Crítica Cinéfila: Old

Durante unas vacaciones en un paraíso tropical, una familia empieza a percibir que en la recóndita playa elegida para relajarse unas horas suceden algunas anomalías temporales...

M. Night Shyamalan es un cineasta con un estilo muy marcado. Es reconocido por sus tipos de personajes y sus universos tan adentrados en problemáticas sociales (o de la psicología de la sociedad); pero también es muy fácil de identificar por los errores que constantemente comete con sus historias, y tristemente Old no ha sido la excepción. Si bien contiene algunos momentos fantásticos dirigidos por sus personajes, no compensan la ejecución confusa del thriller.

La película tiene una premisa asesina: un grupo de turistas desprevenidos viajan a una playa aislada donde comienzan a envejecer rápidamente, sin forma de escapar. Aunque la película se inspiró en la novela gráfica Sandcastle de 2013 de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, su configuración al estilo Twilight Zone se siente como el tipo de concepto espeluznante que su director concebiría.

Lamentablemente, a diferencia de Levy y Peeters, Shyamalan no parece reconocer que la belleza de esta premisa radica en su simplicidad. En cambio, su guión no solo se dedica a explicar la mecánica de cómo funciona el escenario fantástico de la historia (sin darle la oportunidad a la audiencia de ir entendiendo poco a poco con las acciones de los personajes), sino también por qué estos extraños en particular terminaron en esta situación aterradora. Convierte lo que podría haber sido una meditación espeluznante pero conmovedora sobre la inevitabilidad de la muerte en una frustrante mezcla de un thriller con una ejecución confusa y exposición innecesaria.

Old sigue a la pareja Guy (Gael García Bernal) y Prisca (Vicky Krieps), junto con sus hijos Trent y Maddox (interpretados por Nolan River y Alexa Swinton cuando eran niños), a un lujoso resort tropical (que a pesar de haber sido grabado en República Dominicana lo decidieron desarrollar en otro país tropical). Un día, durante el desayuno, el gerente del resort (Gustaf Hammarsten) les habla de una hermosa y aislada playa que se mantiene en secreto para todos, excepto para los huéspedes selectos. Intrigados, los cuatro deciden visitar la playa acompañados por otros turistas como un cirujano adinerado llamado Charles (Rufus Sewell) y su familia, incluida su esposa Chrystal (Abbie Lee), quién es mucho más joven que él; y Jarin (Ken Leung), un enfermero, y su compañera Patricia (Nikki Amuka-Bird), una terapeuta con una afección neurológica que le provoca convulsiones esporádicas.

Shyamalan, reuniéndose con el director de fotografía Mike Gioulakis por cuarta vez después de Split, Glass y la serie Servant, presagia precisamente los horrores que esperan a los invitados en la playa a través de su uso de panorámicas lentas y deliberadas y ángulos de cámara siniestros, convirtiéndose este detalle en una confusión técnica con la capacidad de marear demasiado a la audiencia de los errores más visibles, pero haciendo que uno no pueda evitar detestar el constante movimiento de la cámara. El compositor Trevor Gureckis, otro que trabajó en Servant, crea una interesante tensión con su insidiosa partitura, que Shyamalan usa escasamente, combinado con el ritmo mesurado de la edición de Brett M. Reed, pero esto no siendo suficiente para dejar a nadie nervioso antes de que los personajes encuentren un cadáver en la playa, con Mid-Sized Sedan (Aaron Pierre), un melancólico y sangriento rapero que ya estaba ahí cuando llegaron, siendo la única persona que sabe lo que pasó.

Aquí es donde Old se mete en problemas. El diálogo de la película se vuelve cada vez más incómodo a medida que los vacacionistas se dan cuenta de que han comenzado a envejecer un año cada media hora y tratan de averiguar por qué no pueden salir de la playa. Sin embargo, al establecer las reglas de cómo funciona el lugar, Shyamalan solo hace que las cosas sean más confusas. Él complica aún más la trama al presentar un misterio que gira en torno al complejo y sus motivos ocultos para condenar a los personajes a su sombrío destino.

Desafortunadamente, aunque la recompensa resultante no niega los temas de la película sobre la mortalidad y la condición humana, tampoco mejora ni enriquece su impacto emocional. En cambio, al aspirar a darle un sentido lógico a su entorno sobrenatural, la película solo plantea más preguntas innecesarias.

Además, la película ve a Shyamalan repitiendo algunos de sus peores hábitos como narrador, como usar a sus personajes como una tribuna para una moralización dudosa y regresiva. La óptica es igualmente mala cuando se trata del manejo involuntariamente insensible de Old de la raza, la violencia y la enfermedad mental dentro de una subtrama clave.

Al mismo tiempo, Shyamalan saca a relucir actuaciones genuinamente conmovedoras de Krieps y Bernal, mientras Guy y Prisca luchan con el arrepentimiento ante lo que parece ser su inevitable desaparición. Alex Wolff y Thomasin McKenzie son igualmente convincentes como los adolescentes Trent y Maddox, cuyas mentes son más lentas para mantenerse al día con sus cuerpos que maduran rápidamente. Por otro lado, la destacada Eliza Scanlen está completamente desperdiciada como la versión adolescente de Kara, la hija de Charles y Chrystal, al igual que gran parte del elenco.

A pesar de sus errores, Old cuenta con una excelente realización del departamento de arte, una explotación de la localización y varias secuencias de terror corporal fabulosas. Siguiendo los pasos de otros thrillers de bajo presupuesto que Shyamalan ha dirigido desde que se alejó del mundo de las franquicias, Old es claramente de su director en su mezcla de rareza, terror y filosofía. Por supuesto, dado el mayor control creativo que el cineasta ejerce sobre sus proyectos idiosincrásicos hoy en día, esto también convierte a Shyamalan en su peor enemigo.

Por otro lado... como fanática del cine y egresada de la academia, me sentí personalmente atacada por no permitirme la oportunidad de asimilar lo que iba ocurriendo por mi propia cuenta. Nadie debería explicar tanto en una historia provocando que al final uno se sienta idiotizado en lo que pudo haber sido un análisis profundo de la cercanía con la muerte y el descontrol del tiempo.

Crítica Cinéfila: Babyteeth

Milla, una adolescente gravemente enferma, se enamora de un traficante de poca monta llamado Moses, dando así comienzo a la peor pesadilla que jamás han experimentado sus padres. Sin embargo, a medida que Milla descubre lo que realmente significa el amor, todos aquellos que están a su alrededor aprenden de ella cómo vivir como si realmente cada día fuese el último. Lo que podría haber sido un desastre para la familia Finlay pronto se convierte en una circunstancia que les permite disfrutar del glorioso caos que representa la vida.

Eliza Scanlen interpreta a una adolescente que se enfrenta a su propia mortalidad, tomando decisiones audaces para sentirse viva en la película debut del director australiano Shannon Murphy, también protagonizada por Essie Davis y Ben Mendelsohn. En la primera escena que conocemos a Milla (Scanlen), está parada frente a los rieles del tren, y sus pensamientos se sienten suicidas. Está preocupada por algo, no sabemos lo que es, pero en segundos su vida cambia cuando conoce a Moses (Toby Wallace), un drogadicto de 23 años que fue expulsado de la casa de su familia después de lo que parece haber sido una serie de episodios alarmantes. Él se tambalea de la nada en el andén de una estación de Sydney y casi la golpea frente a un tren entrante. Pero al instante se siente atraída por el desaliñado chico. A partir de ahí, y en el proceso de tratamientos por el que Milla pasa, su relación con Moses evoluciona de todas maneras, queriendo convertirlo en su primer/último amor. 

Hay un hermoso interludio hacia el final de este primer largometraje del director de televisión Shannon Murphy, Babyteeth, en el que Milla, una adolescente gravemente enferma, jugó con una mezcla de nervios retorcidos, tocando la esperanza y la tristeza penetrante de Eliza Scanlen, tomando su violín en un almuerzo navideño de amigos y familiares, y acompañando a su madre en el piano. Una encantadora conmoción no forzada emerge en ese momento de la cálida conexión entre las dos mujeres, así como las caras alrededor de la mesa, todas suspendidas en una contemplación silenciosa. La cámara finalmente observa en lugar de agitar, y se permite a los personajes simplemente ser, en lugar de ser actores.

A partir de ese momento, Murphy y el elenco se sintonizan con la vida interior melancólica de las personas en pantalla y la película se beneficia de manera inconmensurable, con una serie de capítulos finales que profundizan nuestro acceso a la experiencia emocional de los personajes y hacen que la pérdida que enfrentan afecte genuinamente. Pero durante un período considerable de esta película de dos horas, que la guionista Rita Kalnejais desarrolló a partir de su propia obra, Murphy presiona demasiado. Acumula las peculiaridades en una serie de capítulos cortos con títulos cursis que aparecen en pantalla, empujando a sus actores a favorecer la excentricidad tensa sobre la integridad del personaje. 

Babyteeth evita con cuidado dejarse atrapar por la trampa de las películas que cuentan historias similares, como la inquietantemente inquieta Restless de Gus Van Sant. Pero a menudo, desea apropiarse de todos los involucrados y darles una buena sacudida, persuadiéndolos para que se calmen lo suficiente como para mostrar un sentimiento real debajo de todo el realismo elevado y con exceso de cafeína.

La primera vez que sucede es una media hora completa de la película, cuando la vulnerabilidad de Milla, de 15 años, se expone repentinamente después de que comienza la quimioterapia y su compañera insiste en probarse la peluca en el baño de la escuela. En lugar de inquietarse sin cesar para transmitir la inestabilidad que gira alrededor de Milla utilizando los medios visuales más literales posibles, la cámara de Andrew Commis finalmente hace una pausa para investigar lo que siente. Esto crea un primer momento de honestidad emocional en una película que por mucho tiempo sofoca el dolor y el miedo de Milla en la afectación autoconsciente.

Eso se aplica prácticamente a todos los personajes, comenzando por sus padres. Se necesita habilidad perversa para hacer que dos actores tan dotados como Essie Davis y Ben Mendelsohn se vean mal. Pero la escena en la que nos encontramos por primera vez con el padre de Milla, Henry, en la oficina en casa que él usa como psiquiatra, y su madre, Anne, en su sofá en una sesión regular de los martes que se convierte en un rapidito en su escritorio, es vergonzoso.

Como suele ser el caso en la acción temprana, la comedia laboriosa y la torpeza estudiada pierden por completo la marca tonal. La neurótica Anne se agita llena de Xanax y Zoloft, mientras que Henry tiene sus propias debilidades, y también se distrae por intercambios coquetos con Toby (Emily Barclay), la nueva vecina embarazada al otro lado de la calle.

La relación clave que da forma a la trayectoria de Milla es con Moses, con quien vive todas las etapas de amores y desamores, en medio de su propia enfermedad. A principios parece ciega a lo que él hace, básicamente utilizándola para conseguir sus medicamentos, pero poco a poco el mismo Moses se envuelve en los sentimientos, al punto que le resultará difícil apoyarla en una última decisión errática de Milla. La mayor parte de la acción rastrea el progreso de un romance que Henry y Anne inicialmente están decididos a detener, hasta que se dan cuenta de que Moses podría ser su mejor opción para mantener a Milla motivada y optimista, independientemente de que sea un adicto impredecible. Mientras tanto, Milla comienza a cuestionar sus motivos mientras él revela que carece de las herramientas para manejar su situación con sensibilidad. O tal vez hay más en él de lo que parece.

La película, al igual que las actuaciones de su pequeño conjunto, funciona mejor cuando la directora se sale de su propio camino, olvidando su aversión a la narrativa limpia y convencional y dando al material un respiro para resonar. Esto finalmente sucede en la espiral hacia el final que la mayoría de esas historias inevitablemente toman. El hecho de que Murphy golpee esas notas con una fuerza desgarradora que se siente honestamente ganada y nada de lagrimeo es aún más sorprendente dada la sensación artificial de tanto que ha sucedido antes. 

No es que sea nada novedoso, pero su puesta en escena es muy cautivadora y todos sus personajes son estupendamente maravillosos. Babyteeth no se deja caer en el cliché de la temática y otorga unos momentos conmovedores para autoanalizar los pequeños detalles de la vida que nos hacen felices en circunstancias dolorosas.