Crítica Cinéfila: Top Gun - Maverick

Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete "Mavericks" Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar, superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando se encuentra entrenando a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se encuentra allí con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo "Goose".

Era 1986, el actor Ronald Reagan era el presidente de los Estados Unidos, Platoon hace su debut desafiante en contra de todo lo que se había hecho en el cine bélico militar americano y Top Gun de Tony Scott lideraba las taquillas. Esta película, vendió una idea emocionante aunque fantasiosa del estadounidense sensasionalista: G.I. Joe era élite y el bromance entre machos era básico. Y finalmente, Tom Cruise se catalogó como el piloto más rápido de los Top Guns. No solo es lo mejor de lo mejor, sino también el más viejo de los viejos, Pete 'Maverick' Mitchell de Tom Cruise está de vuelta en la cabina en un seguimiento que emocionará a todos los fanáticos de Top Gun y añadirá a nuevos a la lista de seguidores. Así como los mismos personajes batallan por conseguir oxígeno en momentos claves de alta velocidad y altura, así mismo la audiencia se sentirá. La película se dispara completamente: un recordatorio de lo bueno que puede ser Hollywood en el entretenimiento comercial cuando se lo propone, y Tom Cruise está involucrado.  

Se podría argumentar que nuestro nuevo mundo posterior a la Guerra Fría no necesitaba una secuela de "Top Gun". Pero si se compara aquella película de los 80 con esta nueva entrega, es fácil retractarse. La nueva película merece con creces su existencia, reflejando al personaje de Cruise, Pete "Maverick" Mitchell, a impulsar los límites de lo que la tecnología podría hacer; en este caso, la tecnología es el cine, que se eleva a los cielos como ninguna secuela ha logrado hacer antes.

Maverick es tres décadas mayor desde la última vez que lo vimos y se parece a uno de los más jóvenes en actitud y alma, pero a pesar de toda su apariencia juvenil y su sonrisa perlada, ahora es una reliquia de un piloto de pruebas que está a punto de ser desfachado de volar por el contralmirante defensor de la IA de Ed Harris, también conocido como 'el Drone Ranger', y antes de, deciden darle una última misión arriesgada. Pero ¿qué es eso? ¿Hay una planta ilegal de procesamiento de uranio en un estado canalla sin nombre y una misión de bombardeo imposible de llevar a cabo? Pronto, Mav es enviado de mala gana a la Academia Top Gun para entrenar a un nuevo lote de jóvenes pilotos de F-18. Ni siquiera para que él mismo lo piloteé.

Solo la apertura, una misión de prueba que rompe las reglas a Mach 10, es increíblemente emocionante: un homenaje a películas de acción que encuentran un alma inesperada en el borde del espacio. A partir de ese momento, los ritmos son muy familiares: hay un oficial de alto rango testarudo y contrariado a Mav (Jon Hamm) ansioso por despedirlo; un piloto de armas sin sentido del trabajo en equipo (Glen Powell); y muchas disputas sobre cubiertas duras. Incluso hay escenas retrospectivas de la primera película, un canto en un bar, algunos juegos en equipo en la playa y una explosión de Kenny Loggins para los viejos de la multitud.

Pero después de aproximadamente media hora de reorientación amigable para los fanáticos, comienza a abrir nuevos caminos. Un guión inteligente, coescrito por Christopher McQuarrie, trae frescura a través de la relación de Maverick con el amargado Bradley 'Rooster' Bradshaw de Miles Teller, el hijo de su antiguo copiloto Goose, y una dulce historia de amor con la madre soltera propietaria de un bar de Jennifer Connelly. Lo caducado nunca se siente lejano para este héroe que envejece, incluso si todavía tiene los reflejos de un joven de 21 años.

Sobre todo, Top Gun: Maverick funciona porque, con su increíble fotografía aérea en primer plano, y el vanguardista director de Oblivion, Joseph Kosinski, una elección inteligente detrás de la cámara, nunca deja de lado ese simple amor por volar que hombres y mujeres sienten, a parte de que pone a prueba el estrés y ansiedad de la audiencia en todo momento que los personajes están en el aire. La misión fue un momento de hundirse en el sillón del cine, esperando siempre lo inesperado.

Todo esto ayuda a evitar la sensación de que se trata de otro anuncio de reclutamiento multimillonario para el ejército estadounidense. La misión es más como McGuffin lo expone: una incursión en las trincheras de la Estrella de la Muerte para que los personajes demuestren su temple, mientras que la irritable relación de Maverick y Rooster genera tensión adicional. Es escapismo puro y el lado correcto del entusiasmo, incluso en el momento geopolítico actual.

Es una pena que, por la razón que sea, los personajes femeninos de Top Gun de 1986 no se vean por ninguna parte: la instructora de vuelo de Kelly McGillis, Charlie, optó claramente por una despedida definitiva, y Meg Ryan como la madre de Rooster parece que murió en esos 30 años de ausencia cinematográfica, especialmente con tal esfuerzo hecho para ubicar a Val Kilmer en la historia para un conmovedor bromance con Maverick. Sin embargo, nada de esto le afecta a una historia que logra lo que pocos reinicios de Hollywood pueden presumir: una mezcla de nostalgia, frescura y adrenalina. 

Crítica Cinéfila: The Power of the Dog

Los acaudalados hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Plemons) son las dos caras de la misma moneda. Phil es impetuoso y cruel, mientras George es impasible y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho donde tienen ganado. Cuando George se casa con una viuda del pueblo, Rose (Dunst), Phil comienza a despreciar a su nueva cuñada, que se instala en el rancho junto a su hijo, el sensible Peter (Smit-McPhee).

Contada con una modesta grandeza, una pieza de época ambientada en un lugar remoto, "The Power of the Dog" devuelve a la directora Jane Campion a la realización de ficción más de una década después de "Bright Star". La Montana rural de 1925 (aunque en realidad filmada en su Nueva Zelanda natal) presenta este drama de secretos, ambivalencia romántica y dolor machista, adaptado de la novela de Thomas Savage de 1968.

El paisaje accidentado también proporciona el primer protagonista masculino de Campion: Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un vaquero mezquino que estalla en las costuras con el peso de la persona que no quiere ser. Señalando una saga de lo siniestro, la partitura fibrosa de Jonny Greenwood tiñe el aire con una atmósfera misteriosa a medida que la historia comienza con Phil y su hermano George (Jesse Plemons), un hombre sensato mucho menos preocupado por representar la virilidad. La pareja acomodada también son socios comerciales a cargo de la ganadería de su finca; una toma temprana de dos de los animales chocando cabezas hacen un buen contraste de la relación de los hermanos tan agraviada.

Hay una tensión silenciosa entre los hermanos, con George distanciándose de Phil cada vez que puede. El abismo emocional que los separa solo crece cuando la propietaria de un restaurante de un pequeño pueblo, Rose (Kirsten Dunst), y su hijo adolescente de genio, Peter (Kodi Smit-McPhee), se convierten en la nueva familia de George. El primer encuentro de Peter con Phil muestra el desdén del adulto por los rasgos delicados y los gestos del niño.  

Campion se deleita con la inmensidad de los pastos en su mayoría de color ámbar, al plantear a los individuos atribulados contra la inmensidad de la tierra salvaje y las montañas que la enmarcan. Su morada grita riqueza, una casa con amplias habitaciones donde siempre hay demasiada distancia entre las personas para que alguien se conozca de verdad. Esa es una transición notable de los pequeños cuartos de Rose y Pete, una vida contenida que les funcionó bien. En el momento en que los límites de su dominio se expanden, también lo hacen sus problemas.

Con un movimiento auspicioso, la cámara flota a través de estos escenarios, obedeciendo al director de fotografía Ari Wegner para atrapar a hombres a caballo o residentes que se escabullen para esconderse o presenciar una indiscreción. La construcción, aunque permite cierta complejidad adicional, vuelve a ensamblar una serie de pensamientos inacabados. La presencia de George domina desde el principio, pero en el segundo acto su influencia en los conflictos disminuye enormemente, ya que la historia se convierte en una batalla de tres bandas silenciosas y juegos mentales entre Pete, Rose y Phil.

En líneas de diálogo aparentemente innecesarias, Campion bombea exposición a las escenas. Así es como nos enteramos de la decisión de Phil de alejarse de las actividades intelectuales (habiendo sido un estudioso del latín y el griego) para sumergirse en la hipermasculinidad y retratar la imagen del rudo ranchero estadounidense cubierto de "buena tierra", el tipo que proviene del trabajo manual bajo el sol. Apesta a sudor y olor animal, pero se niega a ducharse, tal vez convencido de que su olor rancio realza la virilidad que quiere proyectar a como de lugar (y por razones que con detalles aprendemos en la medida que avanza la historia). Mantiene alejada a la gente, a aquellos que podrían ver a través de su fachada, quién realmente es. De paso, Campion introduce un aire de erotismo en la presentación luminosa de los cuerpos masculinos en la naturaleza.

Cuando Phil finalmente entra en contacto con el agua, se niega a lavarse o pelear juguetonamente en el río como el resto de los peones desnudos. Como ocurre con la mayoría de los temas de "Dog", los deseos de Phil yacen bajo la piel, pero la interpretación de Campion del texto de Savage adorna este laberinto de afectos sin palabras con suficientes toques concretos para que uno pueda entender los matices. A pesar de ciertas elecciones estructurales que no conducen tanto al impacto de la historia, la directora pone en escena varias instancias tan intensamente cargadas de sentimientos conflictivos para recordarnos su innegable habilidad para calibrar la modulación de una escena por parte de sus actores.

Con el Pete de Smit-McPhee, Campion apuesta por su inmutable cara inanimosa; el joven actor es terriblemente notable. Mirando este prisma del macho americano desde cualquier ángulo, lo que muestra es una incapacidad para comunicar las necesidades internas. Eso también se aplica a George, quien llora de alegría pensando que la soledad ya no lo atormentará con Rose a su lado, lo que agrega otra razón por la que Phil está empeñado en destruir esta imagen de normalidad. Burlarse de las actividades musicales de Rose y burlarse del comportamiento "debilucho" de Peter le dan la ventaja para recuperar el control una vez que se han mudado.

Una formidable Dunst, que también hace su gran reingreso al cine después de unos años de ausencia, se funde en el papel de una mujer debilitada por el acoso y conducida al alcoholismo. La creciente irracionalidad y debilidad física de Rose, cuanto más tiempo pasa sola en esa casa, salen de la actriz con una fuerza silenciosa. Ella es una flor que se marchita en tiempo real. Un monólogo pronunciado entre lágrimas y risas refleja sus miedos e impotencia, ofreciendo a Dunst un momento fértil para impresionar con su sorprendente compromiso. 

Cumberbatch libra una actuación trascendental, quizás la mejor de su carrera, con una bravuconería excesiva que parece consumir a Phil desde dentro. El fuego intolerable de su verdad reprimida se manifiesta como resentimiento. Está solo en el reconfortante recuerdo de Bronco Henry, un mentor que le enseñó la caballería, trenzar cuerdas y que probablemente le transmitió la capacidad de esconderse a plena vista. No son necesarios los flashbacks, ya que romperían el hechizo de lo que no vemos pero que, no obstante, podemos leer entre líneas.

El actor manifiesta una personalidad maleable, superficialmente rígida pero más suave ante la bondad, más notablemente cuando siente la esperanza de que alguien pueda comprender su tortuosa preocupación. Está en el descubrimiento de que otra persona además de él y Bronco puede ver una figura en la sombra proyectada por formaciones rocosas distantes que él siempre ha visto. Para Phil, la revelación es trascendental y eventualmente devastadora, y Cumberbatch sabe precisamente cómo llevar a su personaje de una aparente calma al borde de un colapso con una potencia creíble.

Los momentos más gratificantes llegan al final de la película, cuando Phil decide tomar a Pete bajo su protección; supuestamente, es para librar al niño de su comportamiento afeminado, no como una figura paterna temerosa de la potencial homosexualidad de Pete, sino como alguien que se reconoce a sí mismo en su sobrino. Phil cree que lo está salvando, pero ese plan y su afecto pueden no conducir a los resultados deseados. En sus fascinantes intercambios se esconde la dinámica de un hombre condenado por sus circunstancias y un verdugo que saca a un animal de su miseria. Cuando se rompe el cuello de un conejo herido, otra vida recibe su sentencia. 

Anclado en un salmo que habla de la idea de un enemigo claro empeñado en causar daño, la última película de Campion amplía los límites de la moralidad, impidiendo que nos pongamos del lado de cualquiera de las partes involucradas. Para una película que parece detenerse y comenzar a medida que cambia su enfoque varias veces, negándonos una introspección más prolongada en su relación de hombre a hombre más magnética, "The Power of the Dog" prospera al tener actores tan sumergidos en la ficción que están creando que se siente a una realidad. Su trabajo traduce lo que no se dice en gestos fugaces pero reveladores.

Crítica Cinéfila: Last Night in SoHo

Thriller psicológico sobre una joven apasionada por la moda que misteriosamente puede entrar en la década de 1960, donde se encuentra con su ídolo, un atractivo aspirante a cantante. Pero el Londres de los sesenta no es lo que parece, y el tiempo comenzará a desmoronarse con sombrías consecuencias.

La nueva película tan esperada de Edgar Wright tiene mucho de lo que podríamos llamar la "marca Wright". Es decir, mezcla la comedia con géneros y temáticas más angustiosas que estallan con su amor por la cultura pop, explora sus sentimientos encontrados sobre el atractivo y el riesgo de la nostalgia, e incluye varios de sus otros temas favoritos, entre ellos la vida londinense y pubs poco fiables.

"Last Night In Soho" también marca un cambio refrescante para el director y coguionista de "Shaun of the Dead", "Hot Fuzz" y "Baby Driver". Atrás queda su marca de edición hiperactiva y su insistente posmodernismo; en su lugar hay un movimiento fluido y una emoción intensa. No es solo diferente de sus películas anteriores; es diferente de las películas anteriores de todos los demás. "Last Night In Soho" sigue siendo una creación delirante e intoxicantemente distintiva que surge de cada caja en donde lo pones.

Otro factor que lo distingue de las otras películas de Wright es que se trata de una mujer, no de un hombre. Coescrito por Krysty Wilson-Cairns (“1917”), “Last Night In Soho” está protagonizada por Thomasin McKenzie como Eloise, o tal vez sea Ellie; está en la edad en la que no ha decidido qué nombre le queda mejor. Su padre se fue hace años y su madre esquizofrénica se suicidó, pero Ellie tuvo una educación feliz en la zona rural de Cornualles, donde su abuela (Rita Tushingham) le enseñó a adorar la música y el estilo de Londres de los vibrantes años sesenta. Cuando ingresa en una escuela de moda del centro de Londres, es un sueño hecho realidad. No solo puede diseñar vestidos inspirados en los años 60, sino que también puede hacerlo en el terreno sagrado que una vez pisaron Petula Clark, The Kinks y sus otros héroes.

Por desgracia, "Londres es demasiado", para citar uno de los slogans de la película. Las calles no están pavimentadas con oro; están pavimentadas con prostitutas y chulos, muchos de los cuales comparten las residencias de estudiantes de Ellie. Así es como Ellie decide mudarse a una habitación de arriba en una casa propiedad de la severa Señora Collins (Diana Rigg), principalmente porque no ha sido redecorada en décadas y el estilo va con ella. De hecho, la habitación huele tanto a días pasados ​​que cada vez que Ellie se duerme, parece estar en el Soho de los sesenta.

Wright y su equipo producen una recreación maravillosa, no como un destino de compras maravilloso y de colores brillantes, sino como un abrumador patio de recreo con luces de neón de una vida nocturna emocionante y sórdida. Aquí ocurre una ola de recorridos turísticos a pie: una de sus ubicaciones clave es The Toucan, un pub junto a Soho Square por el que la mayoría de los críticos de cine con sede en Londres pasan (o entran) varias veces al mes. Espere que sea el sitio de muchos selfies a partir de ahora.

En este pasado, las visiones de Ellie giran en torno a Sandie (Anya-Taylor Joy), una rubia segura de sí misma que ha venido a Londres para triunfar como cantante, y que es descubierta por un emprendedor lobo de traje elegante (Smith). El viaje en el tiempo se maneja con una fluidez mágica y onírica: a veces, Ellie observa a Sandie desde el otro lado de la habitación; a veces es el reflejo de Ellie en el espejo; a veces ocupa el lugar de Sandy. Quizás no sea un viaje en el tiempo, sino un síntoma de esquizofrenia.

Pase lo que pase, sus viajes brindan un escape de las presiones machistas actuales junto con una gran cantidad de ideas de moda. Sin embargo, se da cuenta de que ser una hermosa joven en el último peldaño de la escalera del mundo del espectáculo en la década de 1960 podría no haber sido tan glamorosa como imaginaba. Incluso podría haber sido francamente perturbador. Ahora que Ellie ha entrado en la vida de Sandie, ¿podrá salir?

Hay mucha más trama por venir, pero basta con decir que "Last Night In Soho" gira y cambia entre ser una alegre comedia sobre las molestias de la vida estudiantil a un divertido romance de viaje en el tiempo a una película de terror completa. No todos los chistes son nuevos, y no todo el trazado resiste la inspección, pero la habilidad con la que Wright navega entre tonos y períodos de tiempo es excepcional.

MacKenzie tampoco tiene problemas con las transiciones. Ya ha dejado huella con “Leave No Trace” y “Jojo Rabbit”, pero aquí es tan encantadora y versátil que no parece haber nada que no pueda hacer. Otras actuaciones también son impresionantes, como Tushingham, Rigg y un leonino Terence Stamp. Estos son más que guiños; son roles importantes, actuadas con tremenda autoridad. Rigg murió justo cuando Wright terminó la película, pero aquí es tan autoritaria y traviesa como siempre. Y obviamente, Joy se la luce en su rol como Sandie y en su lucha actoral; le sale tan natural que parece haberse vivido Sandie en una vida pasada.

"Last Night In Soho" comienza con la dedicatoria "Para Diana". Qué magnífico papel final para ella y qué película tan magnífica.

Crítica Cinéfila: Old

Durante unas vacaciones en un paraíso tropical, una familia empieza a percibir que en la recóndita playa elegida para relajarse unas horas suceden algunas anomalías temporales...

M. Night Shyamalan es un cineasta con un estilo muy marcado. Es reconocido por sus tipos de personajes y sus universos tan adentrados en problemáticas sociales (o de la psicología de la sociedad); pero también es muy fácil de identificar por los errores que constantemente comete con sus historias, y tristemente Old no ha sido la excepción. Si bien contiene algunos momentos fantásticos dirigidos por sus personajes, no compensan la ejecución confusa del thriller.

La película tiene una premisa asesina: un grupo de turistas desprevenidos viajan a una playa aislada donde comienzan a envejecer rápidamente, sin forma de escapar. Aunque la película se inspiró en la novela gráfica Sandcastle de 2013 de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, su configuración al estilo Twilight Zone se siente como el tipo de concepto espeluznante que su director concebiría.

Lamentablemente, a diferencia de Levy y Peeters, Shyamalan no parece reconocer que la belleza de esta premisa radica en su simplicidad. En cambio, su guión no solo se dedica a explicar la mecánica de cómo funciona el escenario fantástico de la historia (sin darle la oportunidad a la audiencia de ir entendiendo poco a poco con las acciones de los personajes), sino también por qué estos extraños en particular terminaron en esta situación aterradora. Convierte lo que podría haber sido una meditación espeluznante pero conmovedora sobre la inevitabilidad de la muerte en una frustrante mezcla de un thriller con una ejecución confusa y exposición innecesaria.

Old sigue a la pareja Guy (Gael García Bernal) y Prisca (Vicky Krieps), junto con sus hijos Trent y Maddox (interpretados por Nolan River y Alexa Swinton cuando eran niños), a un lujoso resort tropical (que a pesar de haber sido grabado en República Dominicana lo decidieron desarrollar en otro país tropical). Un día, durante el desayuno, el gerente del resort (Gustaf Hammarsten) les habla de una hermosa y aislada playa que se mantiene en secreto para todos, excepto para los huéspedes selectos. Intrigados, los cuatro deciden visitar la playa acompañados por otros turistas como un cirujano adinerado llamado Charles (Rufus Sewell) y su familia, incluida su esposa Chrystal (Abbie Lee), quién es mucho más joven que él; y Jarin (Ken Leung), un enfermero, y su compañera Patricia (Nikki Amuka-Bird), una terapeuta con una afección neurológica que le provoca convulsiones esporádicas.

Shyamalan, reuniéndose con el director de fotografía Mike Gioulakis por cuarta vez después de Split, Glass y la serie Servant, presagia precisamente los horrores que esperan a los invitados en la playa a través de su uso de panorámicas lentas y deliberadas y ángulos de cámara siniestros, convirtiéndose este detalle en una confusión técnica con la capacidad de marear demasiado a la audiencia de los errores más visibles, pero haciendo que uno no pueda evitar detestar el constante movimiento de la cámara. El compositor Trevor Gureckis, otro que trabajó en Servant, crea una interesante tensión con su insidiosa partitura, que Shyamalan usa escasamente, combinado con el ritmo mesurado de la edición de Brett M. Reed, pero esto no siendo suficiente para dejar a nadie nervioso antes de que los personajes encuentren un cadáver en la playa, con Mid-Sized Sedan (Aaron Pierre), un melancólico y sangriento rapero que ya estaba ahí cuando llegaron, siendo la única persona que sabe lo que pasó.

Aquí es donde Old se mete en problemas. El diálogo de la película se vuelve cada vez más incómodo a medida que los vacacionistas se dan cuenta de que han comenzado a envejecer un año cada media hora y tratan de averiguar por qué no pueden salir de la playa. Sin embargo, al establecer las reglas de cómo funciona el lugar, Shyamalan solo hace que las cosas sean más confusas. Él complica aún más la trama al presentar un misterio que gira en torno al complejo y sus motivos ocultos para condenar a los personajes a su sombrío destino.

Desafortunadamente, aunque la recompensa resultante no niega los temas de la película sobre la mortalidad y la condición humana, tampoco mejora ni enriquece su impacto emocional. En cambio, al aspirar a darle un sentido lógico a su entorno sobrenatural, la película solo plantea más preguntas innecesarias.

Además, la película ve a Shyamalan repitiendo algunos de sus peores hábitos como narrador, como usar a sus personajes como una tribuna para una moralización dudosa y regresiva. La óptica es igualmente mala cuando se trata del manejo involuntariamente insensible de Old de la raza, la violencia y la enfermedad mental dentro de una subtrama clave.

Al mismo tiempo, Shyamalan saca a relucir actuaciones genuinamente conmovedoras de Krieps y Bernal, mientras Guy y Prisca luchan con el arrepentimiento ante lo que parece ser su inevitable desaparición. Alex Wolff y Thomasin McKenzie son igualmente convincentes como los adolescentes Trent y Maddox, cuyas mentes son más lentas para mantenerse al día con sus cuerpos que maduran rápidamente. Por otro lado, la destacada Eliza Scanlen está completamente desperdiciada como la versión adolescente de Kara, la hija de Charles y Chrystal, al igual que gran parte del elenco.

A pesar de sus errores, Old cuenta con una excelente realización del departamento de arte, una explotación de la localización y varias secuencias de terror corporal fabulosas. Siguiendo los pasos de otros thrillers de bajo presupuesto que Shyamalan ha dirigido desde que se alejó del mundo de las franquicias, Old es claramente de su director en su mezcla de rareza, terror y filosofía. Por supuesto, dado el mayor control creativo que el cineasta ejerce sobre sus proyectos idiosincrásicos hoy en día, esto también convierte a Shyamalan en su peor enemigo.

Por otro lado... como fanática del cine y egresada de la academia, me sentí personalmente atacada por no permitirme la oportunidad de asimilar lo que iba ocurriendo por mi propia cuenta. Nadie debería explicar tanto en una historia provocando que al final uno se sienta idiotizado en lo que pudo haber sido un análisis profundo de la cercanía con la muerte y el descontrol del tiempo.

Crítica Cinéfila: Lost Girls

Cuando la hija de Mari Gilbert desaparece, la inacción policial lleva a que sea ella quien comience una investigación particular en la isla de Long Island en la que Shannan fue vista por última vez. Su búsqueda saca a la luz más de una docena de trabajadoras sexuales que han sido asesinadas.

La documentalista Liz Garbus, nominada al Oscar por "What Happened, Miss Simone?", aborda su primer largometraje narrativo con una historia que está dentro de su estilo después de sus documentales de crimen de HBO como "Something's Wrong With Aunt Diane" y "Who Killed Garrett Phillips?"

"Lost Girls", catalogada como un "misterio estadounidense sin resolver", se basa en el libro del mismo nombre de Robert Kolker, una investigación de los asesinatos de un misterioso asesino en serie que se cree que mató al menos a 10, y potencialmente 16, víctimas, en su mayoría trabajadoras sexuales, en Long Island, NY.

El libro de Kolker es una historia en expansión que atraviesa la costa este desde Maine hasta Nueva York y se sumerge profundamente en las vidas y desapariciones de cinco víctimas y la búsqueda de respuestas de sus familias. Este se ha condensado en una película de 95 minutos que se centra principalmente en Mari Gilbert (Amy Ryan), la madre de Shannan Gilbert, una trabajadora sexual de Nueva Jersey que llamó al 911 en pánico desde la comunidad cerrada de Long Island de Oak Beach antes de desaparecer en la noche.

Aunque su desaparición en 2010 no precipitó exactamente el descubrimiento de los otros cuerpos (un ejercicio rutinario de entrenamiento policial fue que logró esto), las circunstancias fueron lo suficientemente inusuales como para despertar sospechas en el solitario enclave de Oak Beach, y apoyado por la defensiva boca de Mari. Molesta con la descripción de los medios de que estas mujeres, hermanas, hijas y amigas, eran simplemente "prostitutas" cuyos asesinatos no valían la pena investigar, Mari, por pura fuerza de voluntad, trató de imponer su propia agenda en la narrativa pública.

Debido a que la película, como el libro, se anuncia inmediatamente como "sin resolver", toma un poco de suspenso de la mesa. Gran parte del drama de la película trata sobre si la policía, encabezada por el comisionado Richard Dormer (Gabriel Byrne), tomará en serio las quejas de Mari. El único misterio real es si encontrarán los restos de Shannan o evidencia suficiente para arrestar a un residente de Oak Beach y al médico local (Reed Birney) que con quién ella tuvo contacto durante esa noche.

Garbus aporta a la película una estética fría y a veces lírica, y los actores, incluida la siempre convincente Lola Kirke y la silenciosamente poderosa Thomasin McKenzie como hermanas de las víctimas, hacen todo lo posible con el guión, fórmula obvia de Michael Werwie ("Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile"). El libro de Kolker tejió delicadamente temas de clase y cuestiones estructurales a lo largo de las historias de estas mujeres, humanizándolas y acusando al sistema que las condujo a un trabajo sexual cada vez más peligroso. 

Lamentablemente, el matiz y comentario cultural del libro faltan en esta adaptación cinematográfica, la cuál se enfoca en victimizar lo suficiente a las mujeres y sus familiares, y a colocar a las figuras masculinas como antagonistas estereotípicamente machistas, lo suficiente para desear que todos vayan a la cárcel. El guión de Werwie no sabe dónde aterrizar: ¿son los medios? La policía local? ¿La naturaleza insular de esta comunidad que puede haber ocultado a un asesino en serie durante décadas? La realidad es que se debe a cada uno de estos detalles y el vacío que transmiten los personajes; se desaprovecharon talentos como el de McKenzie con subtramas que no quedarán en el subconsciente de nadie.

A pesar que la trama establece lo suficiente para ponernos en el lugar de la protagonista, a principio su rabia no parece que es por el hecho de que su hija está desaparecida y nadie hace lo suficiente para satisfacer su sed de saber qué ha pasado con ella. Aunque la película finalmente llega a dónde necesita ir, se siente dispersa, tropezando con verdaderos clichés de crimen en el camino. Toda la oportunidad está ahí para explorar la explotación de las mujeres y la economía desequilibrada y peligrosa del trabajo sexual; para acusar el rechazo hacia las mujeres que impregna los medios y la policía. Pero el guión nunca está dispuesto a precisar esas ideas en ningún tipo de declaración condenatoria. 

A través de la fuerza de la actuación de Ryan, simplemente nos quedamos con esta tragedia devastadora y sombría, y muy pocas respuestas a las que aferrarnos.