Crítica Cinéfila: Other Mommy

Bela, una niña de 8 años que vive en un hogar tenso por el matrimonio problemático de sus padres, ve cómo su vida se ve trastornada por una entidad siniestra a la que llama "Otra Mamá". Cuando esta presencia malévola emerge de su armario preguntando: '¿puedo entrar en tu corazón?', Bela se niega. Pero pronto las manifestaciones de la "Otra Mamá" se vuelven cada vez más agresivas, amenazando la seguridad de la familia de Bela.

Si disfrutaste viendo el tráiler de "Other Mommy" en cada proyección de cine este verano, fuiste engañado/a. Dirigida por Rob Savage y adaptada de la novela de terror "Incidents Around the House", la película terminada es una de las obras más flojas e ineficaces que se han visto en la pantalla este año, fallando en todos los sentidos, incluyendo, y sobre todo, su tono.

A veces, parece una comedia de terror al estilo de Sam Raimi que, a última hora, se hubiera reeditado para convertirse en una película de sustos convencional, con fragmentos que uno imagina que fueron arrancados a mano. La saga comienza con lo que parece un segundo acto y continúa en un estado constante de clímax, con una interminable letanía de sustos repentinos que se vuelven rápidamente repetitivos, ya que todos se desarrollan prácticamente de la misma manera. La mayoría de las veces, la cámara sigue en círculo a un personaje desprevenido, revelando tras él a la mismísima Otra Mamá (Jessica Chastain, con una sonrisa más tonta que inquietante), un ser demoníaco que no representa una amenaza real. El esfuerzo por intentar que esto funcione de cien maneras diferentes sería adorable si no resultara tan irritante.

Al comienzo de la historia, la protagonista Bela (Arabella Olivia Clark) ya conoce a la criatura que se esconde en su habitación, la cual adopta la forma de su madre, Ursula (Chastain). Poco después, su padre, Russell (Jay Duplass), también vislumbra al monstruo cuando este los atormenta en la cocina una mañana, dando pie a una premisa inexpresiva donde todos aceptan sin más que hay una copia siniestra de Ursula escondida en algún lugar de su casa, contorsionando su cuerpo en forma de esvástica sin motivo aparente. Mientras que la mayoría de las películas de terror incluyen personajes escépticos, lo hacen para generar tensión e intriga; "Other Mommy" no parece interesada en estas cosas.

A pesar de contemplar la presencia fantasmal en todo su esplendor, los padres de Bela no parecen demasiado asustados, ni siquiera cuando la niña es zarandeada como un muñeco de trapo durante una reunión de aniversario en su casa. Ningún personaje humano se comporta como una persona real, y la Otra Mamá es simplemente una pícara traviesa al estilo de Pennywise el Payaso, pero sin la parte de comerse a la niña. Es una película de bromas psicológicas que involucra piscinas de bolas, gravedad distorsionada y una Chastain generada por computadora que se derrite alternativamente como Clayface, el villano de Batman, y se agita como un muñeco inflable frente a un concesionario de autos usados. Mientras tanto, rara vez hay una sensación de escala o proximidad que permita poner todo esto en perspectiva física.

Si se mira con atención, se vislumbra la trama y el tema principal: Bela sospecha que su madre le es infiel a su papá. Así, la idea de que Ursula no es quien aparenta ser constituye un punto de partida interesante para la historia de una copia inquietante y sin vida, al menos en teoría. En la práctica, esta presencia traviesa oscila entre las mentiras maternales y la suplantación total de identidad. Si bien esto puede ser coherente con la novela, la película, de tan solo 94 minutos de duración, apenas se guía por una idea visual o emocional; de hecho, pronto abandona por completo la parte de su premisa centrada en la figura materna.

Además, cada uno de los tres protagonistas parece pertenecer a una película completamente distinta. Chastain se entrega por completo al melodrama interpretando tanto a la Madre real como a la falsa. Clark, aunque interpreta a un personaje más joven e ingenuo de lo que realmente es, mantiene una presencia cautivadora y natural, hasta que parece cansarse de la premisa. Y Duplass, con su actitud de «¡ay, qué vergüenza!», parece una caricatura exagerada sacada de un sketch cómico. Es un caos, y no mejora mucho el hecho de que las escenas parezcan empezar y terminar al azar, sin apenas fluidez ni ritmo, un aparente resultado de que «Other Mommy» haya sido recortada hasta el límite.

En su sentido más básico, una película donde los sustos sobrenaturales surgen gracias al espacio negativo debería tener al menos un encuadre bien pensado, pero la interminable serie de sobresaltos llega con la misma fuerza y ​​energía que los falsos sustos. La tensión se disipa sin importar quién o qué salte de los espacios oscuros, ya que la película oscila entre peligros físicos y secuencias imaginarias mientras la entidad espiritual de Chastain ocupa la atención de la joven Bela como una molesta y persistente ensoñación. Eso es prácticamente todo lo que "Other Mommy" representa para su público: una molestia que se ignora fácilmente, en lugar de tensión o significado que se pueda abordar en algún momento. Siéntase libre de mantener los brazos y las piernas fuera de la atracción; no va a ninguna parte.

Crítica Cinéfila: Carrie, 1ra temporada

Tras la repentina y prematura muerte de su padre, Carrie se ve arrojada al despiadado ecosistema del instituto público. Tiene que enfrentarse a un escándalo de ciberacoso que sacude a toda la comunidad, la presión continua, la crueldad de la era de las redes sociales y el despertar de unos misteriosos poderes telequinéticos que la acompañan en su adolescencia.

Mike Flanagan es un maestro del terror moderno, por lo que no sorprende que su adaptación de "Carrie" de Stephen King sea excepcional. Lo que sí puede sorprender es por qué su última incursión en las pesadillas de King destaca tanto.

Basada en la primera novela de King y adaptada para televisión por el impresionante visionario de terror de Flanagan , "Carrie" de Prime Video es una cautivadora reinterpretación de la historia contada tantas veces. Ambientada en la actualidad, la serie rinde homenaje a la obra de King y a la aclamada película de Brian De Palma de 1976, que lanzó a la fama a Sissy Spacek. Esta serie sigue a Carrie White (una estelar Summer H. Howell), quien ha vivido toda su vida bajo el asfixiante dominio de su padre, Ralph (Tahmoh Penikett), un superviviente que se prepara para el fin del mundo, y su madre, Margaret (Samantha Sloyan), una mujer hiperreligiosa. El mundo de Carrie se desmorona tras la muerte de su padre, y por primera vez se ve obligada a abandonar la tranquilidad de su hogar para asistir al instituto. Aunque desconoce por completo las cosas más básicas, Carrie es entusiasta, abierta y curiosa. Pero pronto descubre que la sociedad se deleita destruyendo la pureza y la inocencia. La adaptación de “Carrie” de Flanagan le da su propio toque a la narrativa de King, al tiempo que examina las peculiaridades de la era de las redes sociales.

El público conoce a Carrie, tímida e infantil, en su primer día de clases. Aunque Sue Snell (Siena Agudong), una estudiante de último año, es amable con Carrie, Christine Hargensen (Alison Thornton), la mejor amiga de Sue, muestra tal desdén hacia Carrie que queda claro que no será una buena experiencia para la joven. Al final de su segundo día, Carrie ha sido aterrorizada por un simulacro de tiroteo y por su propia menstruación, ambas cosas inesperadas. Aunque Carrie intenta adaptarse a la escuela, su angustia continúa a manos de Christine, quien crea una cuenta de chismes en Instagram, "Carrie Red", donde difama a Carrie y a muchos otros en el campus: estudiantes, profesores y personal administrativo por igual. Cada vez más antagonizada por la cuenta "Carrie Red" y la religiosidad de su madre, que es vil pero proviene de un lugar más amoroso que la aterradora crueldad de Piper Laurie, Carrie reacciona de maneras inimaginables. Todo culmina en el baile de graduación, donde se encuentra cubierta de un cubo de sangre de cerdo.

Tras el éxito de la película de De Palma, las adaptaciones posteriores de "Carrie" han palidecido en comparación. Sin embargo, esta serie captura la esencia que hizo de la original un clásico atemporal, al tiempo que permite que la protagonista trascienda su pequeño pueblo y conecte con otras jóvenes con habilidades especiales en todo el mundo. A lo largo de la primera temporada, de ocho episodios, la serie también retrata una América contemporánea inundada de tecnología, fanatismo religioso y brutalidad. Flanagan opta por una guerra relámpago moderna que ataca a Carrie White desde todos los flancos, explorando no solo el infierno actual que supone ser una chica en el instituto, sino también las zonas de guerra actuales a las que enviamos a nuestros hijos.

Enseguida vemos cómo la inocencia de Carrie (Summer H. Howell) se utiliza como herramienta para romper la indiferencia social ante lo que se ha convertido en atrocidades cotidianas. Constantemente nos decimos a nosotros mismos y a nuestros compañeros que no nos insensibilicemos ante las atrocidades que ocurren en las escuelas (y en los centros comerciales, iglesias y conciertos…). Pero lo hacemos, y lo hemos hecho, y resulta impactante ver cómo alguien completamente ajeno a ello reacciona ante la proliferación de la violencia armada en nuestro día a día.

Estos temas cobran gran importancia a lo largo de la temporada, con el acoso habitual de Chris (Alison Thornton) y la complicidad familiar de Sue (Siena Agudong) que se entrelazan con los horrores. Sin embargo, los temas no son nada sin la base de la interpretación y el guion. Ya hemos elogiado las contribuciones de Flanagan, pero se podrían escribir miles de palabras sobre las interpretaciones de Howell y Sloyan como Carrie y Margaret. Este no es ni mucho menos el primer trabajo de Howell. Ya cuenta con una trayectoria significativa en el género, pero lo que ofrece como Carrie White es algo completamente nuevo. Es difícil mantener la credibilidad cuando se espera que pases de amable a furiosa, a aterrorizada y a poderosa en un instante, pero Howell demostró estar más que a la altura del desafío.

Sloyan ha colaborado con Flanagan durante mucho tiempo. Cada nueva historia saca a relucir algo diferente de la actriz, y con frecuencia se la elogia como la mejor interpretación entre un grupo selecto de talentos excepcionales en cada uno de sus proyectos, pero Margaret White está en otra liga. La versión de Prime Video de "Carrie" suaviza ligeramente algunos aspectos de la madre, pero lo que deciden suavizar solo hace que su crueldad sea aún más espantosa. No había mejor opción para el papel que Sam Sloyan, quien ofrece aquí la mejor actuación de su carrera.

Conmovedora e intrépida, esta versión de «Carrie» se basa en los elementos esenciales de la historia de King, conectándola con su universo más amplio. En un país forjado por la violencia, no es de extrañar que la barbarie se filtre entre las poblaciones más impresionables. A pesar de todo lo que sufre, esta Carrie no es simplemente una víctima de las circunstancias; su conocimiento y su deseo de explorar sus talentos le permiten escapar del mismo destino que el personaje de Spacek. En cambio, Flanagan le permite usar su dolor para volverse invulnerable.

Aunque sería una lástima no extender la historia en este universo, "Carrie" se sostiene por sí sola si se aceptan las ideas abiertas que se presentan al final de la serie. Todo lo que conduce a ese punto demuestra el cuidado característico de Flanagan, y su elenco habitual de actores cumple con creces, junto a nuevos talentos como Howell y Agudong.

"Carrie" devuelve el protagonismo a las jóvenes protagonistas. Carrie lucha por alcanzar la vida que tanto anhela. Sue debe decidir si puede soportar perder a su mejor amiga para defender lo que es justo. Finalmente, Christine se debate entre su propia humanidad y la crueldad despiadada que oculta como una coraza. "Carrie" recuerda al público que la fuerza y ​​la habilidad no siempre se manifiestan como uno espera, y que el poder tiene un alto precio, sin importar quién lo ejerza.

Crítica Cinéfila: Digger

El hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo.

Alejandro González Iñárritu y Tom Cruise estaban hechos el uno para el otro, si no para nadie más. Uno es un temerario cinematográfico cuyas películas se nutren de la tensión entre el ego y la mortalidad: un virtuoso loco obsesionado con escenificar elaboradas acrobacias que exteriorizan su ser interior en materia de espectáculo desmesurado, y lo hace con un esfuerzo kamikaze tan extremo que incluso (o especialmente) su trabajo más grandioso puede hacer parecer que la persona detrás de él se esconde de la realidad en lugar de engrandecerla. El otro es Tom Cruise.

Por distintos medios y con distintos fines, ambos hombres han arriesgado constantemente sus vidas creativas y/o reales al enfrentarse a los límites de lo que pueden lograr con una cámara de cine. A través de proyectos como "Birdman", "Bardo" y las secuelas de "Mission Impossible", ambos han dedicado la última etapa de sus carreras a difuminar la línea entre el arte y el artista. No como un intento de eludir algún tipo de reflexión moral (aunque sea fácil ver el ascenso de Cruise como "El Salvador del Cine" como un cambio de imagen calculado), sino más bien como un esfuerzo por explorar —o trascender— la relación entre la realidad y las historias que las personas eligen contar sobre sí mismas.

El arte arriesgado suele describirse como un acto de funambulismo, pero "Digger" realmente se merece esa etiqueta. Hasta que dio su último paso, sinceramente no habría podido decir si iba a tener éxito o a estrellarse de cabeza contra el serrín. El octavo largometraje de Alejandro González Iñárritu —el director mexicano ganador del Óscar por "Birdman" y "The Revenant"— es una sátira sinuosa y arrogante. En esencia, es un Dr. Strangelove para la crisis climática. También es la película de estudio más extraña y alocada del año.

Tras más de una década de variaciones sobre su ya agotado personaje de héroe de acción, Cruise se ensucia las manos de forma emocionante —y su famoso rostro se transforma con prótesis— en el papel de Digger Rockwell. Este grosero y arrastrado magnate petrolero se sitúa en algún punto del espectro de la personalidad desquiciada de Cruise, entre el gurú misógino que interpretó en Magnolia (1999) y Len Grossman, su jefe de estudio calvo y obeso en Tropic Thunder (2008). Las perforaciones imprudentes de Digger en Groenlandia provocan el desprendimiento de una plataforma de hielo, que se desplaza hacia el este y choca contra el norte de Europa, causando el mayor desastre ecológico desde el asteroide de Chicxulub. Así pues, con la ayuda de la gerontocracia estadounidense —personificada por el presidente cascarrabias, decrépito y delirante (John Goodman)— Digger decide reinventarse como el salvador de la humanidad. Comprende la importancia de «controlar la narrativa», lo que para él implica gritarle al Parlamento Europeo y bombardear icebergs sin piedad. 

Hay mucho que hacer, y esto es solo la mitad de lo que Digger está tramando. Porque, como pronto descubrimos, lo que hemos estado viendo es una obra de teatro increíblemente elaborada y compleja sobre el desastre, con Cruise "abandonando el personaje" y convirtiéndose en Curtis Markson, un actor ansioso y lleno de dudas, en los descansos entre escenas. En otras palabras, "la narrativa" ya está bajo un control férreo, aunque las implicaciones completas de esto no se revelan hasta los impactantes minutos finales de "Digger", que resultan tan oscuros y sombríos como el remate final de Dr. Strangelove .

Para ser una comedia, "Digger" no suele ser graciosa, aunque me reí mucho por su descaro. La interpretación arrolladora de Cruise es su mejor actuación convencional desde "Edge of Tomorrow" en 2014, mientras que los toques surrealistas y artesanales —desde los intrincados decorados en miniatura hasta el gato títere, mitad adorable, mitad repulsivo, al que Digger adora— generan una atmósfera de falsedad inmersiva, acorde con la naturaleza artificial y manipulada de la historia. Estas son condiciones complicadas para que cualquier actor que no sea Tom Cruise cause una buena impresión. Pero Riz Ahmed aporta una convincente confusión moral como el Dr. Ganesh, el científico interno de Digger, y Jesse Plemons se roba la escena como uno de los patrocinadores superficialmente amigables de la obra, que interviene de manera instructiva cuando Curtis y su directora (Sophie Wilde) discuten sobre el propósito final de su extraño y laberíntico proyecto.

La película pasa de los objetivos fáciles de su acto inicial (por ejemplo, el saqueo ambiental, el chovinismo apocalíptico, los hombres fuertes con aires de dios-rey) a las preocupaciones más abstractas: sobre todo, hasta qué punto la narrativa se ha convertido en la fuerza predominante en nuestro mundo, tanto a nivel individual como global. "Digger" abre una nueva trama en su segundo acto, una que visita demasiado brevemente, y que eché de menos cada vez que la película volvía a la historia sin salida de su magnate homónimo, que básicamente pasa el resto de su tiempo en pantalla intentando controlar los daños de su personaje en lugar de poder mitigar el desastre que ha causado.

Como cada vez que "Digger" eleva su concepto aún más a la estratosfera, esta gran revelación —que no es la última de su tipo, ni la más satisfactoria— viene acompañada de un extraño tufillo a autocrítica; cada vez que la obra de Iñárritu expande su alcance, lo hace de una manera que llama la atención conscientemente sobre la desconexión entre el esfuerzo de la película y su falta de impacto. El extraordinario diseño de producción de Dennis Gassner, la cinematografía a lo Bruegel de Emmanuel Lubezki, la música peculiar de Cosmo Sheldrake (un regreso a los tiempos en que toda comedia al estilo Kaufman requería una banda sonora de Jon Brion) y el resto del impecable trabajo artesanal están al servicio de una película que constantemente cuestiona su propio valor frente a los eventos apocalípticos de su historia.

La belleza de la técnica permite que esas preguntas parezcan sinceras en lugar de interesadas, pero la grandilocuencia de Iñárritu le impide plantearlas a escala humana. Las ideas rara vez son el problema en sus películas. Al contrario, el problema radica, una vez más, en que sus simulacros impulsados ​​por el espectáculo se basan en las mentiras que nos contamos a nosotros mismos, en lugar de las verdades que esperamos enterrar bajo ellas, y por eso sus comedias hiperconceptuales invariablemente parecen construidas sobre las arenas movedizas de una metáfora mixta. La propia Digger existe en ese estado de incertidumbre perpetua, y no estoy seguro de si el debate interno que mantiene sobre la impotencia del arte ante la catástrofe es algo que pueda, o siquiera quiera, resolver. Pero qué emocionante es ver a Iñárritu y Cruise debatirlo con tanta belleza, audacia y extravagancia.

Crítica Cinéfila: East of Eden

A comienzos del siglo XX, una mujer de espíritu independiente separa a dos hermanos y desencadena una historia que marcará a dos generaciones.

La adaptación de "East of Eden" de Elia Kazan, de 1955, es un audaz melodrama de prestigio, del tipo que Hollywood rara vez produce hoy en día. Es un homenaje suntuoso al pasado, con una interpretación atormentada e impactante de James Dean que se convirtió instantáneamente en un icono, tanto por dentro como por fuera. Sin embargo, como adaptación cinematográfica de la novela clásica de John Steinbeck, es muy lamentable. La película de dos horas toma la amplitud bíblica y la riqueza generacional del libro y, al abordar solo su último tercio, la reduce a una historia de amor sentida con algunos problemas paternos ocasionales. Está tan alejada de los mejores aspectos de la obra original que apenas justifica su título.

Unos 70 años después, Zoe Kazan, nieta de Elia, se acerca mucho más a abordar con éxito y a comprender las profundidades del libro de Steinbeck en su producción de Netflix de siete partes.

Esta adaptación, realizada principalmente por Kazan —Alexander Chee coescribió un episodio clave a mitad de temporada—, con Garth Davis y Laure de Clermont-Tonnerre en la dirección, aún no logra captar la esencia de la novela, y ninguna interpretación individual puede igualar la inquietud transformadora que encarna Dean. Sin embargo, es rica, moralmente compleja y está repleta de actuaciones memorables, en particular la de la protagonista y productora ejecutiva Florence Pugh, así como la de Hoon Lee en un papel que, injustamente, fue eliminado por completo de la película.

"East of Eden" es una de esas obras narrativas complejas en las que cualquier descripción de la trama no logra captar la totalidad del panorama, y ​​en la que reducir esa narración a una simple "trama", como sucede con frecuencia aquí, resulta limitante. Ni siquiera siete episodios bastan para plasmar fielmente el libro, pero dudo que más tiempo en pantalla hubiera marcado la diferencia. Se trata de una reinterpretación del Libro del Génesis ambientada en la expansión occidental del sueño americano a finales del siglo XIX y principios del XX, contada principalmente a través de las vidas de dos pares de hermanos cuya lucha por el afecto paterno desemboca en una tragedia, facilitada por una antihéroe particularmente venal.

La historia comienza con los hermanastros Adam (Christopher Abbott) y Charles (Mike Faist) Trask, quienes crecen bajo la atenta mirada de su padre, Cyrus (Tracy Letts), un héroe de la Guerra Civil con una sola pierna que los guía con rigor militar. Adam es inteligente y bondadoso, pero su gentileza raya en la pasividad. Charles es sombrío y taciturno, pero hábil en las actividades propias de un hombre. Los hermanos toman caminos diferentes, pero terminan compartiendo la granja familiar en Connecticut.

Una noche, Cathy (Pugh) llega a su puerta, horriblemente golpeada y aparentemente sin recordar nada de su pasado. Adam, un cuidador nato, se enamora al instante, pero Charles percibe algo oscuro y posiblemente monstruoso en Cathy, pues él mismo padece demonios similares. Finalmente, la historia se traslada al valle de Salinas en California, donde conocemos al jovial y patológicamente desafortunado Samuel Hamilton (Ciarán Hinds), quien ayuda a Adam a encontrar una impresionante propiedad, y al fiel mayordomo Lee (Lee), quien se presenta como un empleado doméstico que habla un dialecto coloquial, pero que rápidamente se convierte en el corazón esencial de la serie.

Más adelante, la serie llega a los acontecimientos de la película, que de repente cobran mucho más sentido en este contexto: vemos a los hijos de Adam, Cal (Joseph Zada) y Aron (Joe Anders), con Zoe Phillips como Abra, la joven que se interpone entre ellos, lidiando con un legado que comienza con su padre y su tío, pero que en realidad se remonta a Caín (cuyo destino bíblico "al este del Edén" da nombre al libro/serie) y a Abel.

Kazan y el coproductor ejecutivo Jeb Stuart ofrecen una adaptación bastante fiel de la trama de la novela, aunque han omitido gran parte de la historia relacionada con la familia Hamilton, el clan secundario más vinculado al linaje de Steinbeck. Gran parte de los diálogos son idénticos a los originales, con solo pequeñas modificaciones para suavizar, o al menos explicar, el personaje de Cathy (interpretado por Pugh) y un interludio añadido para situar a Lee en el centro de la historia.

Los saltos temporales de la serie provienen directamente de Steinbeck, y de la propia Biblia, donde lapsos de cientos de años pueden ser rápidamente resumidos en una lista de "genealogías" y personajes o incidentes que son fundamentales para religiones enteras o escuelas de pensamiento espiritual pueden ser cubiertos en unos pocos versículos.

Al final, todas las piezas encajan, pero hay algunos desvíos y omisiones que, en el momento, resultan frustrantes; sobre todo, la inevitable decepción que supondrá que Netflix promocione la serie como un triángulo amoroso entre los personajes interpretados por Pugh, Abbott y Faist, lo cual, sin duda, no es cierto. No ayuda en nada que Abbott ofrezca una actuación melancólica y monótona —aunque su interpretación es buena, resulta limitada y restrictiva—, mientras que Faist logra que Charles sea peligrosamente emocionante. Si empiezas a verla pensando que es una serie que se reparte a partes iguales entre Abbott y Faist y sus personajes, casi te garantizo que te decepcionará.

No.

Pugh, en su primer papel televisivo extenso desde "The Little Drummer Girl" de 2018, arremete contra una de las grandes y desconcertantes antagonistas de la ficción, una mujer tan decidida y malvada que hace que Becky Sharp de Vanity Fair parezca una niña exploradora. Pero Cathy no es una villana, aunque su voz en off comience con una observación sobre los monstruos que nacen de padres humanos. Es una mujer que se niega a ser limitada por las expectativas y comportamientos de hombres inferiores y, en el proceso de seguir su propio camino, decide, con una franqueza desarmante, que no se molestará en adherirse a la moral patriarcal. Kazan añade un origen de "cómo llegó a ser así" que no creo que fuera necesario explicar explícitamente, pero no arruina al personaje ni perjudica a Pugh.

Una de las cosas que más me gustan de Pugh como actriz es que no oculta nada. Cuando está alegre, irradia alegría. Cuando está triste, se le nota en cada sollozo. Cuando hace pucheros, son pucheros de arriba abajo. Y cuando se burla, puede derribar edificios enteros. Que Pugh interprete a un personaje que, por su propia naturaleza, duda en revelar la verdad es una elección interesante que pone la responsabilidad en todos los que la rodean y que no reconocen lo que es tan obvio para los espectadores. Cathy da miedo cuando miente, pero da aún más miedo cuando dice la verdad, con una honestidad sin tapujos que es puramente Pugh. Es tan buena que incluso en la segunda mitad de la serie, cuando Cathy ya no es convincente, sigue funcionando.

La monotonía abatida de Abbott, como uno de los hombres que no logran reconocer la verdadera naturaleza de Cathy, desequilibra la serie. En parte es intencional, pero aún así podría haberse evitado.

Afortunadamente, ahí es donde entran en juego Hinds y, sobre todo, Lee. Kazan no ha encontrado la manera de que Hamilton haga gran cosa —con su familia prácticamente eliminada de la historia, es un agente inmobiliario glorificado que va y viene, pero que solo ocasionalmente llega a ser un catalizador—, pero su energía extrovertida es un contrapunto fundamental a la melancolía constante de Abbott.

Lee, que ha estado excelente en "Banshee","Warrior" y "Your Friends & Neighbors" de Jonathan Tropper y que ha estado infrautilizado en otros proyectos, es la verdadera revelación. En el guion, el personaje es una evasión y subversión de estereotipos, pero aquí es excepcionalmente humano, beneficiado por las escenas adicionales que Kazan y Chee aportan al quinto episodio. Si bien algunos espectadores disfrutarán de los triángulos amorosos o del ascenso/descenso de Cathy al estilo del talentoso Sr. Ripley —un episodio con la estrella invitada Martha Plimpton como una bondadosa madame de burdel es una delicia oscura— casi todas mis escenas favoritas se centran en Lee, incluyendo una encantadora conversación entre Lee y el radiante recién llegado Phillips, un escalofriante monólogo autobiográfico y una discusión sobre semántica bíblica entre Lee y Hamilton.

Es esta conversación la que restituye el concepto/palabra hebrea de «timshel», o «tú puedes», a la historia: la evocación más pura del libro y de la exploración que hace la serie del destino, el libre albedrío y la mutabilidad de la naturaleza humana. La conversación y la palabra misma, que da título al séptimo y último episodio, desvelan los fundamentos bíblicos y las complejidades que rigen a muchos de los personajes principales.

No es intrínsecamente cinematográfico que los personajes divaguen sobre la traducción bíblica. Por eso, los directores Davis y de Clermont-Tonnerre siempre pueden recurrir a la siguiente vista impresionante de Nueva Zelanda o a una pieza de arquitectura de principios de siglo cuidadosamente encuadrada, mostrando una cantidad de puertas impecablemente iluminadas que evocan a John Ford o, más recientemente, la obra de Jane Campion, especialmente en "The Power of the Dog", que utilizó localizaciones similares, si no idénticas. Todas las pausas en el tiempo y el ritmo se suavizan gracias a la exuberante y suntuosa banda sonora de Laura Karpman.

En su traducción, la versión de Zoe Kazan de "East of Eden" pierde parte del humor del libro y de la fluidez narrativa, elementos que sustentan y realzan la escalada de tragedia y catarsis. Sin embargo, conserva mucho. A diferencia de la película de 1955, esta adaptación parece comprender por qué el libro es un texto especial y, gracias a Pugh y Lee, ofrece numerosos elementos propios que le aportan un toque distintivo.

Crítica Cinéfila: Resident Evil

Película basada en la saga de videojuegos de Capcom del mismo nombre. En una reinvención totalmente nueva, el mensajero médico Bryan (Austin Abrams) se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia, mientras el caos se desata a su alrededor.

Una de las muchas virtudes de "Weapons" de Zach Cregger es que se trata de una película de terror con humanidad. Rebosaba de una majestuosa inquietud, pero todo el tema de la brujería y el niño robado se integraba en situaciones de gran suspense emocional que Cregger entrelazó como una versión juvenil de "Pulp Fiction". En parte, por eso la malvada bruja interpretada por Amy Madigan tenía una resonancia tan terrorífica.

Cuando una película se convierte en un éxito inesperado como lo fue "Weapons", el director que la creó puede hacer lo que quiera. Así que cuando Cregger anunció que su próxima película sería un reinicio de " Resident Evil ", pensé: muy típico de esta época, después de una película tan notable como "Weapons", lanzar un reinicio de la saga de terror más inhumana de los últimos 25 años.

Han habido siete películas de “Resident Evil” (incluido el reinicio de 2021), y obviamente cuentan con una gran base de fans. Pero, sin excepción, han sido una masa hiperviolenta y frenética de zombis de videojuegos, diseñada como atracción despersonalizada para jugadores. Pero, ¿cómo sería una película de “Resident Evil” de Zach Cregger?

Su nueva película de "Resident Evil" es diferente, y mucho mejor que las otras películas de "Resident Evil": es una película espeluznante y repugnante que se toma su tiempo y tiene una extraña inocencia. Cregger no la filma al estilo habitual de las películas de videojuegos "implacables". Trabaja de una manera más pausada y naturalista, y eso se nota desde la primera escena, cuando la cámara sigue a Bryan (Austin Abrams), un mensajero médico, al hospital donde entrega un órgano vital, y luego le entregan otro paquete aún más importante de la Lista A (él supone que es un corazón humano, o algo de esa magnitud) para que lo lleve a un hospital en las montañas.

Austin Abrams, quien interpretó al drogadicto sin hogar en “Weapons”, aquí parece un actor diferente. Con el pelo revuelto y una actitud tiernamente tímida y temerosa, tiene el aspecto y el aura de un rockero indie de los 2000 como Mark Foster, pero también tiene un toque del joven Sam Rockwell. Su Bryan es un héroe entrañablemente ordinario, nada machista (hay momentos en que grita de terror), y básicamente está solo. Eso es lo que hace que esta sea una película de videojuegos: no el tono, sino la forma en que Bryan vaga de una zona de peligro cada vez más extravagante a otra. “Resident Evil” es un thriller viral ligero y divertido sobre monstruos.

Esta es una obra de entretenimiento ligero y bien ejecutada. Tiene un toque peculiar que resulta cercano para ser una película de “Resident Evil”. Bryan, sin cadenas en las ruedas, conduce por un camino rural peligroso en la noche nevada, lo que le da a la película una atmósfera de cuento de hadas. Cregger introduce un aspecto más humano al involucrar a Bryan en una discusión telefónica con su novia, que está embarazada. Ella quiere saber qué quiere hacer. Él le dice que es su cuerpo y su decisión, lo cual no es la respuesta que ella quiere oír.

Esto nos da una pizca de interés en Bryan, pero también es la forma que tiene la película de prepararnos para el final. Conduciendo sobre la nieve irregular, Bryan atropella a una mujer que se ha lanzado al medio de la carretera, y ella es nuestra primera zombi: un poco mayor de lo que esperábamos, con manchas de sangre irregulares en la cara. Él termina salvándola y escondiéndola en el asiento del copiloto, hasta que un policía lo detiene. Ocurre un accidente y tiene su primer enfrentamiento con la zombi, aunque todavía no se cree que lo sea. En su torpeza, toma el arma del policía, disparando como loca a la mujer pero dañando su vehículo en el proceso, paralizándolo en medio de la nada.

Momentos después, está caminando por una pradera hacia una granja aparentemente vacía, y este es el primero de los "entornos" episódicos de la película, aunque la forma en que Cregger lo plantea no nos hace sentir atrapados en un juego. Es más como una casa de la risa que evoluciona lentamente. Bryan es atacado por un perro, que asoma la cabeza a través de la pared de un granero... y entonces la cara del perro se parte como una flor, con tentáculos saliendo disparados. Ese efecto recordará a cualquiera que haya visto "La Cosa" de John Carpenter, una de las varias películas de terror de las que "Resident Evil" toma prestados ciertos elementos. Los tentáculos siguen apareciendo, y los zombis tienen una forma de usarlos para aferrarse a las víctimas, a las que absorben en masas de múltiples extremidades que ruedan como arbustos rodantes, un efecto que evoca la película de culto de terror corporal de 1989 "Sociedad". En el hueco de un ascensor, uno de los monstruos vomita ácido verde que quema el suelo como la sangre alienígena en "Alien".

Bryan es un aficionado hilarante en el manejo de armas y no posee cualidades heroicas propias de una película. Es simplemente nuestro representante desgarbado, tratando de sobrevivir a lo que sea que le depare el destino. Lo divertido de "Resident Evil" es cómo evoluciona constantemente. No es solo una película de zombis devoradores de carne. Los monstruos, aunque surgen del mismo virus, son todos diferentes, y Cregger quiere que los observes con la misma fascinación contenida que él.

Bryan tiene un encuentro con Carl (Paul Walter Hauser), un científico que trabaja para Umbrella Corporation (lo más cercano que la película tiene a la construcción oficial del mundo de "Resident Evil"), y Hauser está divertidamente exagerado, hasta que los tentáculos van por él. Cuando Bryan finalmente aterriza en el laboratorio de Umbrella, donde están listos para usar el paquete que llevaba para crear un antídoto, nos tranquiliza estar en ese espacio blanco impoluto, lleno de científicos con batas de laboratorio, liderados por Dave (Zach Cherry), que parecen listos para salvar el día. Pero no funciona exactamente así. "Resident Evil" es una broma, una mezcla de monstruos, un descarte cambiante. Como película de terror, hace que "Weapons" parezca "Guerra y Paz", pero se intensifica a lo largo de 90 minutos hasta convertirse en una especie de locura sinfónica. Se niega a tomarse en serio, pero a diferencia de las otras películas de "Resident Evil", esta está muy viva.

Crítica Cinéfila: Monster - The Lizzie Borden Story

Cuarta temporada, 8 episodios. Atrapada en un hogar victoriano marcado por la crueldad, Lizzie Borden mata brutalmente a sus padres a hachazos y conmociona a todo el país.

La historia de Lizzie Borden, un espantoso asesinato real del siglo XIX, es tan conocida en Estados Unidos que incluso tiene su propia canción infantil. Eso nos da la información básica, aunque ignora la incómoda verdad de que, cuando llegó el juicio en 1893, Lizzie Borden fue absuelta de los asesinatos de su padre y su madrastra en su casa de Massachusetts. Así comenzó un ciclo de especulaciones que continúa hasta el día de hoy. Si Lizzie Borden no tomó un hacha y asestó esos golpes, ¿quién lo hizo?

El hecho de que el título califique a Lizzie Borden como un monstruo deja claro que Murphy y el showrunner Ian Brennan están bastante seguros de que Lizzie lo hizo. Su interés radica más en el porqué. “Monster: The Lizzie Borden Story”, la cuarta entrega de la serie “Monster” de Ryan Murphy e Ian Brennan, lleva la antología en una dirección nueva y emocionante con su primera asesina. Ambientada en Fall River, Massachusetts, a finales del siglo XIX, la serie sigue a Lizzie Borden (una cautivadora Ella Beatty), una joven peculiar que sufre bajo la mano de su cruel madrastra, Abby (Rebecca Hall), a quien llama Sra. Borden, su distante padre, Andrew (Charlie Hunnam, quien interpretó a Ed Gein en la temporada anterior) y el dolor de sus terribles ciclos menstruales. Sin embargo, una amistad con la nueva criada de la familia, Bridget Sullivan (Vicky Krieps), abre el mundo de Lizzie, guiándola por un camino brillante y sangriento que pasará a la historia para siempre. 

La serie de Netflix de ocho episodios comienza con una cortina roja rubí, un piano ornamentado y un toque de fantasía. Lizzie baja las escaleras descalza con su camisón blanco, recorriendo la casa hasta detenerse en el armario de hachas de Andrew. En otro lugar, se ve a la señora Borden irrumpiendo en la habitación de Lizzie y arreglando su cama hecha de forma desordenada. Sin embargo, antes de que pueda levantarse, Lizzie irrumpe por la puerta, blandiendo un hacha y atacando a su madrastra. Momentos después, Andrew entra en la casa y enciende una pipa antes de correr la misma suerte. Su cuerpo se desploma sobre sí mismo en el diván de la sala de estar. Mientras la sangre empapa su camisón, Lizzie observa con calma la escena del crimen. 

Aunque los Borden encontraron su fin el 4 de agosto de 1892, "The Lizzie Borden Story" retrocede cuatro meses. Es abril, y la menstruación abundante de Lizzie y su extraña personalidad han ahuyentado a otro pretendiente. Sin ningún posible novio a pesar de la considerable fortuna de su padre, y con su hermana Emma (Billie Lourd) viviendo la vida a su manera, Lizzie se contenta con pasar sus días holgazaneando entre los cerezos de la familia o en su palomar rodeada de sus queridos pájaros. Pero su mundo se expande inesperadamente cuando la señora Borden contrata a una nueva criada, Bridget, quien le cuenta historias sobre París, conoce todo tipo de remedios herbales e incluso cumple con los imposibles estándares de limpieza de la señora Borden.

Animadas por la amistad de Bridget, y tras otro de los horribles actos de barbarie de la Sra. Borden, las mujeres planean matar a los Borden para que Lizzie pueda encontrar algo de libertad y seguridad. A pesar del tema, "The Lizzie Borden Story" tiene un tono lúdico y vibrante. Lizzie no es una mujer llevada al límite sin motivo. En cambio, otros la marginan y la tratan horriblemente hasta que finalmente se quiebra. En sus primeros episodios, la serie distingue cuidadosamente a Lizzie de sus homólogos masculinos asesinos, al tiempo que resalta las condiciones opresivas que enfrentaban las mujeres en la época.

Algo que, aparentemente, a otros les ha perturbado es cómo la serie decide vincular el deseo monstruoso de Lizzie con otras asesinas históricas, algo que no es completamente novedoso en esta serie. En "Monster: The Ed Gein Story", se destacaron los asesinos imitadores Ted Bundy y Richard Speck. Hubo un intento torpe de vincular las historias de Gein y Bundy con una trama inventada que sugería que Gein estaba involucrado de alguna manera en la captura del estrangulador. 

Aun así, aquí se nos introducen otras mujeres en el camino. Sarah Paulson, colaboradora habitual de Ryan Murphy, aparece como la asesina en serie convicta Aileen Wuornos, quien mató a siete hombres entre 1989 y 1990. Los asesinatos de Wuornos ocurrieron casi 100 años después de que Lizzie Borden asesinara a sus padres a machetazos, pero aquí se sugiere que era fanática de Lizzie y que justificaba lo que había hecho con base en que las mujeres son consideradas incapaces de cometer un asesinato frío a menos que sea en defensa propia. No está comprobado que Aileen realmente siguiera la vida de Lizzie, pero, como siempre, Paulson se mete en el cuerpo de su personaje al punto de que le crees cada onza de locura.

Otro asesino en serie se integra a la perfección en la serie. Bridget le lee a Lizzie la historia de la condesa Elizabeth Báthory de Ecsed (también interpretada por Krieps), una noble húngara del siglo XVI que, según se cuenta, desangraba a hermosas vírgenes para bañarse en su sangre y preservar su belleza. La historia de la condesa resalta la obsesión con la apariencia femenina a lo largo del tiempo, a la vez que añade un toque divertido y extravagante a la naturaleza gótica de la serie.

Y, al igual que en las entregas anteriores de Monster, el mal luce espectacular. La ambientación, el vestuario y las escenas de violencia están realizados con un estilo impecable, con una alta calidad de producción y un brillo al estilo Bridgerton . Todo está intensificado, lo cual es a la vez un halago —sin duda, la carnicería más glamurosa que he visto en pantalla— y una crítica.

Aunque Charlie Hunnam regresa en un personaje completamente diferente al que encontramos en la tercera entrega de Monster en el cuerpo de Andrew Borden, aquí las mujeres son las que destacan. Vicky Krieps es una Bridget/Maggie con un corazón confundido que seguro conectará con muchos de la audiencia, pero es impresionante como, a la vez, encarna a un personaje tan opuesto como el de la condesa húngara. Y Rebecca Hall es particularmente macabra como la madrastra de Lizzie, dando suficientes razones para entender por qué llegó su fin. Pero la que verdaderamente enganchará la audiencia, aun a los que les moleste que la dejaron libre, será Ella Beauty, por su naturalidad y representación de ingenuidad tan elocuente que acabará justificando fielmente sus acciones. Y no puedo dejar de mencionar a Jessica Barden como la actriz Nance O'Neill, quien según esta interpretación, se hizo muy cercana a Lizzie para ayudarla a que todos creyeran su inocencia durante el juicio, y sea verdad o mentira, la fuerza de su Nance retumba.

Como cuarta entrega de esta franquicia, "The Lizzie Borden Story" ofrece algo refrescante y completamente único dentro del canon de "Monster". Una ventana a la era victoriana, la serie retrata a una joven atormentada por su familia, la misoginia y su propio cuerpo. Una representación muy atractiva de uno de los crímenes más espantosos de la historia estadounidense, la narrativa, por supuesto, distorsiona y tergiversa la verdad de lo que realmente ocurrió en la casa de los Borden aquella infame mañana de jueves. Sin embargo, la serie también nos recuerda que la última persona a la que se debe subestimar es a una mujer, especialmente a una que clama por un pequeño resquicio de libertad.

Crítica Cinéfila: Practical Magic 2

Secuela de la película 'Prácticamente magia'. Las hermanas Owens deben enfrentarse a la oscura maldición que amenaza con desintegrar a su familia de una vez por todas.

«Seguro que has oído hablar de las hermanas Owens», comienza la narración inicial de "Practical Magic 2". Si es así, la película te invita a visitar de nuevo su espaciosa y laberíntica casa de Nueva Inglaterra tras tanto tiempo; como ejercicio de nostalgia, el filme funciona lo bastante bien como para despertar cierta calidez, aunque no llegue a hechizar por completo al espectador. ¿Y si, por el contrario, no has oído hablar de las hermanas Owens? ¿O si las conoces pero no sientes ningún deseo especial de volver a verlas? Pues bien, esta película fantástica dirigida por Susanne Bier podría ser perfectamente un libro de hechizos con las páginas pegadas entre sí, dada la escasa magia que probablemente extraerás de ella.

Al igual que en la película original de 1998, la mejor razón para ver la secuela es la química entre Sally (Sandra Bullock) y Gilly (Nicole Kidman). Casi tres décadas después de nuestra última visita a estos personajes, Sally ha emprendido una nueva carrera como bibliotecaria, mientras que Gilly... bueno, en realidad no estoy muy segura de a qué se dedica Gilly, más allá de moverse por el pueblo deleitando a los niños con pequeños trucos de magia. Entretanto, Bullock y Kidman han pasado de ser jóvenes promesas a convertirse en leyendas consagradas.

Pero cuando las hermanas Owens vuelven a compartir pantalla —ya sea preparando «margaritas de medianoche» o bromeando sobre hombres —, todos los años transcurridos se desvanecen. Vuelven a parecer aquellas niñas que escuchaban a escondidas cómo se lanzaba su primer hechizo de amor desde la seguridad del rellano de la escalera. Aunque las bromas resulten algo más exageradas en esta ocasión y su vínculo parezca menos complejo, el afecto palpable entre Kidman y Bullock sigue siendo tan sólido como siempre.

Es todo lo que Akiva Goldsman, Georgia Pritchett y Kelly Marcel construyen sobre esa base lo que parece correr el riesgo de desmoronarse; empezando por la propia premisa que nos reúne de nuevo aquí. 

"Practical Magic 2" revela que, en los años transcurridos desde la última vez que supimos de este clan, Gary —el marido de Sally, autor de aquella declaración tan romántica pero aparentemente muy desacertada de que «las maldiciones solo tienen poder si crees en ellas»— ha sucumbido a la misma maldición que acabó con todas las demás parejas sentimentales de las mujeres Owens. Es comprensible que Sally esté destrozada. Lo que resulta menos comprensible es su decisión de que la mejor manera de proteger a sus hijas de ese mismo desconsuelo es, simplemente, no hablarles nunca de la maldición ni de ningún otro asunto relacionado con la brujería.

Así es como las hijas de Sally, Kylie (Joey King) y Antonia (Maisie Williams), han llegado a la juventud adulta sin sospechar siquiera que enamorarse de alguien equivale, en esencia, a condenar a esa persona a una muerte prematura. Sin embargo, cuando el escarabajo de la muerte empieza a rondar al novio de Kylie, la verdad sobre su linaje sale a la luz. Furiosa por haber sido engañada toda su vida, Kylie toma el primer avión hacia la casa ancestral de los Owens en Inglaterra con la intención de romper la maldición de una vez por todas.

Como es natural, a Sally no le queda más remedio que ir tras ella. Esto implica que Sally debe recuperar los dones sobrenaturales que había reprimido, contando con el apoyo espiritual y emocional de una Gilly rebosante de entusiasmo. Si a esto le sumamos un interés amoroso increíblemente atractivo (Lee Pace), que también ha hecho sus pinitos en las artes místicas, y un inglés sospechosamente servicial (Solly McLeod) que tal vez sepa más de la angustiosa historia de los Owens de lo que admite, "Practical Magic 2" se ve obligada a correr para abarcar todos los puntos clave de la trama.

Pero, aunque este ritmo frenético hace que la película pase volando —más rápido de lo que sugerirían sus 130 minutos de duración—, también impide desarrollar esa narrativa compleja y llena de matices necesaria para dotar a la historia de verdadero peso emocional. Apenas tenemos tiempo para lamentar el distanciamiento de Sally respecto a sus dones sobrenaturales antes de que los recupere por completo; solo vislumbramos de forma muy vaga la relación entre Sally y Kylie antes de que esta se rompa y vuelva a recomponerse.

Tampoco nos detenemos lo suficiente en ninguno de los personajes secundarios como para explorarlos a fondo. No resulta sorprendente que Dianne Wiest y Stockard Channing —que retoman sus papeles de Jet y Franny, las excéntricas tías Owens— tengan una participación más bien modesta en la frenética búsqueda que emprende Sally para encontrar a su hija por toda Inglaterra. Al menos, estos entrañables personajes reciben despedidas tan hermosas —chispas doradas, flores en flor, lágrimas, una banda sonora de Stevie Nicks— como se merecen.

Lo más decepcionante —y desconcertante— es el total desinterés de "Practical Magic 2" por la siguiente generación de chicas Owens. Aunque Williams y King muestran una química alegre y distendida en las escenas que comparten, estas son escasas. Durante la mayor parte de la película, permanecen separadas no solo entre sí, sino también del resto de su familia: Kylie recorre Inglaterra cometiendo torpezas en solitario mientras espera a que su madre y su tía la alcancen, mientras que Antonia hace aún menos —si cabe— al permanecer junto a la cama de un paciente en coma en Massachusetts.

Para ser justos, la película original (y superior), "Practical Magic", tampoco destacaba precisamente por una trama impecable o una construcción de mundo rigurosa. Confió acertadamente en que el vínculo inquebrantable entre Gilly y Sally bastaría para sostener gran parte de la narrativa, dejando que la vaga invocación de la «magia» se encargara del resto. Del mismo modo, la secuela funciona mejor cuanto menos se busca la lógica y más se disfruta de los placeres efímeros de ver la interacción entre estas actrices.

Desde esa perspectiva, ¿qué importa si el coqueteo entre Ian y Sally parece construido a partir de una lista de elementos argumentales obligatorios de "Practical Magic"? Pace y Bullock siguen formando una pareja entrañable, sobre todo con Kidman presente para sonreír con complicidad ante su evidente atracción. ¿Y qué más da si Gilly no tiene realmente nada que hacer aquí? Resulta encantadora simplemente como entusiasta compañera de Sally. ¿Y qué importa si la triunfal demostración final del poder de las Owens parece desconectada de lo anterior, cuando verlas descender flotando crea una imagen tan dulce?

Como bien saben las Owens, algunos hechizos están hechos para durar y otros para romperse. Algunas películas están destinadas a perdurar en el afecto del público, generando interés por una continuación incluso décadas después. Otras se conforman con provocar unas cuantas sonrisas antes de disiparse como el humo con la más mínima brisa.

Crítica Cinéfila: Ice Cream Man

Lo que comienza siendo un verano idílico, en un pequeño y tranquilo pueblo vacacional, se convierte en una auténtica pesadilla cuando los más pequeños comienzan a mostrar instintos asesinos y deseos insaciables por acabar con todos los adultos. Son víctimas de una curiosa maldición provocada por los helados que comen que afecta a todos, menos a tres niños que tendrán que intentar escapar y salvar a todo el pueblo.

Las películas de terror actuales generalmente se dividen en dos categorías. Por un lado, está el terror psicológico que busca ahondar en la mente del espectador, como los éxitos de este verano "Obsession" y "Backrooms", así como también fueron "Weapons" y "Talk to Me". Pero en el otro lado están las películas que buscan brindar al público la simple diversión del gore y la sangre de la vieja escuela. Aunque durante mucho tiempo fue menospreciado, este subgénero ha resurgido recientemente, gracias a la popularidad de la franquicia "Terrifier" y "Thanksgiving" de 2023 .

Eli Roth, el director de la última película, no es nuevo en esto de emocionar al público con efectos sangrientos; lleva dos décadas provocando repulsión con películas como "Cabin Fever" y "Hostel". Ahora, regresa con "Ice Cream Man", una comedia de terror sobre un villano sonriente cuyos dulces convierten a un pueblo en un lugar violento y hostil. Si buscas el tipo de impresionantes efectos prácticos que hicieron de las películas de "Terrifier" un fenómeno, sin duda los encontrarás aquí. Pero ahí termina la diversión. A pesar de su buen aspecto, "Ice Cream Man" es una película monótona con un villano olvidable.

"Ice Cream Man" (que no debe confundirse con la comedia de terror homónima de Clint Howard de 1995) comienza en un idílico pueblito que parece el lugar perfecto para crecer. ¿Y qué más podría necesitar un pueblo perfecto que su propio heladero local? Acechando en segundo plano en escenas de niños jugando en el parque y participando en partidos de béisbol infantil, el camión de helados los reparte a los pequeños a través de un personaje silencioso conocido simplemente como el Heladero (Ari Millen). Con su sombrero blanco, pajarita roja y bigote, él también parece una reliquia de tiempos pasados.

Claro, estamos en una película de terror, así que este helado tiene un precio muy alto. Por la noche, el camión de helados recorre barrios oscuros, tocando su melodía característica, y todos los niños que comieron el helado se convierten en monstruos parecidos a zombis cuyo único objetivo es destrozar a los adultos del pueblo (ni siquiera Roth, que tiene un pequeño papel como un padre local, está a salvo). Los únicos que pueden salvar el día son unos cuantos niños y adolescentes que no comieron el helado, incluyendo al intolerante a la lactosa Jared (Charlie Zeltzer) y su hermana mayor Lizzie (Sarah Abbott). Ice Cream Man se ve como la escena final de Weapons convertida en largometraje. La película sabe exactamente lo que es y no se hace ilusiones de ser otra cosa. Pero al final, eso no es suficiente para redimirla.

Eli Roth es un gran admirador del estilo grindhouse. Este gusto, aunque ya palpable en sus demás películas, se hizo público con su genial tráiler grindhouse para la película ficticia "Thanksgiving", que tuvo tan buena acogida que acabó convirtiéndose en un largometraje de éxito. Ese gusto también se aprecia aquí. Ice Cream Man es una comedia de terror donde las escenas de asesinatos no dan miedo; al contrario, son tan exageradas que lo único que queda es reírse de la genialidad del equipo de efectos especiales, que presumiblemente dedicó muchas horas a idear nuevas y descabelladas formas de descuartizar a alguien.

La trama absurda de la película está diseñada para que la producción se divierta, y el gore es el verdadero atractivo. Si te gusta el gore, no te decepcionarán las numerosas escenas de aspecto creíble en las que niños decapitan a sus padres y les destrozan la cara. La mejor de todas es aquella en la que una pandilla de pequeños monstruos en la escuela le corta la parte superior del cráneo a un adulto y, mientras aún está vivo, le arranca parte del cerebro con una cuchara de helado, lo mete en un cono y se lo da de comer.

Sin embargo, hay tantas escenas sangrientas que el impacto inicial se desvanece rápidamente. Un espectador solo puede soportar una cantidad limitada de carnicería repugnante antes de que pierda toda su fuerza, sobre todo porque Ice Cream Man tiene una estética cuidada que contrasta con su predilección por las muertes brutales. Cuando el número de muertes es tan elevado que deja de importar, debe haber una trama que la mantenga en marcha. Aquí es donde Ice Cream Man falla: si se elimina la violencia explícita, no hay mucho más que destacar.

"Ice Cream Man" tiene una premisa similar a la de "Cooties" (2014), otra comedia de terror en la que los niños se transforman en diminutas máquinas de matar. Si bien aquella película distaba mucho de ser perfecta, el coguionista Leigh Whannell y actores talentosos como Elijah Wood y Rainn Wilson crearon una película que, al menos, era coherente. "Ice Cream Man" carece de esto. Los diálogos son muy básicos y dependen demasiado de la interpretación de niños que, sinceramente, no son grandes actores. Esto hace que "Ice Cream Man" parezca una película de serie B directamente para plataformas de streaming.

Pero quizás lo peor de todo sea el villano que da título a la película, tan blando y sin sustancia como los dulces que sirve. Ari Millen es un buen actor que ha impresionado en series como "Orphan Black", pero aquí no tiene nada que hacer, ya que este villano no pronuncia ni una sola palabra.

Claro que una película puede sortear este obstáculo si hay algo sustancial bajo la superficie; el silencioso Art el Payaso es el corazón de "Terrifier". Sin embargo, el Vendedor de Helados no es Art el Payaso. Es solo un tipo, y uno que, además, no parece muy siniestro. Para colmo, el Vendedor de Helados nunca mata a nadie; lo mejor que puede hacer es mantenerse al margen mientras los monstruos que creó hacen el trabajo sucio. Si bien esto podría haber sido el comienzo de un misterio intrigante, una avalancha de información en el tercer acto explica quién es y por qué hace lo que hace. Unos minutos después, tras un clímax poco emocionante, la película termina.

Eli Roth se ha labrado un lugar como uno de los directores de terror más visionarios del siglo XXI, creando tanto películas de pesadilla como comedias de gore. Con "Ice Cream Man", Roth tiene una idea interesante, pero con tan poco respaldo, la película se desinfla rápidamente. Sus brillantes escenas de gore resultan atractivas al principio. Sin embargo, después de un rato, el encanto se desvanece, dejando al público con una sensación de vacío. Al final de los créditos, uno se queda con ganas de más.

Crítica Cinéfila: The Dog Stars

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los sobrevivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados 'segadores'. Hig, un piloto que antes era mecánico, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. 

No es ningún misterio por qué Disney casi enterró  "The Dog Stars" con un estreno a finales de verano pospuesto desde la primavera, mínima publicidad previa, escasa prensa con los actores, sin alfombra roja en Estados Unidos y un tráiler engañoso, que se parece a un millón de otros thrillers postapocalípticos que han cedido terreno a series de televisión más emocionantes, como "The Last of Us" y —al menos en sus primeras temporadas— "The Walking Dead". La película es excesivamente melancólica, y algunos sin duda la considerarán poco potente, pero podría decirse que es la mejor de Ridley Scott desde "The Martian" hace 11 años. Ahora, a sus 88 años, el prolífico director no ha perdido su gusto por la acción explosiva, pero esos estallidos se ven amortiguados aquí por un drama más reflexivo.

Adaptada por Mark L. Smith ("The Revenant", "Twisters") a partir de la aclamada novela de Peter Heller de 2012, la película tiene el aire de un western melancólico centrado en los personajes, más que de un thriller de supervivencia con tiroteos, aunque incluya secuencias de ese tipo. Esto hace que sea difícil que satisfaga a los espectadores con poca capacidad de atención que buscan acción trepidante, pero el público más maduro, abierto a una visión de un futuro distópico donde la desolación y la brutalidad se contrarrestan con la compasión y la esperanza humanas, debería verla.

En consonancia con la estética retro, Jacob Elordi lidera con un magnetismo introspectivo propio de una estrella de cine que evoca la época dorada de Kevin Costner, mientras que las vistas panorámicas del director de fotografía Erik Messerschmidt —lugares en las estribaciones de los Alpes italianos y las montañas de las regiones de Abruzzo y Lazio que sirven como majestuosos sustitutos de Colorado— dotan a la historia, pausada pero absorbente, de una gracia revitalizante. Como demostró Paul Greengrass en la infravalorada  News of the World , lo clásico no siempre es negativo.

Elordi interpreta a Hig, un viudo inseparable de su fiel compañero Jasper, un pastor belga malinois que lo acompaña desde cachorro y que representa el vínculo más duradero con los tiempos felices que compartió con su difunta esposa, Melissa (Sai ​​Bennett). La relación de Hig con el veterano militar Bangley (Josh Brolin) es afectuosa pero tensa, ya que, a pesar de su experiencia en la aviación del ejército, nunca aprendió a volar. Ambos comparten alojamiento en un hangar convertido en una pista de aterrizaje abandonada en Erie, Colorado, rodeado por un perímetro de seguridad.

El francotirador Bangley se encarga de las armas y las fortificaciones, y confía en Hig, un antiguo mecánico y piloto experimentado, para realizar vuelos de reconocimiento en una avioneta Cessna destartalada. El objetivo es detectar posibles amenazas humanas y recolectar combustible y otros suministros de lo que queda de Denver. En una de estas misiones, Hig descubre a una nueva banda de carroñeros conocida como los "Segadores", que, según se dice, son más salvajes que cualquier tribu anterior, y cuyo único propósito es matar a los supervivientes y arrasarlo todo.

La historia transcurre en 2035 —resulta curioso cómo los autores de ficción postapocalíptica siguen posponiendo la fecha con optimismo—, una década después de que la población humana fuera diezmada por una pandemia de gripe. Esa gripe se llevó a Melissa, un año después de haber perdido al bebé que esperaban. 

Hig sostiene que Bangley nació para estos tiempos brutales de supervivencia. El anciano posee un arsenal de armas bien surtido, reciclando ingeniosamente casquillos de bala como punzones. Bangley cree en disparar primero y preguntar después, lo cual demuestra cuando dos adolescentes se acercan al perímetro armados con un machete. Se opone a que Hig se ponga en riesgo de infección al entregar suministros médicos a una comunidad menonita liderada por Aaron (Benedict Wong) en un valle aislado, donde muchos niños portan una enfermedad sanguínea potencialmente mortal. Pero Hig no está dispuesto a darle la espalda a la bondad humana, lo que lo enfrenta a Bangley, incluso cuando este último lo salva de un ataque sorpresa.

Cuando Hig capta una señal de radio de Grand Junction, lo que lo impulsa a despegar solo en busca de algo más cercano a la civilización, una avería en el motor lo obliga a hacer una parada imprevista cerca de un rancho aislado en un valle, donde la joven viuda Cima (Margaret Qualley) vive con su padre hipervigilante, conocido como Pops (Guy Pearce). Poco a poco, él se gana la confianza del anciano y el afecto incipiente de su hija mientras repara su avión y crea una pista de aterrizaje, tarea que se ve acelerada por un ataque de los cañoneros.

Suceden más actos de violencia, junto con un insólito interludio protagonizado por Allison Janney, maquillada como una exazafata vestida con un uniforme de aerolínea de época, que sirve martinis a los visitantes («¡Una vez azafata, siempre azafata!»). Sin embargo, este episodio está totalmente divorciado del tono más sobrio que predomina, aunque los salvajes saqueadores pudieran sugerir lo contrario. Algunos podrían preguntarse si Scott se está volviendo más blando con la edad, especialmente en algunos de los giros finales, que ofrecen esperanza para la resiliencia de la humanidad. Pero incluso si el final resulta abrupto y un tanto trivial, el sentimiento no es infundado. Dicho esto, el guion de Smith carece de complejidad psicológica, y en la parte final de la película se percibe que se han recortado algunos fragmentos del libro, e incluso del rodaje, durante el montaje.

Desde mi punto de vista, el sólido reparto es lo que te mantiene enganchado. En uno de los pocos papeles protagónicos importantes del actor australiano, Elordi irradia una emotividad y sensibilidad que dotan a la película de autenticidad emocional. Brolin está en plena forma como un tipo duro con un núcleo de decencia bien disimulado, aportando un humor considerable. Pearce se muestra hostil en las primeras escenas de Pops, pero gradualmente se transforma en calidez y confianza, mientras que Qualley ofrece una de sus interpretaciones más encantadoras, libre de excentricidades o momentos dramáticos ostentosos, retratando a Cima como una mujer marcada por el dolor pero reacia a cerrarse a la posibilidad del amor.

La cinematografía de Messerschmidt rebosa de texturas —sobre todo en IMAX—, con una dinámica puesta en las escenas de acción e imágenes nítidas y envolventes en las secuencias de vuelo. Como era de esperar en Scott, la ambientación se construye principalmente a través de recursos visuales, con impactantes tomas aéreas de zonas urbanas y rurales fantasmagóricas, deambuladas por manadas de perros salvajes. La banda sonora de Harry Gregson-Williams captura la esencia de la película con pasajes melódicos de guitarra acústica, dobro y cuerdas orquestales —con ecos en temas vocales folk de Hozier, Caamp y otros—, a la vez que se transforma en un suspense opresivo cuando es necesario. 

Sin ser aburrida, "The Dog Stars" difícilmente buscaba posicionarse entre las mejores películas de Ridley Scott. Sin embargo, es una película agradablemente tranquila, aunque esto pueda parecer contradictorio con un drama postapocalíptico ambientado en la sombra de la muerte.

Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.