Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: Beetlejuice Beetlejuice

Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por Bitelchús, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos. 

Más un clásico de culto que una obra maestra en toda regla, el Beetlejuice original de 1988 es recordado con cariño por algunas razones clave: la extraordinaria actuación de Michael Keaton en el papel principal, en la que el personaje era una caricatura de carne y hueso; la coronación de una reina gótica adolescente en Lydia Deetz, interpretada por Winona Ryder; y el verdadero establecimiento -en apenas su segunda película- de la fuerza cinematográfica espeluznante que es Timothy Walter Burton, un director tan distintivo que su mero nombre anuncia un cierto estilo y postura peculiar.

Beetlejuice Beetlejuice nos muestra al director volviendo a sus raíces. Desde la fantasmal secuencia del título y la banda sonora de Danny Elfman, la cámara vuelve a encarar la tranquila ciudad de Winter River, Connecticut, en Nueva Inglaterra, y uno sabe exactamente hacia dónde va todo esto. Como antes, la protagonista es Lydia, ahora una "mediadora psíquica" en un reality show paranormal llamado "Ghost House" y que está saliendo con su viscoso productor de televisión Rory (Justin Theroux). Pero el malvado demonio de rayas blancas y negras la acecha en sus sueños, y pronto tiene una fuerte sensación de déjà vu.

Nosotros, como espectadores, también sentimos eso hasta cierto punto (hay una famosa lectura de Michael Keaton en busca de nostalgia, aunque no tan escandalosa como la que le hicieron decir en The Flash), pero es mérito de Burton que esté tratando de crear una historia relativamente nueva aquí. El único problema son las partes claves: el guion dedica tanto tiempo a presentar nuevos personajes y tramas que se enreda un poco en las telarañas narrativas, y por lo tanto pierde la esencia que había creado hace tanto tiempo atrás.

Está la adolescente Astrid (Jenna Ortega, heredera de la corona de reina gótica de Ryder); está Jeremy (Arthur Conti), el chico guapo con el que coincidencialmente se topa en Winter River; está Delores (Monica Bellucci), la ex del infierno de Beetlejuice, que disfruta de una brillante presentación miembro por miembro, pero no mucho más; está Wolf Jackson (Willem Dafoe), un ex actor de televisión convertido en policía de ultratumba que hace tonterías de manera tan gloriosa que quieres más. También volvemos a ver a Delia (Catherine O'Hara) quien se pasa la película afligida por la muerte de su esposo y padre de Lydia, Charles. Todos son lo suficientemente divertidos, pero se sienten desatendidos en un tiempo tan ajustado.

Por suerte, la película tiene un arma secreta. En cuanto se va liberando de sus múltiples subtramas, todo empieza a tener sentido. Michael Keaton, que apenas ha envejecido un día con su disfraz demoníaco de ojos de panda, parece tener más energía que hace 35 años, rebotando contra las paredes del purgatorio con un entusiasmo hilarante, levantando todo lo que lo rodea.

La película no cobra vida del todo hasta la escena en la que Beetlejuice, que actúa como el "terapeuta de pareja" de Lydia y Rory, literalmente se desahoga y luego produce una versión infantil de sí mismo, un bebé tan inquietante como el que gatea por el techo en "Trainspotting". Una táctica como ésta existe principalmente por su propio y agradable beneficio enfermizo, y esa, a su manera, es la estética de "Beetlejuice": Tim Burton inventando estas cosas simplemente porque le hacen cosquillas a su traviesa fantasía. Y la trama de Lydia y su hija tiene la misma calidad que tenía la trama de fantasmas de Alec Baldwin y Geena Davis en "Beetlejuice".

La realidad es que esta película es más fuerte cuando recuerda que es una película de Tim Burton y tiene licencia para volverse rara. Si bien es más elegante y tiene menos sensación de estar en casa que la de 1988, todavía hay destellos de brillantez de película B: una secuencia de animación stop-motion, algunos efectos de prótesis de cabeza encogida y dos escenas de parto dementes con el bebé protésico más macabro. Son momentos como este, cuando Burton realmente deja que su bandera de rareza ondee, donde Beetlejuice Beetlejuice se gana sus galones.

La forma sesgada en que Burton mira al mundo hace mucho tiempo se incorporó a la nuestra (esa es una de las razones por las que ha luchado, a veces, para inyectarle a sus películas ese mismo entusiasmo). Pero si "Beetlejuice Beetlejuice" es principalmente una broma, como la actual versión de éxito de Broadway de "Beetlejuice", parte de lo que ofrece la nueva película es una nostalgia honesta por el momento en que la sensibilidad de espíritu payaso del infierno de Burton todavía tenía el poder de causar impacto. Como resultado, es una de esas secuelas que pasa mucho tiempo mirando hacia atrás. 

Sin embargo, después de un tiempo, las ideas van cobrando fuerza y ​​sonando juntas, ya sea Bob, la cabeza encogida de ojos saltones con un traje de cuerpo entero, presidiendo un ejército de Bobs en la oficina; o los descarados homenajes de la película a la era en blanco y negro de Mario Bava y a la ansiedad onírica de “Carrie”; o la joya hipnótica que Burton logra, en la secuencia culminante de la boda, al usar la interpretación de Richard Harris de “MacArthur Park” para una secuencia de locura de playback extasiado. Aunque el desenlace ocurre tan rápido que te hará cuestionarte si realmente los malos están derrotados y “Beetlejuice Beetlejuice” no es “Beetlejuice”, al final tiene la suficiente savia de Burton.

En 1988, Beetlejuice era una comedia, una historia de fantasmas, una película de terror exagerada y una atracción macabra, todo ello impulsado por un nuevo tipo de travesuras de circo con zumbido en la palma de la mano. Beetlejuice Beetlejuice es divertida, pero muy desordenada y un poco predecible; está en su mejor momento cuando está a la altura de la promesa de la palabra "Burtonesque". 

Crítica Cinéfila: Bodkin

Un grupo de podcasters se propone investigar la misteriosa desaparición de tres desconocidos en un idílico pueblo irlandés. Pero cuando empiezan a mover los hilos, se encuentran con una historia mucho más grande y extraña de lo que podrían haber imaginado. 

"Bodkin", la nueva serie de misterio y comedia oscura de Netflix sobre podcasts sobre crímenes reales, es una grabación que no debe confundirse con "Slow Burn", el podcast sobre crímenes reales adaptado brevemente como una serie de Epix. Creado por Jez Scharf, que cuenta con "Higher Ground" de Obama entre sus productores y presenta a Will Forte como su estrella más destacada, "Bodkin" es una serie en el que sentí una inversión razonable al final. Pero el efecto acumulativo contradice el hecho de que es una serie que hace un montón de pequeñas cosas bien de manera discreta, en lugar de hacer algo espectacularmente bien a nivel general.

Es una sátira sin grandes risas, un rompecabezas sin muchos giros impactantes y un estudio de personajes, pero de un tipo muy sobrio. Si buscas grandes reacciones ante cualquier cosa, te decepcionarás. Si buscas algunas ideas menores sobre nuestro amor instintivo por la narración voyeurista, algunos escenarios irlandeses inteligentemente interpretados y algunas actuaciones fabulosas (Siobhán Cullen, en particular, debe estar en todo), "Bodkin" lo convierte en un tiro fácil de siete episodios. Mi aprecio por la serie es discreto y apropiado, ya que "Bodkin" tiene una trama con un grupo de narradores que buscan algo llamativo y comercial, solo para encontrar algo más triste y más humano. Se trata de hacer las paces cuando la verdad no cumple con las expectativas y aprender que no todo tiene que ser endulzado con engaños narrativos y sensacionalismo.

Cullen interpreta a Dove, una periodista de investigación de "The Guardian". Su última historia, que involucraba a un denunciante que revelaba secretos sobre el NHS, salió terriblemente mal y ahora ella misma está bajo investigación. Para evitar distracciones, el editor de Dove la envía a la Irlanda rural con una nueva tarea: debe prestar asistencia en un nuevo podcast en el que "The Guardian" se está asociando con un respetado autor de podcasts, Gilbert Power (Forte). Dove odia los podcasts y no respeta especialmente lo que hace Gilbert.

Gilbert es semifamoso, pero no necesariamente es bueno en su trabajo. Tuvo una exitosa temporada de podcasts, una casualidad que cambió su vida, seguida de varios fracasos, pero hay una historia en el pequeño Bodkin que cree que podría rejuvenecer su carrera. 25 años antes, tres personas desaparecieron en medio del festival anual conocido como Samhain. Gilbert cree que la combinación de un misterio sin resolver, algún color local peculiar y posiblemente algunos elementos personales mientras se reconecta con sus raíces irlandesas podría ser un éxito. Él, al igual que Dove, está huyendo de algo en su vida.

El trío periodístico lo completa Emmy (Robyn Cara), una entusiasta investigadora que idolatra tanto a Dove como a Gilbert sin comprender del todo la cruda realidad de sus trabajos. 

Llegan a Bodkin y, después de una breve apreciación de la peculiaridad por excelencia de la ciudad, comienzan a recibir señales de que la historia que Gilbert está dispuesto a contar no es la verdadera historia. Casi todos los episodios de Bodkin comienzan con la voz en off de Gilbert, una serie de tópicos generales: “los cuentos populares son más que simples historias; son una advertencia”; eso resultará familiar para los oyentes habituales de podcasts. Gilbert ha contado y juzgado previamente lo que sucedió en Bodkin en su mente, y está tratando de dirigir la realidad para que coincida con su idea preconcebida.

Los espectadores están atravesando un viaje similar, porque creemos que reconocemos el tipo de comedia negra de pez fuera del agua que Bodkin quiere ser. Al menos durante uno o dos episodios, la serie nos ofrece algo parecido. En este sentido, Forte es una especie de caballo de Troya. Nada en la forma en que interpreta a Gilbert es abiertamente cómico, pero nuestra familiaridad con las versiones del acto de hombre-niño de Forte sugiere que se supone que sí lo es. Por un tiempo, Bodkin pone a Gilbert en el centro y coloca varios personajes secundarios excéntricos y chistosos a su alrededor, en su mayoría reprendiendo suavemente a los podcasts y a las personas que los aman. Pero no es esa historia y no es su historia.

La serie prepara a los espectadores para crescendos de humor y misterio, incluyendo algunos detalles del mundo real: el Acuerdo del Viernes Santo de 1998, pistas relacionadas con los asilos de la Magdalena en Irlanda. La eliminación real de las capas es generalmente menos salvaje, menos divertido, menos provocativo y menos emocionante, pero quizás más emocionalmente fundamentado.

Varias actuaciones, empezando por la de Cullen, mantienen el espectáculo anclado. Ya sea que hayas visto o no a la actriz irlandesa en trabajos televisivos anteriores, ella llama inmediatamente la atención como la parte más divertida de los primeros episodios, y la parte más cruda y dramática de la progresión de la serie. Más que cualquier otro personaje, tiene un arco apreciable. Ya sea que esté usando las innumerables obscenidades de los guiones como arma o ahondando más silenciosamente en el pasado traumático de Dove, Cullen hace que los ritmos respaldados se sientan ganados. Tanto Cullen como Cara pueden jugar en un rango más amplio que Forte, quien se mantiene sincero y efectivamente en todo momento, ingenuo sin ser caricaturesco.

La serie, que cuenta con Nash Edgerton y Bronwen Hughes entre sus principales directores, en general se siente bien gracias a sus bellamente fotografiadas ubicaciones en West Cork y a un profundo elenco de apoyo, encabezado por David Wilmot como un local con una cantidad desproporcionada de secretos, y Fionnula Flanagan como una monja con un número desproporcionado de secretos. Sí, todo el mundo en Bodkin tiene una cantidad desproporcionada de secretos, pero es bastante fácil mantenerlos claros.

"Bodkin" te toma la mano para revelar su misterio, pero no para explicar su mensaje, lo cual también aprecio. Esas voces en off de apertura de Gilbert satirizan la forma en que los podcasts a veces pueden intentar tranquilizar a los fanáticos de que hay lecciones fáciles que extraer del recuento y disfrute de historias trágicas. A veces las hay y a veces no. En "Bodkin", las respuestas son más confusas tanto para el narrador como para el oyente, y para cada personaje, ya que aquí nadie es un héroe o un villano claro. 

Crítica Cinéfila: Poor Things

Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Emma Stone es una mujer que comienza de cero en la nueva y sorprendente película de Yorgos Lanthimos, “ Poor Things”. Para la mayoría de nosotros, la vida se compone de conocimientos y circunstancias que tardamos décadas en acumular hasta que morimos. Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en dos horas y media, gracias a un procedimiento de reanimación después que la encuentran una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo no nacido dentro de su cabeza.

Bella, de soltera Victoria, es una tabula viva que respira, libre de presiones sociales, decoro o sutilezas. Y Stone, en su interpretación más descaradamente extraña hasta la fecha, la interpreta como una niña pequeña que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de “Poor Things” ella habla francés con fluidez y estudia anatomía, con los ojos y los oídos llenos de emoción y mundanería.

Realizado audazmente con un diseño de producción de color caramelizado, decorados alucinantes repletos de suficientes irrealidades de huevos de Pascua como para llenar el rompecabezas más difícil de 5,000 piezas, y trajes victorianos tremendamente exagerados que también parecen hechos por una costurera esquizoide. Y con la suficiente sobredosis de azucar, también es histéricamente divertida y la película más atrevida que probablemente verás en todo el año.

Lanthimos nos sitúa en lo que parece un Londres victoriano del siglo XIX, pero las sutilezas surrealistas que sólo aumentan en su extrañeza sugieren un mundo abierto y agrietado fuera de lugar y tiempo: los carruajes tirados por caballos son literalmente mitad caballo, mitad carruaje, los pájaros tienen caras de tiburón y una quimera mitad cerdo, mitad gallina camina por las calles sin que nadie se lo piense. Estas anomalías médicas experimentales se le atribuyen al funerario y científico enloquecido Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe, sombríamente tranquilizador).

Está marcado, literal y psíquicamente, por los tormentos de su padre, cirujano, y ahora tiene un rostro que parece un cuadro de Picasso, como si lo hubieran cortado, desarmado, reorganizado al azar y vuelto a coser. También es un eunuco que tiene que “hacer mis propios jugos gástricos”. Uno de sus protegidos en el quirófano es el médico novato del pueblo, Max McCandles (Ramy Youssef, adorablemente inepto y perpetuamente atónito), y juntos le devuelven la vida a Bella Baxter, y Max espera casarse con ella.

"Qué adorable retardada", le dice McCandles a Godwin (a quien Bella acabará llamando simplemente "Dios") sobre su creación nacida de nuevo mientras Bella se pone a golpear superficies, orinarse y balbucear tonterías en un inglés entrecortado que poco a poco empieza a tomar una forma lingüística más reconocible. Ahora sobre esa obscenidad antes mencionada: parte de la curva de aprendizaje existencial de Bella, por supuesto, viene con el descubrimiento de la masturbación y, finalmente, el sexo, del cual “Poor Things” está lleno de una cantidad escandalosa. Bella hace algo con una manzana que hará que todos olviden a Elio y el durazno de “Call Me by Your Name” y, todavía en un estado pueril y lascivo, llama al sexo “saltos furiosos”, sugiriendo a McCandles que tal vez “se tocan las partes genitales del otro”.

“Poor Things” en última instancia trata sobre el viaje erótico de Bella desde fuera del escenario del espejo freudiano hacia el mundo como un ser sexual despierto. Lanthimos y el guionista de “The Favourite”, Tony McNamara, a partir de una novela epistolar de 1992 de Alasdair Gray, están fascinados por las formas en que el deseo gobierna toda nuestra toma de decisiones. Al conocer al pícaro y decadente abogado Duncan Wedderburn (un petulante Mark Ruffalo), Bella decide que debe "aventurarse" en lugar de atarse a Dios y McCandles, con quienes está comprometida.

Y esas aventuras incluyen muchos saltos furiosos, como en un viaje a Lisboa (una creación alucinante de los diseñadores de producción Shona Heath y James Price), Duncan y Bella lo practican en todas las posiciones imaginables. Pero a medida que Bella se vuelve más inteligente y sabia cada día, y sus mechones de pelo negro siguen creciendo a una velocidad sobrenatural, Wedderburn comienza a preguntarse si ella es realmente "el diablo envuelto en un cuerpo seductor y un cerebro que separa a las personas".

“Poor Things” está llena de comentarios nocivos, descarados y agrios como estos, como lo es, por supuesto, el oficio de Tony McNamara, cuyo viperoso triángulo erótico lésbico en “The Favourite” arrojó infinitas máximas citables que seguramente se abrirán paso en El panteón del diálogo. “Poor Things” no es diferente. "Te miro y no siento nada más que la persistente pregunta de ¿cómo te quise?", le dice Bella a Wedderburn, cansada de sus celos de que ella se convierta en su propia persona.

Mientras está en un crucero por el Mediterráneo, un pasajero cínico interpretado por Jerrod Carmichael (cuyas lecturas de líneas son demasiado inexpresivas) le dice a Bella que la degradación, el horror y la tristeza son lo que nos hace personas sustanciales. Como cualquier fan de Lanthimos sabe, esas son piedras de toque de todas sus películas anteriores, incluida “Dogtooth”, de temática similar, que también se centró en los encuentros fenomenológicos de las personas y la comprensión del mundo que las rodea. Y, por lo general, para Lanthimos, la humanidad existe dentro de una bola de nieve que le gusta agitar para su propia diversión macabra; literalmente, mientras el director de fotografía Robbie Ryan encuadra el mundo con bastante frecuencia con una lente de ojo de pez, un dispositivo que ocasionalmente lo hizo tropezar en “The Favourite”, aquí se adapta al material visto desde el punto de vista asombrado del yo inquisitivo de Bella.

Pero la degradación, el horror y la tristeza rara vez entran en juego en “Poor Things”, una comedia sexual llena de empatía y esperanza sobre las posibilidades de una vida iniciada desde cero. Tomemos como ejemplo el colapso emocional de Bella cuando se encuentra, por primera vez, con las clases bajas mientras visita Atenas, un grupo de cuerpos disipados al estilo de Hieronymus Bosch en la base de un pintoresco acantilado. “¿Quién soy yo para acostarme en una cama de plumas mientras los bebés muertos yacen en una zanja?” Bella quiere ser una buena persona tanto como “Poor Things” demuestra el deseo de Lanthimos de extender algo más que un simple encogimiento de hombros hacia la humanidad y sus crueldades innatas.

Al ver esta belleza maximalista de una película en una sala de cine, es difícil resistir el impulso de hacer una pausa y detectar cualquier siguiente locura que se les ocurrió a estos cineastas para poblar los fondos. Más allá de las imágenes orgiásticas, “Poor Things” también está repleta de fabulosos personajes secundarios que van y vienen de la forma picaresca de la educación sentimental y erótica de Bella: Kathryn Hunter, con tatuajes en todo el cuerpo, interpreta a una madame del burdel parisino, ronca y que se muerde el lóbulo de la oreja; Christopher Abbott como un siniestro recién llegado cuyas intenciones no se estropearán en esta crítica; Hanna Schygulla como un pájaro de las nieves que viaja en un crucero y que “no ha tenido sexo en 20 años”; y Suzy Bemba como una prostituta con quien Bella tiene un encuentro sexual queer y un vínculo quizás más especial. En el centro hay un giro deliciosamente fuera de lo común de Emma Stone, prueba de que, sea cual sea la frecuencia agrietada en la que ella y Lanthimos viajan, su alquimia es la verdadera.

“Poor Things” es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordazmente divertido, caprichoso y excéntrico, modesto y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar que tratar de analizarlo todo en esta publicación resulta casi complicado a las ambiciones que la película posee.

Crítica Cinéfila: Saltburn

Mientras lucha por encontrar su lugar en la Universidad de Oxford, el estudiante Oliver Quick se ve arrastrado al mundo del encantador y aristocrático Felix Catton, que le invita a Saltburn, la extensa finca de su excéntrica familia, para pasar un verano inolvidable. 

La descarada sátira en un golpe de clase de Emerald Fennell, "Saltburn", huele a una variedad de erotismo literario. Pero si recuerda algo visualmente, es ese retrato icónico de David LaChapelle de Alexander McQueen e Isabella Blow afuera de un castillo de Hedingham que ha sido incendiado: Fennell está en esa especie de modo de explosión, y el resultado es un viaje narrativamente entretenido y ruidoso protagonizado por un formidable Barry Keoghan en modo despreocupado.

No es tanto la historia lo que te dejará boquiabierto sino su audacia. Su primera película, "Promising Young Woman", no tenía miedo, era perversa y emocionante, y lo mismo ocurre con "Saltburn". Algunos han dicho que es Brideshead envuelta en maldad, con vibraciones de Tom Ripley, y es eso, pero Fennell es más atrevida que incluso Waugh o Highsmith. Al ver esta película probablemente quedará sin aliento en ciertos momentos. Es intrépido y embriagador.

Keoghan interpreta a un estudiante de primer año de Oxford, Oliver Quick; estamos en 2006. Los colores del director de fotografía Linus Sandgren están ricamente saturados y la música de apertura entona los Himnos de la Coronación ('Zadoc The Priest') sobre créditos que utilizan fuentes medievales y gritan 'diversión por venir'. En adición a representar la época desde los primeros planos, Fennell ahora utiliza el término 'cine pop' para definir su trabajo, y esta es una película oscuramente divertida que debería captar la atención de los premios por la actuación de Keoghan, sin mencionar el giro ricamente cómico de Rosamund Pike. Es posible que algunos matices sociales británicos no se transmitan tan bien si no entiende la cultura, pero hasta el más desconectado de la cultura se llevará algunas indirectas.

Fennell tiene en mente trasladar "Brideshead" a tiempos más modernos a través de su estudiante de Merseyside, Oliver, quien llega a Oxford y se da cuenta de que el orden social allí ha sido inamovible desde la escuela preparatoria, y él no está incluido. Comparte tutor con el lacónico Farleigh (Archie Madekwe), quien es el primo del magnético personaje de Felix Catton (el actor australiano Jacob Elordi), y con quien eventualmente se cruza en su auxilio por una bicicleta rota en lugar de por un exceso de alcohol. La historia de Oliver sobre padres drogadictos y una infancia bajo cuidado finalmente se gana la simpatía de Félix, quien invita a su nuevo amigo a pasar el verano en su casa familiar en Saltburn.

Fennell comienza a deshacerse de Waugh una vez que la producción llega a esta casa señorial, y hay una sección central donde la película es completamente divertida gracias a los anfitriones de Saltburn, Lady Elspeth Catton (la maravillosa Rosamund Pike) y Sir James (Richard E. Grant). Este es puramente el mundo del escritor que nos dio "Promising Young Woman", con sus mordaces observaciones y su asombrosa franqueza. Su propia experiencia personal en este entorno sin duda ayuda, mientras examina a los parásitos y dependientes de Saltburn, en particular a la siempre rehabilitada 'poor dear Pamela' (Carey Mulligan). Dan la bienvenida cautelosamente a Oliver a su redil como su último proyecto favorito. El clan también incluye al primo empobrecido Farliegh y a la hermana 'sexualmente inconstante' de Félix, Venetia (Alison Oliver), que también sufre de bulimia.

Después de una cena particularmente barroca en la que los ricos prueban el karaoke, Fennell enciende la iluminación en modo homoerótico y comienza a quitarse los guantes. De repente, Oliver está trabajando en la habitación, en más de un sentido, sin mencionar lamiendo la bañera hasta dejarla limpia. Su obsesión por Félix no está consumada, por lo que se acerca a Farleigh y también a Venetia. "Saltburn" no es corta, pero es siempre entretenido. Fennell toma algunas decisiones audaces en esas dos horas sobre dónde pasa su tiempo: en particular, un rápido corte narrativo al final parece cruel pero, cuando el sacrificio conduce a la secuencia final más entretenida que verás este año, todo puede ser perdonado. La clave del éxito de la película es la elasticidad de Keoghan: su rostro y sus ojos pueden cambiar con una sombra, y es imposible concebir que otro actor joven tenga la ventaja peligrosa para lograrlo todo. Es posible que parte de la lucha de clases no se traduzca tan bien en los mercados extranjeros, pero aquellos que lo entienden, lo sabrán.

Los espectadores que buscan porno de Oxford o de casas de campo pueden estar menos satisfechos: la producción de Fennell lo toma como leído, en lugar de insistir en los detalles visuales. Felix puede señalar a Rembrandt y Holstein, y así es como se ilumina gran parte de la película, pero la cámara está más interesada en Keoghan y Pike e incluso en el agua del baño de Felix que en los jardines o los picnics. La ubicación de la finca en la que saltó Saltburn se mantiene oculta a petición de sus propietarios, y no está claro si el laberinto en forma de Shining, en el que empiezan a aparecer alas y cuernos de ángel, está adjunto a ella. Quizás nunca lo sepamos. "Saltburn" no es imprescindible en la pantalla grande por las localizaciones o las tomas en la hora dorada, sino porque es oscura y divertida, y el tipo de película que el público más joven debería ver. De esa manera, debería continuar para siempre.

Crítica Cinéfila: El Conde

Comedia negra que imagina un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. Retrata a Augusto Pinochet, símbolo del fascismo mundial, como un vampiro que vive escondido en una mansión en ruinas en el frío extremo sur del continente.

El régimen de Augusto Pinochet, que gobernó Chile bajo un control opresivo con indescriptibles violaciones de derechos humanos de 1973 a 1990, tras el golpe de Estado que derrocó al presidente socialista Salvador Allende, ha sido objeto de innumerables dramas en la pantalla. Eso incluye una trilogía suelta de Pablo Larraín: "Tony Manero", "Post Mortem" y "No", todas las cuales observaron la dictadura desde ángulos únicos. Pero incluso para los estándares distintivos del director, su regreso al tema es un salto salvaje hacia una originalidad irreverente, reimaginando al tirano depuesto como un vampiro de 250 años a punto de renunciar a la vida eterna.

Filmada en blanco y negro crepuscular con una textura deslumbrante por el gran Ed Lachman para darle un toque gótico junto a su escenografía, la película de Netflix es tan visualmente embriagadora y atmosférica como provocativa, y mezcla liberalmente la sátira política con la comedia negra y horror mientras examina una historia sombría que parece condenada a seguir repitiéndose.

El público que capte la inconfundible voz del narrador en inglés irónicamente divertido de la película adivinará la aparición de esa famosa figura histórica al final de la acción. Pero el alcance del papel y la forma en que se entrelaza con la narrativa de Pinochet es el golpe maestro hilarante y totalmente inesperado del guión de Guillermo Calderón y Larraín. Muestra que, si bien los villanos de la historia a menudo se convierten en sinónimos del fascismo en todo el mundo, otros que se hacen pasar por conservadores corrientes no pueden ser menos monstruosos.

Las tomas iniciales establecen hábilmente la escena mientras la cámara recorre una granja solitaria azotada por el viento en el extremo sur de la Patagonia, con sus interiores en ruinas llenos de fotografías, libros y recuerdos de guerra, algunos de ellos datan de mucho antes que el malvado reinado de Pinochet en Chile.

El hombre mismo, interpretado con un imponente equilibrio de crueldad, autojustificación descarada, encanto canoso y físico decrépito por Jaime Vadell, vive allí aislado con su intrigante esposa Lucía (Gloria Münchmeyer) y su devoto mayordomo Fyodor (Alfredo Castro), un ruso que dirigió los campos de exterminio de Pinochet y entrenó a sus soldados para torturar y matar por placer, llenando fosas comunes con rebeldes.

Si bien Augusto ha rechazado firmemente las numerosas peticiones de Lucía a lo largo de los años para que la mordiera y transformara, decidió recompensar a Fyodor, convirtiendo al sirviente en un vampiro que mantiene un refrigerador lleno de corazones humanos en una habitación subterránea conectada a la casa a través de un ascensor anticuado y una polvorienta vía de pasillos. Tras una crisis existencial que le hizo cuestionar el valor de su existencia, Augusto ha renunciado a la sangre. Esa decisión ha sido recibida con la aprobación de sus cinco hijos de mediana edad (y todavía muy mortales), quienes se han impacientado por heredar la fortuna que se cree está escondida en cuentas bancarias secretas, junto con propiedades en todo el mundo.

Cuando su padre parece cambiar de opinión (lanzándose a la ciudad para encontrar presas humanas, cortándolas con una daga curva y extrayendo sus corazones para licuarlos en una licuadora y beberlos como un batido de sangre), los cinco hermanos llegan a la casa, todo derecho resentido. También traen a una joven monja, Carmencita (Paula Luchsinger), formada tanto en contabilidad como en exorcismos; está encargada de expulsar el mal del anciano cuerpo de Pinochet y descubrir su botín para ayudar a salvar a la debilitada Iglesia de la ruina financiera.

Las entrevistas de Carmencita con cada uno de los miembros de la familia y con Fyodor se convierten en una investigación detallada sobre los crímenes y la corrupción de las décadas del régimen, realizadas con una sonrisa encantadora incluso cuando señala sin rodeos la complicidad de todos ellos en los horrores dictatoriales. Pero a pesar de una maleta llena de todas las herramientas habituales para acabar con los vampiros (agua bendita, un crucifijo, una estaca de madera y un martillo de plata), las cosas no salen según lo planeado. El ansia de vida de Augusto resulta más difícil de extinguir de lo que había previsto, especialmente cuando una figura de la historia da un paso adelante para galvanizarlo.

Calderón y Larraín recapitulan juguetonamente el colorido pasado ficticio de Pinochet, remontándose a sus orígenes como soldado en el ejército de Luis XVI, cambiando de bando oportunistamente durante la Revolución Francesa y coleccionando un recuerdo del guillotinado de María Antonieta. La narración arroja primeras pistas sobre las revelaciones del acto final, explicando que la preferencia de Pinochet es por la sangre inglesa porque sabe a Imperio Romano. Pero terminó instalándose en Chile a pesar de encontrar la sangre de los trabajadores latinoamericanos de sabor y aroma acre. Al ascender al rango de comandante en jefe militar, en privado insistió en que lo llamaran "El Conde". Y cada vez que llegaba el momento de hacer un ajuste de cuentas en su vida, fingía su propia muerte e incluso asistía a su propio funeral.

Hay mucho ingenio en el guión, que se basa tanto en la tradición vampírica como en la brutal historia política para mostrar que el arrepentimiento es un concepto desconocido para los dictadores y sus facilitadores, que en el caso de Pinochet se extendieron más allá de sus compinches y más allá de las fronteras nacionales. La escena final, que indica secamente la naturaleza cíclica de las autocracias, particularmente en América Latina, es un delicioso toque de humor negro que también es escalofriante.

El elenco de Larraín es uniformemente excelente, todos ellos encuentran el equilibrio óptimo entre actuar con claridad e inclinarse hacia la macabra rareza del escenario. Si bien a veces el humor sugiere un parentesco con "What We Do in the Shadows", la base en un capítulo infame de la historia política plagado de horrores no sobrenaturales crea una visión singular del trauma nacional. Y la subversividad de moldear un personaje político más venerado en la fuerza siniestra detrás de Pinochet da a los elementos cómicos una gran recompensa con una patada edípica.

Las composiciones de tonos góticos de Lachman son fascinantes en todas partes, llenas de imágenes sorprendentes como un barco lleno de monjas, con sus hábitos blancos ondeando con la brisa mientras navegan a través del canal hacia la casa del Conde. Los detalles inteligentes en el diseño de producción de Rodrigo Bazaes y el vestuario de Muriel Parra también contribuyen a los ricos placeres visuales de la película. El trabajo de efectos tiene una hermosa calidad artesanal de baja fidelidad, en particular las magníficas secuencias en las que Pinochet toma vuelo con su capa militar, elevándose sobre el paisaje y hacia la ciudad para darse un festín con sus víctimas en una serie de asesinatos imaginativos. También hay un humor cautivador en el primer vuelo tambaleante de un vampiro recién convertido, como un pájaro torpe.

La gloria suprema es la partitura de Juan Pablo Ávalo y Marisol García, adecuadamente cargada de hilos tempestuosos que van desde la melancolía hasta la agitación y el poder siniestro a toda velocidad. Esos pasajes se combinan efectivamente con composiciones centenarias de Strauss, Britten, Purcell, Vivaldi, Gabriel Fauré, Arvo Pärt y André Caplet, entre otros.

Si bien la sección media de la investigación se desploma un poco cuando cae en lo históricamente ilógico, El Conde sigue siendo un giro fascinante, travieso y vivaz sobre un tema mortalmente serio de un director que, en su décimo largometraje, continúa presentando sorpresas audaces alrededor de temas políticos que pudiesen ser extremadamente aburridos o incluso predecibles. Los vampiros han sido durante mucho tiempo símbolos de la nobleza parásita, pero Larraín hinca el diente a esta vanidad con inusual deleite.

Crítica Cinéfila: Triangle of Sadness

Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros.

¿Alguna vez han visto una película que se vuelve más confusa (en el peor sentido de la palabra) con cada minuto que pasa, y luego finalmente cuando se va esclareciendo la trama de repente empeora porque un actor vomita de manera extrema y grotesca a la vez? Pues si no quieren tener esa sensación, no vean esta película. A pesar del interesante manejo que se burla de cómo el poder material se vuelve insignificante dependiendo de las situaciones que se afrontan, esta visión de Triangle of Sadness se ve asquerosamente opacada por las innecesarias exageraciones en cada uno de sus renglones, planos y momentos.

La gran burla es cuál monarquía caerá primero: el imperio tradicional de la riqueza heredada por trabajo y esfuerzo, o el imperio de los influencers, la gran escoria del planeta tierra y, a la vez, un mal necesario de consumo para todos en la era moderna; un espectador se siente obligado a defender lo indefendible. Ruben Östlund trata de enfocar el punto de vista de los Instagrammers en el primer tercio de esta película, después de un prólogo que presenta a un conjunto de modelos masculinos y una llamada de casting que presenta al cincelado Carl (Harris Dickinson). Nada que ver una cosa con la otra, pero seguimos.

Él y su novia Yaya (Charlbi Dean) se ganan la vida posando y publicando, ella más lucrativa que él, ya que está perfectamente dispuesta a declarar en voz alta durante una incómoda liquidación de la factura en un restaurante de Tony. Es mezquina, superficial, vengativa y, lo peor de todo, es hipócrita cuando se hace un selfie con un tazón de pasta del que se niega a tomar un solo bocado por ser intolerante al gluten. Sin un ancla de humanidad que coincida con la inseguridad comprensiva de Carl, su existencia como pareja se presenta como una contradicción total y un desbalance de química.

Ella es solo una de las frutas colgantes aferradas por una sátira con ideas tan enormes y huecas a la vez como el casco del lujoso transatlántico en el que se encuentra el segundo tercio. Carl y Yaya embarcan en Christina O, anteriormente propiedad de Aristóteles Onassis, para un crucero solo por invitación que atiende a los megaricos de la sociedad. En el camino, la película en sí nos lleva a un recorrido turístico por el tema del que se basa esta historia, comenzando con la invacidad de la industria de la moda hasta las grandes cuestiones de capital y poder.

En el pasado, Östlund ha demostrado su habilidad para enviar temas carnosos, aplicando una atención granular al ego masculino en "Fuerza Mayor" y las pretensiones del mundo del arte con "The Square". Aquí, sin embargo, se inclina a la amplitud atribuida a su trabajo por sus críticos más duros, ahora más parodia de sí mismo que de una parodia como tal.

Tiene su mente en el dinero y el dinero en su mente: lo que le hace a aquellos con mucho y cómo reaccionan cuando ya no pueden lanzarlo al cielo. El barco alberga un grupo de grotescos ricos, incluido un magnate ruso del estiércol, un especulador británico de juguetes de guerra y el tipo de idiota manso y reacio a la mujer que seguramente habrá hecho su riqueza de la gran tecnología. Puede que Carl y Yaya no sean titanes de la industria, pero encajan perfectamente con su aire de desprecio apenas silenciado por todos los demás. Los clientes obtienen sus alegrías al hablar sobre el control que ejercen sobre el personal, ya sea que los despidan por infracciones menores o que los obliguen a jugar al ocio para que aquellos que explotan la mano de obra puedan calmar su culpabilidad. E incluso dentro de la clase inferior de la cubierta inferior, hay niveles; los empleados blancos que miran hacia el exterior obtienen consejos y beneficios inaccesibles en comparación con el personal de limpieza multiétnico.

Si bien apenas hay noticias de última hora de que la élite con dinero sean gigantescos agujeros, esa es solo la primera mitad de la ecuación confusa de Östlund. El punto medio se convierte en un verdadero caos cuando, por enviar a todo el personal a darse un chapuzón, la cena del capitán se dañó y por lo tanto todos los que la comieron terminaron intoxicados, vomitando y desechando todo su interior en una secuencia que, más que parte de una burla a cómo las exageraciones de los ricos los infligió directamente, es uno de los momentos más desagradables en pantalla del 2022. El que no tenga deseos de vomitar viendo esto, es un sádico. 

Todas las variables se intercambian una vez que las cosas se "desvían", en un momento narrativo que involucró vómito regado por doquier, heces fecales que salen expulsadas de los retretes, discusiones comunistas, piratas (así mismito...) y una explosión por una granada. Llega la tercera parte donde la custodia Abigail (Dolly De Leon) se da cuenta de que su capacidad para pescar, hacer un fuego y realizar actos básicos de autosuficiencia la coloca en la cima de la jerarquía alterada. En poco tiempo, se ha convertido en una minitirana, extorsionando sexo a Carl, su buena apariencia ahora es la forma más significativa de moneda en circulación, a cambio de comida.

Si lo esencial es que el poder absoluto se corrompe eventualmente, está bien, claro, aunque esa es una observación igualmente obvia. Pero Östlund enmarca su estructura de autoridad en términos políticos explícitos, con el capitán marxista del barco (Woody Harrelson, dentro y fuera de la película demasiado rápido) yendo cita por cita contra el magnate de los fertilizantes capitalista hasta que todos son solo eslóganes intercambiables. Puesto en práctica, la noción de que el proletariado será tan monstruoso como la burguesía si se le da la oportunidad cae en el inútil cinismo de ambos lados visto por última vez en "Nuevo Orden".

Estas fueron dos horas y media largas, tortuosas, que se vuelven "interesantes" solo en intervalos escasos, generalmente cuando el magnífico Dickinson juega su belleza, lo que sugiere insidad contra la angustiada agitación dentro de Carl. Pero el intento de comedia física en el período previo al vuelco, como si el clímax de "Titanic" hubiera sido rociado con vómitos y diarrea, hizo que la atención se desviara totalmente, y no se enfocara tanto en cómo los ricos pueden caer tan fácil. Estas distracciones hacen poco para redimir el análisis social subdesarrollado que Östlund no dejará de martillar hasta el mero final.

Uno puede preguntarse dónde encaja en esta superioridad de igualdad de oportunidades, mientras recibe sus cortes desde el banquillo de un conflicto que ve a distancia. Irónicamente, se aprovecha del mayor privilegio de todos: la comodidad de tratar a la clase como un experimento mental para ser jugado como mejor le parezca. El cineasta trabajó en las estaciones de esquí de Tony Alpine en sus años de posgrado, presumiblemente sirviendo a los mismos ricos que se satirizan aquí. Pero eso no es razón suficiente para que un espectador pueda suponer esto fácilmente por el desapego y poca empatía que se genera hacia el paquete de personajes que se desarrollan en esta historia. De manera particular, era más fácil aceptar su muerte y no seguirlos hasta el final con el deseo a voces de que se mutilen mutuamente y así terminar con esta "comedia" de una vez por todas.

Crítica Cinéfila: White Noise

Un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica. Jack, un profesor universitario que ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo, se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad.

Como cineasta, Noah Baumbach siempre ha sido un realista dramático empedernido, una división neurótica conversativa. “The Squid and The Whale” (2005), el drama de divorcio que estableció su reputación y es muy apreciado por muchos cinéfilos, no es la mitad de la película que es “Marriage Story”. La última película fue el logro culminante de Baumbach después de 25 años como guionista y director, y llevó sus fortalezas a un nuevo nivel de realización: su habilidad para captar la dinámica de las relaciones problemáticas en todas sus capas desgastadas, su extraordinaria habilidad con los actores y la ágil ligereza de sus diálogos, que emergen de la comedia humana.

Con "Marriage Story", Baumbach disfrutó del tipo de éxito con el que sueñan los cineastas independientes. Así que no sorprende, en cierto modo, que su primera película desde entonces, “White Noise”, sea diferente a todo lo que haya hecho antes. Una adaptación meticulosamente reverente de la mordaz novela distópica satírica de Don DeLillo sobre la vida de la clase media estadounidense en la década de 1980.

"White Noise" está ambientada en una acogedora y frondosa ciudad universitaria, que ha crecido alrededor de una pequeña escuela de artes liberales llamada The-College-on-the-Hill, y eso hace que la película sea un vehículo ideal para el tipo de personas que serían parte de la charla polémica en la que Baumbach es un profesional. El personaje central, Jack Gladney (Adam Driver), enseña en la universidad, donde ha sido pionero en toda una disciplina dedicada a los Estudios de Hitler, lo que suena como una broma de Woody Allen, excepto que la película, como Jack, se lo toma todo muy en serio. Jack no solo está enseñando sobre Hitler; es el excavador del alma del dictador, un rapsoda del fascismo.

Como profesor, es lo suficientemente célebre como para tener, a veces, seguidores de culto. Sin embargo, en casa, Jack preside un clan rebelde que lo mira con mucho menos asombro, incluso si él sigue siendo, a su manera, el gran académico. Driver, engordado, un corte de pelo bohemio y una chaqueta de cuero terrible, convierte a Jack en un estudio de cierto tipo de hombre de finales del siglo XX que se considera un cruzado por la libertad y la verdad pero que, de hecho, es un intelectual complaciente de la derecha. En su casa, pase lo que pase, lo principal que parece interesarle a Jack es la próxima comida.

La esposa de Jack, Babette (Greta Gerwig), tiene un cabello rizado que parece un permanente, así como una actitud lo suficientemente puntiaguda para equilibrar su narcisismo, y toma misteriosas píldoras farmacéuticas a escondidas. Cada uno se ha casado tres veces antes, y entre ellos tienen una camada razonablemente bien adaptada de niños: la inteligente adolescente Denise (Raffey Cassidy) y su dulce hermana menor Steffie (May Nivola), que son las hijas de Babette, el brillante conversador Heinrich (Sam Nivola), que es el hijo de Jack, y un hijo pequeño que es de ambos. Son como Brady Bunch con un toque de Los Soprano, y Baumbach, por un tiempo, mantiene el diálogo familiar zumbando.

También presenta a los colegas académicos de Jack, a quienes se trata como si estuvieran locos pero sin burlarse de ellos, en particular Murray (Don Cheadle), que es una especie de profesor de estudios estadounidenses con una visión profunda de las dimensiones más tontas de la sociedad gringa. Piensa que los supermercados son una forma profunda de nirvana, y la película comienza con su conferencia, ilustrada por un deslumbrante montaje de fragmentos de películas, sobre el significado del accidente automovilístico en el cine de Hollywood, que él ve como una expresión de pura alegría. En cierto modo, esto establece el tono para todo lo que sigue. Le saber a la audiencia que “White Noise” va a ser, en algún nivel, sobre violencia y catástrofe, y que va a considerar esas cosas con una mirada divertida e irónica.

La primera pista de que se está viendo algo más que una comedia de observación sobre un profesor enloquecido y su familia fracturada cuando un hombre que conduce un camión lleno de químicos tóxicos choca contra un tren y el accidente produce una enorme nube química negra que flota en la distancia, acercándose inexorablemente al pueblo. ¿Se moverá y envenenará a todos? Mientras Jack y su familia se amontonan en su camioneta Chevy, evacuando en una acumulación de tráfico de millas de largo tan portentosa, la película, así como así, se convierte en una película metafórica de desastres sobre miedo, conspiración, y la toxicidad de los productos de consumo.

“White Noise” se publicó en 1985, y parte del atractivo de la novela es que se adelantó mucho a su tiempo. DeLillo vislumbró, a mediados de los años 80, una maraña de pistas sobre el mundo que estaba surgiendo. Y ahora que han pasado 37 años, se puede ver que gran parte de lo que vio se ha movido al frente y al centro: el envenenamiento literal de la vida estadounidense, la sensación de temor espiritual que brota bajo el sueño americano, la reconfiguración de lo que significa una familia en la era del divorcio y, de manera más perspicaz por parte de DeLillo, el surgimiento de una nueva cultura farmacéutica insidiosa en la que la gente ahora intentaría drogar su desesperación. Algo de esto incluso se conecta con el mundo post-Covid. Sin embargo, es la naturaleza de estas cosas que donde "White Noise" una vez se sintió profético, sus percepciones pesimistas ahora parecen, en todo caso, parte del presente.  

Esas pastillas que toma Babette resultan ser presagios del nuevo mundo. No son estimulantes, son, más bien, estabilizadores del estado de ánimo destinados a calmar su miedo a la muerte. Jack y Babette están obsesionados con la muerte, y cuando Jack, durante ese escape de la nube tóxica, sale del automóvil durante dos minutos para llenar el tanque de gasolina, se entera de que puede haber recibido una dosis letal de productos químicos. ¿Es ese diagnóstico solo otra conspiración?

Estas son preguntas pesadas, y la novela “White Noise” alcanzó una pesadez total. Era un libro de ideas. Como película, anuncia sus temas en voz alta y con orgullo, pero el problema es que los anuncia más de lo que los hace sentir. Gerwig tiene una de las mejores escenas: un monólogo lleno de lágrimas, arrancado de las entrañas, en el que le confiesa su adulterio a Jack, aunque su transgresión no se trata tanto de un deseo de desviarse como de su compulsión por conseguir esas pastillas por cualquier medio necesario. La película se anuda a sí misma para explicar las malas noticias. Qué revelador, entonces, que es mucho más efectiva cuando está dispuesto a ser optimista, especialmente en una secuencia de baile de créditos de cierre triunfalmente loca que tiene lugar en los pasillos brillantemente iluminados de A&P. Con el ritmo alegre y resonante de “New Body Rhumba” de LCD Soundsystem, el lugar realmente parece un nirvana irónico.

Deadpool 2

Wade Wilson (Ryan Reynolds), mejor conocido como Deadpool, regresa con la misión de salvar a un chico llamado Russell (Julian Dennison) de las manos de un poderoso rival llamado Cable (Josh Brolin). Para dar cumplimiento a su tarea el antihéroe formará un grupo al cual pondrá el nombre de X-Force. (FILMAFFINITY)

Conocí a Deadpool recientemente porque nunca tuve la oportunidad (ni el interés) de ver la primera película. La idea de un superhéroe que resulta ser un antihéroe, y a parte es mutante, no me atrajo tanto en su primer momento de gloria. Pero con toda la promoción que le han dado a esta segunda entrega, no podía volver a ignorarlo. 

Sí, ya vi la primera, la cual es una película muy de "origen" y de entender quién es Deadpool; pero la segunda tiene mucha más personalidad y está mejor trabajada.

Mientras Deadpool (2016) habla sobre la persecusión tras Francis, quien fue el responsable de que él terminara como un mutante; Deadpool 2 (2018) trata de su vida después de este enfrentamiento y cómo se ha convertido en un "héroe" a su manera. Pero todo cambia cuando le arrebatan lo único que él valora. A partir de ese instante, decide convertirse en una especie de X-Men, y proteger a otro mutante llamado Russell, quien es buscado por Cable, un viajero del tiempo que quiere asesinarlo para evitar los desastres del futuro que Russell causa. 

La personalidad de Deadpool la conocemos: a pesar de sus ridiculeces y niñadas, pelea de manera incansable como un profesional; no obstante, los guionistas se tomaron su tiempo y profundizaron más en los complejos y debilidades del personaje para crear a un antihéroe aún más interesante y completo. Deadpool no es ese villano de villanos que conocieron hace dos años, y ya no se trata de aceptación de su físico; él tiene sentimientos y procura demostrarlos en cada acción y parodia que hace.

Pero además de Deadpool, hay que reconocer el resto de los personajes introducidos en esta película, que no solo le dieron color y más momentos de risas, sino que demostraron la mejoría en el desarrollo de sus personalidades y en el objetivo que cada uno representaba para la historia, resaltando a Russell, quien da un cambio totalmente inesperado durante la historia, y Cable, que terminó siento el villano que nadie se imaginó, ni siquiera los que anticipaban el inicio de un mini-Thanos.

A pesar de que la historia sigue la misma estructura que la primera película: Deadpool inicia con una narración de por qué está allí, comienza su misión, hace un pequeño grupo de contraátaque, y al final se sale con la suya. No obstante, esta estructura funciona mejor en su segunda entrega. La historia está más concentrada y definida hacia un objétivo lógico de Deadpool; ya no se trata de una aventura a ver qué pasa, sino un plan para definitivamente conseguir salvarle la vida a una persona.

Por otro lado, mantiene en esencia los aspectos estructurales y de diseño que hicieron de la primera entrega tan única: como el intro de la película (haciendo honor a Spectre -James Bond-), las escenas slow-motion de batalla (que se agradecen muchísimo para ver en detalle las barbaridades de Deadpool), su relación complicada con Colossus, la burla a Wolverine y autobullying a Ryan Reynolds. Hay que resaltar las escenas post-crédito, en las que no se trató de un adelanto de otra película, sino más de las locuras de Deadpool, con puntos que ya él mismo había dicho durante la trama.

Otro aspecto que retoma de la primera es la banda sonora inspirada en música de los 80, que hacen contraste con las locuras de Deadpool y todo lo que acontece de por medio, complementada a la perfección con la dirección de fotografía haciendo honor a la línea establecida por la película anterior.

Sin dudas, esta versión es mucho más entretenida, pero sobretodo más centrada que su antecesora. Tiene comedia, drama, sangre por todos lados y más razones para enamorarse de Deadpool y cogerle cariño a todas sus maldades. El, al final, termina siendo el chico bueno.

The Death of Stalin

La noche del 2 de marzo de 1953 murió un hombre. Ese hombre es Josef Stalin, dictador, tirano, carnicero y Secretario General de la URSS. Y si juegas tus cartas bien, el puesto ahora puede ser tuyo. Una sátira sobre los días previos al funeral del padre de la nación. Dos jornadas de duras peleas por el poder absoluto a través de manipulaciones, lujurias y traiciones. (FILMAFFINITY)

¿Quién diría que la muerte de un tirano podría convertirse en una sátira rentable? Al punto que la audiencia está esperando su muerte, no solo porque fue una terrible persona, sino porque sabemos que será para matarse de la risa. Armando Iannucci (Creador de Veep) le da vida a la lucha de poderes tras la muerte de Stalin.

Stalin muere y, con él, muchas de sus "estrategias políticas". Lavrentiy Beria, jefe de la policía secreta NKVD, pone en marcha un nuevo plan, desocupando la fuerza militar de sus puntos, sacando una nueva lista de "enemigos del gobierno" y decide controlar como marioneta a Georgy Malenkov, el Secretario General Adjunto, quien se supone es que legalmente hereda el mando/poder. No obstante, Nikita Khrushchev, Encargado Oficial de Partido de Moscú, reconoce que las intenciones de Beria no son las mejores, y pone en marcha un plan con Georgy Zhukov, Oficial de las Fuerzas Armadas de la URSS, para acabar con Beria.

Mientras estos problemas internos van desatando una crísis política de poderes, la Unión Soviética se va destrozando al perder al único líder que sabía "cómo manejarla". Iannucci utiliza los días de la muerte de Stalin como una ridiculización de las personalidades políticas que rodeaban a este tirano y que, a su vez, esperaban con ansías su caída para poder tomar el mando y manejar el país a su placer. Cada uno de estos personajes le dan esencia satírica a la historia y van explicando cuáles son las intenciones de cada uno, además del deseo de poder.

Un punto importante a favor de esta historia son los twists de cada personaje, pues se introducían con una determinada intención, y justo al final cambiaban totalmente, pero este era su plan original: hacerse pasar por algo que realmente no eran. Las actuaciones son impresionantes, porque las fisicalidades son bien acertadas, pero a la vez son extremadamente divertidas y dan esa curiosidad de querer investigar más sobre los personajes, incluyendo de aquellos pequeños roles en la película que aún así aportaron escenas necesarias para demostrar las ideas de cada escena. También, hay un arduo trabajo de guion, en que cada pequeño detalle introducido en la historia tendría su explicación o participación a lo largo de la película.

La fotografía y el montaje son dos puntos técnicos a resaltar, pues estaban muy bien establecidos en función de cómo introducir cada personaje y cómo ir evolucionando hacía las demás secuencias de una manera orgánica y creíble, con el uso de elementos estilísticos los cuales servirán como recordatorios para esta película.

A pesar de algunas inexactitudes históricas, está película es lo suficientemente sólida como para considerarse una de las sátiras más importantes y mejor desarrolladas de este año. Con la elocuencia de sus personajes, la descripción de lo que sucedía en Rusia en esos momentos y las puestas de escena cargadas de elegancia y sencillez, The Death of Stalin es una comedía negrísima que reprime la ética y moral de sus tiranos, e instruye sobre esa historia.

Blockers

Tres padres tratan de impedir que sus hijas tengan relaciones sexuales en Prom Night. (FILMAFFINITY)

Prom Night es el evento más importante para cualquier adolescente. Pero con los años, se ha convertido en una sola cosa: libertinaje por una noche. Y para cualquier padre, preocupado por sus hijos, es una noche de completa tortura. No obstante, la decisión de ir a evitar lo que estas jóvenes hagan o dejen de hacer podría ser la humillación de toda una vida (ATENCION PADRES: esto no es apto de aplicar en sus hijos). 

Cuando Julie, Kayla y Sam, Prom Night deciden hacer un "Sex Pact" en la noche de Prom, lo que menos se esperaban es que sus padres se enterarían de su plan, gracias a la desbloqueada computadora de una de ellas. No obstante, y a pesar de los grandes intentos de Hunter (padre de Sam) por evitar que Lisa (madre de Julie) y Mitchell (padre de Kayla) les hagan pasar una vergüenza a sus hijas, los tres las siguen hacia los distintos escenarios que van cubriendo todas las locuras de una sola noche.

A pesar de todas las grocerías y desagradables escenas que se van desarrollando a lo largo de la historia, Blockers logra su punto: es graciosa hasta que te duela el estómago. Pero esto no se debe únicamente a las decisiones o a las situaciones de los personajes, sino a su personalidad. No solo nos permitieron conocer las razones por las que estos padres se comportan de tal manera, sino las actitudes de sus hijas y cómo confrontan sus miedos y sus intereses. El personaje que más se destaca es el de Kayla (Geraldine Viswanathan), quien no solo se ganará el corazón del público con sus locuras, sino también con su autenticidad.

A su vez, la película sabe retratar en esencia la vida moderna del adolescente, desde sus juegos, hasta cómo exploran la sexualidad, cómo cada quien tiene su punto de vista sobre un mismo tema, pero que puede ser influenciado por lo que los demás opinen o quieran hacer. Pero también habla sobre el entendimiento moderno de los padres, de que a pesar que existen algunos que no apoyan la sexualidad en los jóvenes, hay otros que entienden que "si los hombres pueden tener relaciones antes de la mayoría de edad, las mujeres también". 

Si vemos la película desde el punto de vista de "eso no es posible de que suceda", hay muchos momentos que se salen de los límites de la gravedad y la lógica, como el momento en que el carro se queda balanceandose en forma vertical (ese momento es de LOCOS), el juego de cuál puede tomar más cerveza por el hueco trasero o el hecho de que un grupo de aproximádamente 100 estudiantes de colegio tienen acceso a un hotel 5 estrellas (¿COMO?). Además, hay situaciones que las dejan en el aire, principalmente la relación entre Lisa y Julie, quienes tuvieron una super discusión por teléfono, y después al final son mejores amigas, pero como nunca resuelven sus problemas frente a la cámara, es extraño volverlas a ver juntas como que nada ha pasado.

Pero no me malinterpreten: Blockers es una película que vale la pena ver, principalmente si quieres matar el tiempo, distraerte, no pensar en problemas personales y decidir si vale la pena hacerle eso a un hijo. Es una película para personas de mentes abiertas, que no se incomoden con el tema de la sexualidad, pero sí con el plan de acorralar a jóvenes en la noche de su baile.

Una vez más, ¡no hagan esto en la vida real! Sus hijos los odiarán para toda la vida.