Crítica Cinéfila: Digger

El hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo.

Alejandro González Iñárritu y Tom Cruise estaban hechos el uno para el otro, si no para nadie más. Uno es un temerario cinematográfico cuyas películas se nutren de la tensión entre el ego y la mortalidad: un virtuoso loco obsesionado con escenificar elaboradas acrobacias que exteriorizan su ser interior en materia de espectáculo desmesurado, y lo hace con un esfuerzo kamikaze tan extremo que incluso (o especialmente) su trabajo más grandioso puede hacer parecer que la persona detrás de él se esconde de la realidad en lugar de engrandecerla. El otro es Tom Cruise.

Por distintos medios y con distintos fines, ambos hombres han arriesgado constantemente sus vidas creativas y/o reales al enfrentarse a los límites de lo que pueden lograr con una cámara de cine. A través de proyectos como "Birdman", "Bardo" y las secuelas de "Mission Impossible", ambos han dedicado la última etapa de sus carreras a difuminar la línea entre el arte y el artista. No como un intento de eludir algún tipo de reflexión moral (aunque sea fácil ver el ascenso de Cruise como "El Salvador del Cine" como un cambio de imagen calculado), sino más bien como un esfuerzo por explorar —o trascender— la relación entre la realidad y las historias que las personas eligen contar sobre sí mismas.

El arte arriesgado suele describirse como un acto de funambulismo, pero "Digger" realmente se merece esa etiqueta. Hasta que dio su último paso, sinceramente no habría podido decir si iba a tener éxito o a estrellarse de cabeza contra el serrín. El octavo largometraje de Alejandro González Iñárritu —el director mexicano ganador del Óscar por "Birdman" y "The Revenant"— es una sátira sinuosa y arrogante. En esencia, es un Dr. Strangelove para la crisis climática. También es la película de estudio más extraña y alocada del año.

Tras más de una década de variaciones sobre su ya agotado personaje de héroe de acción, Cruise se ensucia las manos de forma emocionante —y su famoso rostro se transforma con prótesis— en el papel de Digger Rockwell. Este grosero y arrastrado magnate petrolero se sitúa en algún punto del espectro de la personalidad desquiciada de Cruise, entre el gurú misógino que interpretó en Magnolia (1999) y Len Grossman, su jefe de estudio calvo y obeso en Tropic Thunder (2008). Las perforaciones imprudentes de Digger en Groenlandia provocan el desprendimiento de una plataforma de hielo, que se desplaza hacia el este y choca contra el norte de Europa, causando el mayor desastre ecológico desde el asteroide de Chicxulub. Así pues, con la ayuda de la gerontocracia estadounidense —personificada por el presidente cascarrabias, decrépito y delirante (John Goodman)— Digger decide reinventarse como el salvador de la humanidad. Comprende la importancia de «controlar la narrativa», lo que para él implica gritarle al Parlamento Europeo y bombardear icebergs sin piedad. 

Hay mucho que hacer, y esto es solo la mitad de lo que Digger está tramando. Porque, como pronto descubrimos, lo que hemos estado viendo es una obra de teatro increíblemente elaborada y compleja sobre el desastre, con Cruise "abandonando el personaje" y convirtiéndose en Curtis Markson, un actor ansioso y lleno de dudas, en los descansos entre escenas. En otras palabras, "la narrativa" ya está bajo un control férreo, aunque las implicaciones completas de esto no se revelan hasta los impactantes minutos finales de "Digger", que resultan tan oscuros y sombríos como el remate final de Dr. Strangelove .

Para ser una comedia, "Digger" no suele ser graciosa, aunque me reí mucho por su descaro. La interpretación arrolladora de Cruise es su mejor actuación convencional desde "Edge of Tomorrow" en 2014, mientras que los toques surrealistas y artesanales —desde los intrincados decorados en miniatura hasta el gato títere, mitad adorable, mitad repulsivo, al que Digger adora— generan una atmósfera de falsedad inmersiva, acorde con la naturaleza artificial y manipulada de la historia. Estas son condiciones complicadas para que cualquier actor que no sea Tom Cruise cause una buena impresión. Pero Riz Ahmed aporta una convincente confusión moral como el Dr. Ganesh, el científico interno de Digger, y Jesse Plemons se roba la escena como uno de los patrocinadores superficialmente amigables de la obra, que interviene de manera instructiva cuando Curtis y su directora (Sophie Wilde) discuten sobre el propósito final de su extraño y laberíntico proyecto.

La película pasa de los objetivos fáciles de su acto inicial (por ejemplo, el saqueo ambiental, el chovinismo apocalíptico, los hombres fuertes con aires de dios-rey) a las preocupaciones más abstractas: sobre todo, hasta qué punto la narrativa se ha convertido en la fuerza predominante en nuestro mundo, tanto a nivel individual como global. "Digger" abre una nueva trama en su segundo acto, una que visita demasiado brevemente, y que eché de menos cada vez que la película volvía a la historia sin salida de su magnate homónimo, que básicamente pasa el resto de su tiempo en pantalla intentando controlar los daños de su personaje en lugar de poder mitigar el desastre que ha causado.

Como cada vez que "Digger" eleva su concepto aún más a la estratosfera, esta gran revelación —que no es la última de su tipo, ni la más satisfactoria— viene acompañada de un extraño tufillo a autocrítica; cada vez que la obra de Iñárritu expande su alcance, lo hace de una manera que llama la atención conscientemente sobre la desconexión entre el esfuerzo de la película y su falta de impacto. El extraordinario diseño de producción de Dennis Gassner, la cinematografía a lo Bruegel de Emmanuel Lubezki, la música peculiar de Cosmo Sheldrake (un regreso a los tiempos en que toda comedia al estilo Kaufman requería una banda sonora de Jon Brion) y el resto del impecable trabajo artesanal están al servicio de una película que constantemente cuestiona su propio valor frente a los eventos apocalípticos de su historia.

La belleza de la técnica permite que esas preguntas parezcan sinceras en lugar de interesadas, pero la grandilocuencia de Iñárritu le impide plantearlas a escala humana. Las ideas rara vez son el problema en sus películas. Al contrario, el problema radica, una vez más, en que sus simulacros impulsados ​​por el espectáculo se basan en las mentiras que nos contamos a nosotros mismos, en lugar de las verdades que esperamos enterrar bajo ellas, y por eso sus comedias hiperconceptuales invariablemente parecen construidas sobre las arenas movedizas de una metáfora mixta. La propia Digger existe en ese estado de incertidumbre perpetua, y no estoy seguro de si el debate interno que mantiene sobre la impotencia del arte ante la catástrofe es algo que pueda, o siquiera quiera, resolver. Pero qué emocionante es ver a Iñárritu y Cruise debatirlo con tanta belleza, audacia y extravagancia.

Crítica Cinéfila: After the Hunt

Una profesora universitaria (Julia Roberts) se encuentra en una encrucijada personal y profesional cuando una estudiante estrella (Ayo Edebiri) acusa a uno de sus compañeros de trabajo (Andrew Garfield) y un oscuro secreto de su pasado amenaza con salir a la luz. 

"After the Hunt" de Luca Guadagnino, un drama de acusaciones sexuales e intrigas académicas ambientado en los claustros enrarecidos de la Universidad de Yale, es una película que tiene muy buenas actuaciones, una paleta visual impresionantemente oscura y premonitoria, y una atmósfera psicológicamente tensa de misterio y suspenso. Es una película que aprovecha las cuestiones actuales de justicia social y moralidad sexual, y está dispuesta a encontrar respuestas que contradigan las ortodoxias predominantes. Julia Roberts, como una profesora de filosofía sombríamente ambiciosa que tiene más que decir sobre Michel Foucault que sobre su propia vida (oculta), actúa con una punzada sardónica fría y convincente. Todo lo cual hace de "After the Hunt", como mínimo, un tema de conversación urgente y provocador.

Al mismo tiempo, hay muchos momentos en la película que probablemente dejarán a los espectadores rascándose la cabeza, cuestionando qué es lo que acaba de pasar. Y ese no es el tipo de preguntas que quieres que te pasen por la cabeza cuando ves una telenovela académica realista, ni siquiera una que cultiva cierto aire de enigma. "After the Hunt" se ha hecho con bastante maestría e intriga, pero también es una experiencia extrañamente confusa: una historia tensa y cautivadora por momentos, pero salpicada de artificios y demasiadas preguntas vagas sin respuesta. Por eso, al final, es una película poco satisfactoria. 

"After the Hunt" no es una película abiertamente dogmática. La película fue escrita por Nora Garrett, una actriz que debuta como guionista, y está llena de intercambios agudamente ingeniosos y frágiles que evocan eficazmente el rigor intelectualizado, burlón y ostentoso del mundo académico. Guadagnino, aunque aquí trata temas polémicos, no ha hecho una película para televisión glorificada que lo explique todo. Todo lo contrario: "After the Hunt" completa lo que sucede con cada personaje poco a poco, permitiendo que cada uno de ellos exista en su propia zona de incertidumbre provocadora. La cinematografía, a cargo de Malik Hassan Sayeed, tiene una precisión documental combinada con una solemnidad sombría. Al principio, hay una secuencia de fiesta ambientada en la casa de Alma Imhoff (Roberts), el personaje central de la película, y por un momento podemos pensar que estamos en el Yale Club, porque el lugar parece enorme, con techos altos, pasillos largos y una cocina gigante.

A medida que los personajes se provocan mutuamente, lanzándose desaires "amistosos", nos sentimos como si estuviéramos siendo arrastrados a una especie de vorágine, con todo tipo de tensiones subyacentes en juego. Alma, una profesora popular, está casada con Frederik (Michael Stuhlbarg), un psicoanalista barbudo al que trata como si no fuera tan importante como ella; él responde provocándola con picardía castrada y luego escabulléndose para hacer cassoulet. No es de extrañar que prefiera coquetear con Hank Gibson (Andrew Garfield), su colega profesor y amigo íntimo de toda la vida, que ve cada conversación en la que está como una forma de competencia mordaz.

Estos dos, sin embargo, realmente están compitiendo. Ambos están nominados a la titularidad, y hay algunas bromas sabrosas sobre qué pasará con su alianza si solo uno de ellos la obtiene, y también sobre si el género de Alma ayudará a ponerla en ventaja. Durante un tiempo, ambos profesores hacen un espectáculo de adulación hacia Maggie (Ayo Edebiri), una estudiante de posgrado que está trabajando duro en su tesis de filosofía; Alma es su mentora oficial (lo que solíamos llamar un asesor de tesis). Todo parece lo suficientemente hablador y efervescente hasta que la fiesta termina, y Maggie y Hank salen juntos. Aunque nunca vemos qué sucede, los dos terminan yendo al apartamento de Maggie para tomar una copa (su compañera de piso y pareja romántica está fuera), y ahí es donde tiene lugar el evento crucial de la película.

Una o dos noches después, Maggie aparece en casa de Alma, angustiada, alegando que, cuando estaban en el apartamento, Hank la agredió sexualmente. Alma la interroga por un momento, pues el hombre acusado es su amigo íntimo, pero incluso su ligero instinto escéptico es interpretado por Maggie como una posible traición. Ambas son mujeres; para Maggie es fundamental que le crean y la apoyen. En ese momento, el público no tiene una idea clara de lo que realmente ocurrió. Pero entonces Hank le pide a Maggie que se reúna con él en su lugar favorito: un restaurante indio situado en un comedor plateado renovado. Mientras devora su pollo tandoori, cuenta su versión de los hechos: que Maggie, según descubrió, había plagiado gran parte de su tesis, que la había confrontado con esta acusación cuando estaban en su apartamento y que ella inventó la historia de la agresión para evitar ser descubierta por lo que hizo.

Hay notas de ambigüedad en "After the Hunt", pero mi interpretación de la película nos lleva a creerle a Hank. Se le indica al público que podría demostrar eficazmente la acusación de plagio, y cuando Hank habla de cómo, en esta situación, se ha convertido instantáneamente en un cliché de depredador masculino, condenado independientemente de lo que diga, creo que la película espera que conectemos con la ira justificada que Andrew Garfield expresa y que tomemos sus palabras con sinceridad. En este punto, sin embargo, seguimos pensando que vamos a presenciar una especie de procedimiento de "él dijo/ella dijo" desarrollado en un entorno académico.

Pero "After the Hunt" no es ese tipo de película. Alma se reúne con el decano de Humanidades y le confiesa que le cree a Maggie. Es evidente que miente (y una revelación posterior sobre el plagio lo confirma), pero la escena es bastante extraña. Ha decidido mentir porque, si defiende a Hank en un ambiente de caza de brujas, siente que podría hacerse daño. Pero Julia Roberts lo interpreta todo de una manera tan emocionalmente neutral que apenas percibimos la traición de Alma; no la sentimos.

Dicho esto, lo primero que me sorprendió en "After the Hunt" fue cuando Hank irrumpe en el aula de Alma, desesperado por hablar, y luego, en el pasillo, le dice que lo han despedido. Pero por mucho que "la película esté intensificando la protesta contra la cancelación injusta, esto sigue siendo la Ivy League. Nos habían dicho, y esperábamos, que habría una investigación y una audiencia. Pero la película no pierde tiempo en eliminar a Hank de la escena.

La caza, al parecer, ha terminado. El corazón de la película, como su título indica, transcurre después, y aquí es donde el drama se vuelve turbio, en parte porque trata de demasiadas cosas a la vez. Alma guarda un oscuro secreto de su pasado (que evoca la situación central de la película), y aunque es un buen juego dramático, se insinúa por primera vez en una de las artimañas más endebles que he visto en una película en mucho tiempo: Maggie usa el baño durante la fiesta de inauguración... donde encuentra por casualidad que Alma mantiene pegado al techo del armario del papel higiénico.

Alma sufre espasmos abdominales que le provocan fuertes vómitos, y en lugar de consultar, ya sabes, a un médico, se ha convertido en una adicta a los analgésicos farmacéuticos que falsifica recetas del bloc de notas de la Dra. Kim Sayers, la psiquiatra del instituto, que resulta ser su amiga (Chloë Sevigny la interpreta con encanto, con el corte de pelo más feo del mundo). Podríamos considerar esto una excentricidad disfuncional, si no fuera porque de ello depende un gran desarrollo argumental. Tiene que ver con la permanencia de Alma en el cargo, un asunto que ya se había complicado con la acusación sexual.

A medida que avanza la película, Alma se vuelve más un monstruo de determinación. Si "After the Hunt" tiene un modelo cinematográfico obvio, es "Tár", también una especie de misterio depredador, en la que Cate Blanchett interpretó a una estrella de su propio mundo clásico que era un monstruo de ego. En el espíritu de "Tár", "After the Hunt" lanza concisas pullas sobre temas como los pronombres de género y la hipocresía del privilegio de los niños ricos; también cuenta con una inquietante banda sonora modernista (de Trent Reznor y Atticus Ross).

Pero “Tár”, que también se resistía al impulso de cancelación, siempre te mantenía al tanto de lo que sucedía en el interior de Lydia Tár. En “After the Hunt”, la actuación de Julia Roberts es impresionantemente confusa —a veces suave, a veces quisquillosa, a veces taciturna, a veces arremete contra ella—, su Alma, a pesar de todo, sigue siendo una presencia opaca. Con demasiada frecuencia, los cineastas no aclaran qué le sucede; tenemos que descifrar las situaciones y reconstruirlas. Es un personaje de egoísmo supremo que socava sus propios intereses, y si bien hay una explicación abstracta para ello (se relaciona con su secreto), tiene más sentido en el papel que como drama vivido.

Claro, quizá la razón por la que "After the Hunt" termina siendo tan indirecta es que, en cierto modo, la película intenta minimizar su impulso ideológico. Por un lado, logra presentar a Maggie como un modelo corrupto de valores "woke": Ayo Edebiri, con su sonrisa angelical e inteligente, la interpreta como una persona impecablemente piadosa, sobre todo cuando se descubre que Maggie es una niña rica cuyos padres son los benefactores más adinerados de Yale. Su derecho moral se fusiona con su derecho aristocrático; por eso cree tener derecho a mentir. Pero a medida que salen a la luz los escandalosos secretos del pasado de Alma, la película finalmente revela que va en contra de todo el principio de "creerles a todas las mujeres". Si se cuestiona ese aforismo, seguramente hay una manera de hacerlo menos reductiva y más coherentemente plausible.

Crítica Cinéfila: Bones and All

Cuenta la historia del primer amor entre Maren, una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee, un vagabundo con ideas muy intensas que vive marginado. Cuando se conocen, se unen en un viaje de mil millas que les lleva por carreteras, pasajes ocultos y caminos alternos en los Estados Unidos de Ronald Reagan. Pero a pesar de sus esfuerzos, todos los caminos conducen a sus aterradores pasados y a una última parada que determinará si su amor puede sobrevivir a su forma de ser. 

Puede parecer extraño, pero el relato íntimo de Luca Guadagnino sobre el primer amor entre dos vagabundos caníbales en la década de 1980 en Middle America, Bones and All, tiene una suavidad, sensibilidad y gentil naturalismo interesante e inesperado a la vez. Incluso cuando se están dando un festín con carne humana y se van vestidos con baberos de sangre y cartílago, la película muestra a sus protagonistas, interpretados con una conmovedora fragilidad protegida por Taylor Russell y Timothée Chalamet, no como monstruos, sino como forasteros sin raíces hambrientos de conectarse y alimentar un apetito que no pueden controlar.

Inspirada en "A Bigger Splash" y "Suspiria" de Guadagnino, esta es tanto una película de terror como una historia humanista de jóvenes privados de sus derechos que buscan descubrir quiénes, qué son y, en última instancia, anhelan pertenecer. Como tal, el mensaje de la película debería encontrar una audiencia especialmente receptiva entre las personas aún afectadas por ese doloroso camino adolescente hacia el autoconocimiento. El reencuentro del director con su estrella de Call Me by Your Name, Chalamet, le aumenta atractivo y química.

Pero el centro emocional de "Bones and All" yace en Russell, la revelación de "Waves" de Trey Edward Shults. Ella interpreta a Maren, una joven de 18 años que recientemente se transfirió a una nueva escuela secundaria en Virginia, donde evita aparecer en las fotos del anuario pero anhela la amistad. A pesar de que su protector padre (André Holland) la encierra en la habitación de su casa rodante por la noche por razones que pronto serán evidentes, se escapa a una fiesta de pijamas. Mientras se une a las tranquilas melodías de Duran Duran, se relaja en un estado de aturdida satisfacción, casi intoxicación sexual, y hace algo sorprendente que asusta muchísimo a sus compañeras de clase, y seguro dejará a muchos en la audiencia con la reacción de "definitivamente eso no lo vi venir".

Cuando regresa a casa salpicada de sangre, su padre le dice que empaque todo lo que pueda en tres minutos para que puedan escapar antes de que llegue la policía. Claramente, esta no es su primera partida tan apresurada. Pero en su próximo hogar temporal en Maryland, el padre desconsolado de Maren la abandona, dejando dinero en efectivo y una cinta de casete en la que cuenta los detalles de su joven vida, los episodios de carnicería que comenzaron con una niñera cuando ella era solo una niña, y las razones por las que ya no puede cuidar de ella.

El estado de ánimo delicado y la moderación melancólica, formados en parte por los cimientos silenciosos y acústicos a partir de los cuales se construye gradualmente la banda sonora atmosférica de Trent Reznor y Atticus Ross, inicialmente recuerdan a la hermosa "Let the Right One In" de Tomas Alfredson, otra representación emocionalmente estratificada del primer amor que presentaba un conflictivo guardián y una adolescente con un tipo diferente de necesidad de alimentarse.

Lo único que dejó el padre de Maren fue su certificado de nacimiento, lo que la impulsa a salir a la carretera en busca de su madre. Habiendo crecido creyendo que ella era la única de su clase, se sorprende en Ohio al conocer a Sully, muy excéntrico y desconcertantemente familiar, interpretado por Mark Rylance, cómicamente entrañable y decididamente espeluznante al mismo tiempo. Él dice que reconoció su olor como un compañero depredador desde una milla de distancia. Sully, un bicho raro que se refiere a sí mismo en tercera persona, le da consejos sobre cómo localizar a alguien que está cerca de la muerte, proporcionando sustento sin necesidad de matar. Pero después de haber compartido carne fresca y estar juntos, Maren se escabulle en lugar de aceptar su oferta de compañía.

Está más inclinada a quedarse cuando conoce a otro depredador más cercano a su edad, Lee (Chalamet), en Indiana. Muestra una arrogancia agresiva y es pragmático sin disculpas sobre los medios por los cuales satisface sus necesidades. Pero a medida que comienzan a viajar juntos, incluida una visita a la hermana joven de Lee (Anna Cobb) en Kentucky, él revela un lado más dulce que casi imperceptiblemente produce romance.

Un par de escenas clave en torno a este punto se inclinan más hacia el territorio del terror convencional. Uno es un encuentro en Missouri con un campesino sureño llamado Jake (Michael Stuhlbarg, otro actor de "Call Me by Your Name") y su ex-compañero policía Brad (el cineasta David Gordon Green en un papel poco común), durante el cual una amenaza tácita cuelga en el aire. Otro es una interacción con un trabajador del carnaval (Jake Horowitz). Al igual que la escena anterior de Virginia con Maren, esto sugiere una superposición entre el deseo pansexual y el canibalismo, aunque los descubrimientos imprevistos sobre el extraño angustian a Maren, quien se opone éticamente a destruir vidas.

Si bien no hay escasez de flujos de sangre, y sería una exageración llamar al manejo del canibalismo, es poco probable que el público con aversión al gore se moleste demasiado con esos elementos. Quizá sea porque Guadagnino ha hecho una especie de película de terror emo. Está mucho más interesado en el conmovedor aislamiento de sus jóvenes personajes principales y cómo se convierten en sus propios salvavidas que llegan a representar entre sí mientras bajan lentamente la guardia.

Russell y Chalamet interpretan esos aspectos con mínimas exhibiciones abiertas, pero con una oleada constante de sentimiento subcutáneo, de transparencia emocional a medida que los personajes se abren el uno al otro sobre los traumas de su pasado y la química entre los dos actores se profundiza, evidente en su encantador lenguaje corporal juntos. Todo lo que hacen es fácil, sin forzar, subestimado para lograr un efecto sutilmente conmovedor, y la incansable empatía por Maren y Lee es contagiosa. 

Escenas individuales al final de la acción con personajes interpretados por Jessica Harper (renovando su amistad con el director de Suspiria) y Chloë Sevigny (quien apareció en We Are Who We Are) amplían la comprensión de Maren de sí misma sin brindarle ningún consuelo. Pero la promesa de una cercanía duradera parece cambiar el paradigma de su mundo hasta que un personaje ambiguo de antes resurge, trayendo peligro y amenazando con poner fin a su indulto.

Los intereses aparentemente divergentes de Guadagnino en el romance y el terror nunca se han unido de manera tan ideal como aquí, en un lienzo en constante movimiento de una pequeña ciudad de Estados Unidos. Esos caminos secundarios, dejados atrás por el auge económico de los años de Reagan, se capturan en texturas granuladas con una sensación sencilla y apropiada para la época, cortesía del director de fotografía Arseni Khatchaturan.

Para una película sombría y soñadora que culmina en un nuevo derrame de sangre, violencia y sacrificio, el final es extrañamente conmovedor, incluso poético. Quizás se deba a que, aunque el guión de Kajganich cubre solo unos pocos meses de verano, parece comprimir dos vidas jóvenes de experiencia, como lo hacen todos los primeros amores abrumadores.

Crítica Cinéfila: Shirley

Una famosa escritora de terror encuentra la inspiración para su siguiente libro después de que ella y su marido acojan a una joven pareja.

Cuando me enteré que Josephine Decker, la cineasta de "Madeline's Madeline", haría una película sobre la autora Shirley Jackson, era difícil no emocionarse de que una de las más singulares del cine estadounidense de suspenso y drama estaría a punto de adentrarse en el cine biográfico. Comoquiera, iba a lograr ese estremecimiento que capta con cada una de sus tramas. Como fiel devota del estilo Deckeriano, la esperanza era que su próxima producción la profundizara en su propia mente en lugar de exprimir sus inmensos talentos en la arquitectura de la imaginación de otra persona. 

Sin embargo, "Shirley" no se siente como una película biográfica. Adaptada de la novela de Susan Scarf Merrell del mismo nombre, se desarrolla en el mismo espacio latente entre la realidad y la fantasía, una historia y su narración, donde ubicó todo el trabajo anterior de Decker. Hay largos pasajes y bolsillos oscuros de la película en los que puedes ver a la directora luchando contra la rígida estructura del guión de Sarah Gubbins en un punto muerto, pero también otros en los que la naturaleza relativamente sencilla de la película solo hace que sea mucho más fácil apreciar cómo Decker está moviendo las paredes a su voluntad. 

La historia tiene lugar algún tiempo después de que "The Lottery" se haya convertido en la historia más controversial en The New Yorker. Una joven llamada Rose (Odessa Young) está leyendo la fábula sorprendentemente oscura en un tren mientras corta un camino hacia el norte a través del follaje de New England; ella sostiene la revista cerca de su pecho como un secreto, mientras está sentada junto a su esposo Fred (Logan Lerman). 

Mientras tanto, Jackson (Elisabeth Moss) está empezando a luchar con la idea cuando su esposo Stanley (Michael Stuhlbarg) invita a la joven pareja a quedarse en su casa de Vermont, cerca de la universidad donde Fred está preparándose para trabajar como su asistente docente. Se supone que es un arreglo temporal, pero hay suficiente energía oscura en esa casa para preguntarse cómo podrían sobrevivir los visitantes una sola noche. El primer encuentro de Rose con Shirley es aterrador. Shirley no ha estado afuera en más de dos meses; y Stanley insiste en que ella no está lo suficientemente bien. Él confía en su genio, pero lo trata como un desorden. Cualquier cosa para no sentirse amenazado. 

La trama se desarrolla de una manera irregularmente excitante: a veces parece que Decker no está segura de cuán clara es la conexión entre Shirley y Rose, y la claustrofobia de la película se refleja a sus personajes, pero esta no es una historia que debe rastrearse a través de la acción tanto como a través de la transferencia entre dos personas. Shirley, como una mujer que casi ha desaparecido de su propia vida, sabe en su alma que ella puede salvarse a sí misma, incluso si ella es ya se abandonó más allá del punto de salvación. Su destino está sellado, y no hay nada que Decker pueda hacer para cambiar eso. 

Moss, que habita cómodamente todo tipo de maquillaje demacrado que usa como una capa de telarañas, encarna a la autora como una abuela irritable que ha estado encerrada durante el tiempo suficiente para atormentar su propia casa. Mientras tanto, tiene el poder de la ficción detrás de ella. Su futuro es tan eminentemente posible como un libro que aún no se ha leído, y Shirley se encarga de escribirlo. Su relación es la que existe entre un autor y su audiencia, y la actuación abierta de Young refleja la curiosa hostilidad de Moss hacia ella de una manera que hace que ambas mujeres sean más visibles entre sí y ellas mismas.

Lo mejor de Shirley son su amor envenenado, sus secretos desenfocados, su firme determinación de destilar el proceso "emocionantemente horrible" del despertar de una mujer joven, todo esto conspirando para demostrar la idea de que Decker es muy capaz de explorar su verdad en la ficción de otra persona. Esta es una película sobre el corazón palpitante de la amistad entre dos mujeres de dos generaciones diferentes, la estética de la visibilidad femenina y la metáfora en que las mujeres jóvenes perdidas en cuerpo o mente pueden pasar a la locura en el mundo de un hombre donde la normalidad es su propio tipo de locura. 

La mayor parte de la película tiene lugar en las habitaciones decrépitas de esa casa, alrededor de la mesa o a lo largo de la gruesa escalera de caoba que parece que fue construida con la esperanza de que alguien se caiga por ahí algún día. Mientras que la cinematografía de mano suave de Sturla Brandth Gróvlen ayuda a aclarar que toda la acción realmente está sucediendo dentro de las mentes de las personas que viven allí, ya que la cámara, en el estilo habitual de Decker, difumina el fondo hasta que cada toma se corta creando una sensación de antigua amenaza que se acumula alrededor de las cosas más comunes. Pero lo maravilloso está en el detalle y cómo retrata los secretos morbosos y tétricos de la época: un grupo de niñas que juegan en un árbol de repente revela su violencia oculta de una manera que se burla; un volante de personas desaparecidas se publica en un poste de teléfono como un mapa del tesoro a un mundo invisible.

Este proceso narrativo, considerado por muchos como extraño, no siempre es fácil, ya que se detiene y continúa de manera recurrente, y "Shirley" a menudo se asfixia con la energía tóxica masculina hasta el punto en que incluso los momentos más dulces pueden ser repelentemente agrios, pero ¿por qué no deberían serlo? Este no es un simple retrato de empoderamiento femenino, sino más bien una historia penetrable de dos mujeres que se desmoronan hasta que no son más que las partes más puras de sí mismas; hasta que son lo suficientemente pequeñas como para deslizarse entre la literatura y la vida real; lo suficientemente diminutas como para no tener miedo de nada más que de ellas mismas. Solo entonces pueden comenzar a convertirse en algo nuevo.

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983, cuando un nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa: Oliver. Pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. (FILMAFFINITY)

Es el verano de 1983 en el norte de Italia y Elio Perlman (Timothée Chamalet), un chico ítalo-estadounidense precoz de 17 años, pasa los días en la villa familiar del s. XVII transcribiendo y tocando música clásica, leyendo y enamorando a su amiga Marzia (Esther Garrel).

Elio tiene una estrecha relación con su padre (Michael Stuhlbarg), un ilustre profesor especializado en cultura grecorromana, y su madre Annella (Amira Casar), una traductora, y entre ambos le han dotado de una amplia cultura en un entorno que rebosa de encantos naturales. Aunque la sofisticación y don intelectual de Elio podrían sugerir que es un adulto hecho y derecho, todavía tiene cierta inocencia y temas en los que desarrollarse, especialmente cuando se tratan de los sentimientos.

Un día, Oliver (Armie Hammer), un cautivador investigador americano que trabaja en su doctorado, llega para ayudar al padre de Elio como becario durante el verano. En medio del soleado esplendor de este marco, Elio y Oliver descubrirán la embriagadora belleza del despertar sexual a lo largo de un verano que cambiará sus vidas para siempre.

Esta película no es únicamente una trama enfocada en la sexualidad homosexual, sino también en el descubrimiento de las atracciones humanas y el desarrollo de las relaciones amorosas, desde su inicio hasta su climax. La sutileza y ritmo con la que cuentan la trama provoca un entendimiento completo de las intenciones de su director Luca Guadagnino, principalmente por la mezcla de vulnerabilidad y sensualidad como cuenta esta historia.

El reparto, protagonizado por Armie Hammer y Timothée Chalamet, es totalmente explosivo, principalmente en las escenas de este duo que muestra una química envidiable y anhelada en cada minuto de la película. No obstante, esto no resta al valor actoral que cada uno le da a sus roles, aún en las escenas individuales, por la carga emotiva que conllevan y la evolución de los mismos a lo largo de la trama. A su vez, los discursos están cargados de ironía y verdades subliminales que cada uno de sus narradores irán delatando a medida que avance la historia, sin ningún doble sentido, sino dejando todo exactamente donde quieren.

La fotografía está enfocada principalmente en retratar los distintos escenarios de la ciudad italiana donde ocurre esta historia, y cómo está va evolucionando junto con los sucesos de la historia. Los personajes saben sacarle provecho a cada escenografía empleada y aportarla como un elemento cultural que demuestra los propósitos de cada uno. Por otro lado, la musicalización es un espejo del tono romántico y dramático que va narrando la historia. Esa última canción es el clímax más inesperado que la audiencia espera para el protagonista, un grito de desahogo que muy pocos entenderan, pero que se dejarán llevar por su ritmo sutil y melancólico.

Además de ser una película completamente transparente y emotiva, el romance que crece entre sus protagonistas, más las interacciones de estos con el elenco de reparto, hacen que sea una trama respetable, aun por el más escéptico, y esto se debe al tono adecuado que tiene, a la naturalidad de cómo van surgiendo las situaciones y cómo los personajes saben dar un final totalmente inesperado pero aceptable, con el objetivo de dejar a su público con los sentimientos a flor de piel.

Call me by your name es, sin lugar a dudas, una película perfecta y digna de ser reconocida.