Crítica Cinéfila: Beetlejuice Beetlejuice

Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por Bitelchús, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos. 

Más un clásico de culto que una obra maestra en toda regla, el Beetlejuice original de 1988 es recordado con cariño por algunas razones clave: la extraordinaria actuación de Michael Keaton en el papel principal, en la que el personaje era una caricatura de carne y hueso; la coronación de una reina gótica adolescente en Lydia Deetz, interpretada por Winona Ryder; y el verdadero establecimiento -en apenas su segunda película- de la fuerza cinematográfica espeluznante que es Timothy Walter Burton, un director tan distintivo que su mero nombre anuncia un cierto estilo y postura peculiar.

Beetlejuice Beetlejuice nos muestra al director volviendo a sus raíces. Desde la fantasmal secuencia del título y la banda sonora de Danny Elfman, la cámara vuelve a encarar la tranquila ciudad de Winter River, Connecticut, en Nueva Inglaterra, y uno sabe exactamente hacia dónde va todo esto. Como antes, la protagonista es Lydia, ahora una "mediadora psíquica" en un reality show paranormal llamado "Ghost House" y que está saliendo con su viscoso productor de televisión Rory (Justin Theroux). Pero el malvado demonio de rayas blancas y negras la acecha en sus sueños, y pronto tiene una fuerte sensación de déjà vu.

Nosotros, como espectadores, también sentimos eso hasta cierto punto (hay una famosa lectura de Michael Keaton en busca de nostalgia, aunque no tan escandalosa como la que le hicieron decir en The Flash), pero es mérito de Burton que esté tratando de crear una historia relativamente nueva aquí. El único problema son las partes claves: el guion dedica tanto tiempo a presentar nuevos personajes y tramas que se enreda un poco en las telarañas narrativas, y por lo tanto pierde la esencia que había creado hace tanto tiempo atrás.

Está la adolescente Astrid (Jenna Ortega, heredera de la corona de reina gótica de Ryder); está Jeremy (Arthur Conti), el chico guapo con el que coincidencialmente se topa en Winter River; está Delores (Monica Bellucci), la ex del infierno de Beetlejuice, que disfruta de una brillante presentación miembro por miembro, pero no mucho más; está Wolf Jackson (Willem Dafoe), un ex actor de televisión convertido en policía de ultratumba que hace tonterías de manera tan gloriosa que quieres más. También volvemos a ver a Delia (Catherine O'Hara) quien se pasa la película afligida por la muerte de su esposo y padre de Lydia, Charles. Todos son lo suficientemente divertidos, pero se sienten desatendidos en un tiempo tan ajustado.

Por suerte, la película tiene un arma secreta. En cuanto se va liberando de sus múltiples subtramas, todo empieza a tener sentido. Michael Keaton, que apenas ha envejecido un día con su disfraz demoníaco de ojos de panda, parece tener más energía que hace 35 años, rebotando contra las paredes del purgatorio con un entusiasmo hilarante, levantando todo lo que lo rodea.

La película no cobra vida del todo hasta la escena en la que Beetlejuice, que actúa como el "terapeuta de pareja" de Lydia y Rory, literalmente se desahoga y luego produce una versión infantil de sí mismo, un bebé tan inquietante como el que gatea por el techo en "Trainspotting". Una táctica como ésta existe principalmente por su propio y agradable beneficio enfermizo, y esa, a su manera, es la estética de "Beetlejuice": Tim Burton inventando estas cosas simplemente porque le hacen cosquillas a su traviesa fantasía. Y la trama de Lydia y su hija tiene la misma calidad que tenía la trama de fantasmas de Alec Baldwin y Geena Davis en "Beetlejuice".

La realidad es que esta película es más fuerte cuando recuerda que es una película de Tim Burton y tiene licencia para volverse rara. Si bien es más elegante y tiene menos sensación de estar en casa que la de 1988, todavía hay destellos de brillantez de película B: una secuencia de animación stop-motion, algunos efectos de prótesis de cabeza encogida y dos escenas de parto dementes con el bebé protésico más macabro. Son momentos como este, cuando Burton realmente deja que su bandera de rareza ondee, donde Beetlejuice Beetlejuice se gana sus galones.

La forma sesgada en que Burton mira al mundo hace mucho tiempo se incorporó a la nuestra (esa es una de las razones por las que ha luchado, a veces, para inyectarle a sus películas ese mismo entusiasmo). Pero si "Beetlejuice Beetlejuice" es principalmente una broma, como la actual versión de éxito de Broadway de "Beetlejuice", parte de lo que ofrece la nueva película es una nostalgia honesta por el momento en que la sensibilidad de espíritu payaso del infierno de Burton todavía tenía el poder de causar impacto. Como resultado, es una de esas secuelas que pasa mucho tiempo mirando hacia atrás. 

Sin embargo, después de un tiempo, las ideas van cobrando fuerza y ​​sonando juntas, ya sea Bob, la cabeza encogida de ojos saltones con un traje de cuerpo entero, presidiendo un ejército de Bobs en la oficina; o los descarados homenajes de la película a la era en blanco y negro de Mario Bava y a la ansiedad onírica de “Carrie”; o la joya hipnótica que Burton logra, en la secuencia culminante de la boda, al usar la interpretación de Richard Harris de “MacArthur Park” para una secuencia de locura de playback extasiado. Aunque el desenlace ocurre tan rápido que te hará cuestionarte si realmente los malos están derrotados y “Beetlejuice Beetlejuice” no es “Beetlejuice”, al final tiene la suficiente savia de Burton.

En 1988, Beetlejuice era una comedia, una historia de fantasmas, una película de terror exagerada y una atracción macabra, todo ello impulsado por un nuevo tipo de travesuras de circo con zumbido en la palma de la mano. Beetlejuice Beetlejuice es divertida, pero muy desordenada y un poco predecible; está en su mejor momento cuando está a la altura de la promesa de la palabra "Burtonesque". 

Crítica Cinéfila: The Flash

Los mundos chocan en "Flash" cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado... aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?

The Flash tardó tanto en obtener su propia película, en un acto supremo de Alanis-ing, que la jerarquía de poder en el Universo DC ha cambiado en varias ocasiones desde ese entonces. Ahora que ha llegado, debemos mencionar al elefante en la habitación: sí, Barry Allen entra en Speed ​​​​Force y desencadena una serie de eventos por fracturar el pasado.

Por supuesto, hay otro elefante en la habitación: el comportamiento fuera de la pantalla de la estrella de la película, Ezra Miller, que a menudo ha amenazado con eclipsar la película. En el espinoso tema de separar el arte del artista, su kilometraje puede variar, pero puramente a nivel de rendimiento, Miller es excelente aquí. Hubo una tendencia para el actor en  Liga de la Justicia, particularmente la versión de Joss Whedon, para asaltar implacablemente como el alivio cómico designado de la película. Aquí, Miller se beneficia de la decisión de tener no uno, sino dos Barry Allen, lo que permite que el papel de bufón que le han dado al Barry más joven y despreocupado, mientras que el Alpha-Barry aprende y crece y mira con desprecio a su ser más joven. Pasamos gran parte de la película con este dúo dinámico, y son un placer juntos, ya que Beta-Barry se familiariza con entrar en Speed ​​​​Force, atravesar paredes, correr de un lado a otro, aprender de sus errores y aceptar su presente.

Ha habido mucha atención en el regreso de Michael Keaton como Batman, pero el director Andy Muschietti, alejándose del horror después de "Mama" y ambos capítulos de "It", se asegura de que esta sea una película de Flash que todos recordaremos. Los primeros 20 minutos sin aliento sirven como una mini-secuela de "Justice League", reuniendo a Barry y al Batman de Ben Affleck, antes de que Barry, todavía dolido por la pérdida de su madre asesinada, retroceda a toda velocidad en el tiempo. Estos 20 minutos resumen a la perfección la personalidad ideal de Barry, además de darnos el tono ideal que The Flash siempre ha tenido que tener. 

Naturalmente, como advierte Batfleck, la cura es peor que la condición, dejando varado a Barry en el pasado con la creciente comprensión de que las cosas ya no son lo que solían ser. Esto incluye la transformación de Affleck en Keaton, y mucha charla sobre Multiversos (con la ayuda de una demostración útil que involucra espaguetis, aunque en su lugar podrían haberse topado con  Spider-Man: No Way Home). Han pasado más de 30 años desde  Batman Returns, y aunque hay una tendencia a usar a Keaton para dispensar un rápido golpe de nostalgia (el tema de Batman de Danny Elfman suena aparentemente en un bucle), vuelve a encajar en el traje de murciélago nuevamente, proporcionando un contraste agradablemente malhumorado con ambos Barrys. Eso no se puede decir, lamentablemente, del tercer superhéroe en la mezcla, la versión femenina de Superman encarnada a través de Sasha Calle, que se presenta demasiado tarde para tener mucho impacto.

Curiosamente, no hay realmente un antagonista. Aunque el General Zod de Michael Shannon aparece, Muschietti lo mantiene a distancia, reconociendo que tiene todo el conflicto que podría necesitar en su héroe lleno de culpa. Es interesante ver como un superhéroe, en especial uno como Barry que ha sido tan fracturado con su pasado y cómo es tratado en el presente por sus compañeros de trabajo (tanto en el laboratorio como entre los colegas de la Liga de la Justicia. Y Ezra Miller en la piel de Barry es perfección, demostrando que sí es posible separar al artista de la obra de arte. 

Es un éxito de taquilla, por supuesto, y al final hay mucha carnicería generada por computadora, pero, de manera refrescante, el énfasis permanece en Barry, un niño que ha estado huyendo desde el momento en que asesinaron a su madre, y que finalmente comienza a darse cuenta de que podría ser hora de detenerse por un momento. Establecido para ser una de las entradas finales en lo que conocemos como DCEU, esta también es una de las mejores, una comedia de amigos ingeniosa y cálida que merece ser separada de todos los flops de DC y Warner Studios.

Crítica Cinéfila: Worth

Kenneth Feinberg (Michael Keaton), un poderoso abogado de Washington D. C. que recibe el reconocimiento de "Special Master" por la fundación 9/11, se dedica a luchar contra el cinismo, la burocracia y la política relacionada con la administración de fondos públicos. Su batalla le lleva a descubrir el verdadero significado de la vida.

Solo 10 días después del 11 de septiembre, el Congreso de los Estados Unidos aprobó un proyecto de ley para ayudar a compensar a las familias de las víctimas de la terrible tragedia. A pesar del nombre del proyecto de ley, el Fondo de Compensación para las Víctimas del 11 de septiembre, sus objetivos no eran solo altruistas, ya que el proyecto de ley buscaba dar dinero libre de impuestos y financiado por el gobierno a las familias en duelo a cambio de su promesa de no demandar a las compañías aéreas involucradas en el acto terrorista. Aún así, se imaginó que el proyecto de ley sería por el bien de todos los estadounidenses: si las familias hubieran demandado a las aerolíneas, se creía que las demandas hundirían la economía estadounidense y que las réplicas del ataque solo diezmarían aún más el país. El primer problema: cómo calcular el pago por cada persona, un enigma moral y financiero que no atraía a muchos abogados. Sin embargo, sí apeló al abogado Ken Feinberg.

Como parte de estudio de personajes, una viaje a través de tonterías burocráticas y maquinaciones políticas, "Worth" de Sara Colangelo da vida a la historia de la misión aparentemente imposible de ganar de Feinberg. Interpretado por Keaton en un giro nada llamativo y totalmente impresionante, Feinberg es un experto legal impulsado por la razón que, a pesar de no creer que cualquier cosa pueda ser realmente justa, todavía piensa que la ley y el pensamiento racional pueden llevar a las personas hacia allí. Es el tipo de hombre que se relaja escuchando ópera, que llega a casa y no se quita la chaqueta ni siquiera se afloja la corbata antes de sentarse a relajarse. Lo que le falta en inteligencia emocional lo compensa con una brújula moral inquebrantable. Póngalo de esta manera: Feinberg y su equipo trabajaron en el fondo durante 33 meses, pro bono.

Colangelo reúne a un elenco de apoyo para ayudar a Keaton a animar el proceso: Amy Ryan es su mano derecha, Camille Brios, Shunori Ramanathan es una nueva asociada de buen corazón que estaba casi en las torres en ese terrible día, y un maravilloso y sobrio Stanley Tucci es el hombre que se convertirá en el mayor obstáculo de Feinberg como el esposo de una víctima. El guión cuidadoso pero nunca seco de Max Borenstein mantiene el ritmo del drama, mientras que la edición meticulosa de Julia Bloch agrega instantáneas a lo que podría ser un drama legal complicado sobre "agravios" y "actuarios" y otros conceptos decididamente no emocionantes.

Colangelo y el director de fotografía Pepe Ávila del Pino encuentran más dramatismo en sus composiciones mudas, a menudo enmarcando personajes en condiciones de soledad, tanto para resaltar las penosas condiciones de soledad que acompañan a tal trabajo. Cuando del Pino opta por la rara toma amplia de los intérpretes de la película, el efecto siempre es sorprendente, un recordatorio de que, a pesar de la inversión personal de Feinberg, no está solo, ya que hay tanta gente que cuenta con él.

Eso no quiere decir que a la mayoría de esas personas les guste su pensamiento. Ese primer encuentro desastroso establece un tono tanto para Feinberg como para el Charles Wolf de Tucci que nunca disminuye del todo: Feinberg es el abogado que intenta poner precio a la vida de las personas, y Wolf es el viudo furioso contra la máquina que sabe desde el principio. Salte que los parámetros del fondo son fundamentalmente defectuosos. La posición de Feinberg como "maestro especial" del fondo le otorga amplios poderes: él, Camille y su equipo deben decidir el valor financiero presunto de cada víctima; en función de su compensación y otros factores en el momento del ataque, la fórmula está lista para a ellos. Sin embargo, no es exactamente el tipo de persona que prospera sin una estructura rígida. Si bien la sensibilidad moral de Feinberg nunca está en duda, su tendencia a dividir a las víctimas como líneas en una hoja de cálculo no le gana el afecto de sus familias desconsoladas.

Mientras Feinberg y su equipo trabajan para lograr un número necesario de firmas (el 80 por ciento de las familias deben inscribirse en el fondo, renunciando a sus reclamos legales), el guión de Borenstein presenta delicadamente otras complicaciones que lo obligan a tener en cuenta el problema, como las muchas personas a las que está tratando de ayudar. Laura Benati aparece como una viuda que se niega a unirse al fondo porque está más impulsada por la gente que simplemente recuerda la valentía de su esposo bombero, aunque Feinberg eventualmente descubre algo que podría cambiar su pensamiento. Tate Donovan interpreta a un compañero abogado que busca socavar el fondo y apostar por una demanda masiva con las familias.

Mientras que "Worth" se refiere más literalmente a una pregunta asombrosa: ¿qué vale una vida? - se trata más precisamente del precio de calcular una pregunta tan desgarradora. Cuando se abre la película de Colangelo, Feinberg está tratando de convencer a una de las clases de la facultad de derecho de que la pregunta es legal, una pregunta que realmente puede responderse con suficiente información. Según la conclusión tranquila y sensible de la película, Feinberg ha descubierto una nueva respuesta sobre el valor de la vida humana y el precio para aquellos que no pueden evitar reconocerlo.

Spider-Man: de regreso a casa (Spiderman: Homecoming)

Peter Parker comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su mentor Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter intenta mantener una vida normal como cualquier joven de su edad, pero interrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y, con él, lo más importante de la vida de Peter comenzará a verse amenazado. (FILMAFFINITY)

No soy fanática de las películas de acción, pero a este nivel ya he aprendido a sacarle cuentas a este género: Spiderman ya lleva dos remakes, tres actores diferentes para el mismo personaje, el mismo tiempo pero 3 situaciones diferentes y aproximadamente 4 cambios de disfraces para el arácnido. Suena demasiado cuando se dice así, aunque debo admitir que los remakes han ido mejorando... en la mayoría de las cosas.

Peter Parker es un joven de 15 años que ha sido picado por una araña que le ha dado la fuerza y capacidad de moverse como tal. Gracias a su nuevo dote, decide hacerse de superhéroe en su ciudad, subiendo videos a YouTube, y es ahí donde Tony Stark lo descubre y lo invita a luchar en la Guerra Civil de Captain America. Una vez termina ese episodio, le permite a Peter quedarse con el traje, con la condición de que lo use responsablemente. Después de par de accidentes en su barrio, uno que otro momento vergonzoso y tratar de demostrar su talento a su amada Liz, por fin se le presenta una oportunidad con verdaderos criminales. El asunto de todo eso es el peligro que corre su vida al exponerse a este nuevo enemigo que brega con nada más que bombas nucleares en miniatura. Sí, al final lo vence, y sí, Tony Stark lo invita a pertenecer a los Avengers (¿les acabo de dar spoilers? como que no lo sabían).

Cosas que mantiene del Spiderman original, y no me refiero al de la primera película, sino al que Stan Lee creó: sigue siendo un adolescente, fue picado por una araña, es un nerd en su máxima expresión y sigue viviendo con la tía May, solo que ahora ella es mucho más jóven y parece que nunca existió el tío Ben. Después de esto, la historia está cambiada en gran parte, para bien y para mal.

Este Peter Parker es muy parlanchín, y eso distrae MUCHO, pues aunque a veces de risa, a veces es innecesario. Del mismo modo, demuestra lo torpe e inmaduro que puede ser un adolescente, creando muchos disturbios en sus "momentos de lucha" contra los villanitos que se encuentra en el camino, no sé si por el hecho de que es joven y no sabe lo que hace (lo siento por estar comparando, pero Spiderman era bastante maduro con sus actos, cuando Tobey Maguire e incluso Andrew Garfield). Tom Holland tiene la carisma y el físico para Spiderman, pero el personaje que le desarrollaron no fue el mejor Spiderman de la historia del cine. Lo mismo ocurrió con Michael Keaton, quien interpretó a Vulture, el villano que solo se comportó como tal después que descubrió quien era en realidad Spiderman. Al principio le faltó actitud de villano, pero ya después le cogió el piso. Me gustó que le dieron un verdadero amigo a Peter Parker, uno que sí le acompañara en su travesía y no lo abandonara por una u otra razón. Y sigo extrañando a Mary Jane...

Ahora... el resto de la película está increíble. A pesar de ser una historia un poco larga para mi gusto, es entretenida, divierte en las escenas que tiene que hacerlo y tensa en las situaciones que lo amerita. Los mejores momentos de la película fueron la escena en el transbordador, en el monumento en Washington y el avión, que fueron claves para crear verdadera adrenalina en cuanto a las situaciones de Spiderman y que, para serles sincera, no creía que lo resolvería.

El diseño del traje de Spiderman (a pesar de que se ve sencillo por fuera) es una réplica digital del de Iron Man, pero con atractivos necesarios para este superhéroe, lo cual le agregaron técnicas que mejoraron cada una de sus hazañas. Lo mismo opino con el traje de Vulture que, aunque se ve un poco brusco, no deja de ser sorprendente y peligroso a la vez, sobretodo las herramientas que involucran las minibombas.

Este remake vence a las demás anteriores en cuanto a fotografía, música y, por supuesto, efectos especiales; esto gracias al ascenso de Marvel como productor de la adaptación. Los movimientos de Spiderman no se ven tan computarizados como en ocasiones anteriores y se ven mucho más creíbles en cuanto a lo que es capaz de hacer. 

Resumiendo: Spider-Man Homecoming funciona bastante bien, porque es una película simpática con sus propias fórmulas y con una secuencia de momentos que satisfacen a su público. A pesar de que algunos aspectos matan el ritmo (como el mismo personaje de Spiderman), logra retomarlo y darnos un final bien adecuado, recordándonos que esta no será la última vez que veremos a este Spidey... aunque sí espero que sea el último remake. 

Hombre de poder (The Founder)

Biopic del creador de McDonald's. En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc conoció a los hermanos Richard y Maurice McDonald, que llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería de San Bernardino, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo a los hermanos y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald’s. (FILMAFFINITY)

En la era de los dramas biográficos, las tramas más interesantes se desarrollan y nos permiten conocer como marcas, productos, artes y medios han logrado establecerse en la mente de la sociedad. A través del cine, el público ha podido enterarse del éxito y el fracaso que han logrado alcanzar ciertas personalidades a lo largo de la historia.

En el caso particular de The Founder, nos traslada a la época en que McDonalds era un simple restaurante de hamburguesas, establecido en San Bernandino, hasta que Ray Croc llegó a transformar este pequeño local en una franquisia, lo cual logró para beneficio propio y el del 1% de la población mundial que se alimenta a diario de sus productos. Sin embargo, quien dice ser el "fundador" solo es una persona que agobió, atocigó y enfermó a Dick y Mac, los verdaderos creadores de la marca McDonalds y quienes tuvieron que ceder su producto al pequeño costo de 2,5 millones de dólares.

Lo mejor de la película es la interpretación de Michael Keaton, quien es el tipo de actor que necesita papeles con una personalidad insoportable y exagerada para salir a flote y lograr llamar la atención, por lo que el personaje de Croc le cayó como anillo al dedo. Es una mezcla del cinismo de Bettlejuice y el egocentrismo de Birdman. 

El único problema de la trama es la tanda de momentos lentos que la hacen difícil de ver durante las 2 horas de duración. Sin embargo, no pertenece a la categoría de "aburrida": a pesar de los vacíos y de algunos errores de continuidad, la película tiene sus momentos divertidos, llenos del satirismo de Keaton, una ambientación interesante y la narración de una historia posiblemente desconocida para la mayoría del público. Solo le faltaba gente cantando para que cayera en el renglón de musical.

Como dijo una periodista, The Founder hará a más de uno consumir su Big Mac con cierto remordimiento de conciencia al no saber a quién le está llenando los bolsillos, porque a pesar de la popularidad de esta marca y el hecho de ser "un símbolo nacional estadounidense", resulta ser un baul de injusticias y méritos ajenos.