Crítica Cinéfila: Beau is Afraid

Beau (Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Después de crear un desastre familiar demoníaco y una escapada sueca loca, el escritor y director Ari Aster ha creado la madre de todos los viajes de culpa. No queda mucho claro acerca de su nueva comedia oscura "Beau Is Afraid", aparentemente por diseño, pero Aster ha cambiado sus espectáculos de terror "Hereditary" y "Midsommar" por una aventura extrañamente identificable y orgullosamente trastornada sobre un hombre de mediana edad (Joaquin Phoenix) y su búsqueda para regresar a casa. Esa parte, al menos sobre el viaje de este extraño héroe, tiene sentido. Es todo lo demás en el transcurso de tres horas, comenzando con, sí, la desconcertante experiencia del parto, lo que desafía la imaginación y la capacidad de uno para la rareza cinematográfica. Sin embargo, no tenga miedo de darle una oportunidad a "Beau" porque hay algunos asuntos sustanciosos en juego con una pizca de ridícula hilaridad.

El personaje del título de Phoenix, lleno de ansiedad, vive en la peor parte de la ciudad, donde tipos desnudos corren con cuchillos, los cadáveres se pudren en las calles y las arañas reclusas pardas están en pie de guerra. Se supone que Beau debe volar a casa para ver a su madre Mona (interpretada a diferentes edades por Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) para el aniversario de la muerte de su padre, pero se queda dormido, inexplicablemente le roban las llaves y de mala gana llama diciendo que se ha retrasado. Mamá está decepcionada, y no es la primera vez.

Una serie continua de eventos desafortunados luego le suceden a Beau, comenzando al día siguiente con la noticia de que su madre ha muerto aplastada por un candeladro que se cayó encima de su cabeza. Desesperado (y desnudo en la calle después de que un intruso estropeara un baño relajante), es atropellado por un camión y se lo lleva una pareja suburbana sospechosamente amable (Nathan Lane y Amy Ryan) a su casa. A partir de ahí, la película se desarrolla como una odisea homérica de pesadilla, donde el épico viaje de nuestro triste Beau en su regreso a casa para enterrar a su madre incluye un enamoramiento de la infancia (Parker Posey), una compañía de teatro itinerante, una adolescente que bebe pintura, un soldado maníaco, un desvío animado de fantasía y una caída de aguja de todos los tiempos. 

Con flashbacks de un joven Beau (Armen Nahapetian) y viejos recuerdos borrosos que lentamente se enfocan, Aster construye capas de surrealismo en "Beau Is Afraid", lo suficiente como para que la audiencia (y Beau) se pregunten si algo de eso es real. Phoenix ofrece una actuación física excepcional, con su rostro haciendo el trabajo la mayor parte del tiempo para transmitir la letanía de miedos y estados de dolor, horror y todo lo demás de Beau. Mientras todo esto ocurre, Beau creció con la idea de que tiene una condición hereditaria, como su padre, que lo matará en el momento en que tenga un orgasmo. Así que también tiene eso a su (des)favor. A su vez Aster ha construido un elenco de apoyo interesante a su alrededor, incluida una parte estelar de LuPone.

Con esta tercera película, Aster demuestra que su estilo ronda alrededor de temáticas de conflictos familiares. Aquí deconstruye con perspicacia de la unidad familiar (uno de sus temas en "Hereditary") y examina nuestras relaciones con los padres. “Beau Is Afraid” también mantiene a su audiencia adivinando y rascándose la cabeza: una escena memorable en un ático garantiza romper el cerebro y/o provocar un ataque de risa. Es una narrativa más exigente de navegar que los esfuerzos anteriores del director, y no todo funciona con su astuta sutileza. Sin embargo, hay un arte sensacional en el trabajo, con Aster salpicando gran parte de su narración en el fondo de las escenas (fotos en las paredes, carteles informativos, etc. - algo que también es parte de su estilo) que mucha gente ni siquiera notará, a menos que estén prestando mucha atención.

Las almas valientes pueden verse tentadas a volver a visitarlo. Y ya sea que la ames o la odies, porque esta no es una película para reacciones medianas, "Beau" actúa como un gran recordatorio para enviar un mensaje de texto o llamar a su madre. O en el peor de los casos, para hacer que uno se cuestione el tipo de relación que guarda con la matriarca.

Crítica Cinéfila: Worth

Kenneth Feinberg (Michael Keaton), un poderoso abogado de Washington D. C. que recibe el reconocimiento de "Special Master" por la fundación 9/11, se dedica a luchar contra el cinismo, la burocracia y la política relacionada con la administración de fondos públicos. Su batalla le lleva a descubrir el verdadero significado de la vida.

Solo 10 días después del 11 de septiembre, el Congreso de los Estados Unidos aprobó un proyecto de ley para ayudar a compensar a las familias de las víctimas de la terrible tragedia. A pesar del nombre del proyecto de ley, el Fondo de Compensación para las Víctimas del 11 de septiembre, sus objetivos no eran solo altruistas, ya que el proyecto de ley buscaba dar dinero libre de impuestos y financiado por el gobierno a las familias en duelo a cambio de su promesa de no demandar a las compañías aéreas involucradas en el acto terrorista. Aún así, se imaginó que el proyecto de ley sería por el bien de todos los estadounidenses: si las familias hubieran demandado a las aerolíneas, se creía que las demandas hundirían la economía estadounidense y que las réplicas del ataque solo diezmarían aún más el país. El primer problema: cómo calcular el pago por cada persona, un enigma moral y financiero que no atraía a muchos abogados. Sin embargo, sí apeló al abogado Ken Feinberg.

Como parte de estudio de personajes, una viaje a través de tonterías burocráticas y maquinaciones políticas, "Worth" de Sara Colangelo da vida a la historia de la misión aparentemente imposible de ganar de Feinberg. Interpretado por Keaton en un giro nada llamativo y totalmente impresionante, Feinberg es un experto legal impulsado por la razón que, a pesar de no creer que cualquier cosa pueda ser realmente justa, todavía piensa que la ley y el pensamiento racional pueden llevar a las personas hacia allí. Es el tipo de hombre que se relaja escuchando ópera, que llega a casa y no se quita la chaqueta ni siquiera se afloja la corbata antes de sentarse a relajarse. Lo que le falta en inteligencia emocional lo compensa con una brújula moral inquebrantable. Póngalo de esta manera: Feinberg y su equipo trabajaron en el fondo durante 33 meses, pro bono.

Colangelo reúne a un elenco de apoyo para ayudar a Keaton a animar el proceso: Amy Ryan es su mano derecha, Camille Brios, Shunori Ramanathan es una nueva asociada de buen corazón que estaba casi en las torres en ese terrible día, y un maravilloso y sobrio Stanley Tucci es el hombre que se convertirá en el mayor obstáculo de Feinberg como el esposo de una víctima. El guión cuidadoso pero nunca seco de Max Borenstein mantiene el ritmo del drama, mientras que la edición meticulosa de Julia Bloch agrega instantáneas a lo que podría ser un drama legal complicado sobre "agravios" y "actuarios" y otros conceptos decididamente no emocionantes.

Colangelo y el director de fotografía Pepe Ávila del Pino encuentran más dramatismo en sus composiciones mudas, a menudo enmarcando personajes en condiciones de soledad, tanto para resaltar las penosas condiciones de soledad que acompañan a tal trabajo. Cuando del Pino opta por la rara toma amplia de los intérpretes de la película, el efecto siempre es sorprendente, un recordatorio de que, a pesar de la inversión personal de Feinberg, no está solo, ya que hay tanta gente que cuenta con él.

Eso no quiere decir que a la mayoría de esas personas les guste su pensamiento. Ese primer encuentro desastroso establece un tono tanto para Feinberg como para el Charles Wolf de Tucci que nunca disminuye del todo: Feinberg es el abogado que intenta poner precio a la vida de las personas, y Wolf es el viudo furioso contra la máquina que sabe desde el principio. Salte que los parámetros del fondo son fundamentalmente defectuosos. La posición de Feinberg como "maestro especial" del fondo le otorga amplios poderes: él, Camille y su equipo deben decidir el valor financiero presunto de cada víctima; en función de su compensación y otros factores en el momento del ataque, la fórmula está lista para a ellos. Sin embargo, no es exactamente el tipo de persona que prospera sin una estructura rígida. Si bien la sensibilidad moral de Feinberg nunca está en duda, su tendencia a dividir a las víctimas como líneas en una hoja de cálculo no le gana el afecto de sus familias desconsoladas.

Mientras Feinberg y su equipo trabajan para lograr un número necesario de firmas (el 80 por ciento de las familias deben inscribirse en el fondo, renunciando a sus reclamos legales), el guión de Borenstein presenta delicadamente otras complicaciones que lo obligan a tener en cuenta el problema, como las muchas personas a las que está tratando de ayudar. Laura Benati aparece como una viuda que se niega a unirse al fondo porque está más impulsada por la gente que simplemente recuerda la valentía de su esposo bombero, aunque Feinberg eventualmente descubre algo que podría cambiar su pensamiento. Tate Donovan interpreta a un compañero abogado que busca socavar el fondo y apostar por una demanda masiva con las familias.

Mientras que "Worth" se refiere más literalmente a una pregunta asombrosa: ¿qué vale una vida? - se trata más precisamente del precio de calcular una pregunta tan desgarradora. Cuando se abre la película de Colangelo, Feinberg está tratando de convencer a una de las clases de la facultad de derecho de que la pregunta es legal, una pregunta que realmente puede responderse con suficiente información. Según la conclusión tranquila y sensible de la película, Feinberg ha descubierto una nueva respuesta sobre el valor de la vida humana y el precio para aquellos que no pueden evitar reconocerlo.

Crítica Cinéfila: Lost Girls

Cuando la hija de Mari Gilbert desaparece, la inacción policial lleva a que sea ella quien comience una investigación particular en la isla de Long Island en la que Shannan fue vista por última vez. Su búsqueda saca a la luz más de una docena de trabajadoras sexuales que han sido asesinadas.

La documentalista Liz Garbus, nominada al Oscar por "What Happened, Miss Simone?", aborda su primer largometraje narrativo con una historia que está dentro de su estilo después de sus documentales de crimen de HBO como "Something's Wrong With Aunt Diane" y "Who Killed Garrett Phillips?"

"Lost Girls", catalogada como un "misterio estadounidense sin resolver", se basa en el libro del mismo nombre de Robert Kolker, una investigación de los asesinatos de un misterioso asesino en serie que se cree que mató al menos a 10, y potencialmente 16, víctimas, en su mayoría trabajadoras sexuales, en Long Island, NY.

El libro de Kolker es una historia en expansión que atraviesa la costa este desde Maine hasta Nueva York y se sumerge profundamente en las vidas y desapariciones de cinco víctimas y la búsqueda de respuestas de sus familias. Este se ha condensado en una película de 95 minutos que se centra principalmente en Mari Gilbert (Amy Ryan), la madre de Shannan Gilbert, una trabajadora sexual de Nueva Jersey que llamó al 911 en pánico desde la comunidad cerrada de Long Island de Oak Beach antes de desaparecer en la noche.

Aunque su desaparición en 2010 no precipitó exactamente el descubrimiento de los otros cuerpos (un ejercicio rutinario de entrenamiento policial fue que logró esto), las circunstancias fueron lo suficientemente inusuales como para despertar sospechas en el solitario enclave de Oak Beach, y apoyado por la defensiva boca de Mari. Molesta con la descripción de los medios de que estas mujeres, hermanas, hijas y amigas, eran simplemente "prostitutas" cuyos asesinatos no valían la pena investigar, Mari, por pura fuerza de voluntad, trató de imponer su propia agenda en la narrativa pública.

Debido a que la película, como el libro, se anuncia inmediatamente como "sin resolver", toma un poco de suspenso de la mesa. Gran parte del drama de la película trata sobre si la policía, encabezada por el comisionado Richard Dormer (Gabriel Byrne), tomará en serio las quejas de Mari. El único misterio real es si encontrarán los restos de Shannan o evidencia suficiente para arrestar a un residente de Oak Beach y al médico local (Reed Birney) que con quién ella tuvo contacto durante esa noche.

Garbus aporta a la película una estética fría y a veces lírica, y los actores, incluida la siempre convincente Lola Kirke y la silenciosamente poderosa Thomasin McKenzie como hermanas de las víctimas, hacen todo lo posible con el guión, fórmula obvia de Michael Werwie ("Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile"). El libro de Kolker tejió delicadamente temas de clase y cuestiones estructurales a lo largo de las historias de estas mujeres, humanizándolas y acusando al sistema que las condujo a un trabajo sexual cada vez más peligroso. 

Lamentablemente, el matiz y comentario cultural del libro faltan en esta adaptación cinematográfica, la cuál se enfoca en victimizar lo suficiente a las mujeres y sus familiares, y a colocar a las figuras masculinas como antagonistas estereotípicamente machistas, lo suficiente para desear que todos vayan a la cárcel. El guión de Werwie no sabe dónde aterrizar: ¿son los medios? La policía local? ¿La naturaleza insular de esta comunidad que puede haber ocultado a un asesino en serie durante décadas? La realidad es que se debe a cada uno de estos detalles y el vacío que transmiten los personajes; se desaprovecharon talentos como el de McKenzie con subtramas que no quedarán en el subconsciente de nadie.

A pesar que la trama establece lo suficiente para ponernos en el lugar de la protagonista, a principio su rabia no parece que es por el hecho de que su hija está desaparecida y nadie hace lo suficiente para satisfacer su sed de saber qué ha pasado con ella. Aunque la película finalmente llega a dónde necesita ir, se siente dispersa, tropezando con verdaderos clichés de crimen en el camino. Toda la oportunidad está ahí para explorar la explotación de las mujeres y la economía desequilibrada y peligrosa del trabajo sexual; para acusar el rechazo hacia las mujeres que impregna los medios y la policía. Pero el guión nunca está dispuesto a precisar esas ideas en ningún tipo de declaración condenatoria. 

A través de la fuerza de la actuación de Ryan, simplemente nos quedamos con esta tragedia devastadora y sombría, y muy pocas respuestas a las que aferrarnos.