Crítica Cinéfila: Spider-man, Brand New Day

Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home, y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo, ha desaparecido voluntariamente de las vidas y recuerdos de quienes ama. Combatiendo el crimen en una Nueva York que ya no conoce su nombre, se ha dedicado por completo a proteger su ciudad—un Spider-Man a tiempo completo—, pero a medida que aumentan las exigencias sobre él, la presión desencadena una evolución física que amenaza su existencia, al mismo tiempo que un extraño nuevo patrón de crímenes da lugar a una de las amenazas más poderosas a las que se ha enfrentado.

En las películas, a los superhéroes no les suele faltar compañía. Se organizan en ligas, escuadrones y dúos dinámicos. Tienen fans en cada rincón de la metrópolis, así como parejas importantes. (Incluso Batman, el vengador más renegado, vuelve a ser Bruce Wayne, el alma de la fiesta). Pero en "Spider-Man: Brand New Day", Peter Parker (Tom Holland) se ha convertido en un justiciero adicto al trabajo, motivado pero aislado. Lo vemos atrapar a un montón de villanos con la precisión de sus telarañas, para luego regresar al destartalado ático de Nueva York donde vive como un ermitaño, rodeado de pantallas de ordenador, trasteando con dispositivos electromecánicos diseñados para perfeccionar y concentrar sus poderes.

Pero es una cruzada solitaria. Peter, aunque ya no es un estudiante de secundaria ni un aspirante al MIT, está obsesionado con revisar los videos de redes sociales publicados por MJ (Zendaya), el amor de su vida, y Ned (Jason Batalon), su mejor amigo, siempre tan descarado. Doctor Strange borró todos sus recuerdos de Peter al final de "Spider-Man: No Way Home". Hacer eso era la única manera en que Peter podía salvar el multiverso. Ahora, cuando los tres finalmente se encuentran, MJ y Ned miran a Peter y ven a un completo desconocido. En cuanto a la querida tía May (Marisa Tomei), murió en la película anterior. 

En 2021, "No Way Home" recaudó 800 millones de dólares solo en Estados Unidos. Y si bien es tentador decir que tantos fans no pueden estar equivocados, mi propia experiencia con "No Way Home" fue que su extravagante y enrevesada historia de tres Spider-Man (Holland, Andrew Garfield, Tobey Maguire) fue una maniobra brillantemente orquestada y astutamente cínica de nostalgia, por no mencionar una película que solo me recordó por qué me mantengo fiel a Tobey Maguire como Spider-Man.

Tras “No Way Home”, “Spider-Man: Brand New Day” se siente por momentos como un bálsamo de drama contemplativo. La nueva película fue dirigida por Destin Daniel Cretton, el talentoso cineasta independiente que se adentró en el universo de Marvel con “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021). En “Brand New Day”, se percibe el gran esfuerzo que pone en crear una película de cómics reflexiva, humana y madura, y mucho mejor a su primera experiencia con este universo. Pero cuando se nota el esfuerzo que hace una película por lograr esas cualidades, tiende a desviar la atención de su objetivo.

En líneas generales, "Brand New Day" abarca lo que se espera de una película de superhéroes. Tiene una dosis satisfactoria de acción explosiva y vertiginosa, en particular una secuencia extendida, ambientada dentro y fuera de un rascacielos, donde Hulk, interpretado por Mark Ruffalo, irrumpe en escena. Tiene un héroe con una buena dosis de conflicto interno bajo su fachada bondadosa, así como una interpretación simpática y descontenta de Punisher por parte de Jon Bernthal y un villano que dista mucho de ser una caricatura odiosa. Sin embargo, si bien la película es entretenida por momentos, también es ardua, demasiado episódica e innecesariamente larga. Me alegró ver que "Brand New Day" no se pierde en el síndrome de fatiga de superhéroes con un exceso de CGI, pero la película es más agitada y pretenciosa que emocionalmente conmovedora.

Parte del problema radica en la trama de la amnesia. Al principio, resulta divertido y conmovedor que Peter, al encontrarse en la misma habitación que MJ, tenga que enfrentarse al hecho de que ella no lo recuerda. Estas escenas ahora tienen una dimensión metateatral propia. Sin embargo, después de un tiempo, la situación básica se vuelve un tanto frustrante. Queremos que la relación entre Peter y MJ sea un viaje, no una triste ironía congelada.

“Brand New Day” fue escrita por los veteranos de las películas de Marvel, Chris McKenna y Erik Sommers, cuya trama se nos presenta en bloques conceptuales. Al principio, Peter descubre que, como resultado de una concentración excesiva de ADN arácnido, sus poderes se han descontrolado. Pensamos que tal vez veremos un eco del drama traumático de “Superman II”, uno de los clásicos del género de superhéroes. Sin embargo, Peter solo necesita recuperarse con un “inhibidor”, un dispositivo plateado que se coloca en la nuca. Así recupera el control de sus poderes. Pero si “Brand New Day” iba a introducir este conflicto, la película debería haberlo mantenido hasta el final, en lugar de presentarlo como un capítulo cerrado.

Durante un tiempo, el villano resulta intrigante: una fuerza misteriosa capaz de entrar en la mente de cualquiera (excepto la de Spider-Man). Esta oscura habilidad se manifiesta en la imagen de personas que son repelidas una tras otra, como por un campo magnético, mientras las habilidades telepáticas del villano saltan de un huésped a otro. Spider-Man puede estar hablando con alguien que dice algo siniestro, y nos damos cuenta de que simplemente están canalizando al villano. ¿Pero qué importa? La película cree que este concepto es más impactante de lo que realmente es. Por fin, descubrimos quién es el villano, y resulta que no es... un villano. En realidad, es un personaje con una motivación honorable y comprensible. Sadie Sink la interpreta con una urgencia conmovedora, pero ¿cuál es, exactamente, el punto dramático de un enfrentamiento entre villanos que se convierte en una historia de amor? Es como si la película presentara a los villanos de los cómics como un grupo identitario que necesita ser salvado.

Se le agradece a Destin Daniel Cretton que intentara ofrecer algo más que la típica aventura de conectar los puntos del multiverso. Pero "Brand New Day" no llega a ser realmente impactante. O por lo menos, no para mí.

Crítica Cinéfila: The Fantastic Four, First Steps

Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, presenta a la Primera Familia de Marvel mientras se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal. 

Puede que aún falten años o décadas para un verano sin películas de superhéroes, pero al menos Hollywood parece dispuesto a lograr la Historia de Origen Cero. A pesar de un título que anticipa el debut de los personajes en el Universo Cinematográfico de Marvel, "The Fantastic Four: First Steps" se une a Superman y Thunderbolts de esta temporada como historias de superhéroes que cautivan al público, al menos en comparación con las versiones de los Cuatro Fantásticos de décadas pasadas. 

Un título informa a los nerds que todo esto ocurre en la Tierra-828, lo que explica el estilo retrofuturista de los años 60 y la ausencia de otros superhéroes visibles del UCM. Luego nos adentramos en un montaje de noticiero con aires expositivos que narra las muchas aventuras del científico elástico Reed Richards (Pedro Pascal), su esposa invisible Sue Storm (Vanessa Kirby), su fogoso hermano Johnny (Joseph Quinn) y su amigo de la familia, el monstruo de roca Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach), menos caritativamente conocido como La Cosa.

En general, sus apodos de superhéroes no tienen mucho protagonismo en esta historia, tan centrada en la familia que se vuelve casi extrañamente insular, con pocos personajes de los que hablar, y aún menos que no sean generados por computadora. Además de La Mole, una creación de efectos visuales maravillosamente impecable, y el asistente robot HERBIE (Matthew Wood), igualmente bien representado, los héroes se encuentran con un alienígena brillante conocido como Silver Surfer (Julia Garner), que llega a la Tierra para anunciar la llegada de Galactus (Ralph Ineson), una criatura enorme, divina y devoradora de mundos. 

Aunque Silver Surfer muestra cierta decencia cósmica oblicua bajo su brillante exterior metálico, Galactus parece ser una fuerza imparable e incognoscible, y el cerebrito Reed debe descubrir cómo proteger a su familia y al resto de la Tierra de esta amenaza inimaginablemente masiva. Cabe decir que algunos de los planes que idea no parecen obra de un genio de verdad.

Parecen, de hecho, restos de películas más pequeñas que precedieron a esta, anunciando el olvido. Específicamente, a pesar de un viaje al espacio y a través de algunos portales que dilatan el tiempo, en el papel First Steps es más o menos una nueva versión de "Fantastic Four: Rise Of The Silver Surfer" de 2007. Esa secuela de bajo costo gasta una cantidad considerable de sus 87 minutos sin créditos en una espantosa secuencia de baile de Mr. Fantastic y una escena en la que los superhéroes más famosos del mundo irritan a los pasajeros de una aerolínea comercial. 

First Steps no tiene tales payasadas, y aunque la nueva película es mejor que la especie de serie dirigida por Tim Story, que ya lleva dos años, por un factor que puede alcanzar los tres dígitos, tal vez un poco más de extravagancia habría sido útil. Una extraña melancolía se apodera de la película en su segunda mitad, principalmente debido a un dilema moral que aumenta las apuestas. Dado, sorprendentemente, cuánto se extrae material de la primera media hora de la publicidad, este giro probablemente se considere un spoiler. Debido a esa cuestión moral profunda, casi al estilo de Star Trek, la película, en última instancia, parece incapaz de tomar en serio.

Del mismo modo, y como es natural de las películas de acción de estos tiempos, esta se auxilia en momentos claves del CGI para proyectar las grandes hazañas de los superhéroes, pero hay un personaje que claramente necesitaba más trabajo de postproducción. Franklin Richards, el bebé superpoderoso de Mr. Fantástico y la Mujer Invisible, es interpretado por un grupo de bebés reales. Sin embargo, en varias escenas, el pequeño se representa mediante CGI. Dados los poderes cósmicos del niño y las escenas más impactantes en las que participa, tiene sentido que Marvel necesitara un bebé al que ambos pudieran hacer lo que necesitaran para una toma y mimetizarse con otros personajes generados por computadora como The Thing y Galactus. Sin embargo, sigue habiendo algo extraño en ver a un pequeño humano hecho completamente de CGI en una película de acción real, y solo ha mejorado marginalmente en la última década aproximadamente.

Cualquier ruptura con el estilo ligero de peleas de Marvel es bienvenida, pero "The Fantastic 4: First Steps" aún encuentra espacio para un montón de diálogos malos. Las infinitas posibilidades de un universo alternativo retrofuturista se utilizan, en parte, para imaginar que la pereza de escribir en choques de puños o frases y afectaciones aburridas y contemporáneas puede escapar del estado de anacronismo por un tecnicismo. 

La primera escena donde Sue anuncia su embarazo es una lección mortal sobre la camaradería forzada de múltiples borradores, inspirando pensamientos nostálgicos sobre cómo aparentemente le advirtieron a Pascal que no hiciera un acento del Atlántico Medio. Los trajes elegantes son una cosa; la actuación estilizada es, al parecer, otra muy distinta. Durante gran parte de la película, todo el elenco evita cortésmente meterse en problemas.

Crítica Cinéfila: Deadpool & Wolverine

Un apático Wade Wilson se afana en la vida civil tras dejar atrás sus días como Deadpool, un mercenario moralmente flexible. Pero cuando su mundo natal se enfrenta a una amenaza existencial, Wade debe volver a vestirse a regañadientes con un Lobezno aún más reacio a ayudar.

En un momento dado, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel se volvió mucho más convincentes que cualquiera de las historias de cualquier Universo Cinematográfico. Para mí, ese momento llegó durante los créditos finales de la primera película de “Iron Man” en 2008. Para el propio MCU, ese momento llegó con “Avengers: Endgame” unos 11 años después, cuando la megafranquicia definitoria del siglo XXI alcanzó su momento más sumativo, atravesó la nube de lo inalcanzable y, en una medida aún mayor de lo que lo había hecho hasta ahora, comenzó a volver a centrar el milagro de su propio éxito como su mito prevaleciente. 

Ese proceso condujo inevitablemente a la creación de un multiverso, que convirtió al MCU en un rompecabezas metatextual que solo podía volver a armarse buscando piezas sueltas fuera de la pantalla. No pasó mucho tiempo antes de que el tipo de conocimiento que solía mejorar estas películas se volviera necesario para comprenderlas, ya que éxitos de taquilla como "Spider-Man: No Way Home" y " Doctor Strange in the Multiverse of Madness" se basaban en una familiaridad práctica con el tipo de líos corporativos (por ejemplo, derechos de los personajes, ambiciones de transmisión y datos de taquilla) que solo los nerds y los accionistas deberían tener que conocer. 

Ese giro pareció una respuesta natural a un momento en el que la conversación en torno a la cultura cinematográfica se había vuelto completamente inseparable de la cultura misma, pero las películas sufrieron sin una fuerza sustentadora propia, y se desencadenó un grado de fatiga de superhéroes que ninguno de los Vengadores fue lo suficientemente poderoso para combatir.

Ojalá hubiera alguien en ese mundo (o al menos adyacente a él) que pudiera reconciliar la realidad emocional del MCU con toda su sustancia extracurricular que se había acumulado a su alrededor. Alguien que pudiera hacer agujeros en la cuarta pared con la misma fluidez con la que el Dr. Strange baila un vals a través del continuo espacio-tiempo, usar ese don especial para reparar la relación de su estudio con las masas y adoptar felizmente varias décadas de destructivo disparate corporativo como su propia cruz. Ojalá hubiera alguien que pudiera salirse con la suya llamándose a sí mismo "Jesús de Marvel" en una película de superhéroes, porque el género se ha desgastado hasta un punto en el que nadie menos consciente de sí mismo podría esperar redimirlo. 

Por suerte para Disney, su decisión de tragarse a 20th Century Fox le ha permitido a Deadpool entrar en el MCU. Y por suerte para Deadpool, entrar en el MCU le ha permitido evolucionar hasta convertirse en algo más que el hermano menor desagradable del cine de superhéroes. Deadpool sabe que está en el MCU. No solo eso, Deadpool sabe que el MCU necesita desesperadamente que lo salven. Y además, Deadpool también sabe que salvarlo podría ser su única oportunidad de demostrar, tanto a los Vengadores como a la audiencia, que no es el "pony molesto de un solo truco". 

En ese sentido, Deadpool & Wolverine, de Shawn Levy, es un éxito triunfal a medias, lo que la convierte en la mitad más exitosa que cualquier otra película que haya dirigido Shawn Levy. La mitad buena tiene poco que ver con Deadpool como personaje, ya que el mercenario aún combina el patetismo emocional de una papa frita con el rango cómico de un estudiante de sexto grado que cree que está a un chiste gay de conseguir un especial de HBO. Por el contrario, tiene todo que ver con Deadpool como una presunción, ya que la autoconciencia desenfrenada del personaje lo coloca en una posición singularmente buena para recordarle a la "gente" por qué "amaban" las "películas" de superhéroes en primer lugar. 

¿Los reinicios interminables? ¿Las franquicias huérfanas? ¿La transparencia desnuda de explotar la lealtad nostálgica de una audiencia a los personajes con los que crecieron? "Deadpool & Wolverine" es una cinta de megapresupuesto de una película que está decidida en convertir esos defectos en fortalezas que definan el género. Toda la premisa de su historia depende de su capacidad para recuperar la molestia más constante del público casual: el hecho de que la gente casi nunca permanece muerta en estas películas.

Deadpool, que se ha vuelto tan inseparable de la personalidad pública de Ryan Reynolds que su referencia a Blake Lively, que rompe con la realidad, apenas parece una broma, es rechazado para unirse a los Vengadores y se resigna a pasar el resto de sus días trabajando como vendedor de coches usados ​​en una triste línea temporal en la que está soltero y comparte un apartamento con una ciega adicta a la cocaína de 80 años llamada Blind Al (Leslie Uggams). Pero la esperanza se hace presente cuando un gerente intermedio cósmico llamado Paradox (Matthew Macfadyen) convoca a nuestro héroe ante la Autoridad de Variación Temporal y le dice que todo su universo se reducirá hasta desaparecer a menos que encuentre a alguien lo suficientemente interesante como para relacionarlo. 

Deadpool no podría alcanzar esa meta ni de broma, pero Wolverine definitivamente encajaría en el perfil.  El único problema: en esta línea temporal, murió al final de "Logan", una situación que Deadpool intenta -y no logra - arreglar en una secuencia de créditos iniciales que personifica lo bueno y lo malo de la audacia conceptual, la bancarrota artística y la alegre clasificación R de Marvel para salvar su marca.

"¿Cómo podemos [exhumar a Hugh Jackman] sin faltarle el respeto a la memoria de Logan?", nos pregunta Deadpool. Luego responde a su propia pregunta: "No lo haremos". Señal: Deadpool usa alegremente los huesos cubiertos de adamantium del cadáver de Wolverine para desmembrar a un pequeño ejército de militares mientras baila "Bye Bye Bye" de NSYNC. La acción es endeble y estridente, el chiste es más fuerte que el de cualquiera de los malos, y lo irónico es que Deadpool ha abierto la caja de Pandora. Como tantas escenas en esta película, el hecho básico de que esté sucediendo es más divertido que todo lo que realmente sucede en ella. 

De todos modos, el resultado es que Deadpool tiene que viajar a otras líneas temporales para encontrar un Wolverine que pueda arrastrar de vuelta a la suya, una búsqueda alimentada por el montaje que llega a su fin cuando se decide por el peor Logan del multiverso: un alcohólico volátil que lleva su trauma tan pesadamente como el icónico traje amarillo que se niega a quitarse. Por desgracia, nuestros enemigos desiguales son enviados al desierto incoloro donde los personajes de Marvel poco rentables van a morir y/o a quedar atrapados en la memoria, una pesadilla purgatoria gobernada por una mutante psíquica que sueña con convertir cada línea temporal en el Vacío. Su nombre es Cassandra Nova (Emma Corrin), es la hermana pequeña retorcida de Charles Xavier, y su ambición enfermiza representa la amenaza existencial que enfrenta todo el género de Deadpool. Películas de superhéroes: imagina el mundo sin ellos. 

Los cameos son espectaculares de una manera que resonará en cualquiera que haya estado yendo a los multicines durante los últimos 30 años, y los mejores de ellos se extienden con cariño a papeles secundarios genuinos. La lógica rara vez es coherente y la trama nunca es más que una excusa débil para poner a estos personajes en el mismo lugar, pero "Deadpool & Wolverine" logra millas a su ventaja al convertir los recuerdos de 20th Century Fox en una isla de juguetes inadaptados, una que permite que algunos de los chistes más grandes y las promesas abandonadas en la historia del cine de superhéroes tengan la segunda oportunidad que ningún otro género podría esperar darles. 

Los actores que encarnan esa oportunidad la abrazan con todo su corazón, entregando un puñado de actuaciones entrañablemente hilarantes que se alimentan de la naturaleza metatextual de su existencia para crear un sentimiento real a partir de las tonterías de la industria cinematográfica. Es como ver una producción de "Our Town" donde Deadpool ha sido elegido como el director de escena, que se queda a un lado y deja que una serie de fantasmas cuenten una historia que en realidad solo lo necesita para hacer comentarios, y para participar en una fiesta de puñaladas ocasional con Wolverine, los dos inmortales luchando para extraer una película entera del combate de entrenamiento sin muerte que hizo que el duelo culminante de Jack Sparrow con el Capitán Barbossa se sintiera como una pérdida de tiempo. Fiel a su estilo, Levy desperdicia por completo a Wolverine como personaje, pero el propio Jackman es capaz de ser una fuente frecuente de deleite; la recompensa emocional al final de su actuación no tiene nada que ver con el Logan que interpreta aquí, sino con cómo la película le permite al actor completar el círculo con el Logan que interpretó en la primera “X-Men”. 

Por más doloroso que pueda resultar ver a Reynolds posar frente a la cámara y desgranar sus peores partes mientras el director de “Free Guy” usa el dinero restante de Marvel para darle su propio toque al nivel de “Mad Max”, “Deadpool & Wolverine” rescata algo hermoso de la fealdad que las películas de superhéroes han perpetuado durante tanto tiempo. No visualmente, por supuesto (aunque ubicar la mayor parte de la historia en un lugar llamado “el Vacío” al menos hace que esta película de aspecto imposiblemente monótono parezca haber logrado su objetivo estético), pero sí en varios otros aspectos clave.

Nadie es nunca un inútil. Nadie está nunca más allá de la salvación, incluso décadas después de que el mundo le haya dado la espalda. Nadie está nunca verdaderamente muerto, al menos mientras la gente siga amándolo en su corazón y/o esté dispuesta a dejar que Ryan Reynolds haga bromas desagradables/sexualizadas. Estos sentimientos parecerían plásticos en el vacío, pero el contexto de su género permite reubicarlos en un mito de spandex desordenado que lleva gestándose varias décadas y, al hacerlo, les otorga el peso de varias vidas de Hollywood. “Deadpool & Wolverine” nos dice que el multiverso no importa más allá de su capacidad de darle a todos el final que merecen.

Sí, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel ha sido durante mucho tiempo más convincente que cualquiera de las historias contadas en el Universo Cinematográfico y, en el proceso de reconciliar esas dos historias como solo Jesús de Marvel podría hacerlo, Deadpool presenta un argumento muy persuasivo de que esta debería ser la última película de superhéroes jamás realizada. No lo será. Ya no lo es. Lo mejor que probablemente podamos esperar es que “Deadpool 4” esté igualmente dispuesta a morir por todos los pecados que su género cometerá de aquí a entonces.

Crítica Cinéfila: Stan Lee

"STAN LEE" es el documental oficial sobre Stan “The Man” Lee y su periplo hasta convertirse en un referente del mundo del cómic y de la cultura pop: desde su infancia como Stanley Lieber hasta el ascenso meteórico de Marvel Comics. A partir de material de archivo personal, "STAN LEE" cuenta la historia de Stan Lee (su vida, su carrera, su legado) con las propias palabras del autor.

“Stan Lee”, un documental sobre el hombre que, junto con Jack Kirby y Steve Ditko, creó Spider-Man, X-Men, Iron Man, Thor, Black Panther y muchos otros personajes icónicos de Marvel, se enfoca selectivamente en la leyenda del cómic, su carrera y, en mucha menor medida, su vida personal, podando información considerable sobre sus otras empresas y disputas legales. Está coproducida por Marvel Studios, por lo que la película, que recibe su estreno mundial en el Festival de Tribeca y se transmite en Disney Plus, como se esperaba, canta sus alabanzas. 

  

Lee mismo proporciona póstumamente la narración en primera persona, aunque indirectamente a través de varias entrevistas de archivo y discursos pronunciados a lo largo de los años, que el cineasta David Gelb ("Jiro Dreams of Sushi") ha ensamblado cuidadosamente en función de la cronología de los eventos fundamentales de su vida. . Para ilustrar la narración, Gelb ha empleado material de archivo y fotos convencionales, así como tiras cómicas y figuras de plastilina no tan convencionales. Todos los paneles parecen haber sido seleccionados de publicaciones antiguas de Marvel, aunque no es evidente de inmediato si se ha encargado alguna obra de arte original específicamente para el documental. Las figuras de arcilla son interesantes pero no realmente relevantes para Marvel per sé. 

Su historia comienza en 1922 cuando Stanley Lieber nació en la ciudad de Nueva York, en una familia de inmigrantes de Europa del Este. Era un ávido lector de "La Odisea", Sherlock Holmes y otros, y aspiraba a convertirse en Errol Flynn cuando creciera. Su padre, Jack, a menudo estuvo desempleado durante la Gran Depresión, lo que le inculcó desde temprana edad la importancia de un trabajo estable. Involuntariamente se metió en la publicación en 1939 después de una sugerencia de su tío. En Timely Comics, el predecesor de Marvel, inicialmente ayudó al editor Joe Simon y al ilustrador Kirby. Pronto comenzó a incursionar como un relleno de texto y adoptó a Stan Lee como su seudónimo. En 1941, después de que Simon y Kirby se fueran, Lee se convirtió en el editor de facto. 

  

Se ofreció como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial y fue asignado a trabajar en manuales de capacitación debido a su experiencia en publicaciones. Lee regresó a los cómics en 1947, desempeñando múltiples funciones como editor, director de arte y escritor. La empresa producía unas 100 revistas al mes. Para 1961, se había vuelto insatisfecho con el contenido trivial que estaba produciendo. Con el regreso de Kirby al redil, Lee cambió sus prioridades para crear personajes e historias identificables que personalmente disfrutaría leer, comenzando con los Cuatro Fantásticos. El ejemplo proporcionado en la película muestra al cuarteto de superhéroes desalojados de su sede porque no podían pagar el alquiler. Otro es que Spider-Man recibe un cheque que no pudo cobrar porque no pudo proporcionar una identificación a pesar de su disfraz. Lee sintió que estos prepararían mejor a los lectores jóvenes para el mundo real.   

Los fanáticos seguramente disfrutarán de estas anécdotas sobre cómo surgieron sus superhéroes favoritos. Además de crear héroes defectuosos y villanos simpáticos, Lee quería personajes con los que las mujeres y las minorías pudieran identificarse. También sintió que las historias necesitaban moral sin ser sermón, y desafió el Código de Cómics para publicar una serie de libros de Spider-Man con mensajes antidrogas.  

Cuando Lee ya no tuvo tiempo de escribir correctamente los cómics, dio sinopsis a los ilustradores y luego llenó globos con palabras según lo que entregaron. Las historias se inspiraron en eventos actuales, como la Guerra de Vietnam y las actividades del Ku Klux Klan. La oficina de Marvel tenía una energía espontánea y caótica, con creativos saltando por todos lados para representar escenas. Curiosamente, este espíritu parece haberse desvanecido de las adaptaciones cinematográficas que Marvel Studios está produciendo sin alegría en una línea de montaje. Una vez que la línea de tiempo llega a la década de 2010, el documental sugiere que los únicos aspectos destacados de su vida fueron hacer apariciones especiales y dar credibilidad callejera a las películas de Marvel, pero particularmente a su participación como el creador original de todo este universo. 

Aunque nadie espera que un documental de Stan Lee con la participación de Marvel sea menos que halagador, al menos la película es transparente sobre sus disputas con Kirby y Ditko sobre la creación de todos los amados personajes. La película incluso incluye una discusión entre Lee y Kirby en una transmisión de radio de 1987, más de una década después de su colaboración histórica. 

  

El documental de Gelb ofrece a los espectadores una visión general de quién era Lee y qué lo motivaba, pero principalmente dentro del contexto de los cómics. Hay pocos fragmentos de sonido de otros sobre él, siendo el más destacado el de su difunta esposa, Joan. Aunque la película puede satisfacer a algunos fanáticos obsesivos e historiadores de sillón, se siente más como un tributo bien elaborado al autor intelectual detrás de la propiedad intelectual más grande de The Walt Disney Company.

Crítica Cinéfila: Guardians of the Galaxy Vol. 3

La querida banda de los Guardianes se instala en Knowhere. Pero sus vidas no tardan en verse alteradas por los ecos del turbulento pasado de Rocket. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo en una peligrosa misión para salvar la vida de Rocket, una misión que, si no se completa con éxito, podría muy posiblemente conducir al final de los Guardianes tal y como los conocemos. 

En el transcurso de 23 películas, tres "fases" y una "saga" en general, Marvel Cinematic Universe pasó su primera década antes de una historia básicamente diseñada para una respuesta emocional máxima: "el chasquido" (o “el Blip” como se le conoce en el universo), en el que la mitad de los seres vivos del universo fueron desaparecidos por el nefasto Thanos durante cinco años. Y aunque la cuestión de cómo el MCU pretende construir otra saga centrada en la inevitable batalla entre el bien (superhéroes) y el mal (algún villano aterrador) en la que el destino de todo el universo está en juego es grande, son los cabos sueltos de esa primera saga que aún duelen.

Si bien cada película de Marvel que siguió a “Avengers: Endgame”, en la que se restableció la mitad de la población que faltaba, el cuidado de los Vengadores, que habían sufrido sus propias pérdidas dolorosas, se refirió brevemente a cuán emocionalmente devastador sería realmente un evento de este tipo, ninguno ha contado plenamente con él. Incluso "Spider-Man: Far from home", la primera película en llegar después de "Endgame" y en sí misma la conclusión real de "The Infinity Saga", pasó por alto el sentimiento del mundo posterior a Blip con un puñado de bromas (¿quizás hacer que estos niños reciban terapia es una mejor alternativa?).

Pero ocho películas desde el final de esa saga, solo una película ha intentado realmente aprovechar la gran y desordenada angustia que debería haber guiado esta franquicia durante al menos los últimos cuatro años: "Guardianes de la Galaxia vol. 3". Incluso la película de James Gunn, su última entrada en Marvel y un cierre de la trilogía que ha dirigido durante casi una década, no aborda directamente "el Blip" (¿alguien recuerda que los Guardianes perdieron a más de la mitad de sus miembros durante cinco años? ¿no? OK…); apunta directamente al tipo de honestidad emocional que el MCU necesita tan desesperadamente. Si la mayoría de las películas de Marvel hacen que el público se ponga de pie a aplaudir o gritarle a la pantalla, Gunn hace algo aún más significativo: hacerlos ponerse de pie y llorar. La marca especial de sinceridad, humor y violencia de Gunn siempre ha sido una buena combinación para el equipo de “GOTG”: no hay otros personajes en la alineación actual de MCU que sea tan experta en hacer bromas mientras destroza absolutamente una habitación llena de villanos, y lleva esa alquimia a extremos locos para su capítulo final.

No siempre aterriza del todo, pero dice algo sobre Marvel: estos personajes y este cineasta que esta tercera película de una serie que encaja en una franquicia de 32 películas en total es una de las más audaces, emotivas y originales entradas que la MCU haya visto alguna vez. Todavía hay vida en este universo cinematográfico, si solo se permite que otras películas dentro de él tomen el tipo de cambios que Gunn y compañía han obtado por probar algo que tal vez todos conocemos: esta banda intergaláctica de raros es realmente el corazón de la MCU.

Ambientada en lo que sea que pase en la actualidad en el UCM, encontramos a nuestra excéntrica banda de héroes inverosímiles pasando el rato en su actual base de operaciones intergalácticas: el pobre Knowhere, también conocido como la cabeza cortada de un Celestial (para cualquiera que necesite ponerse al día, solo imagina una súper raza de dioses masivos, ahora imagina una de sus cabezas gigantes como una estación espacial improvisada llena de una variedad de habitantes coloridos). Mientras Nebula (Karen Gillan), Drax (Dave Bautista, hilarante como siempre), Mantis (Pom Klementieff), Groot (Vin Diesel) y Kraglin (Sean Gunn) están tratando de mantener las cosas tan normales como posiblemente pueden estar en Knowhere, otros miembros de los Guardianes no lo están haciendo tan bien.

Rocket (Bradley Cooper) está abatido. Como siempre, Gunn ofrece una amplia banda sonora de éxitos y jams en la nariz, dando inicio a la película con Rocket escuchando, de manera hilarante y desgarradora, "Creep" de Radiohead y continúa preocupándose por su lugar en el universo; mientras que el líder de los Guardianes, Peter Quill (Chris Pratt), está empeñado en beber hasta el estupor y se tambalea por la muy complicada pérdida de su  novia, Gamora (Zoe Saldaña). Esta paz increíblemente frágil pronto se ve interrumpida por la llegada de Adam Warlock (Will Poulter), veloz, chapado en oro, que literalmente choca contra Knowhere e intenta, al más puro estilo Mike Dexter, acabar con todo el que se le tope de por medio.

Gunn, quien también escribió el guión de la película, no pierde el tiempo en llegar al meollo del asunto: mientras que Adam Warlock causa estragos en los Guardianes en general, realmente está buscando a Rocket. Y cuando le da una herida terrible al súper mapache del tamaño de una pinta, genéticamente modificado, se pone en marcha un plan para la tripulación. La historia de fondo de Rocket ha sido objeto de burlas durante mucho tiempo en las películas de "GOTG"; realmente, ¿de dónde vino una criatura como esta? – y Gunn no ha tenido reparos en centrar su película final en su estrella más peluda y enojada. Mientras Rocket entra y sale de la conciencia, y los Guardianes se apresuran hacia el lugar que lo creó en un intento de recoger lo único que podría salvarlo, su trágico pasado se desarrolla a través de una serie de flashbacks verdaderamente desgarradores. Por lo menos, la película de Gunn parece estar lista para radicalizar a una nueva generación de activistas por los derechos de los animales, una audiencia entera irrevocablemente cambiada por escenas en las que un pequeño bebé Rocket es arrancado de una pila temblorosa de sus hermanos, solo para experimentarlo por el nefasto Alto Evolucionador (Chukwudi Iwuji).

Como todos los malos de Marvel, es un hombre con un plan: un científico aparentemente eterno, el Alto Evolucionador no quiere nada menos que crear una "especie perfecta" que luego pueda liderar su "sociedad perfecta". ¿Qué significa eso en la práctica? Ha pasado décadas experimentando con una gama completa de seres "menores" en un intento de construir un ser iluminado. Y si bien las ideas e ideales del Alto Evolucionador tienen un impacto en el universo más amplio, es refrescante enfrentarse a un villano de Marvel cuya existencia no amenaza literalmente a todos los demás seres en el UCM. 

¿Pero su impacto en Rocket? Eso es lo suficientemente grande. Y aunque sabemos que Rocket eventualmente escapó de sus garras, el camino es mucho más oscuro y doloroso de lo que la mayoría de la audiencia podría imaginar. Pero Gunn no abusa de esa emoción, la usa para impulsar a sus otros personajes a la acción. Los Guardianes atraen porque sus lazos ganados con tanto esfuerzo se sienten reales, incluso dentro de los límites de la MCU descomunal y los entornos particulares en los que se encuentran. Cuidar unos de otros siempre ha sido su principal motivación, e incluso si la última aventura de Gunn no está impulsada precisamente por los efectos secundarios de Blip, conlleva una sensación de ira y confusión que toda la franquicia ha estado perdiendo. 

Cuando Peter y la pandilla se dirigen al Alto Evolucionador, saben que es una especie de trampa, del tipo que inevitablemente conducirá a todo tipo de grandes batallas. Agregue a Adam Warlock (y, en cantidades lamentablemente limitadas, a su madre, interpretada por la divina Elizabeth Debicki), una pizca seria de problemas con los padres y mucho humor guiñando un ojo, y tendrá una aventura clásica de "GOTG", uno hecho de muchas partes dispares que en su mayoría se unen.

Ciertamente no duele que esta loca aventura se vea tan bien. Las películas recientes de Marvel han tenido problemas para ofrecer mucho más que efectos especiales cuando se trata de sus lugares y ubicaciones, pero Gunn y su equipo brindan un sentido real de lugar a sus diversos entornos, una hazaña más impresionante teniendo en cuenta cuánto tiempo han estado pasando el rato en el espacio. Todo, desde Knowhere hasta el cuartel general súper malvado del Alto Evolucionador (el Orgoscopio, que es pegajoso en una forma claramente teñida de horror corporal) e incluso una Tierra falsa inclinada (equipada con una variedad de híbridos animal-humanos espeluznantes) se siente fresco y nuevo, ofreciendo tanta variedad.

Gunn siempre se las ha arreglado para traer su propio sabor a la MCU, un valor atípico en una franquicia que continúa aplanando sus historias y personajes con la esperanza de encajarlos a todos en una gran caja, una y otra vez, y su entrada final en este espacio ofrece el tipo de despedida que solo él podría crear. Y si bien, inevitablemente, abre la puerta a más aventuras para esta banda salvaje de héroes inverosímiles (el apetito del mundo de las franquicias, por supuesto, nunca se sacia por completo), lo hace en sus propios términos. Y, realmente, hace algo salvaje, algo cada vez más raro en el camino: te hace sentir tan desordenado, extraño e inesperado como podría ser. Ahora que es una super historia.

Crítica Cinéfila: Ant-Man and the Wasp - Quantumania

Scott Lang y Hope Van Dyne, junto con Hank Pym y Janet Van Dyne, exploran el Reino Cuántico, donde interactúan con extrañas criaturas y se embarcan en una aventura que va más allá de los límites de lo que creían posible.

Junto con la primera película de Iron Man, Capitán America: Civil War y Avengers: Endgame, las dos primeras aventuras independientes de Ant-Man siempre se sintieron como Marvel en su forma más original. ¿Por qué? Nada que ver con sus historias o efectos: todo se reducía a que ellos habían ido cuidadosamente sintonizándose con los talentos particulares de su protagonista. 

Al igual que Robert Downey Jr. tenía su suavidad de hablar y Chris Hemsworth sus habilidades cómicas fornidas, Paul Rudd era el Vengador común, afable y tambaleante: el tipo pequeño que estaría a la altura del momento, o más a menudo se encogería ante él, en tiempos de crisis. De todos modos, esa estrategia consagrada por el tiempo no se ve por ninguna parte en esta tercera entrega genérica y lujosa, en la que la mayor parte del encanto considerable de Rudd y esos ingeniosos cambios de escala del mundo real se turban: piense en la batalla del juego de trenes que rinde homenaje a Aardman del original de 2015, o la persecución de autos en San Francisco de la secuela de 2018, con sus vehículos bajando rápidamente hasta el tamaño de Hot Wheels, todo esto se borra para dar paso a otra explosión de dos horas de la inagotable manguera multicolor de Marvel.

En esta última aventura, Scott Lang de Rudd (alias Ant-Man), Hope Van Dyne de Evangeline Lilly (alias The Wasp) y la hija de Scott, Cassie (Kathryn Newton) son absorbidos por el reino cuántico: un "universo debajo de nuestro universo”, y el lugar de residencia actual del malvado Kang the Conquerer, el último supervillano de la franquicia. 

Para los fanáticos, la llegada de Kang (Jonathan Majors) marca el comienzo de las Fases Cinco y Seis del proyecto de contenido audiovisual de Marvel: 10 películas más y cinco series más de Disney+ para ayudarnos a lo largo del próximo tres años. Pero en lo que respecta a la película en cuestión, solo significa otra porción gigante de lodo digital que dobla las dimensiones, servido con la advertencia habitual del multiverso de que cada avance que la trama puede dar, probablemente será anulado o revertido en las escenas de mitad de créditos.

Así que tenemos un montón de Rudd, Lilly y Newton, junto con el regreso de Michael Douglas y Michelle Pfeiffer, teniendo conversaciones forzadas en varios paisajes de fantasía con pantalla verde, o reaccionando a cualquier monstruo o nave espacial o convulsionando lo verde y púrpura que pasa por encima.

El problema no es que las uniones entre los mundos de carne y hueso y los generados por computadora sean siempre obvios: a veces lo son; a veces no lo son. Es que el tipo de narración con el que se alinea este enfoque tecnológico es impersonal, emocionalmente vacío y, a menudo, bordea la falta de sentido. Por ejemplo, Janet van Dyne de Pfeiffer descubre el malvado plan de Kang no sacándolo hábilmente, o colándose de manera emocionante en su base, sino a través de una visión cuando toca el casco de su nave espacial psíquica. 

Estas cosas pueden empujar la trama, pero no es tan divertido cómo lo proyectan, y tiene la sensación de que la película es culpablemente consciente de ello. La falta de placer en la escritura se ve compensada, o tal vez ahogada, por las imágenes arduamente excéntricas: muchos diseños de criaturas excéntricas que trabajan muy duro para recordar Star Wars (incluso hay una escena de cantina, con el muy promocionado Bill Murray), así como una batalla culminante que se asemeja a esos nuevos juegos en los que el jugador tiene que acabar con una horda que avanza sin cesar. Para una franquicia que necesita refrescarse, es cualquier cosa menos un salto cuántico.

Crítica Cinéfila: Black Panther, Wakanda Forever

La reina Ramonda y Shuri luchan para proteger su nación de la injerencia de potencias mundiales a raíz de la muerte del rey T’Challa. Mientras los wakandianos se esfuerzan por adaptarse a su nueva etapa, los héroes deben actuar unidos, con la ayuda de Nakia y Everett Ross, y forzar un nuevo destino para el reino de Wakanda.

Frente a la desafiante perspectiva de seguir su éxito de taquilla pese a la ausencia del carismático actor principal que proporcionó el noble corazón de la primera película, Ryan Coogler entrega un homenaje emocionalmente resonante a Chadwick Boseman en las primeras escenas de Black Panther: Wakanda Forever que no dejará a ningún fan sin una lágrima brotada. Extendiéndose a través del logotipo de Marvel en los créditos de apertura, rediseñado para incluir imágenes conmovedoras del difunto actor, toda la introducción invita al público a compartir el dolor que sienten los cineastas y el elenco, así como los personajes que interpretan, plantando una vena de tristeza exquisita que se agita a través de esta secuela épica.

Las simples palabras en los créditos finales, "Dedicado a nuestro amigo Chadwick Boseman", definen el espíritu predominante de la película, con su melancólico reconocimiento de la pérdida y el legado. Lo que no quiere decir que sea corto de emoción, acción o incluso humor. Solo pensar en el arrogante guerrero de montaña de Wakanda de Winston Duke, M'Baku, mordisqueando una zanahoria mientras gruñe "Demonio calvo" a Okoye de Danai Gurira, su general rival de la unidad de fuerzas especiales de Dora Milaje, hace reír a cualquiera.

Más que cualquier otra entrada en el canon del MCU, "Black Panther" se convirtió en un fenómeno cultural genuino en términos de representación orgullosa, una aventura de acción futurista que abrazó la historia y la tradición. Fue una representación implícitamente política de una nación africana firmemente independiente que se resistía a la comprensión de los colonizadores hambrientos por obtener sus recursos naturales, una respuesta audazmente imaginativa a generaciones de traumas del mundo real. Envolver todo eso en un compendio de superhéroes fue un logro considerable.

Coogler y su coguionista Joe Robert Cole mantienen y podría decirse que incluso fortalecen esa vena aquí. Introducen otra antigua civilización de pueblos indígenas que han escapado de una brutal historia de esclavitud y genocidio, viviendo en una reclusión fantástica y listos para desatar todas sus considerables fuerzas contra cualquier saqueador global que pesca que se quiera aprovechar de su recurso natural más preciado. Eso, por supuesto, es vibranium, el mismo elemento metálico derivado de meteoritos del que Wakanda extrae su poder.

Ya sea que esos descendientes mayas escondidos bajo el agua, liderados por el formidable gobernante de Talokan, Namor (Tenoch Huerta Mejia), se conviertan en valiosos aliados o enemigos peligrosos de los Wakandianos, es la principal intriga que impulsa la trama de la secuela, y posiblemente en futuras entregas.

Coogler se resiste al incansable impulso de la polinización cruzada de tantas películas del MCU al concluir con dos claros indicios separados de conflicto en curso. Los personajes de "Black Panther" podrían seguir echando un poco en esas otras hazañas de Marvel pobladas por personajes que hablan como adolescentes alegres, pero cada semilla plantada aquí es de una saga más sombría contenida predominantemente dentro de su propio universo complejo. Si la narración de vez en cuando se desordena con sus interminables cambios de ubicación y el tiempo de ejecución (un expansivo 2 horas 41 minutos) se siente definitivamente, particularmente en la sección media, esta secuela tan esperada es tan emocionante como debe ser.

La presencia de dos personajes principales, Letitia Wright como Shuri, y Angela Bassett como su madre, la reina Ramonda, se ha visto aliviada en formas a las que ambas actrices responden con una autoridad estimulante. Eso es el resultado directo de la muerte del rey T'Challa y la consiguiente pérdida de la Pantera Negra, protector de Wakanda, un golpe devastador representado en la escena inicial. 

Las películas del MCU generalmente no se han distinguido por su peso emocional, pero puede que no haya un momento más destrozante en el canon que una Ramonda afectada que le diga a Shuri: "Tu hermano está con los antepasados". Esto sienta las bases para los incómodos conflictos madre-hija, una que se reconforta con el mundo espiritual, la otra intensifica su dedicación a la ciencia, pero también puntos de vista divergentes sobre cómo mantener el país seguro. Incluso la necesidad de encontrar una nueva Pantera Negra para la supervivencia de Wakanda se convierte en un asunto de disputa, inicialmente descartada por Shuri como una reliquia de otro tiempo.

Sin embargo, es gratificante que Coogler y Cole no se limiten a seguir adelante. En cambio, se detienen conmovedoramente sobre la elaborada ceremonia funeraria, un equilibrio de solemnidad y danza cinéticamente cargada con batería y percusión, con el ataúd llevado por Okoye y las Dora Milaje. Esta impresionante secuencia también ofrece una oportunidad temprana para estar asombrado por la increíble belleza y detalle de los trajes de Ruth Carter, posiblemente incluso superando su trabajo ganador del Oscar en la película anterior con prendas que combinan la elegante sofisticación del mundo del futuro con la simbología africana.

Los aficionados a la historia de los cómics que han estado esperando impacientemente la aparición de Namor, introducido por primera vez en 1939, no se sentirán decepcionados por el comportamiento brillante y la corpulenta fisicalidad del actor mexicano Huerta en el papel. Los pies alados pueden ser un poco demasiado, pero el atuendo real es espectacular, su torso desnudo de cuerpo duro adornado con conchas y cuentas y oro y túnicas de algas. Namor y sus guerreros Talokanil emergen por primera vez como una respuesta hostil a una nave estadounidense operada por la CIA en el medio del Atlántico en una secuencia de acción. Demuestra la fuerza y la coordinación estratégica del Talokanil, pero también su capacidad similar a la de las sirenas para hipnotizar a los adversarios, atrayéndolos a sumergirse en las profundidades del océano.

Después de haber frustrado ese intento de aprovechar sus depósitos de vibranio, Namor va a Wakanda, que no tenía conocimiento previo de la existencia de la civilización Talokanil, y mucho menos del recurso invaluable que tienen en común. Namor exige una alianza contra los intrusos, atrapando a Ramonda y Shuri en un momento íntimo de dolor, y les advierte que la nueva tecnología hace que su vibranio sea vulnerable. La Reina ya ha expresado su descontento con los territorios extranjeros que intentan conseguirlo en un momento electrizante que ve a Bassett, asistiendo a la ONU. Nomar se retira con la promesa de que no será fácil la próxima vez. Pero ni Ramonda ni su hija están inspiradas en confiar en Namor.

Con Okoye como su principal facilitadora, para gran disgusto eterno de M'Baku, se ponen en contacto con el antiguo aliado de la CIA Everett Ross (Martin Freeman) y Nakia (Lupita Nyong'o), la maestra espía en autoexilio que dirige una escuela en Haití. Provocando otro enfrentamiento explosivo entre diferentes facciones que intentan secuestrar al inventor del rastreador de vibranio, también reclutan a Riri Williams (Dominique Thorne) de 19 años de ciencia del MIT. 

Riri es una gran nueva incorporación y Thorne aporta un humor brillante a la mezcla, aunque en una película que dura tres horas, podrían haber encontrado unos minutos para un montaje de entrenamiento rápido para hacer que su transición a una luchadora de patadas sea más creíble. Aún así, el ingenio tecnológico de Riri le da un inmediato parentesco de hermandad con su compañera genio Shuri, lo que disminuye el aislamiento de esta última, particularmente después de que otra tragedia golpee Wakanda.

También refuerza aún más el hilo consistente con las películas de Pantera Negra de mujeres como buques de inestimable poder, ingenio e inteligencia. Hay un eco correspondiente de eso incluso entre los Talokanil, donde Namor no confía menos en su feroz prima Namora (Mabel Cadona) que en el poderoso Attuma (Alex Livinalli), sus dos principales tenientes guerreros. El look de Carter para Namora es asombroso, con piezas de hombro de estilo glamrock sujetadas por garras de langosta y un tocado masivo inspirado en el pez león; sus túnicas diáfanos flotantes la hacen parecer un fantasma del mar.

Por supuesto, cualquier fanático de Marvel medio atento sabrá que debe surgir una nueva Pantera Negra a medida que se intensifique la apuesta y la amenaza se intensifique, y a pesar de que Disney insta a las primeras audiencias a evitar los spoilers, la identidad de ese nuevo protector se filtró rápidamente. No es que fuera tan difícil de adivinar. Pero el proceso de descubrimiento que ocurre a través de una visita al plano ancestral, completado con un cameo de alguien del pasado de este universo, sigue siendo emocionante y estimulante, especialmente una vez que el nuevo traje mejorado de la pantera se pone en acción.

Si bien la mayoría de las batallas de la película tienen lugar en el mundo de la superficie, es la capacidad del Talokanil para aprovechar el poder del agua lo que le da más exaltación; estas personas pueden montar ballenas, lo que da lugar al set más sensacional, en el que Coogler orquesta hábilmente la destrucción para reflejar las catástrofes del mundo real de las inundaciones y los tsunamis. Un gran choque en el mar, en un enorme barco de Wakanda y en los cielos de arriba, es otro punto culminante. Pero Coogler equilibra la acción con el drama humano impulsado por los personajes, manteniendo las apuestas tanto personales como globales.

Esa dualidad da a los actores más que masticar que la tarifa habitual del MCU. Wright y Bassett son las destacadas de la secuela, sus personajes se niegan a dejar que su dolor disminuya su dignidad, ya que ambas llevan con orgullo la antorcha para T'Challa. Nyong'o tiene un papel menos central, pero como siempre es una presencia convincente. Lo mismo ocurre con Gurira, con la siempre vigilante Okoye marginada hasta el final de la película cuando demuestra su lealtad inquebrantable en el combate.

Últimamente se ha escrito mucho sobre demasiados directores de fotografía que no saben cómo iluminar a los actores de color. Pero el nuevo director de fotografía, Autumn Durald Arkapaw continúa donde Rachel Morrison lo dejó en Black Panther al darnos actores negros y latinos sorprendentemente hermosos y físicamente poderosos como resplandecientes estrellas de cine. La impresionante construcción del mundo de la diseñadora de producción Hannah Beachler se extiende desde el deslumbrante afrofuturismo de Wakanda hasta las majestuosas salas submarinas de Talokan, lo que significa no una sino dos civilizaciones avanzadas resistentes a los acosadores blancos.

Incluso si la duración se siente extendida, Coogler y sus editores merecen crédito por permitir el espacio entre las escenas de acción para el desarrollo del personaje y la relación, con la partitura de Ludwig Göransson en la que aumenta el estilo africano en mejoría tanto en esos momentos más tranquilos como en las grandes batallas. Es imposible que Wakanda Forever coincida con el impacto revolucionario de su predecesor, pero en términos de continuar la saga mientras allana el camino para futuras entregas, es ampliamente satisfactorio.

Crítica Cinéfila: Thor - Love and Thunder

El Dios del Trueno (Chris Hemsworth) emprende un viaje que no se parece en nada a lo que se ha enfrentado hasta ahora: una búsqueda de la paz interior. Pero el retiro de Thor se ve interrumpido por un asesino galáctico conocido como Gorr el Carnicero de Dioses (Christian Bale), que busca la extinción de los dioses. Para hacer frente a la amenaza, Thor solicita la ayuda del Rey Valkiria (Tessa Thompson), de Korg (Taika Waititi) y de su ex novia Jane Foster (Natalie Portman) que, para sorpresa de Thor, empuña inexplicablemente su martillo mágico, Mjolnir, como la Poderosa Thor.

Taika Waititi revitalizó el sub-universo de Thor Odinson de Marvel en 2017 con "Thor: Ragnarok" apoyándose en la comedia irreverente, reflejando la alegría y el pop-cultura que había funcionado para las películas de Guardianes de la Galaxia. Lamentablemente, esta fue una fórmula menos gratificante en "Thor: Love and Thunder"; aquí Waititi empuja a los sabios Dioses a exageraciones cómicas, apagando cualquier emoción, grandeza mítica o sensación de peligro que la última ronda de desafíos de memoria del Dios del Trueno pueda esperar generar. Chris Hemsworth sigue dando una gran visual muscular, pero lo que está en juego nunca adquiere mucha urgencia en una película demasiado ocupada siendo bromeante  e infantil para contar una historia apasionante.

Es probable que los fieles de Marvel defiendan este espíritu travieso que ha sido la marca registrada de Waititi. La banda sonora también se ajusta a ese modo, con éxitos de Guns N' Roses mezclados en la composición de Michael Giacchino. Pero, ¿es demasiado pedir algo que no se sienta como un imitación del tono de la última entrega?

La casa de Thor, New Asgard, se ha convertido en un parque de atracciones y destino de cruceros que ofrece paseos en barco vikingo, verdadero hidromiel asgardiano y recreaciones de la tradición mitológica, con caras famosas en cameos. Así que también lanzan a la audiencia a un nuevo Disneyland. La sensación de película infantil de este episodio sería evidente incluso sin que los niños de este patio de recreo nórdico monetizado miraran a través de las ventanas con los ojos abiertos mientras Thor y sus aliados luchan contra monstruos de sombra conjurados por el villano Gorr, el asesino de Dioses.

Con un aspecto delgado y mezquino, palidez zombi y brillantes ojos de demonio debajo de su tenue capucha blanca, Christian Bale aporta mucha intensidad malévola a ese papel, como el hombre de fe que una vez fue, a quien le robaron a su amada hija cuando los dioses abandonaron su planeta reseco. Pero su extensa historia de fondo en los cómics de Marvel se reduce tanto aquí que Gorr se convierte en otro loco con rencor, usando la necroespada de la que deriva su poder para matar a las deidades, como su nombre indica. En una película cuyo objetivo principal es divertido, Gorr es un personaje sombrío que hace a cualquiera perder la brujería descaradamente exagerada de la Hela de Cate Blanchett.

 

Thor tampoco tiene un compañero de entrenamiento verbal al nivel de Hulk/Bruce Banner de Mark Ruffalo. En su lugar, se ha reunido con su ex amor Jane Foster (Natalie Portman), que ya demostró ser un ajuste incómodo para el ambiente de Marvel en las primeras películas de Thor. Ahora está de vuelta, luchando contra el cáncer en la etapa 4, pero posponiendo lo inevitable a la manera vikinga, empuñando Mjollnir, el martillo del dios del trueno. Se la llama The Mighty Thor y se absuelve bien en la batalla, incluso si lucha por encontrar un eslogan digno. Portman no es del todo natural con la comedia, pero sobre todo parece una réplica femenina del personaje peculiar de Hemsworth hasta una abrupta sacudida en el patetismo cuando Thor declara que no puede soportar perder su amor de nuevo.

Esta es una película llena de cambios entrecortados, tanto en la narrativa como en los efectos visuales. Los entornos CGI son tan expansivos, y tan estridentemente coloridos, que casi se ven animados, y los saltos a los verdes campos de Asgard o a las estériles habitaciones del hospital donde Jane está siendo tratada dan la impresión de haber sido arrojada a una película diferente.

Thor y Jane, o Thor y Mighty Thor, si desean ser confusamente técnico, deben detener la amenaza galáctica de Gorr antes de que arrase a todos los dioses y llegue al Altar de la Eternidad, donde se concederá su deseo de omnipotencia o vida eterna o algo así. Su misión se vuelve más apremiante por el hecho de que Gorr haya secuestrado a todos los niños de Asgard, que están prisioneros en una enorme jaula con pinchos.

Los buenos tienen la ayuda de la reina Valquiria (Tessa Thompson), ahora gobernante benévola de New Asgard, pero sigue siendo una guerrera intrépida; y el amigo de piedra de Thor, Korg (Waititi), cuyo comentario tonto se enmarca como la hora de los cuentos infantiles, lo que se suma a la sensación general de aventura. Se apoderan de un barco de parque temático para sus viajes espaciales, tirados por dos cabras gigantes que gritan, que son divertidas durante un minuto. Hacen una parada en el Templo Dorado de los Dioses para solicitar la ayuda del vanidoso Zeus (Russell Crowe). Eso demuestra ser un busto, aunque permite reconocimientos descarados de la dotación aparentemente impresionante de Thor cuando Zeus lo desnuda, y anotan una arma necesaria con el rayo dorado de Zeus.

Waititi, el director de fotografía Barry Idoine y el equipo de efectos cambian el esquema visual constante, de los coloridos planos de Thor y sus aliados, al blanco y negro una vez que la audiencia llega al reino de sombras de Gorr, y el brillo casi cegadora de la representación de la Eternidad como un cielo de nubes bajas reflejadas en aguas poco profundas. Sin embargo, en su mayor parte, esta es una película desordenada que hace pausas para el drama, el romance o la comedia entre decorados de acción escenificados caóticos. El más energizado de ellos implica que a los niños secuestrados se les concede el poder de Thor durante el día y se enfrenten a los monstruos de sombra de Gorr. Pero incluso aquí, el enfoque cambia demasiado inquieto como para saborear su momento de gloria.

Más que la mayoría de las películas recientes del UCM, el guion de Waititi y Jennifer Kaytin Robinson muestra una crisis de imaginación, con demasiada frecuencia confiando en risas fáciles de referencias interculturales (Korg sigue equivocando el nombre de Jane, llamándola Jane Fonda o Jodie Foster) o referencias pop (Enya, Abba) en lugar de hacer algo interesante con los personajes o construir gravedad real en su situación. Incluso la inclusión de personajes queer (Valkyrie anhelando el amor de su hermana guerrera perdida, o Korg revelando que su especie se aparea con otros machos para hacer monstruos rocosos bebés) parece más una representación complaciente que cualquier cosa vitalmente basada en la narración.

Claro, los fans seguro están encantados de ver a Chris Pratt y a la tripulación de Guardianes de la Galaxia aparecer en una batalla temprana, además de que hay algunos interludios ligeramente conmovedores entre Hemsworth y Portman a medida que la salud de Jane se vea más comprometida con cada giro del martillo. Pero hasta un final sentimental que parece diseñado en torno a "Sweet Child O' Mine", la película se siente demasiada ligera, frívola, olvidable al instante, que no provoca ni amor ni truenos.

Crítica Cinéfila: Doctor Strange in the Multiverse of Madness

Viaja a lo desconocido con el Doctor Strange, quien, con la ayuda de tanto antiguos como nuevos aliados místicos, recorre las complejas y peligrosas realidades alternativas del multiverso para enfrentarse a un nuevo y misterioso adversario.

Uno de los planos de "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" presenta un vórtice arremolinado que tiene un parecido definitivo con uno que sale igualmente en un teaser "Everything Everywhere All at Once", y es una desafortunada coincidencia, ya que la audaz inventiva de los Daniels anuncia mucho ingenio, nervio y carácter, la mayoría de los cuales faltan de manera prominente en esta última aventura del universo de Marvel. El seguimiento de "Doctor Strange" de 2016 alcanza las marcas de exclamación que esperamos de una aventura de Marvel bien diseñada, pero incluso con Sam Raimi a la cabeza, esta entrada es pesada de seguir y ligera de humanismo.

El éxito de Raimi con la trilogía original de "Spider-Man" sentó las bases, para bien o para mal, para la ola contemporánea de sagas de superhéroes, y aunque su marca de estilo visual y sacudidas aterradoras sirven bien al material, el guion de Michael Waldron (Loki) acumula tantos universos alternativos, nuevos personajes y libros de hechizos (tanto buenos como malos) que no queda espacio para respirar.

“Multiverse of Madness” es una secuela de “Doctor Strange”, con el ex-hechicero supremo (interpretado por Benedict Cumberbatch) asumiendo una nueva amenaza a la realidad misma. Los espectadores probablemente también deberían estar al tanto de la serie de Disney+ "WandaVision", en la que Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) usó sus propios poderes mágicos para crear una realidad artificial en la que su esposo Vision no había muerto y los dos tenían gemelos en un suburbio perfecto dentro de un sitcom.

La arrogancia de Strange abrió una parte del multiverso en “Spider-Man: No Way Home”, y ahora ese multiverso aterriza en su propia puerta en la forma de América Chavez (Xochitl Gomez). Esta adolescente aparece por primera vez en los sueños de Strange, donde no logra salvarla a ella ni a sí mismo, y luego en el medio de Manhattan, donde está siendo perseguida por un monstruo ocular gigante con tentáculos, muy Sam Raimi. 

Resulta que América es el único superhéroe que puede saltar de un universo a otro, solo que no tiene idea de cómo controlarlo (realmente funciona por sí solo cuando ella tiene miedo). Naturalmente, es el tipo de poder que nunca debería caer en las manos equivocadas, por lo que, por supuesto, las manos equivocadas están haciendo todo lo posible para tomarlo por sí mismas, lo que lleva a América y al Dr. Strange saltar de un universo a otro hasta que puedan descubrir cómo proteger a la niña y sus habilidades. 

Los poderes de Doctor Strange (como se manifiestan en su primera película y apariciones posteriores en otros proyectos de Marvel) permiten a los cineastas crear vórtices coloridos donde se puede presenciar una realidad que se derrumba, y Raimi aprovecha absolutamente las oportunidades para enviar a todos a refugiarse. Hay un montaje memorablemente alucinante de Dr. Strange y América cayendo a través de un universo tras otro, con diferentes estilos de arquitectura, cinematografía e incluso la composición física de los propios personajes. "Multiverse of Madness" está en su mejor momento en los que aparece esa locura, con la partitura perfecta de Danny Elfman que ofrece el apoyo adecuado tanto para el heroísmo como para la locura.

“Doctor Strange” nos presentó a un personaje brillante y arrogante, un hombre que pierde todo lo que tiene pero se reinventa a sí mismo, transformándose de un cirujano legendario a un maestro de las artes místicas. El buen doctor no tiene tanto para jugar esta vez, aparte de algunos pensamientos sobre su relación fallida con Christine (Rachel McAdams), y aunque América parece una adición potencialmente interesante al universo de Marvel, ella gasta tanto de esta película en angustia activa, que en realidad no hay exposición de quién es ella en absoluto. Y así como se aprovecha y desaprovecha a la vez el personaje de América, así mismo se castiga demasiado a Wanda/Bruja Escarlata, quien definitivamente merecía un mejor trato después de los distintos sufrimientos que ha tenido desde Avengers: Infinity War.

Los fanáticos de Raimi disfrutarán de su travieso sentido de la diversión con las libertades que se le permite tomar con las reglas básicas y con la gravedad, y los fanáticos de Marvel saldrán encantados con pistas sobre dónde podría ir esta megafranquicia a continuación. Pero falta un nivel de drama humano en “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”; la superficie de estos personajes está cargada de ingredientes, pero le falta cierto sabor, algo que los Avengers originales siempre tuvieron de manera natural.

Crítica Cinéfila: Morbius

El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio.

Después de su giro extrañamente caricaturesco en House of Gucci, es un alivio ver a Jared Leto canalizar su deseo por personajes transformadores en una película en la que literalmente hace eso, interpretando a la figura del título en Morbius, conocido como "The Living Vampire" en los cómics de Marvel. Leto se convierte en el brillante Dr. Michael Morbius, que ha pasado su vida buscando una cura para la rara enfermedad mortal de la sangre que lo aqueja, con el monstruo chupasangre en el que se convierte, lo que llena su alma de horror. Después de un comienzo prometedor, la película largamente postergada de Daniel Espinosa solo iguala de forma intermitente la intensidad de la actuación principal, pues el guión de Matt Sazama y Burk Sharpless se vuelve escaso en la historia, inhalando entrecortadamente arrebatos caóticos y enfrentamientos de acción que se construyen en una trama que minuciosamente presagiaba el enfrentamiento entre "hermanos". Lo peor es que esta película trata forzosamente de parecerse a una entrega repetitiva de Venom, pero sin el humor.

Un tenso prólogo tiene lugar en el Cerro de la Muerte, en las brumosas montañas de Costa Rica (¿por qué será que siempre lo sacan de un país latinoamericano?), donde Michael, frágil y demacrado, sale cojeando de un helicóptero con muletas hacia la boca de una cueva que alberga a miles de murciélagos vampiros. Mientras el piloto del helicóptero se preocupa por salir de allí antes de que oscurezca, Michael ve el cadáver de un animal medio devorado y observa con admiración que, aunque los murciélagos no pesan casi nada, pueden dominar a una criatura casi diez veces más grande que ellos. Sin previo aviso, se abre la mano para que sirva de cebo.

Corte a 25 años antes en Grecia, donde el joven Michael (Charlie Shotwell) está en una clínica bajo el cuidado del Dr. Nicholas (Jared Harris) cuando conoce al nuevo paciente Lucien (Joseph Esson), un niño británico de aproximadamente la misma edad y con el mismo trastorno de la sangre. Se unen instantáneamente, Michael le da a su nuevo amigo el apodo de Milo y se comparan con los espartanos: "Somos pocos contra muchos", frase que se convierte en la única razón semidiscernible para que esta parte tenga lugar en Grecia... eso e introducir brevemente a los personajes.

De vuelta en el presente de la historia en Nueva York, Michael se ha convertido en un médico de renombre, que sorprende a su colega de confianza, la Dra. Martine Bancroft (Adria Arjona), cuando rechaza el Premio Nobel por su desarrollo de sangre artificial. Ese es solo el comienzo de su trabajo, explica Michael, que es donde entra en juego el "acuario", en realidad una enorme cámara de vidrio cilíndrica vertical, llena de murciélagos traídos a casa desde Costa Rica.

Tanto Michael como Milo (Matt Smith) continúan siendo tratados por la figura del mentor extrañamente eterno del Dr. Nicholas. Mientras tanto, Milo ha heredado una fortuna, por lo que está financiando la experimentación de laboratorio de Michael mientras absorbe con avidez toda la vida que puede en su penthouse y su cuerpo continúa deteriorándose.

Dado que el procedimiento de mezclar ADN humano y de murciélago se considera poco ético e ilegal, la primera prueba debe realizarse en aguas internacionales frente a la costa este, en un barco de carga tripulado por mercenarios sospechosos. Martine inyecta el suero en la columna vertebral de Michael, y aunque no somos testigos de la transformación real, definitivamente vemos que el resultado final entra en acción, lo cual es una mala noticia para el equipo.

La ventaja es que le da a Michael destreza atlética, fuerza sobrehumana y un radar sonoro excepcional. Ah... y habilidades de trampolín que pronto se transforman en el poder de volar. La desventaja son los espeluznantes ojos de murciélago, una manicura retorcida, colmillos y una sed de sangre humana que debe saciarse cada vez que el suero desaparece, cada seis horas.

A partir de ahí, la película es básicamente Michael luchando con su conciencia, prometiendo que lo que sucedió en el barco nunca volverá a suceder, mientras que los agentes del FBI Stroud (Tyrese Gibson) y Ramírez (Al Madrigal) investigan la serie de muertes violentas que comienzan allí con cadáveres misteriosamente desangrados y se van extendiendo a la ciudad.

El recuento de cadáveres estaba destinado a seguir subiendo cuando Milo puso sus manos en el suero y revela sus sentimientos menos escrúpulos sobre su nueva bebida favorita. “Todas nuestras vidas hemos vivido con la muerte colgando sobre nosotros”, le dice a Michael. "¿Por qué no deberían saber lo que se siente para variar?" Además, la transformación de la cara de murciélago de Milo hace maravillas para los pómulos de cristal tallado de Smith. Pero las diferentes opiniones de Michael y Milo enfrentarán a hermano contra hermano, con Martine en riesgo en el medio.

Mientras que el director de fotografía Oliver Wood filma la mayor parte de la acción con la lúgubre paleta que se ha convertido en estándar para este extremo del espectro de Marvel, hace un uso atmosférico de los subterráneos y espacios subterráneos de Nueva York en varias escenas. La partitura atronadora de Jon Ekstrand, con sus elementos de percusión palpitantes, también aumentan la energía, incluso cuando la trama se desliza hacia ritmos repetitivos.

El aspecto recibe un impulso gracias a la visualización del equipo de efectos visuales con las ondas de sonido recibidas por Michael y Milo cada vez que están en modo vampírico, rebotando en personas, objetos y edificios en su camino. Sus rápidos movimientos también son seguidos por una capa de color; eso nunca se explica realmente, aunque admito que se ve genial. Sus transformaciones faciales son completamente digitales, realizadas sin prótesis, entre el fotorrealismo y los cómics. Lo cual, le suma puntos a la parte técnica.

Pero al igual que muchas películas basadas en cómics, gran parte de Morbius parece ser la base para una narración más compleja por venir, y especialmente para los capítulos cruzados, uno de los cuales se desarrolla en dos secuencias de crédito medio que involucran a un personaje (y estrella) visto anteriormente en Spider-Man: De regreso a casa.

Es una pena que esta película se tome a sí misma demasiado en serio para divertirse un poco más con el caos como lo logró Venom, a pesar del potencial del giro diabólico de Smith para una interacción divertida entre los antagonistas. Arjona se comporta con confianza, pero su personaje también se pierde en la carnicería; quizás el romance de última hora entre Martine y Michael adquiera más fuerza en la próxima ronda. Leto sin duda genera una tormenta detrás de su velo de cabello de estrella de rock, sin embargo, la película ofrece muy poco para distinguirla del paquete de Marvel de segundo nivel (¿o vamos por el tercero?), convirtiéndose en más de lo mismo.