Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.

Crítica Cinéfila: The Last House

En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa.

Dándole un giro inesperado al género de los thrillers de invasión a domicilio, "The Last House" de  Netflix pone a una familia en peligro cuando una misteriosa amenaza los encierra en su hogar sin posibilidad de escape, mientras caen lluvias torrenciales durante días que se convierten en semanas, meses y años. La hábil dirección de Louis Leterrier y las sólidas interpretaciones de Greta Lee y Wagner Moura como padres desesperados por proteger a sus hijos de sus peores miedos dan como resultado una película que, a pesar de sus elementos de ciencia ficción y terror, es tanto un drama psicológico como un thriller de supervivencia sobre cuatro personas que usan su ingenio y sus menguantes recursos para mantenerse con vida, incluso cuando sus estrechos lazos familiares comienzan a resquebrajarse. 

El guion de Matthew Robinson ("Good Luck, Have Fun, Don't Die") , que inevitablemente evoca el aislamiento del confinamiento por la COVID-19, oscila entre encontrar consuelo y una vulnerabilidad aterrorizada en la autosuficiencia, manteniendo la naturaleza exacta de la fuerza que aprisiona a la familia —y aparentemente a todos los demás en el mundo— en la ambigüedad hasta aproximadamente una hora después, cuando aumenta el suspense incluso cuando la narración se vuelve inestable. 

Esa espera podría frustrar a los fanáticos del género que requieren una dosis más instantánea de emociones y sustos de alta intensidad, o a cualquiera que espere el tipo de acción trepidante por la que Leterrier es más conocido, pero los actores hacen lo que sea para mantenerla entretenida.

La cita de Arthur C. Clarke con la que comienza la película es significativa: «Qué inapropiado llamar a este planeta Tierra cuando claramente es Océano». Con el aumento del nivel del mar a nivel mundial debido al cambio climático, esas palabras podrían resultar proféticas. La ansiedad generalizada asociada a estos problemas ambientales contribuye a la tensión que corroe a la familia mientras intentan descubrir quién o qué los mantiene cautivos y qué pretende esa entidad de ellos. 

Durante gran parte de su duración, "The Last House" se siente casi como una versión más realista de la tensa película de ciencia ficción y terror de Kaitlyn Dever de 2023, "No One Will Save You", aquí centrada en la respuesta humana a una amenaza más ambigua, posiblemente alienígena. Desde el primer día, cuando buscan respuestas, Jason Delgado (Moura) le dice a su familia que la fuerza que los ha dejado confinados en su casa no es de origen humano. Pero, al igual que el público, saca conclusiones basándose en un conocimiento concreto mínimo.

Jason, un ingeniero desempleado, recoge sus aparejos de pesca y regresa a casa desde el muelle mientras se acerca un fuerte frente de tormenta, sin haber pescado nada a pesar de sus esfuerzos matutinos. Una voz en off, identificada solo al final, nos dice: «El día que llegaron las lluvias, descubrimos que no estábamos solos». 

Cuando Jason lleva apresuradamente a su esposa Ann (Lee), a su hijo Graham (Noah Alexander Sosnowski), de 12 años, y a su hija Ruth (Riley Chung), de 8 años, al coche para comprar un árbol de Navidad, encuentra las puertas y ventanas de la casa selladas. Cualquier intento de forzarlas o incluso romperlas resulta inútil. Al mirar por las ventanas, los Delgado descubren que sus vecinos están en la misma situación, incluyendo a una pareja de jubilados que vive al otro lado de la calle y que tiene provisiones de comida limitadas.

Al principio, Jason y Ann animan a los niños a seguir una rutina —tareas domésticas, estudio, práctica de piano, educación física— convencidos de que la lluvia pronto parará y sus vidas volverán a la normalidad. Sin conexión Wi-Fi, ni señal de televisión ni de radio, las opciones de entretenimiento se limitan a juegos de mesa, la vieja colección de vinilos de Jason (un momento entrañable muestra a la familia bailando al ritmo de The Cure) y dos películas para elegir: Annie o Air Force One, para poner en un viejo reproductor de DVD.

Comienzan a racionar la comida, y Ann empieza a recolectar semillas de tomate y raíces de hortalizas para crear un huerto interior. Una de las ventajas de una casa en ruinas y con los cimientos hundidos es el fácil acceso a la tierra con solo levantar unas tablas del suelo. Una grieta en la chimenea impulsa a Jason a preparar una trampa con la que se dedica a "pescar", atrapando ardillas y otros animales salvajes que se adentran en el patio y acaban en la sartén. Pero esta fuente de alimento también trae consigo un nuevo peligro a la casa. De alguna manera, la necesidad de esconderse de lo que sea que esté afuera se vuelve imperativa, aún más cuando vislumbran por primera vez, de forma parcial, a una criatura imponente, irreconocible como cualquier especie conocida por el hombre. 

Su confinamiento se prolonga, dando un salto de cinco años, tiempo durante el cual la ordenada calle suburbana ha sucumbido ante la vegetación descontrolada. Los niños crecen y se convierten en adolescentes; Graham (Gabriel Barbosa) se vuelve más malhumorado e impaciente, mientras que Ruth (Emma Ho) se refugia en su vívida imaginación, leyendo sobre sirenas y monstruos mitológicos como el Kraken y el Leviatán. Comienza a elaborar teorías sobre criaturas marinas desconocidas que habitan en el fondo del océano. La cosa se complica cuando las entidades tentaculares del exterior se revelan y la familia se ve obligada a combatirlas. Pero el diseño de las criaturas es tosco, con inspiraciones que van desde H.P. Lovecraft y los kaiju, hasta la mutación del río descontrolado de  The Host  y una mezcla heterogénea de criaturas de ciencia ficción olvidables. 

Cuanto más los vemos y más se explica su presencia, más se le escapa la película a Leterrier, devaluada por clichés manidos de sustos repentinos como cadáveres flotando en el agua o cuerpos infestados de bichos repugnantes. Hemos visto demasiadas representaciones más aterradoras de familias enfrentadas a agresores no humanoides descomunales —en el mundo de "A Quiet Place", por ejemplo— como para quedar especialmente cautivados por los enfrentamientos aquí presentes, que resultan menos efectivos que la amenaza elemental de las crecientes aguas que amenazan con ahogar a los Delgado en su propia casa. Tras una acumulación emocional tan prolongada, el final se siente apresurado y su mensaje de empatía entre especies, un tanto trivial.

La principal fortaleza de la película reside en su énfasis en el amor familiar como fuerza vital, haciendo un guiño a los thrillers de los años 80. Puede que Ann y Jason parezcan estar al borde del colapso, asustando a sus hijos —ella se vuelve más fatalista, mientras que él está tan absorto en su responsabilidad de mantenerlos a salvo que descuida sus roles de esposo y padre—, pero el vínculo inquebrantable que los une hace que la situación sea más real de lo que el guion de Robinson sugiere. Lee y Moura son actores talentosos, especialmente convincentes en sus interpretaciones de Ann y Jason, cada vez más demacrados, que dejan de intentar ocultar su desesperación. Graham y Ruth están magníficamente elegidos para sus respectivos papeles, creando un retrato conmovedor de la familia como salvavidas que mantiene al público de su lado incluso cuando la narración flaquea.

Crítica Cinéfila: Spider-man, Brand New Day

Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home, y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo, ha desaparecido voluntariamente de las vidas y recuerdos de quienes ama. Combatiendo el crimen en una Nueva York que ya no conoce su nombre, se ha dedicado por completo a proteger su ciudad—un Spider-Man a tiempo completo—, pero a medida que aumentan las exigencias sobre él, la presión desencadena una evolución física que amenaza su existencia, al mismo tiempo que un extraño nuevo patrón de crímenes da lugar a una de las amenazas más poderosas a las que se ha enfrentado.

En las películas, a los superhéroes no les suele faltar compañía. Se organizan en ligas, escuadrones y dúos dinámicos. Tienen fans en cada rincón de la metrópolis, así como parejas importantes. (Incluso Batman, el vengador más renegado, vuelve a ser Bruce Wayne, el alma de la fiesta). Pero en "Spider-Man: Brand New Day", Peter Parker (Tom Holland) se ha convertido en un justiciero adicto al trabajo, motivado pero aislado. Lo vemos atrapar a un montón de villanos con la precisión de sus telarañas, para luego regresar al destartalado ático de Nueva York donde vive como un ermitaño, rodeado de pantallas de ordenador, trasteando con dispositivos electromecánicos diseñados para perfeccionar y concentrar sus poderes.

Pero es una cruzada solitaria. Peter, aunque ya no es un estudiante de secundaria ni un aspirante al MIT, está obsesionado con revisar los videos de redes sociales publicados por MJ (Zendaya), el amor de su vida, y Ned (Jason Batalon), su mejor amigo, siempre tan descarado. Doctor Strange borró todos sus recuerdos de Peter al final de "Spider-Man: No Way Home". Hacer eso era la única manera en que Peter podía salvar el multiverso. Ahora, cuando los tres finalmente se encuentran, MJ y Ned miran a Peter y ven a un completo desconocido. En cuanto a la querida tía May (Marisa Tomei), murió en la película anterior. 

En 2021, "No Way Home" recaudó 800 millones de dólares solo en Estados Unidos. Y si bien es tentador decir que tantos fans no pueden estar equivocados, mi propia experiencia con "No Way Home" fue que su extravagante y enrevesada historia de tres Spider-Man (Holland, Andrew Garfield, Tobey Maguire) fue una maniobra brillantemente orquestada y astutamente cínica de nostalgia, por no mencionar una película que solo me recordó por qué me mantengo fiel a Tobey Maguire como Spider-Man.

Tras “No Way Home”, “Spider-Man: Brand New Day” se siente por momentos como un bálsamo de drama contemplativo. La nueva película fue dirigida por Destin Daniel Cretton, el talentoso cineasta independiente que se adentró en el universo de Marvel con “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021). En “Brand New Day”, se percibe el gran esfuerzo que pone en crear una película de cómics reflexiva, humana y madura, y mucho mejor a su primera experiencia con este universo. Pero cuando se nota el esfuerzo que hace una película por lograr esas cualidades, tiende a desviar la atención de su objetivo.

En líneas generales, "Brand New Day" abarca lo que se espera de una película de superhéroes. Tiene una dosis satisfactoria de acción explosiva y vertiginosa, en particular una secuencia extendida, ambientada dentro y fuera de un rascacielos, donde Hulk, interpretado por Mark Ruffalo, irrumpe en escena. Tiene un héroe con una buena dosis de conflicto interno bajo su fachada bondadosa, así como una interpretación simpática y descontenta de Punisher por parte de Jon Bernthal y un villano que dista mucho de ser una caricatura odiosa. Sin embargo, si bien la película es entretenida por momentos, también es ardua, demasiado episódica e innecesariamente larga. Me alegró ver que "Brand New Day" no se pierde en el síndrome de fatiga de superhéroes con un exceso de CGI, pero la película es más agitada y pretenciosa que emocionalmente conmovedora.

Parte del problema radica en la trama de la amnesia. Al principio, resulta divertido y conmovedor que Peter, al encontrarse en la misma habitación que MJ, tenga que enfrentarse al hecho de que ella no lo recuerda. Estas escenas ahora tienen una dimensión metateatral propia. Sin embargo, después de un tiempo, la situación básica se vuelve un tanto frustrante. Queremos que la relación entre Peter y MJ sea un viaje, no una triste ironía congelada.

“Brand New Day” fue escrita por los veteranos de las películas de Marvel, Chris McKenna y Erik Sommers, cuya trama se nos presenta en bloques conceptuales. Al principio, Peter descubre que, como resultado de una concentración excesiva de ADN arácnido, sus poderes se han descontrolado. Pensamos que tal vez veremos un eco del drama traumático de “Superman II”, uno de los clásicos del género de superhéroes. Sin embargo, Peter solo necesita recuperarse con un “inhibidor”, un dispositivo plateado que se coloca en la nuca. Así recupera el control de sus poderes. Pero si “Brand New Day” iba a introducir este conflicto, la película debería haberlo mantenido hasta el final, en lugar de presentarlo como un capítulo cerrado.

Durante un tiempo, el villano resulta intrigante: una fuerza misteriosa capaz de entrar en la mente de cualquiera (excepto la de Spider-Man). Esta oscura habilidad se manifiesta en la imagen de personas que son repelidas una tras otra, como por un campo magnético, mientras las habilidades telepáticas del villano saltan de un huésped a otro. Spider-Man puede estar hablando con alguien que dice algo siniestro, y nos damos cuenta de que simplemente están canalizando al villano. ¿Pero qué importa? La película cree que este concepto es más impactante de lo que realmente es. Por fin, descubrimos quién es el villano, y resulta que no es... un villano. En realidad, es un personaje con una motivación honorable y comprensible. Sadie Sink la interpreta con una urgencia conmovedora, pero ¿cuál es, exactamente, el punto dramático de un enfrentamiento entre villanos que se convierte en una historia de amor? Es como si la película presentara a los villanos de los cómics como un grupo identitario que necesita ser salvado.

Se le agradece a Destin Daniel Cretton que intentara ofrecer algo más que la típica aventura de conectar los puntos del multiverso. Pero "Brand New Day" no llega a ser realmente impactante. O por lo menos, no para mí.

Crítica Cinéfila: The Invite

Una pareja invita a los vecinos a su casa, lo que desencadena una velada llena de giros inesperados, revelando emociones profundamente reprimidas y una sexualidad inexplorada en esta historia que explora las complejidades de las relaciones de hoy en día. Basada en la obra de teatro Cesc Gay 'Los vecinos de arriba', que dio origen a su película 'Sentimental' (2020).

Cuando uno va al cine sabiendo que trata sobre dos parejas que se reúnen para una cena, existen ciertas expectativas sobre lo que va a suceder, expectativas que están prácticamente arraigadas en nuestro ADN cinematográfico. Uno espera que los diálogos, durante un tiempo, sean ligeros, divertidos, mordaces y cáusticos. Uno espera que, a medida que avanza la noche, las máscaras de cortesía se desmoronen, revelando algo más doloroso y quizás brutal bajo la superficie. Uno espera que haya una coquetería seria (entre quienes no son pareja) y que todo termine estructurado como una especie de juego de la verdad. Y uno espera que, al final, haya destrucción… pero quizás, en esa destrucción, una especie de sanación.    

“The Invite”, dirigida por Olivia Wilde (“Don't Worry Darling”) a partir de un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y protagonizada por Wilde y Seth Rogen como una pareja de San Francisco, casada desde hace mucho tiempo, que se queja constantemente, y que invita a cenar a sus vecinos de arriba, es una película que cumple con todas las expectativas. Sin embargo, lo hace de una manera tan original, tan llena de sorpresas, tan fresca y actual en su visión de cómo funcionan (o no) las relaciones, que uno la ve completamente absorto y encantado.

Parte de lo novedoso de la película es su tono, que es a la vez mordazmente divertido y sutilmente serio. Es como si estuviéramos viendo una nueva versión de "Who's Afraid of Virginia Woolf??" al estilo de Woody Allen en "Husbands and Wives". La influencia de Allen se hace patente, sobre todo, en la caracterización de Joe (Rogen), un antiguo músico de indie rock que ahora es profesor asociado en un conservatorio de música cerca de Berkeley (atormentado por el hecho de que no sea ni de lejos tan bueno), y Angela (Wilde), que se graduó en la escuela de arte pero nunca siguió sus pasos, salvo por el cariño con el que ha amueblado y reformado su apartamento. Ella es un manojo de nervios, mientras que Joe es un cascarrabias bromista al estilo de Allen y Larry David, aunque su pesimismo es tal que sus chistes desprenden un matiz de desesperación tóxica.

La pareja tiene una hija de 12 años que está en una pijamada, y viven en un apartamento espacioso y acogedor que Joe heredó de sus padres, lo que lo hace sentir como un fracasado. También le preocupa que, tras un álbum con un pequeño éxito, sus sueños de indie rock se esfumaran. En cuanto Joe llega a casa y Angela le informa de que los vecinos vendrán esa noche, empiezan a discutir (sobre si ya se lo había dicho, sobre que Joe se comió un pepinillo del plato de aperitivos, sobre la alfombra que acaba de comprar, sobre la bicicleta plegable que le hace doler la espalda y que no consigue plegar, sobre el hecho de que él no compró una botella de vino). Pronto nos damos cuenta de que estos dos se pelean por cualquier tontería, por insignificante que parezca, porque ahora esa es su forma de conectar.

Sin embargo, a pesar del rencor contenido que se muestra, lo que nos atrae de "The Invite" es la fluidez de los diálogos; los personajes a menudo se interrumpen entre sí de forma muy realista, con la dosis justa de ingenio y rivalidad para que incluso la ira doméstica, presentada con tanta autenticidad, resulte un placer. Es el sonido de dos personas que ya no se soportan, pero también el de una comunicación tan cargada de melancolía que suena a jazz. (La película comienza con un collage de imágenes con una versión jazzística de «Isn't It Romantic?», ​​y sí, el uso de esa canción es sumamente irónico).

Entonces llega la otra pareja. Pína (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton) son todo lo contrario a Joe y Angela: tranquilos, glamurosos y armoniosos. Ella es psicoterapeuta y sexóloga, él es un bombero jubilado (aunque se comporta más como un gurú de la Costa Oeste), y sabemos que disfrutan de una vida sexual intensa, porque ya ha sido motivo de una fuerte discusión: hacen tanto ruido por la noche que Joe quiere quejarse, mientras que Angela, una complaciente compulsiva, se horroriza ante la idea de que mencionarlo pueda interferir con los orgasmos de otra mujer. Al menos esa es su justificación; también da la impresión de que simplemente es demasiado tímida para atreverse a hablar del tema.

En cuanto aparecen estos dos, Joe empieza a provocar a Hawk, porque esa es su manera de ser, y empezamos a percibir la sutileza con la que estos cuatro se van a relacionar. Joe no tiene pelos en la lengua, pero Hawk dice que eso es lo que le gusta de él. Suena sarcástico, hasta que nos damos cuenta de que lo dice en serio. Pina, que es española, mantiene la conversación seria (aunque no del todo honesta), mientras que Angela es un manojo de nervios exuberante cuyo instinto es ocultarlo todo.

No se puede hablar de lo que sucede en "The Invite" sin dar spoilers, así que aquí va. El tema del sexo excesivamente ruidoso es algo que Pína y Hawk sacan a colación por su cuenta, lo que disipa la tensión durante aproximadamente un minuto. Pero luego revelan por qué su sexo es tan ruidoso: son lo que antes se llamaba swingers, solo que estos dos ahora se presentan como adictos "ilustrados" de la Nueva Era al sexo en grupo. "En realidad no se trata de penetración", dice Pína. "Bueno, un poco sí", dice Joe. El diálogo que sigue es casi impactante por su hilaridad casual, porque McCormack y Jones, en un acto brillante de guion, han imaginado los encuentros eróticos de esta pareja de una manera casi cinematográfica, como expresiones de su carácter. La película nos pide que nos riamos de la locura y la aventura sexual sin reducirla a una broma. Y eso es antes de que Pína y Hawk hagan la verdadera invitación de la película: ¿Quieren Joe y Angela unirse a ellos en un cuarteto?

Eso suena a la premisa de cierto tipo de película de Sundance; llamémosla "atrevida y divertida". Pero, afortunadamente, "The Invite" no es esa película. Wilde, como directora, la filma con una asombrosa sensación de autenticidad. El apartamento donde transcurre toda la película parece real, con historia; la iluminación es perfecta. Y la reacción de Joe y Angela a la invitación de sus vecinos no se reduce a una sola cosa. Su respuesta se despliega como una flor. Trata sobre la lujuria, la soledad y las posibilidades, sobre las razones por las que podrían desear tener una orgía, y sobre cómo la película va a aprovechar esta situación, sin caer en lo fácil ni simplificarla demasiado.

Los cuatro actores son increíbles. Rogen, aunque arraigado en su personaje clásico de racionalidad gruñona, nunca lo había explorado con tanta profundidad. Wilde, una actriz espectacular, dota a Angela de tantos matices de deseo, infelicidad y sueños a los que aún se aferra, que su actuación es como un borrón que poco a poco se enfoca con belleza. Norton nos hace reír con la certeza zen de vaquero de Hawk, hasta que escuchamos su propia historia en un monólogo que uno escucha en un silencio hipnotizado. Y Cruz, cuya Pína es la catalizadora de todo esto, proyecta una fuerza vital erótica que viene acompañada de su propio juego. Es Pína quien dice, en esencia, que algunas relaciones necesitan morir para poder renacer como algo diferente. 

"The Invite" es maravillosamente entretenida, pero parte de la razón es que creo que mucha gente se verá reflejada en esta película, que, a pesar de su bravura mordaz, es lo suficientemente humana como para jugar un juego de verdades que resuena con autenticidad.

Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Evil Dead Burn

Tras la muerte de su marido, una mujer busca consuelo junto a la familia de él en su aislada casa familiar. Pero cuando, uno tras otro, empiezan a quedar poseídos, la reunión se convierte en un reencuentro familiar sacado directamente del infierno. Entonces descubre que los votos que hizo en vida... siguen siendo vinculantes incluso después de la muerte.

Es hora de desempolvar las tarjetas de la biblioteca y volver a consultar ese ejemplar desgastado del  Necronomicón Ex-Mortis. No es que el infame "Libro de los Muertos" tenga mucha relevancia en "Evil Dead Burn", la sexta entrega de la longeva saga de terror sobrenatural de Sam Raimi, que comenzó allá por 1981. La única información útil que se revela en sus siniestras páginas esta vez es la existencia de una antigua daga, el único medio para matar a un demonio definitivamente. Como era de esperar, el clan de demonios recién convertidos no se detendrá ante nada para encontrarla antes que la superviviente, que milagrosamente no está infectada.

Puede que el director Sébastien Vanicek  haya surgido bastante después de la ola del Nuevo Extremismo Francés de finales de los 90 y principios de los 2000 —su primer largometraje, la impactante película de terror sobre arañas descontroladas de 2023, "Infested", pero su gusto por la carnicería espeluznante, la crueldad despiadada, las vísceras derramadas y la violencia hipergráfica que rechina los huesos está firmemente arraigado en esa escuela. Esta es una película que se regocija en su propia crueldad.  El exceso es claramente la consigna del director, lo que pareció encajar a la perfección con los gustos del público aficionado al cine de terror sangriento al extremo. Cada nueva escena de cráneos aplastados, derramamiento de sangre viscoso e improvisación creativa con armas fue recibida con puños en alto, gritos de aprobación y más de un par de exclamaciones de asco. 

El hecho de que el guion de Vanicek y su compatriota francés Florent Bernard no ofrezca casi nada novedoso en términos narrativos es probablemente irrelevante, aunque a esta nueva entrega independiente le habría convenido un principal agente del mal más consolidado, como la monstruosa madre de Alyssa Sutherland en la entrega anterior, "Evil Dead Rise" de Lee Cronin. Esta vez es el padre quien empieza a sembrar el caos en otra familia, aunque la creciente cantidad de demonios hace que pronto se convierta en parte de la banda demoníaca, y no en la principal amenaza.

Al igual que su predecesora de 2023, "Evil Dead Burn" comienza con la rápida eliminación de personajes secundarios en un bonito paraje junto a un lago, donde los amigos Jared (Keanu Karim) y Leo (Tapiwa Soropa) están pescando. Cuando Leo se aleja para contestar una llamada de su novia, Jared pezca algo tan pesado que hace que su caña se doble, y empieza a recoger lo que él supone que será una gran captura. Pero no. Desde el principio, Vanicek demuestra que no se anda con rodeos, con una muerte brutal. Cuando Leo regresa, ya es demasiado tarde para ambos.

La portadora de la muerte (Greta van den Brink), tras levitar sobre el lago y llegar a la carretera, sirve de enlace con los personajes principales cuando un coche a toda velocidad la atropella. El conductor es Will (George Pullar), un impulsivo que se marcha furioso de un club en medio de una discusión con su esposa francesa, Alice (Souheila Yacoub), abandonando la celebración del cumpleaños de su hermano Joe (Hunter Doohan), que estaba allí con su novia Thya (Luciane Buchanan). El choque de Will con el demonio desata una venganza incendiaria, sumando así tres muertes incluso antes de que aparezca el título principal.

Los primeros indicios de que Will era un marido maltratador parecen tener un precedente en el carácter irascible de su padre, Edgar (Erroll Shand), cuya amabilidad se reserva principalmente para su perro. Hasta que incluso ese vínculo se torna hostil. En el funeral de Will también conocemos a su madre, Susan (Tandi Wright), una mujer de carácter duro y afligida, cuyas palabras durante su elogio fúnebre —«Daría todo por que volviéramos a estar juntos»— resultan presagiadas. Edgar insiste en quedarse a solas un momento con su hijo muerto antes de que el ataúd sea introducido en el horno crematorio. Se sobresalta al oír un golpe que parece provenir del interior del ataúd cerrado, pero el caos que se desata permanece invisible, solo audible en la inquietante banda sonora de Samy Bardet. 

De vuelta en la destartalada casa familiar, Edgar se vuelve aún más hosco, arremetiendo contra el bondadoso Joe por ser un estudiante mediocre comparado con su hermano y provocando que Thya se preocupe por la cercanía de Ed a objetos punzantes. Solo la abuela (Maude Davey), que habla sin parar debido a su avanzada demencia, parece ajena a la tensión. Sin embargo, y aunque ya lo intuirás, si crees que la falta de lucidez, una silla de ruedas y una pierna protésica impedirán que un octogenario cascarrabias se convierta en una fiera con la fuerza de un luchador de peso pesado, probablemente nunca hayas visto una  película de "Evil Dead". Y si la has visto, seguramente podrás predecir la secuencia de sucesos espeluznantes que siguen. 

Vanicek y Bernard establecen las conexiones necesarias con la mitología de Evil Dead  al situar la casa destartalada donde el abuelo historiador de Will y Joe realizó una extensa investigación sobre el Necronomicón antes de abandonar a la familia para viajar por el mundo en busca de información sobre un misterioso culto conocido como El Círculo de los Sabios, una adición insignificante a la mitología. Si bien Susan ha insistido repetidamente en que Joe se deshaga de la colección de notas, dibujos, artefactos y un detallado álbum de recortes del abuelo, él solo cumple a medias.

Naturalmente, alguien, en este caso Alice, saca el temido libro de una bolsa de basura, lee que las fuerzas demoníacas se invocan con un conjuro y procede a pronunciar esas palabras sin sentido en voz alta. Un gran error, aunque posiblemente solo un poco más tonto que Susan, que coloca los cubiertos del lavavajillas con la hoja de los cuchillos hacia arriba. 

Junto con el tema poco desarrollado de las mujeres que se han endurecido para sobrevivir a hombres abusivos, la desconfianza xenófoba hacia los extraños influye en la fría actitud de los padres de Will hacia Alice desde el principio. La abuela no discrimina, lanzando insultos con igual virulencia tanto a Alice como a Thya. Pero la hostilidad de Susan es más directa, mirando de reojo a su nuera incluso en el funeral. La actuación de Wright es divertida porque parece solo un poco menos rencorosa en su modo benigno que cuando se deja llevar por el programa demoníaco y empieza a gritarle a Joe: "¡Tráeme la daga Kandariana!". 

A medida que los miembros del grupo se vuelven feroces uno a uno y la matanza se intensifica, es obvio quién será el último en pie. La diversión, como siempre, reside en descubrir qué objetos serán reutilizados como armas. Entre los objetos se incluyen un reposacabezas de asiento de coche desprendido, una elegante pluma estilográfica que Will le regaló a Joe, un candelabro espantoso, un sacacorchos y un trozo de porcelana de un inodoro roto. No es común ver hilos de hilo de pescar sueltos con anzuelos que atan a un personaje como si fuera un asado. Por supuesto, también hay guiños a la querida motosierra de la época de Raimi con herramientas eléctricas como una desbrozadora y un taladro percutor de alta potencia.

Vanicek y el director de fotografía Philip Lozano aumentan la energía visual para que esté a la altura de la acción incesante: mucho trabajo de cámara frenético en mano; tomas de seguimiento vertiginosas; una toma única virtuosa; un zoom a alta velocidad a ras de suelo (sello distintivo de la serie) a través de bosques; y el encuadre desorientador habitual, sobre todo cuando los personajes empiezan a trepar por las paredes y los techos como arañas o a deslizarse por el tejado.

La banda sonora del dúo experimental francés Double Danger (también compositores de  Infested) intensifica la acción, pasando de una electrónica inquietante a una histeria digna de Black Mass con elementos corales satánicos. La preferencia por los efectos prácticos sobre los generados por ordenador resulta satisfactoria, destacando el impresionante trabajo de la diseñadora de maquillaje Jane O'Kane.

Hay momentos de humor negro, pero solo un chiste, el del salvaescaleras motorizado de la abuela, resulta realmente hilarante. Vanicek parece más interesado en mostrar escenas sangrientas, hasta el punto de que la película se asemeja más a una sucesión de secuencias hiperviolentas que a una historia con sustancia. Esto también deja a los actores con poco margen para definir sus personajes, limitándolos a interpretar estereotipos, aunque la actriz suiza Yacoub resulta convincente en su papel de Alice, demostrando su resiliencia sin restarle importancia en ningún momento a la tortura mental y física de pesadilla que sufre.

Extraño el espíritu pícaro, el sentido del humor travieso y la comedia descarada que definían las originales de Raimi, sin mencionar la locura desquiciada del querido personaje principal de Bruce Campbell, Ash. (Raimi y Campbell son productor y productor ejecutivo, respectivamente). Las nuevas versiones de la saga, comenzando con el reinicio suave de Fede Álvarez de 2013, "Evil Dead", han abandonado en gran medida sus raíces como comedia de terror en favor de una matanza orgiástica. Sin duda hay un público para eso, pero es un estilo completamente distinto que honra los primeros capítulos solo de nombre.

Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: Avatar - The Last Airbender, 2da temporada

Aang, Katara y Sokka viajan por el Reino Tierra en busca de un maestro para que Aang aprenda Tierra-control. En su camino conocen a Toph, quien se une al equipo para enseñarle. Juntos deben llegar a la ciudad de Ba Sing Se para detener a la Nación del Fuego, enfrentándose a la policía secreta Dai Li y a la princesa Azula.

Al ver la primera temporada de Avatar, tuve una mezcla de emociones: fue una temporada televisiva que no sabía si debía ser cruda y oscura para los adultos que vieron la original hace 20 años, o si debía replicar la diversión y el humor para una nueva generación de niños. Al final, encontró el equilibrio entre ambos tonos; por suerte, cuando el mundo más lo necesitaba, el avatar regresó.

La segunda temporada de "Avatar: The Last Airbender" mejora prácticamente todos los aspectos de la primera, de forma realmente impresionante. El ritmo es mucho mejor; la condensación de las tramas crea una historia más sustanciosa que permite a cada personaje tener su propio arco argumental satisfactorio; y hay algunas subtramas originales que suponen una mejora genuina respecto al material original. La serie también resuelve por fin su problema de tono al hacer que la historia madure. Al igual que la serie animada original empezó a madurar en el segundo libro de su historia, la versión de acción real también adopta un enfoque más serio con sus personajes ya adultos —literalmente, en el caso del estirón de Gordon Cormier, que la temporada intenta explicar torpemente— y la historia madura junto con ellos.

Al ser el segundo libro un capítulo tan extenso de la saga de Aang, resulta difícil adaptarlo, ya que abarca demasiados lugares e historias secundarias. La adaptación de acción real opta por centrarse casi de inmediato en la parte de Ba Sing Se, aumentando la emoción y los peligros de la metrópolis. Funciona, pues nos permite comprender bien el funcionamiento interno de la capital del Reino Tierra y su cultura, la vida protegida de sus ciudadanos y la vasta red de secretismo y vigilancia a la que están sometidos.

La temporada logra un buen equilibrio al dotar a la trama principal de urgencia, a la vez que justifica la ralentización del ritmo para que los personajes tengan tiempo suficiente para explorar la ciudad y desarrollar sus propias historias. Resultan especialmente interesantes las subtramas de Aang, quien se ve obligado a jugar a la política con Long Feng para intentar conseguir una audiencia con el rey; la de Toph y sus dificultades con su terrible historia familiar; y los intentos de Zuko e Iroh por empezar una nueva vida. Y no dejó de dar ciertas pinceladas al creciente interés amoroso de Aang hacia Katara y lo que eso significará en la siguiente temporada.

Miya Cech hace un trabajo excelente como Toph, encarnando la dureza y la destreza del personaje, pero también su vulnerabilidad, especialmente cuando se trata de su familia. Y hablando de familia, la Nación del Fuego sigue siendo uno de los puntos fuertes de esta adaptación. Azula, interpretada por Elizabeth Yu, es una villana fenomenal, y en esta temporada tiene un papel más importante que nos permite comprender su resentimiento hacia Zuko y sus padres, así como su desesperada y despiadada búsqueda de aprobación. Dallas Liu es un Zuko impecable, y su interpretación de la historia de Zuko es un placer de ver incluso en este nuevo formato. Sin embargo, en esta ocasión, es el tío Iroh, interpretado por Paul Sun-Hyung Lee, quien se lleva las mejores partes de la historia.

Esta serie sabe cuándo remezclar las tramas y cuándo añadir ideas originales para que los elementos posteriores tengan mayor impacto, como en el caso de Iroh. La segunda temporada profundiza en la historia de Iroh con el Reino Tierra, no solo con la pérdida de su hijo, sino también recordándonos explícitamente que antes de ser un tío divertido y sabio, fue un criminal de guerra. "Avatar: The Last Airbender" confronta a Iroh y lo obliga a afrontar las vidas que destruyó y las atrocidades cometidas bajo su mando. Se basa en momentos sutiles e implícitos del material original, presentándolos de una manera que Nickelodeon no habría permitido.

Lamentablemente, no todo es perfecto. Visualmente, la serie se ambienta mayormente de noche con una iluminación deficiente que dificulta seguir la acción. Los doblajes y los combates lucen genial, pero hay cierta torpeza en los efectos especiales y algunas criaturas en acción (aunque Wan Shi Tong se ve fantásticamente terrorífico). Peor aún es el uso constante de imágenes generadas por computadora, aunque hay escenas ambientadas en escenarios físicos que no sean simplemente habitaciones cerradas y que se sienten bastante creíbles. Destaco personalmente el planetario.

Asimismo, aunque gran parte del material añadido y la reorganización de los elementos originales dan como resultado una buena historia en general, la adaptación se resiente al forzar algunos de esos elementos en lugares quizás inadecuados. Esto se nota especialmente con la desaparición de Appa; ocurre al principio de la serie animada y se convierte en un elemento clave de la mayor parte del Libro Dos, pero la serie de acción real la deja para los últimos episodios de la temporada; sin embargo, es una oportunidad para crear situaciones y confrontaciones más complejas entre los personajes, sobre todo en el Aang de Gordon Cormier. Aunque pierde gran parte de su impacto emocional y se percibe como un giro forzado e inesperado cuando ya existen suficientes subtramas que impulsan la historia hacia su conclusión, el corazón sigue estando presente en cada momento, y en cada episodio. 

Y aunque el mayor problema de esta adaptación sigue siendo como se siente obligada a incluir cada detalle memorable de la serie animada original, incluso si para cuando se incluye, ya no tiene sentido, "Avatar: The Last Airbender" regresa con una segunda temporada muy mejorada que encuentra un buen equilibrio entre momentos divertidos y una historia más oscura y madura. El ritmo genera una sensación de urgencia que, a la vez, permite el desarrollo de tramas secundarias, incluyendo un papel más importante para el tío Iroh, que no solo es lo mejor de la temporada, sino que supera al material original.

Crítica Cinéfila: Supergirl

Tomando como referencia la reciente miniserie escrita por Tom King, esta película promete una visión diferente de lo que la mayoría piensa cuando le viene a la mente la prima de Superman. 'Veremos la diferencia entre Superman, que fue enviado a la Tierra y criado por unos padres cariñosos desde que era un bebé, y Supergirl, criada en una roca, una astilla de Krypton, y que vio morir y ser asesinados de formas terribles a todos los que la rodeaban durante los primeros 14 años de su vida para luego venir a la Tierra. Ella es mucho más dura y no es la Supergirl a la que estamos acostumbrados'.

¿Oscuro y crudo? Ya se ha hecho. ¿Sombrío e indecente? Eso es relativamente nuevo. Tal es la sorpresa tonal de "Supergirl" de Craig Gillespie, una entrega que se suma al creciente —y renovado— universo de DC Studios y que, afortunadamente, no se siente atada a las aventuras (y películas) que siguen a primo Superman (David Corenswet, quien aparece a lo largo de esta entrega como un personaje secundario).

Los fans de "Superman" de James Gunn ya tienen una idea de lo que le espera a Kara (Milly Alcock), la prima sarcástica de Superman, que apareció al final de su última película, borracha y furiosa. En su primera película en solitario, se la ve disfrutando al máximo (más o menos) en planetas lejanos. ¿Tiene un sol rojo? Ahí es donde quiere ir, porque allí sus poderes kryptonianos no funcionan y puede emborracharse de verdad. Y Kara, aunque aparentemente "celebra" su cumpleaños, en realidad solo busca un poco de olvido.

No hace falta conocer los detalles exactos de su vida —aunque el guion de Ana Nogueira los revelará mediante un flashback conmovedor a mitad de la película— para intuir por qué Kara está tan triste. Al fin y al cabo, ella y Clark son los últimos supervivientes de un planeta muerto (bombardeado, destruido, aniquilado), y aunque la infancia y la adolescencia de Kara transcurrieron de forma diferente a las de Clark, ambos comparten un profundo sentimiento de pérdida. Sin embargo, Kara también carga con mucha rabia, y si intenta ahogarla, eso da una buena pista de lo que le atormenta. Pero ella es buena persona, aunque ser buena persona puede ser muy difícil.

No ayuda que el último deseo de la madre moribunda de Kara fuera precisamente ese: que sea buena. No educada, ni fácil, ni suave. Eso ha demostrado ser una tarea ardua, pero cuando una huérfana valiente (una niña recién convertida en huérfana, como vemos en una secuencia estremecedora que deja claro que aquí va a haber un verdadero derramamiento de sangre) irrumpe en el bar remoto donde Kara y su fiel cachorro Krypto se están emborrachando, anunciando su plan para acabar con el asaltante intergaláctico que mató a toda su familia, Kara no puede evitarlo. La misión de Ruthye (Eve Ridley) no despierta nada en Kara de inmediato, pero sí enciende una chispa.

Y cuando Krem de las Colinas Amarillas, interpretado por Schoenaerts, inyecta a Krypto un veneno mortal (el antídoto cuelga literalmente del cuello del villano) y se lleva la nave espacial de Kara (y, por lo tanto, prácticamente todo lo que posee, incluido su traje de Supergirl), la chispa se enciende por completo. Mientras Kara y Ruthye se embarcan en un viaje vertiginoso a través de un universo bastante desagradable, el ADN de "Mad Max" de la película se hace presente. Desde los bandidos amantes del metal y con sus armaduras hasta su afición por los vehículos tuneados y su aterrorizada camarilla de "novias" robadas, "Supergirl" se parece mucho más a "Fury Road" que a "Guardians of the Galaxy".

Aun así, algunas cosas resultan familiares, como las secuencias de acción de la película, que se apoyan en la velocidad de Kara mientras los demás parecen lentos. Gillespie, al igual que Gunn, es un experto en seleccionar canciones, y la peculiar selección musical que salpica la película puede interpretarse como algo quisquilloso (una versión acústica de "The Middle") o genuinamente inspirador (como "Silver Lining" de Rilo Kiley). Sin embargo, los escenarios sí se sienten diferentes, en particular la sórdida ciudad moribunda en la que Kara y Ruthye persiguen a Krem (como un "Blade Runner" destrozado) y la extensión desolada a la que los salvajes bandidos las arrastran (con el sol verde casi aniquilando a Kara).

A pesar de la naturaleza relativamente modesta de la misión de las chicas —una venganza profundamente personal y la búsqueda de un antídoto para el veneno de su perro—, "Supergirl" no puede escapar de otros clichés del género de superhéroes. Es decir, ¿les interesaría conocer a otro querido personaje de cómic ? Por suerte, la única estrella de DC que aparece en esta es Lobo, interpretado por el favorito de los fans, Jason Momoa, y está completamente loco. Claro, ayuda a las chicas en momentos oportunos y siempre parece estar cerca cuando necesitan más potencia de fuego, pero también está totalmente chiflado y es propenso a irse literalmente hacia el atardecer en su supermotocicleta espacial. 

Pero lo que distingue a "Supergirl" —y lo que, lamentablemente, podría alejar a los fans que buscan algo similar— es su interés por mantener un enfoque íntimo mientras plantea preguntas trascendentales. La aventura de Kara y Ruthye rara vez es divertida, llevándolas a menudo a los rincones más oscuros del universo y sus numerosos habitantes. Por una vez, el universo no está en juego, pero eso no significa que no haya consecuencias reales. Alcock, encargada de interpretar a un personaje que podría resultar antipático para algunos, encuentra tanto la dimensión humana como el carisma extraordinario necesarios para que valga la pena apoyar a Kara.

Mientras Kara lucha con su deseo fundamental de salvar a Krypto (el único pedazo de hogar que siente que le queda, una afirmación desgarradora), inevitablemente tiene que lidiar con salvar algo mucho más nebuloso: el alma de Ruthye y, eventualmente, la suya propia. Este tipo de preocupaciones siempre están presentes de forma sutil en las historias de superhéroes —suelen encajar perfectamente bajo el lema de "¿qué significa ser un superhéroe?"—, pero la película de Gillespie las aborda de manera más evidente. Esperamos que cualquier otra película independiente de "Supergirl" sea un poco más pop y "divertida" que esta primera (y esperamos que haya más), pero también esperamos que mantengan la pregunta crucial de esta: ¿Qué significa ser bueno ? No es fácil.

Crítica Cinéfila: Toy Story 5

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Tras cinco películas, elegir tu favorita de "Toy Story" se siente misión imposible. Puede que tengas una, pero ¿por qué elegir solo una? Estas películas conforman un canon mayor que la suma de sus partes, a veces hilarantes y a veces delirantemente ingeniosas. Lo cierto es que todas las películas de "Toy Story" son hermosas, brillantes y diferentes entre sí, y ahora más que nunca funcionan a la perfección. Son una visión: de la infancia y la ternura nostálgica, de egos que chocan y de humor físico desenfrenado, de puro encanto cinematográfico. En ese sentido, Toy Story 5 es un resumen sublime, una película que refleja toda la saga en su espejo mágico y (quizás) un final perfecto.

A lo largo de 30 años, las películas de "Toy Story" han evolucionado hasta convertirse en su tema central: la pérdida. La tristeza que conlleva, pero también su inevitabilidad (así que quizás no sea tan triste como pensamos al principio). Los juguetes, como Woody y Buzz, siempre peleando, o Jessie, la vaquera, que ahora es la protagonista, han visto crecer a sus dueños y dejarlos atrás. Esto hace que los juguetes se sientan casi como padres, viendo a sus hijos partir hacia el mundo. Las películas abordan el espectro de la obsolescencia, pero también su contraparte positiva: el renacimiento.

En “Toy Story 5”, surge un nuevo tema que resulta inquietante y conmovedor para su época: la desaparición del juego. Bonnie (con la voz de Scarlett Spears), de 8 años, sigue jugando con Jessie (Joan Cusack), la vaquera pelirroja, y su fiel caballo, Bullseye (Alan Cumming). Pero parece incapaz de hacer amigos con los demás niños del barrio. ¿Por qué? Porque ya nadie juega con juguetes. Los niños están todos pegados a sus pantallas, una invasión tecnológica que la película muestra como causante de un cambio radical en las relaciones infantiles.

“¡La era de los juguetes ha terminado!”, exclama un viejo juguete desechado con melancolía. Como si se dieran por vencidos, los padres de Bonnie le compran una Lilypad, una tableta parlante para niños (con la voz de Greta Lee) con un marco de rana verde. Bonnie se vuelve adicta rápidamente, descubriendo que al comunicarse con otros niños en línea, puede hacer “amigos” al instante. En 15 minutos, ya tiene una cita para jugar. Pero como la película sabe muy bien (y como muchos adultos han olvidado), los amigos que se hacen a través de una conexión tecnológica no son lo mismo que los amigos con los que compartes el mismo espacio, los amigos con los que realmente juegas.

De lo que habla “Toy Story 5” es de lo que se conoce como juego imaginativo, y eso no es solo una actividad. Es toda una dimensión, una forma para que los niños tomen el universo que tienen en su cabeza y lo extiendan al mundo. Cuando el juego imaginativo se manifiesta en “Toy Story 5”, la película lo representa con secuencias de gran comedia, llenas de colores fluorescentes brillantes, donde la acción parece provenir directamente de la mente de un niño, de una manera hilarante.

Pero el mundo ya no está organizado para apoyar esto. Después de una pijamada organizada a través de una tableta infantil, las nuevas "amigas" de Bonnie, que son como niñas malas de 8 años (un subproducto de la era digital), se burlan de ella por seguir aferrándose a sus viejos juguetes. Jessie y Bullseye terminan de vuelta en la granja donde la niña original de Jessie, Emily, vivió una vez, y donde ahora hay una niña de 9 años llamada Blaze (Mykal-Michelle Harris). Pero traer a Bonnie de vuelta al mundo del juego imaginativo no será una tarea fácil. Se necesitarán las maquinaciones de Jessie y Woody (Tom Hanks), que ahora es un vaquero "viejo" calvo; todos nuestros viejos amigos de juguetes familiares; un trío de dispositivos tecnológicos primitivos: un entrenador de orinal llamado Smarty Pants (Conan O'Brien), una cámara infantil llamada Snappy (Shelby Rabara) y un hipopótamo GPS llamado Atlas (Craig Robinson), que están a medio camino entre los mundos analógico y digital; y un ejército de Buzz Lightyears atrapados en modo de demostración, que han sido agrupados en el Multi-Buzz, una fuerza de combate supervisada por su intrépido líder (Tim Allen).

Andrew Stanton, el legendario director de Pixar de “Wall-E”, toma ahora las riendas de una película de “Toy Story” por primera vez (aunque trabajó en todas las anteriores), y ha creado una película con una densidad ambiciosa y deliciosa. Donde una película menor habría convertido la historia en una batalla entre los buenos de la vieja escuela (los juguetes) y los malos de la nueva escuela (las pantallas), “Toy Story 5” no demoniza la vida tecnológica, sino que la representa como un nuevo reino metafísico del cosmos infantil. La trama es elaborada, pero todo se reduce a Jessie y su equipo tratando de organizar una cita para jugar entre Bonnie y Blaze, porque son niñas que aún tienen la cabeza en el mundo real. Joan Cusack, soltando “ain't” y “don't” y frases como “¡Santo caramelo!”, convierte a Jessie en una chica de pueblo, gruñona pero contagiosa. Tiene un romance con Buzz (que está deseando pedirle matrimonio) que se vuelve conmovedoramente divertido. Mientras tanto, Hanks dota al vulnerable pero testarudo Woody de una deliciosa resiliencia propia de la vejez.

“Toy Story 5” es una película que te llena de alegría, pero también tiene momentos que te impactan profundamente. Porque esta película plantea una pregunta crucial: ¿Cómo se conectarán los niños entre sí en una era que los presiona para que crezcan demasiado rápido virtualizándose? El mensaje de la película es: tómate tu tiempo, sé tú mismo y juega. La diversión que recibes es igual a la diversión que creas.