semana, incluso por día, seguro es mucho más impresionante que un hotel más formal. Por eso no cabe duda que esta antología titulada por Alan Nadal Piantini como "Motel: Cuentos de la vida, la muerte y otras celebraciones" recorra no solo una gran variedad de personajes y situaciones, sino incluso una diversidad de géneros y estilos cinematográficos en su puesta en escena.

Cada capítulo está vinculado a un tono en específico, donde sus personajes retratan algunos conflictos desarrollados en esa habitación del motel: desde fetiches violentos, muertes inesperadas, anuncios de embarazos y hasta visitas recurrentes con empleados del mismo motel, su enfoque ronda alrededor de qué tanto pueden ocurrir entre esas cuatro paredes de la cabaña. Cada capítulo, incluyendo el prólogo, ha sido dirigido y escrito por un conjunto de cineastas locales que presentan sus puntos de vista en la estética de la escena pero incluso en la estética de la cinematografía. 

Entre algunas historias destacadas de preferencia, están la de una pareja de jóvenes que parece no poder consumar su relación hasta que se revela la razón por la que no pueden tener relaciones, dos hermanos que deben recoger el cadáver de su padre quien ha fallecido de un ataque cardíaco luego de haberse bebido una pastilla de viagra, y un señor y su esposa quienes deciden pasar hasta el último segundo de sus vidas juntos y él decide que eso será en la habitación de un motel. 

El concepto es muy atractivo y la dedicación de todos los actores es muy notable (sobretodo Héctor Anibal, Hony Estrella y Freddy Ginebra quienes resaltan), pero el mayor conflicto es en que, a pesar que todas las historias toman lugar en la misma habitación del motel, se sienten muy diferentes, y este problema yace en el inmenso listado de guionistas y directores vinculados a este proyecto. 

Gustavo López, Johanne Gómez, Amelia del Mar Hernández, Ernesto Alemany, Francisco Valdéz, Luichy Guzmán, Daniel Aurelio, Valeria Valentina, Ico Abreu, Diego Muziak, Emmanuel Galán & Ramón Monsanto, Adrian Pucheu y Alan Nadal Piantini, son solo los nombres de quienes dirigieron cada capítulo, y debido a la gran diversidad de estilos, las historias se sienten muy particulares; no conectan en estilo narrativo ni mucho menos en la presencia de los personajes. Desde un punto de vista de apreciación al mismo concepto de la antología de historias, quizás este detalle funcione a la perfección, pero han existido otros proyectos antológicos (Amores Perros, Relatos Salvajes, New York Stories, Pulp Fiction) que logran crear un equilibrio narrativo entre todos los personajes proyectados.

Pero dejando a un lado el tema narrativo, desde un punto de vista visual, el mayor desequilibrio cae en la variedad cinematográfica, donde en un intento de retratar cada género bajo un empleo específico de colores, cada episodio se sintió aún más como un universo muy particular de los demás. La antología de "un escenario, muchas historias" se pierde en los estilos tan individualistas de sus directores de fotografía, donde aparentemente conscientes hay uno asignado para cada acto. Esto crea un desbalance en la posibilidad de comparar un capítulo con otro.

Es verdad que uno encuentra muchas historias en la habitación de un motel, y que tanto la señora de limpieza como el dueño de esa cabaña son en sí testigos de primera fila ante aquellas situaciones; sin embargo, la forma en que Motel lo plasma pudo elevarse aún más si hubiese existido una mayor colaboración entre la docena de personas involucradas en su desarrollo directorial y cinematógrafo. Es una muy buena propuesta, pero con un resultado que pudo destacarse mejor.