Crítica Cinéfila: East of Eden

A comienzos del siglo XX, una mujer de espíritu independiente separa a dos hermanos y desencadena una historia que marcará a dos generaciones.

La adaptación de "East of Eden" de Elia Kazan, de 1955, es un audaz melodrama de prestigio, del tipo que Hollywood rara vez produce hoy en día. Es un homenaje suntuoso al pasado, con una interpretación atormentada e impactante de James Dean que se convirtió instantáneamente en un icono, tanto por dentro como por fuera. Sin embargo, como adaptación cinematográfica de la novela clásica de John Steinbeck, es muy lamentable. La película de dos horas toma la amplitud bíblica y la riqueza generacional del libro y, al abordar solo su último tercio, la reduce a una historia de amor sentida con algunos problemas paternos ocasionales. Está tan alejada de los mejores aspectos de la obra original que apenas justifica su título.

Unos 70 años después, Zoe Kazan, nieta de Elia, se acerca mucho más a abordar con éxito y a comprender las profundidades del libro de Steinbeck en su producción de Netflix de siete partes.

Esta adaptación, realizada principalmente por Kazan —Alexander Chee coescribió un episodio clave a mitad de temporada—, con Garth Davis y Laure de Clermont-Tonnerre en la dirección, aún no logra captar la esencia de la novela, y ninguna interpretación individual puede igualar la inquietud transformadora que encarna Dean. Sin embargo, es rica, moralmente compleja y está repleta de actuaciones memorables, en particular la de la protagonista y productora ejecutiva Florence Pugh, así como la de Hoon Lee en un papel que, injustamente, fue eliminado por completo de la película.

"East of Eden" es una de esas obras narrativas complejas en las que cualquier descripción de la trama no logra captar la totalidad del panorama, y ​​en la que reducir esa narración a una simple "trama", como sucede con frecuencia aquí, resulta limitante. Ni siquiera siete episodios bastan para plasmar fielmente el libro, pero dudo que más tiempo en pantalla hubiera marcado la diferencia. Se trata de una reinterpretación del Libro del Génesis ambientada en la expansión occidental del sueño americano a finales del siglo XIX y principios del XX, contada principalmente a través de las vidas de dos pares de hermanos cuya lucha por el afecto paterno desemboca en una tragedia, facilitada por una antihéroe particularmente venal.

La historia comienza con los hermanastros Adam (Christopher Abbott) y Charles (Mike Faist) Trask, quienes crecen bajo la atenta mirada de su padre, Cyrus (Tracy Letts), un héroe de la Guerra Civil con una sola pierna que los guía con rigor militar. Adam es inteligente y bondadoso, pero su gentileza raya en la pasividad. Charles es sombrío y taciturno, pero hábil en las actividades propias de un hombre. Los hermanos toman caminos diferentes, pero terminan compartiendo la granja familiar en Connecticut.

Una noche, Cathy (Pugh) llega a su puerta, horriblemente golpeada y aparentemente sin recordar nada de su pasado. Adam, un cuidador nato, se enamora al instante, pero Charles percibe algo oscuro y posiblemente monstruoso en Cathy, pues él mismo padece demonios similares. Finalmente, la historia se traslada al valle de Salinas en California, donde conocemos al jovial y patológicamente desafortunado Samuel Hamilton (Ciarán Hinds), quien ayuda a Adam a encontrar una impresionante propiedad, y al fiel mayordomo Lee (Lee), quien se presenta como un empleado doméstico que habla un dialecto coloquial, pero que rápidamente se convierte en el corazón esencial de la serie.

Más adelante, la serie llega a los acontecimientos de la película, que de repente cobran mucho más sentido en este contexto: vemos a los hijos de Adam, Cal (Joseph Zada) y Aron (Joe Anders), con Zoe Phillips como Abra, la joven que se interpone entre ellos, lidiando con un legado que comienza con su padre y su tío, pero que en realidad se remonta a Caín (cuyo destino bíblico "al este del Edén" da nombre al libro/serie) y a Abel.

Kazan y el coproductor ejecutivo Jeb Stuart ofrecen una adaptación bastante fiel de la trama de la novela, aunque han omitido gran parte de la historia relacionada con la familia Hamilton, el clan secundario más vinculado al linaje de Steinbeck. Gran parte de los diálogos son idénticos a los originales, con solo pequeñas modificaciones para suavizar, o al menos explicar, el personaje de Cathy (interpretado por Pugh) y un interludio añadido para situar a Lee en el centro de la historia.

Los saltos temporales de la serie provienen directamente de Steinbeck, y de la propia Biblia, donde lapsos de cientos de años pueden ser rápidamente resumidos en una lista de "genealogías" y personajes o incidentes que son fundamentales para religiones enteras o escuelas de pensamiento espiritual pueden ser cubiertos en unos pocos versículos.

Al final, todas las piezas encajan, pero hay algunos desvíos y omisiones que, en el momento, resultan frustrantes; sobre todo, la inevitable decepción que supondrá que Netflix promocione la serie como un triángulo amoroso entre los personajes interpretados por Pugh, Abbott y Faist, lo cual, sin duda, no es cierto. No ayuda en nada que Abbott ofrezca una actuación melancólica y monótona —aunque su interpretación es buena, resulta limitada y restrictiva—, mientras que Faist logra que Charles sea peligrosamente emocionante. Si empiezas a verla pensando que es una serie que se reparte a partes iguales entre Abbott y Faist y sus personajes, casi te garantizo que te decepcionará.

No.

Pugh, en su primer papel televisivo extenso desde "The Little Drummer Girl" de 2018, arremete contra una de las grandes y desconcertantes antagonistas de la ficción, una mujer tan decidida y malvada que hace que Becky Sharp de Vanity Fair parezca una niña exploradora. Pero Cathy no es una villana, aunque su voz en off comience con una observación sobre los monstruos que nacen de padres humanos. Es una mujer que se niega a ser limitada por las expectativas y comportamientos de hombres inferiores y, en el proceso de seguir su propio camino, decide, con una franqueza desarmante, que no se molestará en adherirse a la moral patriarcal. Kazan añade un origen de "cómo llegó a ser así" que no creo que fuera necesario explicar explícitamente, pero no arruina al personaje ni perjudica a Pugh.

Una de las cosas que más me gustan de Pugh como actriz es que no oculta nada. Cuando está alegre, irradia alegría. Cuando está triste, se le nota en cada sollozo. Cuando hace pucheros, son pucheros de arriba abajo. Y cuando se burla, puede derribar edificios enteros. Que Pugh interprete a un personaje que, por su propia naturaleza, duda en revelar la verdad es una elección interesante que pone la responsabilidad en todos los que la rodean y que no reconocen lo que es tan obvio para los espectadores. Cathy da miedo cuando miente, pero da aún más miedo cuando dice la verdad, con una honestidad sin tapujos que es puramente Pugh. Es tan buena que incluso en la segunda mitad de la serie, cuando Cathy ya no es convincente, sigue funcionando.

La monotonía abatida de Abbott, como uno de los hombres que no logran reconocer la verdadera naturaleza de Cathy, desequilibra la serie. En parte es intencional, pero aún así podría haberse evitado.

Afortunadamente, ahí es donde entran en juego Hinds y, sobre todo, Lee. Kazan no ha encontrado la manera de que Hamilton haga gran cosa —con su familia prácticamente eliminada de la historia, es un agente inmobiliario glorificado que va y viene, pero que solo ocasionalmente llega a ser un catalizador—, pero su energía extrovertida es un contrapunto fundamental a la melancolía constante de Abbott.

Lee, que ha estado excelente en "Banshee","Warrior" y "Your Friends & Neighbors" de Jonathan Tropper y que ha estado infrautilizado en otros proyectos, es la verdadera revelación. En el guion, el personaje es una evasión y subversión de estereotipos, pero aquí es excepcionalmente humano, beneficiado por las escenas adicionales que Kazan y Chee aportan al quinto episodio. Si bien algunos espectadores disfrutarán de los triángulos amorosos o del ascenso/descenso de Cathy al estilo del talentoso Sr. Ripley —un episodio con la estrella invitada Martha Plimpton como una bondadosa madame de burdel es una delicia oscura— casi todas mis escenas favoritas se centran en Lee, incluyendo una encantadora conversación entre Lee y el radiante recién llegado Phillips, un escalofriante monólogo autobiográfico y una discusión sobre semántica bíblica entre Lee y Hamilton.

Es esta conversación la que restituye el concepto/palabra hebrea de «timshel», o «tú puedes», a la historia: la evocación más pura del libro y de la exploración que hace la serie del destino, el libre albedrío y la mutabilidad de la naturaleza humana. La conversación y la palabra misma, que da título al séptimo y último episodio, desvelan los fundamentos bíblicos y las complejidades que rigen a muchos de los personajes principales.

No es intrínsecamente cinematográfico que los personajes divaguen sobre la traducción bíblica. Por eso, los directores Davis y de Clermont-Tonnerre siempre pueden recurrir a la siguiente vista impresionante de Nueva Zelanda o a una pieza de arquitectura de principios de siglo cuidadosamente encuadrada, mostrando una cantidad de puertas impecablemente iluminadas que evocan a John Ford o, más recientemente, la obra de Jane Campion, especialmente en "The Power of the Dog", que utilizó localizaciones similares, si no idénticas. Todas las pausas en el tiempo y el ritmo se suavizan gracias a la exuberante y suntuosa banda sonora de Laura Karpman.

En su traducción, la versión de Zoe Kazan de "East of Eden" pierde parte del humor del libro y de la fluidez narrativa, elementos que sustentan y realzan la escalada de tragedia y catarsis. Sin embargo, conserva mucho. A diferencia de la película de 1955, esta adaptación parece comprender por qué el libro es un texto especial y, gracias a Pugh y Lee, ofrece numerosos elementos propios que le aportan un toque distintivo.

Crítica Cinéfila: The Wonder

Región irlandesa de las Midlands, 1862. Una niña deja de comer pero permanece milagrosamente viva y en buen estado. La enfermera inglesa Lib Wright es llevada a un pequeño pueblo para observar a Anna O'Donnell, de once años. Abundantes turistas y peregrinos se reúnen para contemplar a la niña que, según se dice, ha sobrevivido sin comer durante meses.

The Wonder brilla por varias razones. Por un lado, su estudio del fanatismo religioso y el abuso sexual toca un nervio en la cultura actual. También representa narrativamente uno de los mejores trabajos del director chileno Sebastián Lelio, quien ganó un Oscar por "Una mujer fantástica" (2017) y también dirigió películas tan bien recibidas como Gloria (2013) y Disobedience (2017). Pero la película será recordada principalmente por la actuación monumental de Florence Pugh, que transporta al público en el viaje de su personaje para salvar la vida de una niña víctima de la sociedad del siglo XIX.

Sin embargo, al asignar crédito, no se debe pasar por alto la contribución de la novelista Emma Donoghue, quien primero creó la historia y también escribió el libro Room, otro estudio sobre mujeres y niños abusados ​​y atormentados (otra película que le otorgaron un Oscar a Mejor Actriz para Brie Larson). Donoghue escribió el guión de The Wonder, junto con Lelio y Alice Birch.

La historia tiene lugar en 1862, cuando una enfermera inglesa, Lib Wright (Pugh), llega a un pequeño pueblo en la Irlanda devastada por la hambruna para investigar un extraño suceso en una granja desolada. La hija pequeña de la familia, Anna (Kila Lord Cassidy), ha estado ayunando durante unos meses sin efectos nocivos aparentes. La familia de la niña y los ancianos de la comunidad quieren asegurar la seguridad de la niña y también verificar si esto podría ser un milagro cristiano de buena fe. Lib se muestra escéptica ante cualquier interpretación sobrenatural; su único deseo es ayudar a la niña y se enfrenta a una comunidad de ancianos que desconfían de su experiencia médica.

Sin ánimos de dar muchos spoilers, en algunas noticias la describen como un thriller de suspenso gótico, que en realidad no es un género tan presente, más bien lo indicaría como un drama de culto; es más un comentario sobre los extremos peligrosos de la obsesión religiosa, así como la opresión de las mujeres en muchas comunidades aisladas.

El sacerdote de la comunidad (Ciaran Hinds, nominado al Oscar) y el médico (Toby Jones) menosprecian a Lib, aunque ella claramente tiene mucho más conocimiento que ellos, así como mucha más compasión. Lib tiene su propio pasado turbulento, que se revela gradualmente, y esto puede explicar en parte su deseo de salvar a la niña bajo su cuidado. Su único aliado real es un periodista de Inglaterra (Tom Burke), que está investigando una historia que obviamente ha viajado más allá de los confines de este pequeño pueblo.

Técnicamente, la película es un logro sorprendente, con una cinematografía elegante y apropiadamente oscura de Ari Wegner, quien también filmó "The Power of the Dog" el año pasado. La espeluznante partitura musical de Matthew Herbert contribuye al impacto de la trama.

Pero nada funcionaría tan bien sin la actuación de Pugh. Ella domina la pantalla desde su primera aparición, y nunca tenemos dudas de que cualquiera que intente interferir con ella se enfrentará a un adversario formidable. Lib no es de ninguna manera un modelo de virtud: tiene una arrogancia inconfundible y su juicio no siempre es perfecto. Pero su preocupación por la niña nunca está en duda, y siempre estamos involucrados en su búsqueda para encontrar la libertad para ella y la joven Anna. La recién llegada Cassidy trabaja maravillosamente bajo la dirección de Lelio. Nunca podemos estar completamente seguros de si ella está ocultando información crucial, y esta ambigüedad se suma al poder de la película. Algunos de los otros actores tienen muy poco que hacer. El papel de Hinds parece garantizado, y otros miembros de la familia también están esbozados de forma un poco confusa. Pero no se puede discutir el poder de la historia y de la actuación central. 

Pugh ha demostrado una gran fuerza en películas anteriores como Lady Macbeth (2016) y Little Women (2019), pero aquí capta la atención de la audiencia desde el primer cuadro hasta el último. En un mundo cada vez más amenazado por el extremismo religioso y la arrogancia masculina, uno se puede consolar con la idea de que mujeres como Lib Wright, al menos representadas por Florence Pugh, están ahí para luchar por el bien e incluso lograr victorias ocasionales.

Crítica Cinéfila: Belfast

La película, un drama de madurez ambientado en los tumultos de la Irlanda del Norte de finales de los años 60, sigue al joven Buddy mientras navega por un paisaje de lucha obrera, cambios culturales radicales y violencia sectaria. Buddy sueña con un futuro glamuroso que lo aleje de los problemas, pero, mientras tanto, encuentra consuelo en su carismático padre y su madre, y en sus alegres abuelos.

Con Belfast, Kenneth Branagh cambia de sus adaptaciones de Agatha Christie a una película mucho más personal sobre su infancia en Irlanda del Norte. Ambientada en 1969 durante el apogeo de los conflictos entre protestantes y católicos, pero la película se aleja inteligentemente de la política para centrarse en el drama familiar.

Filmada en blanco y negro con algunas ráfagas de color, la imagen se abre con un tranquilo cuadro doméstico que de repente estalla en violencia. Nuestro protagonista, Buddy (Jude Hill), de 9 años, intenta entender qué está sucediendo. Hasta donde él sabe, su familia protestante siempre ha convivido con vecinos católicos, pero esta mañana de agosto lo obliga a ver el mundo de otra manera. La unidad familiar principal está formada por él, su hermano mayor (Lewis McAskie), su madre (Caitriona Balfe) y su padre (Jamie Dornan), que viaja con frecuencia a Inglaterra para realizar trabajos de construcción. Su abuela y su abuelo, interpretados por Judi Dench y Ciaran Hinds, también viven cerca. Pa quiere sacar a su familia de Irlanda del Norte por su seguridad, pero sus lazos amorosos en la comunidad hacen que esta sea una decisión extremadamente difícil. Es a partir de ahí donde la mayor parte de la historia se cuenta a través de los ojos de Buddy, y el joven Hill es un maravilloso sujeto frente a la cámara, con un núcleo emocional muy lúcido.

Un problema mayor de la película es que simplemente no proporciona antecedentes suficientes sobre los disturbios en Irlanda del Norte. Branagh utiliza algunos extractos de noticias de televisión para intentar completar el trasfondo, pero son insuficientes. Dentro de la comunidad protestante, parece haber diferentes facciones, algunas que abogan por la violencia y la disrupción y otras, como los personajes principales, que esperan tener una convivencia más plácida.

A pesar de esto, los personajes principales están tan bien dibujados y bellamente interpretados que no podemos evitar quedar atrapados en sus luchas diarias, así como en la decisión más importante que enfrentan sobre si abandonar su hogar por la perspectiva incierta de nuevos horizontes. Mudarse significará dejar atrás a los abuelos, y sentimos el vínculo de Buddy con la pareja mayor con tanta intensidad que la melancolía se intensifica. Las escenas entre Dench y Hinds se encuentran entre las representaciones más hermosas de un matrimonio a largo plazo representadas en la pantalla. También tenemos una sensación palpable del apego del joven Buddy a sus abuelos, quienes le ofrecen lecciones de vida que nunca recibe de sus padres.

Branagh, el director de fotografía Haris Zambarloukos y el diseñador de producción Jim Clay evocan el período. Los destellos de color en este universo en blanco y negro llegan cuando la familia visita el cine local, primero para ver a Raquel Welch luchar en One Million Years B.C., y luego ser cautivada por el auto volador en Chitty Chitty Bang Bang. La partitura de época, proporcionada principalmente por el cantautor irlandés Van Morrison, también nos ayuda a transportarnos al pasado. 

La película más personal de Branagh es perfectamente imperfecta, pero la emoción que genera en la sección final, cuando la familia representa un desgarrador drama universal de la emigración, es abrasadora. Momentos en los que Buddy debe despedirse de su novia de la infancia y de la abuela, a quien tal vez nunca vuelva a ver, desgarran el corazón y perduran en el recuerdo.