Crítica Cinéfila: We Live in Time

Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.

La belleza de las películas de John Crowley es su grandiosidad en cómo cuenta una buena historia de amor. Su obra maestra nominada al Oscar en 2015, "Brooklyn", convirtió la decisión de estar con alguien en una elección que, a sabiendas, definiría el futuro de la vida de su personaje principal, mientras que su adaptación de 2019 de "The Goldfinch" fue un ejemplo defectuoso pero ambicioso del poder que altera la vida del amor de una madre. La última película de Crowley, "We live in Time", también convierte una historia de amor poderosa pero relativamente simple, con todos sus giros, vueltas y la imprevisibilidad que nos trae la vida, en una gran pieza de romance. No hay nada más atrevido que entregarse por completo a otra persona, y Crowley lo demuestra en todo su desgarrador esplendor con su última película.

Desde los primeros minutos de "We live in Time" ya empezamos a ver el alcance de esta relación entre Almut (Florence Pugh) y Tobias (Andrew Garfield). Almut, una chef de renombre y emprendedora, despierta a Tobias para compartir su última creación. Hay una alegría pura en ella compartiendo lo que ama con él, y antes de que él abra los ojos, Tobias tiene una sonrisa en su rostro por la presencia de Almut. El guión de Nick Payne nos lleva luego al embarazo de Almut, luego nos lleva a los dos descubriendo que Almut tiene cáncer. Después de esto, volvemos de nuevo a cuando estos dos se conocieron. "We live in Time" sigue tres líneas temporales diferentes: su comienzo, su embarazo y la pareja luchando contra el cáncer. Al centrarse en estos tres períodos, Crowley y Payne nos dan un amor en su mejor y peor momento, y al final, realmente sentimos que hemos visto una vida compartida y plenamente realizada.

La audaz estructuración de la historia por parte de Payne nunca es una lucha. Crowley hace un excelente trabajo al asegurarse de que siempre sepamos en qué período nos encontramos con estos dos, pero también juega con las posibilidades de esta estructura que mejoran enormemente esta relación. Al principio del proceso de cortejo, Tobias aborda la idea de tener un hijo con Almut. Sabe que se está enamorando profundamente de ella, pero la forma en que plantea la conversación molesta a Almut. Tobias quiere tener un hijo y Almut no cree que tener un hijo sea necesariamente para ella, lo que conduce a su primera pelea importante.

Y, sin embargo, ya sabemos que esta historia termina con estos dos teniendo un hijo juntos. Pero aún más importante es que Crowley poco después nos muestra un momento en el que Tobias tiene que darle una gran noticia a Almut, y en lugar de improvisar como lo hizo con la conversación sobre el bebé, ahora sabe que es importante para él tener un plan cuando habla de cosas tan importantes con Almut, ya que planea una gran muestra de su afecto y toma una gran cantidad de notas para lidiar con la situación. Es un pequeño detalle, pero hermoso. La forma inusual de contar esta historia de amor nos permite ver la evolución de esta relación de maneras encantadoras que no tendrían el mismo impacto en una historia de amor más directa o lineal.

Pero también, esta historia de amor triunfa gracias a las excelentes actuaciones de Florence Pugh y Andrew Garfield. Rara vez vemos a estos dos antes de conocerse, cuando Almut accidentalmente atropella a Tobias con su auto mientras él intenta finalizar su divorcio, pero eso se debe a que esta no es una historia sobre ninguno de ellos por separado, sino sobre la vida de toda esta relación. Sabemos que Almut vivió una vida impresionante antes de conocer a Tobias, mientras que Tobias ya tuvo que luchar en una relación, y la historia de Crowley y Payne prioriza inteligentemente sus momentos juntos y poco más. Todo lo que importa es este vínculo y en quién los convirtió, no quiénes eran antes de conocerse.

Gran parte de lo que necesitamos saber sobre esta pareja se refleja en esa escena inicial. Almut va a su jardín y elige sus ingredientes, creando un plato inesperado antes de que Tobias se despierte. Mientras tanto, Tobias encuentra consuelo y propósito en estar allí con Almut, siempre allí para apoyarla en sus esfuerzos y decisiones. Pugh y Garfield son fenomenales al mostrar esta relación en estos tres períodos distintos. Su energía y conexión son eléctricas, y está claro desde sus primeras interacciones que hay algo especial allí.

También es maravilloso tener a estos dos actores nominados al Oscar mostrando sus capacidades en una película que es simplemente un romance encantador. Hemos visto fragmentos de romances de estos dos antes, con Pugh en "Little Women", y aquí y allá para Garfield a lo largo de su carrera, pero nunca a esta escala para ninguno de ellos. Tener a estos dos actores de calidad asumiendo lo que podría haber sido poco más que un romance extremadamente emocional hace toda la diferencia, y sus talentos hacen que esto se sienta más como una relación romántica desarrollada de lo que hubiera sido manejada por dos actores menores.

Otra parte hermosa de lo que hace que "We Live in Time" funcione tan bien es la presentación de todo lo que puede ser una relación fuerte. Pugh y Garfield son adorables y sexys juntos cuando necesitan serlo, y verlos ser juguetones y tontos juntos solo nos hace querer más este vínculo. Quizás lo más importante es cómo la película muestra cuál es la escala de amor verdadero al que todo ser humano debería aspirar. Cuando las cosas se ponen difíciles y el futuro es incierto, Tobias sabe cómo estructurar sus conversaciones de manera práctica para aliviar la preocupación con la que deben lidiar. Mientras tanto, parte del arco de Almut es tratar de lidiar con sus propias ambiciones personales mientras existe dentro del marco de esta pareja. Como alguien que ha sido mucho más independiente que Tobias, a menudo lucha por ser parte de una sociedad. La forma en que estos dos equilibran las fortalezas y debilidades de cada uno es irresistible en cómo Pugh y Garfield manejan esta dinámica.

A pesar de la tragedia que sabemos que se avecina para Almut y Tobias, "We Live in Time" nunca cae en las trampas de la historia de amor más convencional y empalagosa, rogando al público por sus lágrimas. En lugar de intentar hacer llorar a su audiencia, Crowley nos muestra el poder y la belleza de una vida compartida, e incluso si esto se les pudiera quitar, se trata de cómo usan el tiempo que tienen juntos que es espectacular. Poco después de su diagnóstico, mientras Almut lucha con cómo quiere continuar con el tratamiento, le dice a Tobias que preferiría tener seis grandes meses con él, creando recuerdos y siendo proactiva, que tener un año de sufrimiento que podría llevarla a la muerte. 

En esencia, "We Live in Time" trata sobre cómo aprovechamos al máximo el precioso tiempo que nos queda en esta Tierra, con quién lo pasamos y creando esos recuerdos que perduran mucho después de que nos desvanecemos de este mundo. Al igual que con sus películas anteriores, Crowley sabe cómo presentar perfectamente la idea de que el amor puede alterar el futuro. Aunque sabemos hacia dónde se dirige esta historia desde el principio, es pura alegría. Incluso en los peores momentos, la película de Crowley logra ser divertida, inesperada y encantadora en cada paso del camino. Esta no es una película sobre el duelo por una pérdida, se trata de celebrar la vida. Con Pugh y Garfield liderando esta tremenda historia de amor, se convierte en uno de los mejores romances cinematográficos en años y demuestra que pocos cineastas pueden presentar el poder del amor como Crowley.

Crítica Cinéfila: The Eyes of Tammy Faye

Biopic del extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker.

En “The Eyes of Tammy Faye”, Andrew Garfield y Jessica Chastain interpretan a Jim y Tammy Faye Bakker, las personalidades cristianas de televisión con un estilo muy propio que hicieron mucho más que cualquier otro predicador para moldear el teleevangelismo en un cambio de juego, que sacudió la cultura, y las tarjetas de crédito. La película, que es una fascinante saga de ascenso y caída, fue dirigida por Michael Showalter, quien casi siempre hace comedias, por lo que es de esperar esta película como una deliciosa rebanada de arte satírico.

Hay un poco de eso, pero Showalter está tramando algo más astuto y tal vez más profundo. En "The Eyes of Tammy Faye”, les da a Jim y Tammy Faye Bakker toda la dignidad y el escándalo de su humanidad. Él sabe que mucha gente piensa en los Bakker como caricaturas ambulantes, y que en el caso de Tammy Faye, con su infame maquillaje de mapache de los años 60, estuvo al borde de la autoparodia. La historia de los Bakkers ya es exagerada. Así que Showalter, quien basó la película en el documental del mismo nombre de Fenton Bailey y Randy Barbato de 2000, tomó la astuta decisión de jugar todo en orden. Los Bakkers, más de tres décadas después de su calumniosa caída en desgracia, no necesitan que se burlen de ellos, necesitan ser entendidos. Chastain y Garfield ofrecen actuaciones que son descaradamente entretenidas pero también astutas y en capas, ya que los personajes quedan atrapados en algo mucho más grande que ellos mismos. Los Bakkers eran vendedores ambulantes de gran envergadura, y la película usa su espectacular telenovela codiciosa para contar la historia estadounidense más amplia de cómo el cristianismo acaparó el mundo del espectáculo.

La película se pone en marcha en 1960, cuando Jim y Tammy Faye se encuentran en una universidad bíblica de Minneapolis donde Jim ya es un showman. Con su peinado para atrás y su sonrisa fácil, parece uno de los primeros rockeros de la época. Solo tiene 20 años, pero conoce las Escrituras, y cuando está en el escenario durante un seminario de estudiantes predicadores, mirando hacia los bancos con un par de docenas de otros estudiantes en ellos, quiere ser más que un mensajero aburrido para Dios. Jim quiere atrapar a la gente, hacer que lo escuchen. Por supuesto, eso significa hacer todo lo que los demás no hacen.

Jim les pregunta a los estudiantes por qué el cristianismo siempre tiene que ser tan sombrío y castigador. ¿Por qué no puede tratarse de ser recompensado aquí y ahora? Se está burlando de la piedad desaliñada de la universidad, razón por la cual Tammy Faye, sentada en los bancos, se ríe. Pero al escuchar las palabras de Jim, ya podemos escuchar una versión temprana del evangelio según personas como Joel Osteen (el último heredero de los Bakker), quien predica con un enorme globo dorado girando detrás de él, diciéndole a su rebaño de millones que ser cristiano puede significar tener una vida que brilla con éxito. Jim ya está vendiendo el mensaje de que la fe paga, un mensaje que predicará hasta el banco.

Mientras tanto, Tammy Faye es una creyente vivaz que se enamora de Jim y está feliz de unirse al tren de su fe de espectáculo. Ella también es una artista nata; ella toma un gorro de baño de burbujas de Porky Pig y le da forma a Susie Moppet, un títere que le permite hablar con una voz de niña pequeña, que es a la vez linda y espeluznante, ya que es la forma divertida de Tammy Faye de acercarse a los niños (quienes son algunas de las primeras personas a las que los Bakkers se ganan), pero también porque Tammy Faye es una personalidad cautivadora que nunca es más ella misma que cuando es la voz de un títere.

Los dos se convierten en evangelistas de carretera sin dinero y con un coche de lujo. Pero cuando salen de un motel en Virginia, el destino los pone en contacto con Christian Broadcasting Network, una operación local dirigida por Pat Robertson (Gabriel Olds), quien los contrata para hacer un programa para niños, algo así como " Mister Rogers' Neighborhood” con historias bíblicas. En CBN, Jim se convierte en uno de los presentadores de "The 700 Club", el programa de entrevistas nocturno insignia de la estación. El programa había surgido originalmente como un teletón (en 1962, 700 miembros donaron $10 cada uno para mantener la estación a flote), pero Jim, con su voz aterciopelada y su rápido sentido del humor, tiene lo que se necesita para convertir en “The 700 Club” en una suave versión cristiana de “The Tonight Show”. No es solo el anfitrión, es la estrella. Y se vuelve adicto a él mismo.

También Tammy Faye. Ella insiste en ser una parte integral del imperio de la televisión (la primera de muchas demandas que la revelan como su propia mujer), y cuando a los Bakker se les da su propio programa, son pioneros en la nueva metafísica del teleevangelismo. El cristianismo se convierte en un espectáculo de variedades para sentirse bien. La horda piadosa se convierte en fan hipnotizada (y con sentimientos de culpa) para llamar a esas líneas telefónicas y prometer su dinero ganado con tanto esfuerzo. El paso del plato de colecta se convierte en un ritual de "Hagamos un trato", haciendo que los que están en casa se sientan parte del espectáculo.

Sin embargo, con los Bakkers, se vuelve más trastornado que eso. El gancho de su personaje de dos cabezas es lo identificables que son, por lo que los altibajos de su matrimonio se entrelazan con el espectáculo y parte de la recaudación de fondos. Tammy Faye, en un acto de agresión pasiva, primero le dice a Jim que está embarazada ante la cámara.

Garfield interpreta a Jim con modales de caballero pero, debajo de ellos, un brillo voraz que quiere la fama y la casa grande, como la que tiene su jefe, Pat Robertson. Funda PTL Satellite Network y se convierte en el síndico de la sala de televisión, engañando a su audiencia y usando su nuevo poder para representar sus deseos, que incluyen su atracción por los hombres. Cuando Tammy Faye ve a Jim luchando en el suelo, de una manera demasiado amistosa, con su asistente, se horroriza, no porque sus sentimientos sean homofóbicos, sino porque se da cuenta, con sorpresa, de que ella no conoce al hombre con el que se casó. Y eso se duplica cuando comienza a enterarse de los delitos financieros de Jim.

¿Por qué ver “The Eyes of Tammy Faye” en lugar del documental original, que es magnífico? Porque esta versión, al aumentar nuestra conexión con los personajes, arroja nueva luz sobre quiénes eran y por qué hicieron lo que hicieron. Es Tammy Faye quien viene a ocupar el centro espiritual de la película, y Chastain, aprovechando una extravagancia que nunca antes había abordado, la convierte en una fascinante diva-víctima que sigue evolucionando.

Primero, es una inocente radiante de los años 50 con un remolino de cabello de Donna Reed. Pasa de ser maestra de títeres con voz de bebé a ama de casa aburrida que se da cuenta de que le encanta ser el centro de atención; luego a feminista cristiana instintiva que, en una fiesta en casa, exige un asiento en la mesa de Jerry Falwell (él piensa que las mujeres deben ser vistas pero no escuchadas) y finalmente vocera de las minorías, como su invitación de Steve Pieters (Randy Havens), un hombre con SIDA, al programa, y ​​ya sea que sus lágrimas por él sean o no reales (con Tammy Faye, es una especie de ambas cosas), ella toma una posición de compasión.

Vincent D'Onofrio interpreta a Falwell como un brusco corredor de poder que considera que los homosexuales son depravaciones diabólicas, y vemos, a través de él, cómo el nuevo cristianismo se comercializará a sí mismo, compitiendo con la América secular en sus propios términos corruptos. Tammy Faye, por el contrario, es una exhibicionista alegre, pero al ofrecer el abrazo de Dios a las personas con SIDA, muestra lo que es el verdadero cristianismo y, por implicación, en qué se está convirtiendo el cristianismo que la rodea. Luego, un día se despierta y se da cuenta de que su esposo no solo es un mujeriego, sino un sociópata ladrón que vende acciones falsas para financiar el parque temático Heritage USA, usando promesas para Dios como una alcancía apalancada.

Jim, por supuesto, recibe la caída que se merece. Mientras tanto, Tammy Faye canta “El himno de batalla de la República” entre lágrimas. Chastain te muestra que Tammy Faye era bien influenciable y demasiado involucrada en el asunto para no ser parte del problema, pero también una especie de inocente. En cierto sentido, "The Eyes of Tammy Faye" es una excelente película. Retiene en cada paso del camino, y aunque es un poco larga, estos dos actores nunca se dan por vencidos. Garfield convierte a Jim en un estafador posmoderno que mira hacia nuestra propia era, y Chastain encuentra el corazón complejo de una mujer que tenía un amor genuino dentro de ella, pero amaba demasiado la fama. A su manera, crearon una patología que vivía más allá de ellos, todo construido alrededor de la pregunta: si la acción menos cristiana que uno puede hacer es vender su alma, ¿es de alguna manera más cristiano salvarla dando una apuesta más alta?

Crítica Cinéfila: Spider-man - No Way Home

Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado, y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un superhéroe. Cuando pide ayuda al Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser él. Secuela de 'Spider-Man: Far From Home'.

Donde hay una red, hay un camino.

Ah, pero ¿hay un camino a casa cuando ya no te sientes como en casa incluso cuando ESTÁS en casa, porque de repente todo el mundo sabe tu nombre y quiere una parte de ti? Qué telaraña tan enredada ha tejido este Spidey, aun cuando en realidad nunca tuvo la intención de engañar.

Si crees que hay mucho que analizar, será mejor que te pongas el cinturón y te quedes con la innovadora, emocionante, divertida y conmovedora "Spider-Man: No Way Home", el tercer capítulo de la trilogía que comenzó con “Homecoming” en 2017 y “Far From Home” en 2019 y, los demás capítulos del Universo Cinematográfico de Marvel donde Spiderman ha estado participando. No es un spoiler decir que esta no será su última aparición, y estoy interesada por ver cómo se desarrolla todo, porque al final de este arduo y a veces complicado viaje las cosas han cambiado en un camino bastante grande aunque reconocido para los verdaderos fanáticos del comic.

Analicemos juntos mientras trato de esquivar el revoltillo de giros y vueltas geniales que se experimentan en el transcurso de la inmersión profunda de Jon Watts en 148 minutos, alternativamente ventosa y existencial, o mejor conocida como el multiverso. 

"Spider-Man: No Way Home" retoma una semana después de los eventos de "Far From Home", con el mundo de Spidey explotando después de que el villano vencido Mysterio (Jake Gyllenhaal) ha dejado un video de despedida desde más allá de la tumba: la revelación de que Spiderman es un estudiante de secundaria de 17 años llamado Peter Parker.

El mundo y, en particular, la ciudad de Nueva York se divide rápidamente en dos campos: aquellos que continúan creyendo que Spider-Man es su vecindario amigable y un héroe local, y aquellos que lo etiquetan como un justiciero que debe ser llevado ante la justicia. Alimentando los fuegos para el equipo en contra está nada menos que J. Jonah Jameson de JK Simmons de las tres películas de Sam Raimi "Spider-Man" en la década de 2000, que ha pasado de ser editor de un periódico sensacionalista a un comentarista web desvariado y delirante como Alex Jones. Con vallas publicitarias que proclaman a Spider-Man "Public Enemy # 1" y helicópteros de los medios sobrevolando cada uno de sus movimientos, Peter, su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo/compinche Ned (Jacob Batalon) están devastados, principalmente y porque se han hecho controversia, están siendo rechazados por una universidad tras otra, incluyendo MIT.

Ese es el gran problema en el comienzo de "No Way Home", que Peter, MJ y Ned no pueden ingresar al MIT ni a ninguna de sus escuelas de backup porque están muy polarizados. El director Watts y los escritores Chris McKenna y Erik Sommers gastan demasiado en este punto de la trama, que eventualmente se usa como un trampolín para que Peter busque a Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) en su increíble historia de múltiples historias, con la esperanza de que el doctor haga un poco de magia con la línea de tiempo y reorganice las cosas para que solo aquellos que conocían la identidad de Spider-Man antes de la revelación de Mysterio retengan ese conocimiento. De esa manera, Peter, MJ y Ned pueden ir a la universidad, y Peter puede luchar un poco contra el crimen en el área de Boston en su tiempo libre. Suena bastante simple... si tan solo fuese así de simple.

La cuestión es que, cuando se tiene en cuenta todo el asunto de los multiversos, no solo MJ, Ned, la tía May y Happy son conscientes de la verdadera identidad de Spider-Man. Gente como Norman Osborn / Green Goblin (Willem Dafoe), Otto Octavius ​​/ Doctor Octopus (Alfred Molina) y Max Dillon / Electro (Jamie Foxx) conocen a Peter/Spidey, y de repente, todos están aterrizando en ESTE universo, y sí, es emocionante ver a estos grandes actores repitiendo sus memorables papeles de años y películas pasadas. El ambicioso plan de los jóvenes se desarrolla con mucha bondad, magia alucinante, humor peculiar, un poco de angustia y varias formas ingeniosas de unir el universo Marvel más grande.

Estos villanos están asombrados más allá de la comprensión de este nuevo mundo, que contiene a un Peter Parker que no se parece en nada al Peter Parker que conocen. Esto genera algunos momentos cómicos y también una pregunta dramática verdaderamente intrigante: ¿Qué pasa si es posible que estos monstruos resucitados regresen a su ser humano en este universo? Es un acertijo intrigante y un dispositivo de trama inteligente, ya que permite a Dafoe, Molina y Foxx traer a sus personajes de regreso como algo más que mutaciones infundidas por CGI.

Las secuencias de batalla en “No Way Home” son relativamente discretas, tienen lugar en la ciudad de Nueva York y sus alrededores, y la secuencia culminante transcurre de una manera bastante turbia debido al entorno nocturno. No hay nada nuevo o particularmente memorable sobre el CGI útil y los efectos prácticos, hasta que se tiene una batalla cargada de universos paralelos, y no es contra villanos. Aunque no es mi Spidey favorito, Tom Holland ha hecho una de las mejores interpretaciones de Spiderman en mucho tiempo, y quizás el más cercano al Peter Parker del comic. Y aunque sus películas no han sido mis favoritas, han sido las que me han traído los mejores recuerdos de mi niñez.

Y a pesar de lo extenso que se vuelve esto, "No Way Home" concluye satisfactoriamente la trilogía de Watts. Claro, hubo un extraño padre malvado y un viaje de verano que salió mal, pero el núcleo de esas películas fue que Peter intentaba descubrir cómo ser un adolescente y un superhéroe al mismo tiempo, y generalmente fallaba antes de aprender una lección más profunda. Watts mantiene ese aspecto como una constante en la nueva película, por lo que basa toda la gran MCU en una universalidad identificable, incluso cuando Spidey se encuentra con el extremo comercial de los tentáculos de Doc Ock y Green Goblin le arroja sus bombas a la cabeza.

Hay muchos retornos bienvenidos en “No Way Home”, ¡la mayoría de los cuales deben ver por sí mismos! - pero ver a Dafoe deleitarse con tener otra oportunidad como el archienemigo loco de los cómics es un placer celestial, mientras que una segunda vez es sin duda el encanto para Electro de Foxx. Sin embargo, el corazón y el alma de la película, como fue el caso de las dos últimas películas, es Holland, quien en esta ocasión muestra un nuevo valor y seriedad.

"No Way Home" resulta ser también una película navideña, con una intrigante vibra de "It's a Wonderful Life" que le da una nueva perspectiva a su personaje central. Es una película de Spider-man por excelencia que rinde homenaje al pasado, marca todas las casillas de Marvel necesarias y aún se las arregla para dar un giro algo refrescante. Puntos para Marvel.

Crítica Cinéfila: Tick, tick... boom!

Basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, sigue a un aspirante a compositor de obras teatrales que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe Superbia, que espera que sea el próximo gran musical americano y lo que finalmente le dé su gran oportunidad.

Concebido inicialmente como un "monólogo de rock" de un solo hombre, y luego adquiriendo una nueva profundidad inesperada después de la temprana muerte de su creador a los 35 años, "Tick, Tick ... Boom!" de Jonathan Larson es un espectáculo especialmente adecuado para el público del teatro musical, y no solo para las masas de fanáticos que Larson ganó con "Rent". Resuena especialmente con los escritores, artistas intérpretes o ejecutantes y compañeros creativos que pueden identificarse con la forma en que articuló la lucha por ser reconocido y sacar sus proyectos más pasionales adelante, por hacer un trabajo significativo y, según el alto listón que Larson se propuso, por "despertar a una generación". Así fue cómo despertó a Lin-Manuel Miranda.

Antes de "Hamilton", incluso antes de "In the Heights", Miranda se inspiró en lo que Larson había logrado con"Rent", descubriendo en el musical, caracterizado por un sonido contemporáneo, personajes con luchas reconocibles y un carácter poco común con un reparto diverso. En un terrible giro del destino, Larson murió de un aneurisma aórtico el día antes de que "Rent" tuviera su primera vista previa en Off Broadway, haciendo que el proyecto anterior pareciera irónicamente profético. En él, se preocupaba por no encontrar el éxito antes de los 30 años, como si sintiera que su tiempo era limitado y que su corazón podría apagarse.

Para que Miranda elija "Tick, Tick ... Boom!" como su debut como director de largometrajes dice mucho sobre lo que Larson significa para él. No es un proyecto fácil de adaptar, que requiere algunas modificaciones inteligentes para hablar con un público más amplio que la película. En 2001, el dramaturgo David Auburn rediseñó "Tick, Tick ... Boom!" en una producción de tres personas, y esa es la versión que se ha representado varias veces durante las últimas dos décadas (ya que la encarnación original de Larson requería que interpretara varios papeles), pero Miranda lo trata de manera diferente.

Él y el guionista Steven Levenson encuentran hábilmente una estrategia para hacerlo en ambos sentidos. Empiezan con lo que parece una cinta de archivo de una de las representaciones de Larson de principios de los 90, excepto que es el actor Andrew Garfield sentado al piano, y tratan esto como el dispositivo de encuadre de un conjunto mucho más grande. De esta manera, el círculo social de Jonathan se asemeja a la comunidad que imaginó para "Rent": bohemios, artistas, gente queer y gente de color, además de un contingente detrás de escena de personajes del mundo del teatro que espera sorprender en un taller interno.

Es 1990, y Jonathan está a días de cumplir los 30. Se siente como un fracaso, ya que su ídolo Stephen Sondheim (encarnado aquí de manera impresionante por Bradley Whitford) hizo su debut en Broadway en 27. Por el contrario, el nerviosismo de Jonathan de que su propia obra maestra, una obra musical de ciencia ficción inspirado en "1984" llamado "Superbia", tendrá una presentación única en un taller en Playwrights Horizons, pero le falta una canción clave. Por supuesto, "Superbia" no fue el musical que puso a Larson en el mapa - "Rent" lo fue, más de media década después - así que no espere que la película termine con el mundo descubriendo repentinamente su brillantez.

Honestamente es mejor que no sea así, ya que los finales felices pueden darle paz al público a corto plazo, pero estos no logran reconocer la dificultad de lo que alguien tan talentoso como Larson estaba tratando de hacer. Aquí, el personaje está decidido a aferrarse a su integridad artística mientras sus compañeros más cercanos, el ex actor Michael (Robin de Jesús) y la ex bailarina Susan (Alexandra Shipp), están cobrando dinero y consiguiendo trabajos tradicionales y seguros. Pero el enfoque resuelto de Jonathan también puede hacerlo insoportable para sus seres queridos (incluso si Garfield es un actor demasiado agradable para lograr esto), y en sus escenas sin canciones, la película es honesta sobre cómo su auto-participación le cuesta esas conexiones.

A la mayoría de las audiencias no les importa ver a los escritores que luchan por el reconocimiento y la bendición de "Tick, Tick ... Boom!" no es que lo encuentre, sino que observamos a Jonathan identificando gradualmente sus prioridades y reconociendo las fuentes a las que recurriría para concebir “Rent” (como “Godspell” de Stephen Schwartz o “Sunday in the Park With George” de Sondheim). Allí, en la Nueva York de 1990, o lo poco que Miranda y el diseño de producción Alex DiGerlando pueden mostrar con su presupuesto, hay constantes recordatorios de la pandemia del SIDA, cuyas pérdidas son una llamada de atención.

Su legendaria pero inútil agente (Judith Light) le aconseja a Jonathan: "Intenta escribir lo que sabes", que es un mantra de Hollywood lo suficientemente familiar como para parecer un buen consejo. Sin embargo, si Larson quiere que su trabajo importe, cantar sobre sí mismo es un paso, pero no el objetivo final, y lo mismo ocurre con este musical. "Tick, Tick ... Boom!" importa porque es una especie de ritual de limpieza, el ejercicio que lo obliga a confrontar sus ansiedades interiores más profundas, mientras le sirve como un boceto suelto de esa obra maestra posterior, para la cual volvería a dirigir su atención a quienes lo rodean.

A excepción del éxito no completamente logrado de "Superbia", Miranda encuentra formas de hacer que las canciones se sientan entretenidas, incluso cuando son leves, como en el homenaje a Sondheim "Sunday”, ambientada en el Moondance Diner donde Jonathan atiende mesas, y que se convierte en un escaparate para que el director presente sus respetos a algunas de sus leyendas de Broadway más queridas (decir más estropearía la sorpresa). Miranda grita "Tick, Tick ... Boom!" con tesoros escondidos para los tipos de teatro mientras trata los eventos contenidos en la película como influencias formativas en "Rent". Cuando los miembros del elenco del taller de Jonathan (un conjunto dirigido por Vanessa Hudgens) se unen al unísono, es posible que también estén haciendo una audición para cantar "Seasons of Love", el tema más reconocible de "Rent".

Entonces, aunque la línea de tiempo de "Tick, Tick... Boom" terminan antes de que Larson dirija su atención a ese musical, sabemos que todas las frustraciones con las que estaba luchando en 1990 valen la pena. En teoría, Miranda ve aspectos de su propio proceso creativo en la lucha de Larson, que potencialmente agrega un segundo nivel de autobiografía a la mezcla. ¿Cuánto de Miranda podemos leer en el personaje de Jonathan, cuya obsesión por quedarse sin tiempo se puede escuchar en “One Song Glory” de “Rent” así como en “Non-Stop” en “Hamilton”? Quédense pensando en su respuesta.

Mientras tanto, lo refrescante del enfoque del director debutante es que se siente tan orgánico. Su estilo es juguetón y enérgico, a menudo intercalado entre múltiples hilos dentro de una canción o escena determinada, pero no parece que Miranda esté llamando la atención sobre sí mismo tanto como tratando de abrir el espectáculo, para darle las alas que canta Jonathan en el número final. 

Silencio (Silence)

Segunda mitad del siglo XVII. Dos jesuitas portugueses viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha renunciado a su fe. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia con que los japoneses reciben a los cristianos. Adaptación de la novela de Shusaku Endo. (FILMAFFINITY)

Me acostumbré tanto al estilo de Martin Scorsese. Tanto que en esta película encuentro los detalles que ya había visto en su cinematografía: su ojo fílmico, sus toques personales y sus estereotipos, aun cuando esta historia no es un thriller o humor negro. ¿Por qué Scorsese se entra en una trama tan compleja e intensa, cuando nos ha dado todo esto, pero con otro lenguaje?

Si les respondo, terminaría contándoles más de la mitad de la película, y no: no quiero delatar sus detalles y secretos que me envolvieron hasta el final. Lo que sí les puedo decir es que cuenta una historia que les hará hacerse muchas preguntas. No solo de su religión; sino también de su fe, de sus creencias y su devoción, aun en momentos de debilidad. 

"Rezo, pero estoy perdido. ¿Acaso le estaré rezando al silencio?". Esta frase tiene muchos significados y retumba en el cerebro por un largo tiempo, incluso después de que acabe la película, cuando uno mismo se da cuenta que ser cristiano no es solo adorar y rezar a un ser específico, sino entender que es un sentimiento privado, personal e inofensivo (sin fanatismos). Cada quien se lo cuestionará, aun si no eres devoto.

Para mi, las mejores escenas (y los momentos más intensos) fueron las torturas a los cristianos, muy parecidas (en algunos detalles) a lo que se vivía durante los tiempos de Cristo: la cruxificción y la obligación forzada a "apostatar" al cristianismo (renunciar a la religión), escupiéndole a una cruz o pisando una imagen de Jesucristo. 

Por otro lado, Andrew Garfield sigue impresionándome, con una caracterización muy única y distinta a los demás: su interpretación tan viva que parecía natural y su culto a los momentos claves de su personaje, aquellos que nos hacen recordarlo con orgullo y respeto. 

Con esta trama, Scorsese nos da su típica pero no estropeada fotografía, basada en tomas secuenciales largas que pueden durar hasta una escena completa y dar toda la tensión necesaria sin un solo corte; nos da los espectaculares paisajes de Taiwán y un grupo de personajes, caracterizados por un elenco excepcional que ya nos ha robado el aliento con otras historias. Nos da unos momentos de silencio tan íntimos y dolorosos que nos hacen cuestionar la existencia de un Dios que se queda callado frente al sufrimiento de sus seguidores, pero también recordándonos por qué debemos aprender del pasado para que no se repita en el futuro.

Fueron casi tres horas para cuestionarme si la discresión de Dios es una respuesta a las plegarias de todo el mundo.

Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge)

Narra la historia de Desmond Doss, un joven médico militar que participó en la batalla de Okinawa, en el Pacífico durante la II Guerra Mundial, y se convirtió en el primer objetor de conciencia en la historia estadounidense en recibir la Medalla de Honor del Congreso. (FILMAFFINITY)

¿Sabían lo que era en realidad Hacksaw Ridge?

Fue el nombre que el ejército estadounidense le dio a un acantilado en donde ocurrieron una de las batallas más sangrientas de la Segunda Guerra Mundial, pero esto solo lo sabremos después de que uno de los personajes sobrevivientes dice el apodo con cara de tormento, más después de que este mismo escenario se convierta por media hora en una mezcla de disparos, sangre y explosiones, donde ningún personaje está a salvo, ni siquiera nuestro querido Desmond.

Una vez más, Mel Gibson se envuelve en el género bélico, narrándonos la historia de Desmond Doss, el único soldado estadounidense que insistió en participar (de manera obstinada) en la Segunda Guerra Mundial sin portar una sola arma para defenderse. No obstante a que su padre quedó traumatizado mientras servía en la guerra anterior y los impedimentos de todos sus compañeros y superiores, su experiencia religiosa lo impulsó a salvar 75 vidas bajo su frase motivacional "God, help me get one more", mientras el resto de los combatientes americanos se dirigían a áreas seguras.

Dejando a un lado el tiempo de violencia que todavía retumba en mis oídos (y no lo digo por mal: es de las mejores escenas que tiene toda la película), los minutos de gloria de Garfield son los que no les dejarán olvidar esta historia. Con este papel, Andrew Garfield se gana un huequito en mi corazón, demostrando que ha aprendido a separar los personajes y dándole su toque a cada uno.

El conjunto de la excelente fotografía, el elenco que se gastó Gibston, más las dos horas de efectos de sonido, se resumen a la cruda realidad del momento en batalla. Entre la sangre, los sesos y las balas chocando con el suelo, me quedo con la voluntad humana de Desmond y el triunfo que se le atribuye por haber cargado a 75 hombres aun cuando el cuerpo no podía más.