Crítica Cinéfila: Spider-man, Brand New Day

Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home, y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo, ha desaparecido voluntariamente de las vidas y recuerdos de quienes ama. Combatiendo el crimen en una Nueva York que ya no conoce su nombre, se ha dedicado por completo a proteger su ciudad—un Spider-Man a tiempo completo—, pero a medida que aumentan las exigencias sobre él, la presión desencadena una evolución física que amenaza su existencia, al mismo tiempo que un extraño nuevo patrón de crímenes da lugar a una de las amenazas más poderosas a las que se ha enfrentado.

En las películas, a los superhéroes no les suele faltar compañía. Se organizan en ligas, escuadrones y dúos dinámicos. Tienen fans en cada rincón de la metrópolis, así como parejas importantes. (Incluso Batman, el vengador más renegado, vuelve a ser Bruce Wayne, el alma de la fiesta). Pero en "Spider-Man: Brand New Day", Peter Parker (Tom Holland) se ha convertido en un justiciero adicto al trabajo, motivado pero aislado. Lo vemos atrapar a un montón de villanos con la precisión de sus telarañas, para luego regresar al destartalado ático de Nueva York donde vive como un ermitaño, rodeado de pantallas de ordenador, trasteando con dispositivos electromecánicos diseñados para perfeccionar y concentrar sus poderes.

Pero es una cruzada solitaria. Peter, aunque ya no es un estudiante de secundaria ni un aspirante al MIT, está obsesionado con revisar los videos de redes sociales publicados por MJ (Zendaya), el amor de su vida, y Ned (Jason Batalon), su mejor amigo, siempre tan descarado. Doctor Strange borró todos sus recuerdos de Peter al final de "Spider-Man: No Way Home". Hacer eso era la única manera en que Peter podía salvar el multiverso. Ahora, cuando los tres finalmente se encuentran, MJ y Ned miran a Peter y ven a un completo desconocido. En cuanto a la querida tía May (Marisa Tomei), murió en la película anterior. 

En 2021, "No Way Home" recaudó 800 millones de dólares solo en Estados Unidos. Y si bien es tentador decir que tantos fans no pueden estar equivocados, mi propia experiencia con "No Way Home" fue que su extravagante y enrevesada historia de tres Spider-Man (Holland, Andrew Garfield, Tobey Maguire) fue una maniobra brillantemente orquestada y astutamente cínica de nostalgia, por no mencionar una película que solo me recordó por qué me mantengo fiel a Tobey Maguire como Spider-Man.

Tras “No Way Home”, “Spider-Man: Brand New Day” se siente por momentos como un bálsamo de drama contemplativo. La nueva película fue dirigida por Destin Daniel Cretton, el talentoso cineasta independiente que se adentró en el universo de Marvel con “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021). En “Brand New Day”, se percibe el gran esfuerzo que pone en crear una película de cómics reflexiva, humana y madura, y mucho mejor a su primera experiencia con este universo. Pero cuando se nota el esfuerzo que hace una película por lograr esas cualidades, tiende a desviar la atención de su objetivo.

En líneas generales, "Brand New Day" abarca lo que se espera de una película de superhéroes. Tiene una dosis satisfactoria de acción explosiva y vertiginosa, en particular una secuencia extendida, ambientada dentro y fuera de un rascacielos, donde Hulk, interpretado por Mark Ruffalo, irrumpe en escena. Tiene un héroe con una buena dosis de conflicto interno bajo su fachada bondadosa, así como una interpretación simpática y descontenta de Punisher por parte de Jon Bernthal y un villano que dista mucho de ser una caricatura odiosa. Sin embargo, si bien la película es entretenida por momentos, también es ardua, demasiado episódica e innecesariamente larga. Me alegró ver que "Brand New Day" no se pierde en el síndrome de fatiga de superhéroes con un exceso de CGI, pero la película es más agitada y pretenciosa que emocionalmente conmovedora.

Parte del problema radica en la trama de la amnesia. Al principio, resulta divertido y conmovedor que Peter, al encontrarse en la misma habitación que MJ, tenga que enfrentarse al hecho de que ella no lo recuerda. Estas escenas ahora tienen una dimensión metateatral propia. Sin embargo, después de un tiempo, la situación básica se vuelve un tanto frustrante. Queremos que la relación entre Peter y MJ sea un viaje, no una triste ironía congelada.

“Brand New Day” fue escrita por los veteranos de las películas de Marvel, Chris McKenna y Erik Sommers, cuya trama se nos presenta en bloques conceptuales. Al principio, Peter descubre que, como resultado de una concentración excesiva de ADN arácnido, sus poderes se han descontrolado. Pensamos que tal vez veremos un eco del drama traumático de “Superman II”, uno de los clásicos del género de superhéroes. Sin embargo, Peter solo necesita recuperarse con un “inhibidor”, un dispositivo plateado que se coloca en la nuca. Así recupera el control de sus poderes. Pero si “Brand New Day” iba a introducir este conflicto, la película debería haberlo mantenido hasta el final, en lugar de presentarlo como un capítulo cerrado.

Durante un tiempo, el villano resulta intrigante: una fuerza misteriosa capaz de entrar en la mente de cualquiera (excepto la de Spider-Man). Esta oscura habilidad se manifiesta en la imagen de personas que son repelidas una tras otra, como por un campo magnético, mientras las habilidades telepáticas del villano saltan de un huésped a otro. Spider-Man puede estar hablando con alguien que dice algo siniestro, y nos damos cuenta de que simplemente están canalizando al villano. ¿Pero qué importa? La película cree que este concepto es más impactante de lo que realmente es. Por fin, descubrimos quién es el villano, y resulta que no es... un villano. En realidad, es un personaje con una motivación honorable y comprensible. Sadie Sink la interpreta con una urgencia conmovedora, pero ¿cuál es, exactamente, el punto dramático de un enfrentamiento entre villanos que se convierte en una historia de amor? Es como si la película presentara a los villanos de los cómics como un grupo identitario que necesita ser salvado.

Se le agradece a Destin Daniel Cretton que intentara ofrecer algo más que la típica aventura de conectar los puntos del multiverso. Pero "Brand New Day" no llega a ser realmente impactante. O por lo menos, no para mí.

Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: Poor Things

Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Emma Stone es una mujer que comienza de cero en la nueva y sorprendente película de Yorgos Lanthimos, “ Poor Things”. Para la mayoría de nosotros, la vida se compone de conocimientos y circunstancias que tardamos décadas en acumular hasta que morimos. Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en dos horas y media, gracias a un procedimiento de reanimación después que la encuentran una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo no nacido dentro de su cabeza.

Bella, de soltera Victoria, es una tabula viva que respira, libre de presiones sociales, decoro o sutilezas. Y Stone, en su interpretación más descaradamente extraña hasta la fecha, la interpreta como una niña pequeña que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de “Poor Things” ella habla francés con fluidez y estudia anatomía, con los ojos y los oídos llenos de emoción y mundanería.

Realizado audazmente con un diseño de producción de color caramelizado, decorados alucinantes repletos de suficientes irrealidades de huevos de Pascua como para llenar el rompecabezas más difícil de 5,000 piezas, y trajes victorianos tremendamente exagerados que también parecen hechos por una costurera esquizoide. Y con la suficiente sobredosis de azucar, también es histéricamente divertida y la película más atrevida que probablemente verás en todo el año.

Lanthimos nos sitúa en lo que parece un Londres victoriano del siglo XIX, pero las sutilezas surrealistas que sólo aumentan en su extrañeza sugieren un mundo abierto y agrietado fuera de lugar y tiempo: los carruajes tirados por caballos son literalmente mitad caballo, mitad carruaje, los pájaros tienen caras de tiburón y una quimera mitad cerdo, mitad gallina camina por las calles sin que nadie se lo piense. Estas anomalías médicas experimentales se le atribuyen al funerario y científico enloquecido Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe, sombríamente tranquilizador).

Está marcado, literal y psíquicamente, por los tormentos de su padre, cirujano, y ahora tiene un rostro que parece un cuadro de Picasso, como si lo hubieran cortado, desarmado, reorganizado al azar y vuelto a coser. También es un eunuco que tiene que “hacer mis propios jugos gástricos”. Uno de sus protegidos en el quirófano es el médico novato del pueblo, Max McCandles (Ramy Youssef, adorablemente inepto y perpetuamente atónito), y juntos le devuelven la vida a Bella Baxter, y Max espera casarse con ella.

"Qué adorable retardada", le dice McCandles a Godwin (a quien Bella acabará llamando simplemente "Dios") sobre su creación nacida de nuevo mientras Bella se pone a golpear superficies, orinarse y balbucear tonterías en un inglés entrecortado que poco a poco empieza a tomar una forma lingüística más reconocible. Ahora sobre esa obscenidad antes mencionada: parte de la curva de aprendizaje existencial de Bella, por supuesto, viene con el descubrimiento de la masturbación y, finalmente, el sexo, del cual “Poor Things” está lleno de una cantidad escandalosa. Bella hace algo con una manzana que hará que todos olviden a Elio y el durazno de “Call Me by Your Name” y, todavía en un estado pueril y lascivo, llama al sexo “saltos furiosos”, sugiriendo a McCandles que tal vez “se tocan las partes genitales del otro”.

“Poor Things” en última instancia trata sobre el viaje erótico de Bella desde fuera del escenario del espejo freudiano hacia el mundo como un ser sexual despierto. Lanthimos y el guionista de “The Favourite”, Tony McNamara, a partir de una novela epistolar de 1992 de Alasdair Gray, están fascinados por las formas en que el deseo gobierna toda nuestra toma de decisiones. Al conocer al pícaro y decadente abogado Duncan Wedderburn (un petulante Mark Ruffalo), Bella decide que debe "aventurarse" en lugar de atarse a Dios y McCandles, con quienes está comprometida.

Y esas aventuras incluyen muchos saltos furiosos, como en un viaje a Lisboa (una creación alucinante de los diseñadores de producción Shona Heath y James Price), Duncan y Bella lo practican en todas las posiciones imaginables. Pero a medida que Bella se vuelve más inteligente y sabia cada día, y sus mechones de pelo negro siguen creciendo a una velocidad sobrenatural, Wedderburn comienza a preguntarse si ella es realmente "el diablo envuelto en un cuerpo seductor y un cerebro que separa a las personas".

“Poor Things” está llena de comentarios nocivos, descarados y agrios como estos, como lo es, por supuesto, el oficio de Tony McNamara, cuyo viperoso triángulo erótico lésbico en “The Favourite” arrojó infinitas máximas citables que seguramente se abrirán paso en El panteón del diálogo. “Poor Things” no es diferente. "Te miro y no siento nada más que la persistente pregunta de ¿cómo te quise?", le dice Bella a Wedderburn, cansada de sus celos de que ella se convierta en su propia persona.

Mientras está en un crucero por el Mediterráneo, un pasajero cínico interpretado por Jerrod Carmichael (cuyas lecturas de líneas son demasiado inexpresivas) le dice a Bella que la degradación, el horror y la tristeza son lo que nos hace personas sustanciales. Como cualquier fan de Lanthimos sabe, esas son piedras de toque de todas sus películas anteriores, incluida “Dogtooth”, de temática similar, que también se centró en los encuentros fenomenológicos de las personas y la comprensión del mundo que las rodea. Y, por lo general, para Lanthimos, la humanidad existe dentro de una bola de nieve que le gusta agitar para su propia diversión macabra; literalmente, mientras el director de fotografía Robbie Ryan encuadra el mundo con bastante frecuencia con una lente de ojo de pez, un dispositivo que ocasionalmente lo hizo tropezar en “The Favourite”, aquí se adapta al material visto desde el punto de vista asombrado del yo inquisitivo de Bella.

Pero la degradación, el horror y la tristeza rara vez entran en juego en “Poor Things”, una comedia sexual llena de empatía y esperanza sobre las posibilidades de una vida iniciada desde cero. Tomemos como ejemplo el colapso emocional de Bella cuando se encuentra, por primera vez, con las clases bajas mientras visita Atenas, un grupo de cuerpos disipados al estilo de Hieronymus Bosch en la base de un pintoresco acantilado. “¿Quién soy yo para acostarme en una cama de plumas mientras los bebés muertos yacen en una zanja?” Bella quiere ser una buena persona tanto como “Poor Things” demuestra el deseo de Lanthimos de extender algo más que un simple encogimiento de hombros hacia la humanidad y sus crueldades innatas.

Al ver esta belleza maximalista de una película en una sala de cine, es difícil resistir el impulso de hacer una pausa y detectar cualquier siguiente locura que se les ocurrió a estos cineastas para poblar los fondos. Más allá de las imágenes orgiásticas, “Poor Things” también está repleta de fabulosos personajes secundarios que van y vienen de la forma picaresca de la educación sentimental y erótica de Bella: Kathryn Hunter, con tatuajes en todo el cuerpo, interpreta a una madame del burdel parisino, ronca y que se muerde el lóbulo de la oreja; Christopher Abbott como un siniestro recién llegado cuyas intenciones no se estropearán en esta crítica; Hanna Schygulla como un pájaro de las nieves que viaja en un crucero y que “no ha tenido sexo en 20 años”; y Suzy Bemba como una prostituta con quien Bella tiene un encuentro sexual queer y un vínculo quizás más especial. En el centro hay un giro deliciosamente fuera de lo común de Emma Stone, prueba de que, sea cual sea la frecuencia agrietada en la que ella y Lanthimos viajan, su alquimia es la verdadera.

“Poor Things” es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordazmente divertido, caprichoso y excéntrico, modesto y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar que tratar de analizarlo todo en esta publicación resulta casi complicado a las ambiciones que la película posee.

Crítica Cinéfila: All The Light We Cannot See

Narra la historia de Marie-Laure, una adolescente francesa ciega, y Werner, un brillante adolescente alemán reclutado como soldado para rastrear emisiones de radio ilegales, cuyos caminos chocan en la Francia ocupada mientras ambos intentan sobrevivir a la devastación de la 2ª Guerra Mundial.

Algunos grandes libros simplemente no son adecuados para la adaptación, aunque eso nunca impidió que Hollywood lo intentara. A juzgar por su portada y su enorme popularidad, el atractivo de llevar a la pantalla algo como "All The Light We Cannot See" de Anthony Doerr es obvio. La novela ganadora del Premio Pulitzer, ambientada en Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, está repleta de personajes fascinantes, lugares pintorescos y un tema recurrente que mezcla la naturaleza humana de hacer lo prohibido con la clandestinidad que salva vidas. Pero si profundizas en sus páginas encontrarás una narrativa densa y no lineal contada en prosa lírica, casi operística. Las características que hicieron de la novela un libro elegante para pasar páginas también hacen que sea extraordinariamente difícil de adaptar.

Esto hace que Steven Knight juegue sus cartas de acuerdo a lo conveniente: ¿es mejor hacer una adaptación que sea propia para el medio aunque no cuente la historia completa, o aferrarse al libro y contar lo más que se puede? Como fiel creyente que cada medio comunica de acuerdo a su audiencia, creo que tomó la decisión correcta, aferrándose a un fragmento de esta increíble novela, dividiéndola en 4 episodios y utilizando algunos de sus momentos más épicos para ilustrar la trayectoria de los protagonistas que tanto querremos salvar.

La serie inicia con un asalto aéreo a la ciudad portuaria francesa amurallada de St. Malo en 1944, en los días previos a su liberación de los nazis. Se siguen las bombas lanzadas desde un escuadrón de aviones estadounidenses mientras caen sobre la ciudad, aterrizando en medio de una historia que ya está en progreso. Una adolescente, Marie-Laure LeBlanc (Aria Mia Loberti), sentada en el ático de una casa, envía un mensaje a su padre desaparecido y a su tío abuelo a través de un transmisor de radio y lee un pasaje de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. Aunque es ciega y está completamente sola, rápidamente nos damos cuenta de que en realidad es bastante capaz y autosuficiente.

A través de flashbacks, conocemos la historia de fondo de la casa y sus dueños: los tíos abuelos de Marie, los hermanos Madame Manec (Marion Bailey) y Etienne (Hugh Laurie). El padre de Marie, Daniel (Mark Ruffalo), la trajo para quedarse con ellos después de la invasión nazi de París, donde había estado trabajando como maestro cerrajero en el Museo de Historia Natural. Antes de abandonar el museo, se guardó en secreto un famoso y valioso diamante llamado "Mar de Llamas", que se cree que está maldito. Se dice que quienes lo toquen vivirán una larga vida, pero sus familiares estarán condenados a sufrir. El robo los ha convertido en el objetivo de un nazi en particular, el sargento mayor Reinhold von Rumpel (Lars Eidinger), quien cree que la gema lo curará de una enfermedad potencialmente mortal. Mientras Marie se protege sola del bombardeo en su casa, él aterroriza a los ciudadanos de St. Malo, buscándola para apoderarse de la gema.

Al mismo tiempo, en otra parte de la ciudad, un joven operador de radio alemán descubre la transmisión de Marie, pero la oculta a sus superiores nazis. Este es Werner Pfennig (Louis Hofmann, mejor conocido por los espectadores de Netflix como Jonas en la sinuosa serie alemana de viajes en el tiempo Dark). Nuestro segundo protagonista tiene razones para mantener la señal en secreto se van revelando gradualmente a través de flashbacks de su juventud en un orfanato, donde creció con su hermana Jutta (Luna Wedler), hasta que su genio para arreglar radios llamó la atención del tercer Reich. Lo reclutan para asistir a un internado nacionalista y luego lo obligan a unirse al ejército a pesar de ser técnicamente demasiado joven para ser soldado. A pesar de la cruz de hierro clavada en su pecho y el ocasional "Heil Hitler" lanzado para su propia protección, no es un simpatizante nazi. Puede parecer un poco desconcertante apoyarlo al principio, pero la simpatía innata de Hofmann te ayuda a hacerlo.

Desde el momento en que los conocemos, Werner y Marie están claramente en un rumbo de colisión que impulsa el sentido de los episodios, incluso si la serie parece algo desinteresada en seguir lo que resulta ser el hilo argumental más atractivo. Cuando sus caminos finalmente se cruzan, es eléctrico, gracias a la química y las actuaciones de Hofmann y Loberti. Entre el elenco mayoritariamente estelar, Ruffalo se destaca, aunque por momentos muy breves. Ha demostrado en otros proyectos que es más que un actor capaz; simplemente pudo haber sido más aprovechado. El que sí destaca cada vez que lo encontramos, y se convierte en un interesante conector entre Marie y Werner es el increíble e ingenioso profesor que en una de sus grandes narraciones radiofónicas dice una frase que resuena como un eco persistentemente motivador en ambos jóvenes: "la luz más brillante es la que no podemos ver". Además de ser un increíble título que resuena en la mente de dos almas jóvenes aferradas al sonido de un radio, es una referencia, ante todo, a toda la luz que literalmente no se puede ver: las longitudes de onda del espectro electromagnético que están más allá de la capacidad de detección del ojo humano. También es una sugerencia metafórica de que hay innumerables historias invisibles todavía enterradas en la Segunda Guerra Mundial; que las historias de niños comunes y corrientes, por ejemplo, son un tipo de luz que normalmente no se ven. En última instancia, el título pretende ser una sugerencia de que uno dedica demasiado tiempo a centrarse sólo en una pequeña porción del espectro de posibilidades, sin imaginarse el universo de opciones que hay allí afuera.

Los cuatro episodios fueron dirigidos por Shawn Levy, quien utiliza el buen trabajo de escenografía para guiar a sus personajes a contar una historia que pueda dejar a muchos deseosos de leer la novela en la que está inspirada. Las pintorescas calles adoquinadas, los edificios de ladrillo, los malecones de piedra y los interiores de las cabañas francesas le dan a la serie una sensación de habitabilidad y un distintivo sabor europeo. Algunas de las escenas incluso fueron filmadas en el verdadero St. Malo. Hay un bonito montaje al final del episodio final con fotografías de archivo de la ciudad, que es tan central en la historia que es casi un personaje en sí mismo.

Cuando te da la oportunidad de recuperar el aliento, "All The Light We Cannot See" puede transportarte maravillosamente. A lo mejor muchos quieran que esta historia se extienda tanto como su novela para disfrutar de la atmósfera de cualquiera de sus escenarios por un tiempo antes de empujarnos hacia atrás o hacia adelante en el tiempo. Pero eso requeriría extender el material original a varias temporadas, algo que no necesariamente es malo. Lo que sí deben saber todos es que arte de la adaptación consiste en descubrir qué cambios se pueden hacer en el libro sin sacrificar el espíritu de la historia. Creo que Levy encontró un espacio donde, sin necesidad de contar mucho, sacó la pureza de sus personajes, y le da sed de lectura y de curiosidad al más interesado.

Crítica Cinéfila: The Adam Project

Adam Reed (Reynolds) es un viajero del tiempo del año 2050, que se ha aventurado en una misión de rescate para buscar a Laura (Zoe Saldana), la mujer que ama, quien se perdió en el continuo espacio-tiempo en circunstancias misteriosas. Cuando la nave de Adam se estropea, es enviado en espiral al año 2022, y al único lugar que conoce de esta época de su vida: su casa, donde vive su yo cuando tenía 12 años.

Decían los antiguos romanos (y el gran cantante de principios del siglo XX, Guy Lombardo), “diviértete, es más tarde de lo que crees”. Esas palabras son un estribillo frecuente en la última película del director Shawn Levy y protagonizado por Ryan Reynolds, una comedia de acción dulce y sarcástica que, de acuerdo con el concepto igualmente alto de "Free Guy" del dúo, solo es consciente de sí mismo hasta cierto punto.

Por un lado, “The Adam Project” reconoce que el sarcasmo herido de su estrella encaja perfectamente en una aventura al estilo de Amblin sobre un piloto de combate herido que viaja en el tiempo para formar equipo con su yo de 12 años. Por otro lado, este espectáculo de Netflix abrumadoramente sobrecargado está tan ocupado tratando de fusionar las travesuras temporales de "Regreso al futuro" con el heroísmo de la era espacial de "La guerra de las galaxias", y hacerlo de una manera que evite que la gente no lo vea como un quasi-plagio, que le faltó originalidad y naturalidad en muchos momentos necesarios.

Alcanza su punto máximo con una persecución a alta velocidad a través de un bosque similar a Endor, y acentúa la mayoría de sus escenas de acción con batallas con sables de luz ciertamente geniales que encuentran algunas formas nuevas y divertidas de jugar con el accesorio clásico. Esa tecnología proviene de 2050, el año en que Adam Reed (Reynolds) escapa al comienzo de la película como parte de su misión de salvar nuestra línea de tiempo de un futuro que supuestamente se siente como "Terminator 2" en un buen día.

Herido al llegar en 2022 y, por lo tanto, incapaz de encender una nave espacial bloqueada por ADN que también requiere que sus pilotos estén ilesos por alguna razón (la mayoría de las películas de viajes en el tiempo tienen la cortesía de esperar unos minutos antes de freír por completo sus centros lógicos, pero está bien), Adam no tiene más remedio que reclutar a su yo más joven para el servicio.

Interpretado por el recién llegado Walker Scobell, quien misteriosamente canaliza el espíritu de Reynolds de una manera que ancla "The Adam Project" a su premisa incluso después de que la historia de la película comienza a desmoronarse, Adam, de 12 años, es el triste pero inteligente niño que podría pasar el resto de su sobrecompensación por las debilidades percibidas que lo definieron como un niño. Lo intimidan en la escuela, lo miman en casa (Jennifer Garner pone cara de valiente como la amorosa y exasperada madre de Adam) y sufre la pérdida reciente de su padre donde quiera que vaya. Para el joven Adam, la revelación de que crecerá y se convertirá en un tipo de héroe atractivo es la mejor noticia de todos los tiempos, incluso si Reynolds aparece en su puerta con una terrible advertencia sobre el futuro y una herida de bala fresca que lanza un fuerte chorro de sangre. Para Adam mayor, amargado por décadas de pérdida y resentimiento, reencontrarse con su versión más joven solo le trae tristes recuerdos.

Si alguna vez has visto una película de Ryan Reynolds, probablemente puedas imaginar cómo se desarrollan las cosas a partir de aquí: imagínate si personajes como Deadpool, Van Wilder y Definitely Maybe tuvieran un doppelgänger diminuto que hiciera eco de su desapego irónico y asaltara con tanta fuerza cada escena que se sentían como si tuvieran que ser robada para tener éxito. Reynolds podría hacer este tipo de cosas medio borracho, pero eso no significa él no es bueno en eso, o que "The Adam Project" no se divierte con el cumplimiento de un deseo de alguien que se venga de su yo más joven.

Pero "The Adam Project" no está satisfecho con tales travesuras impulsadas por los personajes, ni es lo suficientemente paciente como para dejar que se conviertan en algo más rico. El futuro se acerca rápidamente para estos jóvenes, y una vez que llega, con la fuerza de una gran armada y algunas ideas aún más grandes sobre la mecánica del espacio-tiempo, la película comienza a avanzar en un esfuerzo por acelerar su trama para que rápidamente la gente pierda de vista sus agujeros.

Al sugerir que los viajes en el tiempo siempre habrían existido una vez que alguien los usó para saltar a través de un agujero de gusano, “The Adam Project” trata cortésmente de excusarse del binario “A” o “B” de un género en el que el tiempo tiende a funcionar como ya sea un bucle fijo ("La Jetée") o una cronología dinámica ("Frecuencia"). No sorprende que el director de “Noche en el museo” no esté realmente interesado en tener esos dolores de cabeza, ni es un gran problema que su película se vuelva quisquillosa con sus propias reglas tan rápido como lo hace con todo lo demás.

Él y sus guionistas tienen toda la razón al reconocer que una película como esta solo necesita tener sentido emocional, pero “The Adam Project” cae en un ciclo de adormecimiento de pseudociencia y frases ingeniosas porque no logra acumular ningún peso emocional. Cómo Adam planea reunirse con su difunta esposa (Zoe Saldaña) solo se convierte en un punto conflictivo si a los espectadores no les importa el por qué, al igual que por qué los dos Adams necesitan unirse a su difunto padre (Mark Ruffalo) solo para salvar el mundo, si a los espectadores no les importa cómo estas personas podrían salvarse entre sí.

Ruffalo es un papá de Disney adorablemente aturdido, su voz redondeada es el vehículo perfecto para un diálogo asombrado sobre lo conmovedor de dedicar la vida a problemas que solo las generaciones futuras vivirán para resolver, pero simplemente no se le da suficiente tiempo para desenredar estos problemas cuatridimensionales, ni la dinámica familiar y ni siquiera los mejores científicos de Netflix tienen la tecnología necesaria para cambiar eso.

Es un tercer acto apropiado para una película demasiado segura que solo finge su ambición, y deja a "The Adam Project" menos como una opción natural para los talentos de Reynolds que como un vehículo estelar inadecuado para alguien que nunca ha estado menos interesado en estirar sus límites. “Pasé 30 años tratando de alejarme del yo que eras tú”, se lamenta el adulto Adam a su yo más joven, pero la línea suena hueca viniendo de alguien cuya imagen de pantalla completa siempre se ha basado en no crecer nunca. Si ese desarrollo detenido eventualmente podría empujar a Reynolds hacia roles más interesantes a medida que envejece, pues ese futuro se siente más lejano que nunca.