Crítica Cinéfila: Morbius

El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio.

Después de su giro extrañamente caricaturesco en House of Gucci, es un alivio ver a Jared Leto canalizar su deseo por personajes transformadores en una película en la que literalmente hace eso, interpretando a la figura del título en Morbius, conocido como "The Living Vampire" en los cómics de Marvel. Leto se convierte en el brillante Dr. Michael Morbius, que ha pasado su vida buscando una cura para la rara enfermedad mortal de la sangre que lo aqueja, con el monstruo chupasangre en el que se convierte, lo que llena su alma de horror. Después de un comienzo prometedor, la película largamente postergada de Daniel Espinosa solo iguala de forma intermitente la intensidad de la actuación principal, pues el guión de Matt Sazama y Burk Sharpless se vuelve escaso en la historia, inhalando entrecortadamente arrebatos caóticos y enfrentamientos de acción que se construyen en una trama que minuciosamente presagiaba el enfrentamiento entre "hermanos". Lo peor es que esta película trata forzosamente de parecerse a una entrega repetitiva de Venom, pero sin el humor.

Un tenso prólogo tiene lugar en el Cerro de la Muerte, en las brumosas montañas de Costa Rica (¿por qué será que siempre lo sacan de un país latinoamericano?), donde Michael, frágil y demacrado, sale cojeando de un helicóptero con muletas hacia la boca de una cueva que alberga a miles de murciélagos vampiros. Mientras el piloto del helicóptero se preocupa por salir de allí antes de que oscurezca, Michael ve el cadáver de un animal medio devorado y observa con admiración que, aunque los murciélagos no pesan casi nada, pueden dominar a una criatura casi diez veces más grande que ellos. Sin previo aviso, se abre la mano para que sirva de cebo.

Corte a 25 años antes en Grecia, donde el joven Michael (Charlie Shotwell) está en una clínica bajo el cuidado del Dr. Nicholas (Jared Harris) cuando conoce al nuevo paciente Lucien (Joseph Esson), un niño británico de aproximadamente la misma edad y con el mismo trastorno de la sangre. Se unen instantáneamente, Michael le da a su nuevo amigo el apodo de Milo y se comparan con los espartanos: "Somos pocos contra muchos", frase que se convierte en la única razón semidiscernible para que esta parte tenga lugar en Grecia... eso e introducir brevemente a los personajes.

De vuelta en el presente de la historia en Nueva York, Michael se ha convertido en un médico de renombre, que sorprende a su colega de confianza, la Dra. Martine Bancroft (Adria Arjona), cuando rechaza el Premio Nobel por su desarrollo de sangre artificial. Ese es solo el comienzo de su trabajo, explica Michael, que es donde entra en juego el "acuario", en realidad una enorme cámara de vidrio cilíndrica vertical, llena de murciélagos traídos a casa desde Costa Rica.

Tanto Michael como Milo (Matt Smith) continúan siendo tratados por la figura del mentor extrañamente eterno del Dr. Nicholas. Mientras tanto, Milo ha heredado una fortuna, por lo que está financiando la experimentación de laboratorio de Michael mientras absorbe con avidez toda la vida que puede en su penthouse y su cuerpo continúa deteriorándose.

Dado que el procedimiento de mezclar ADN humano y de murciélago se considera poco ético e ilegal, la primera prueba debe realizarse en aguas internacionales frente a la costa este, en un barco de carga tripulado por mercenarios sospechosos. Martine inyecta el suero en la columna vertebral de Michael, y aunque no somos testigos de la transformación real, definitivamente vemos que el resultado final entra en acción, lo cual es una mala noticia para el equipo.

La ventaja es que le da a Michael destreza atlética, fuerza sobrehumana y un radar sonoro excepcional. Ah... y habilidades de trampolín que pronto se transforman en el poder de volar. La desventaja son los espeluznantes ojos de murciélago, una manicura retorcida, colmillos y una sed de sangre humana que debe saciarse cada vez que el suero desaparece, cada seis horas.

A partir de ahí, la película es básicamente Michael luchando con su conciencia, prometiendo que lo que sucedió en el barco nunca volverá a suceder, mientras que los agentes del FBI Stroud (Tyrese Gibson) y Ramírez (Al Madrigal) investigan la serie de muertes violentas que comienzan allí con cadáveres misteriosamente desangrados y se van extendiendo a la ciudad.

El recuento de cadáveres estaba destinado a seguir subiendo cuando Milo puso sus manos en el suero y revela sus sentimientos menos escrúpulos sobre su nueva bebida favorita. “Todas nuestras vidas hemos vivido con la muerte colgando sobre nosotros”, le dice a Michael. "¿Por qué no deberían saber lo que se siente para variar?" Además, la transformación de la cara de murciélago de Milo hace maravillas para los pómulos de cristal tallado de Smith. Pero las diferentes opiniones de Michael y Milo enfrentarán a hermano contra hermano, con Martine en riesgo en el medio.

Mientras que el director de fotografía Oliver Wood filma la mayor parte de la acción con la lúgubre paleta que se ha convertido en estándar para este extremo del espectro de Marvel, hace un uso atmosférico de los subterráneos y espacios subterráneos de Nueva York en varias escenas. La partitura atronadora de Jon Ekstrand, con sus elementos de percusión palpitantes, también aumentan la energía, incluso cuando la trama se desliza hacia ritmos repetitivos.

El aspecto recibe un impulso gracias a la visualización del equipo de efectos visuales con las ondas de sonido recibidas por Michael y Milo cada vez que están en modo vampírico, rebotando en personas, objetos y edificios en su camino. Sus rápidos movimientos también son seguidos por una capa de color; eso nunca se explica realmente, aunque admito que se ve genial. Sus transformaciones faciales son completamente digitales, realizadas sin prótesis, entre el fotorrealismo y los cómics. Lo cual, le suma puntos a la parte técnica.

Pero al igual que muchas películas basadas en cómics, gran parte de Morbius parece ser la base para una narración más compleja por venir, y especialmente para los capítulos cruzados, uno de los cuales se desarrolla en dos secuencias de crédito medio que involucran a un personaje (y estrella) visto anteriormente en Spider-Man: De regreso a casa.

Es una pena que esta película se tome a sí misma demasiado en serio para divertirse un poco más con el caos como lo logró Venom, a pesar del potencial del giro diabólico de Smith para una interacción divertida entre los antagonistas. Arjona se comporta con confianza, pero su personaje también se pierde en la carnicería; quizás el romance de última hora entre Martine y Michael adquiera más fuerza en la próxima ronda. Leto sin duda genera una tormenta detrás de su velo de cabello de estrella de rock, sin embargo, la película ofrece muy poco para distinguirla del paquete de Marvel de segundo nivel (¿o vamos por el tercero?), convirtiéndose en más de lo mismo.

Crítica Cinéfila: Last Night in SoHo

Thriller psicológico sobre una joven apasionada por la moda que misteriosamente puede entrar en la década de 1960, donde se encuentra con su ídolo, un atractivo aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que parece, y el tiempo comenzará a desmoronarse con sombrías consecuencias.

La nueva película tan esperada de Edgar Wright tiene mucho de lo que podríamos llamar la "marca Wright". Es decir, mezcla la comedia con géneros y temáticas más angustiosas que estallan con su amor por la cultura pop, explora sus sentimientos encontrados sobre el atractivo y el riesgo de la nostalgia, e incluye varios de sus otros temas favoritos, entre ellos la vida londinense y pubs poco fiables.

"Last Night In Soho" también marca un cambio refrescante para el director y coguionista de "Shaun of the Dead", "Hot Fuzz" y "Baby Driver". Atrás queda su marca de edición hiperactiva y su insistente posmodernismo; en su lugar hay un movimiento fluido y una emoción intensa. No es solo diferente de sus películas anteriores; es diferente de las películas anteriores de todos los demás. "Last Night In Soho" sigue siendo una creación delirante e intoxicantemente distintiva que surge de cada caja en donde lo pones.

Otro factor que lo distingue de las otras películas de Wright es que se trata de una mujer, no de un hombre. Coescrito por Krysty Wilson-Cairns (“1917”), “Last Night In Soho” está protagonizada por Thomasin McKenzie como Eloise, o tal vez sea Ellie; está en la edad en la que no ha decidido qué nombre le queda mejor. Su padre se fue hace años y su madre esquizofrénica se suicidó, pero Ellie tuvo una educación feliz en la zona rural de Cornualles, donde su abuela (Rita Tushingham) le enseñó a adorar la música y el estilo de Londres de los vibrantes años sesenta. Cuando ingresa en una escuela de moda del centro de Londres, es un sueño hecho realidad. No solo puede diseñar vestidos inspirados en los años 60, sino que también puede hacerlo en el terreno sagrado que una vez pisaron Petula Clark, The Kinks y sus otros héroes.

Por desgracia, "Londres es demasiado", para citar uno de los slogans de la película. Las calles no están pavimentadas con oro; están pavimentadas con prostitutas y chulos, muchos de los cuales comparten las residencias de estudiantes de Ellie. Así es como Ellie decide mudarse a una habitación de arriba en una casa propiedad de la severa Señora Collins (Diana Rigg), principalmente porque no ha sido redecorada en décadas y el estilo va con ella. De hecho, la habitación huele tanto a días pasados ​​que cada vez que Ellie se duerme, parece estar en el Soho de los sesenta.

Wright y su equipo producen una recreación maravillosa, no como un destino de compras maravilloso y de colores brillantes, sino como un abrumador patio de recreo con luces de neón de una vida nocturna emocionante y sórdida. Aquí ocurre una ola de recorridos turísticos a pie: una de sus ubicaciones clave es The Toucan, un pub junto a Soho Square por el que la mayoría de los críticos de cine con sede en Londres pasan (o entran) varias veces al mes. Espere que sea el sitio de muchos selfies a partir de ahora.

En este pasado, las visiones de Ellie giran en torno a Sandie (Anya-Taylor Joy), una rubia segura de sí misma que ha venido a Londres para triunfar como cantante, y que es descubierta por un emprendedor lobo de traje elegante (Smith). El viaje en el tiempo se maneja con una fluidez mágica y onírica: a veces, Ellie observa a Sandie desde el otro lado de la habitación; a veces es el reflejo de Ellie en el espejo; a veces ocupa el lugar de Sandy. Quizás no sea un viaje en el tiempo, sino un síntoma de esquizofrenia.

Pase lo que pase, sus viajes brindan un escape de las presiones machistas actuales junto con una gran cantidad de ideas de moda. Sin embargo, se da cuenta de que ser una hermosa joven en el último peldaño de la escalera del mundo del espectáculo en la década de 1960 podría no haber sido tan glamorosa como imaginaba. Incluso podría haber sido francamente perturbador. Ahora que Ellie ha entrado en la vida de Sandie, ¿podrá salir?

Hay mucha más trama por venir, pero basta con decir que "Last Night In Soho" gira y cambia entre ser una alegre comedia sobre las molestias de la vida estudiantil a un divertido romance de viaje en el tiempo a una película de terror completa. No todos los chistes son nuevos, y no todo el trazado resiste la inspección, pero la habilidad con la que Wright navega entre tonos y períodos de tiempo es excepcional.

MacKenzie tampoco tiene problemas con las transiciones. Ya ha dejado huella con “Leave No Trace” y “Jojo Rabbit”, pero aquí es tan encantadora y versátil que no parece haber nada que no pueda hacer. Otras actuaciones también son impresionantes, como Tushingham, Rigg y un leonino Terence Stamp. Estos son más que guiños; son roles importantes, actuadas con tremenda autoridad. Rigg murió justo cuando Wright terminó la película, pero aquí es tan autoritaria y traviesa como siempre. Y obviamente, Joy se la luce en su rol como Sandie y en su lucha actoral; le sale tan natural que parece haberse vivido Sandie en una vida pasada.

"Last Night In Soho" comienza con la dedicatoria "Para Diana". Qué magnífico papel final para ella y qué película tan magnífica.

Crítica Cinéfila: His House

Una pareja de refugiados de Sudán, un país arrasado por la guerra, trata de sobrevivir en un pequeño pueblo de Inglaterra hasta que descubren que allí les aguarda un peligroso mal.

Terror mezclado con comentarios sociales, His House es una escalofriante película de terror sobre una casa encantada que tiene más profundidad que fantasmas y sobresaltos. En su debut directorial con un largometraje, Remi Weekes cuenta la historia de una pareja africana empobrecida que escapa a Inglaterra, solo para descubrir que el pasado los ha alcanzado de la manera más inquietante. Con excelentes y emotivas actuaciones de Sope Dirisu y Wunmi Mosaku, la película tiene mucho que decir sobre el dolor, la culpa, la asimilación y la actual crisis de refugiados. Y además de todo eso, también es un ingenioso nerviosismo.

Es posible que la película no tenga grandes nombres, aunque la ex estrella de Doctor Who y The Crown Matt Smith tiene un pequeño papel secundario, pero la premisa familiar de la historia junto con la oportunidad de un mensaje universal que creará una empatía poderosa, puede resultar potente para los espectadores curiosos.

Cuando conocemos a Bol (Dirisu) y Rial (Mosaku), se encuentran en un momento de peligro extremo: acaban de huir del Sudán devastado por la guerra y viajar en barco para llegar a Europa. Habiendo apenas sobrevivido a la terrible experiencia, el gobierno concede a la pareja casada un refugio temporal en un pequeño pueblo inglés y se les asigna una casa en ruinas para vivir, pero debido a su condición de refugiados, no se les permite abandonar la casa, pase lo que pase. Después de todo lo que han soportado, eso no suena tan difícil, pero pronto comienzan a escuchar voces y figuras extrañas en la casa.

Al principio, His House parece destinada a ser una narrativa de terror sólida pero algo obvia: las presencias espectrales están destinadas a ser una manifestación de la angustiosa situación de los personajes como refugiados, pero Weekes nos sorprende con su ingenio y la profundidad de sus temas. Bol y Rial están felices de estar vivos después de su odisea, pero también están de luto por una hija que se ahogó en el camino. Los aficionados al terror pueden anticipar lo que eso significa: ¿seguramente la muerte de la niña está relacionada con los fantasmas que plagan su hogar? Aquí también Weekes usa las convenciones del género para engañarnos, que hagamos ciertas suposiciones y luego irse en otra dirección con su historia.

Dirisu encaja en un tipo de horror familiar como el esposo orgulloso y estoico que está decidido a que este traslado a Inglaterra sea un nuevo comienzo para él y su esposa. El actor le da al arco de Bol una conmoción palpable: Bol no solo quiere fingir que no le preocupa la muerte de su hija, sino que tiene hambre de ser aceptado por la sociedad inglesa, incluso comprándose ropa nueva con la esperanza de integrarse. La película se trata principalmente de la actividad paranormal de su hogar, pero Weekes sugiere que otros horrores aguardan a este hombre, a saber, que está tratando de borrar su identidad para poder olvidar el pasado.

Como esposa de Bol, Mosaku proporciona a la película un ritmo cómico inexpresivo, mientras que al mismo tiempo exhibe tanta melancolía y cansancio del mundo. Es Rial quien tiene una teoría sobre lo que está sucediendo en el hogar, y la seguridad de su explicación convence a la audiencia de que, sin importar cuán potencialmente absurda sea, debe ser la respuesta correcta. Además, Rial descarta astutamente la actitud de Bol, haciéndolo rápidamente consciente de que, de hecho, no puede protegerla de los crecientes peligros que los rodean.

His House tiene su parte de secuencias de miedo: los espíritus enojados, como era de esperar, salen por la noche y tienen la costumbre de aparecer justo detrás de Bol cuando menos lo espera, pero a medida que los giros de la trama y la nueva información salen a la luz, Weekes sube la intensidad. De repente, lo inquietante no es arbitrario, sino más bien una fuerza amenazante que se conecta con el tiempo de la pareja en Sudán y su escape a Europa. Su casa es demasiado sofisticada para ser un lamento simple (pero sincero) sobre el trauma y la intolerancia que enfrentan los refugiados. En cambio, Weekes ha creado una película de terror sobre ser víctima de una presa, pero también sobre los extremos a los que llegarán las personas para cambiar su fortuna. Esta historia de fantasmas es suficientemente aterradora, pero es más exacto decir que deja al espectador nervioso por los vivos, no los muertos.