Crítica Cinéfila: Backrooms

Una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para intentar salvarlo.

En “ Backrooms ”, un inquietante viaje de terror dadaísta y meditativo en la tradición de “Eraserhead” y “Skinamarink”, donde se cuestiona la realidad, el director Kane Parsons convierte nuestros miedos en una casa de la risa con muchas paredes pero sin fondo. El personaje central, Clark ( Chiwetel Ejiofor ), es un dueño divorciado de una tienda de muebles, un arquitecto fracasado que hierve de resentimiento por el desastre en que se ha convertido su vida. Clark acude a terapia con la Dra. Mary Kline ( Renate Reinsve ), y juntos realizan un juego de rol en el que recrean la historia de Clark sobre cómo su esposa lo echó de casa. Ahora vive en la tienda, que se llama Cap'n Clark's Ottoman Empire (incluso hace anuncios de televisión disfrazado de pirata). Es un lugar grande donde vende muebles baratos, y un día, mientras intenta arreglar la iluminación defectuosa de la tienda, se siente atraído por una pared hasta que se adentra en ella.

Al otro lado de la pared hay una habitación enorme, casi vacía. Es como una versión de la tienda que han vaciado, con una moqueta mohosa, un techo salpicado de paneles rectangulares de luz fluorescente y paredes de un amarillo descolorido. Está conectada a otra habitación, y a otra, y a otra, y algunas contienen muebles apilados o montones de ropa sucia, y otras están divididas por huecos cuadrados que parecen pasadizos. Pero el lugar parece no tener fin. ¿Acaso Clark ha cruzado un espejo que lo llevará a la salvación? ¿Ha descubierto un misterio envuelto en un acertijo dentro de un enigma? ¿O ha entrado en el infierno? Quizás todo lo anterior.

La historia de fondo de "Backrooms" es casi tan interesante como la película misma. No es la primera película que surge de un concepto de creepypasta, pero podría ser la primera en hablar el lenguaje de los memes de Internet, canalizando la esencia misma del terror web en constante expansión. Backrooms comenzó como una sola fotografía inquietante tomada durante la renovación de una antigua tienda de muebles en Oshkosh, Wisconsin. El concepto fue luego desarrollado por usuarios en un hilo de 4chan, pero siguió siendo una visión del infierno como un infinito espacio de oficinas abandonadas hasta 2022, cuando Kane Parsons, de 16 años, tomó esa premisa y la expandió en una intrincada serie de cortometrajes en YouTube; la serie se convirtió en un fenómeno.

En las películas de Backrooms, la cámara vagaba por habitación tras habitación (era como un plató de cine interminable), con imágenes grabadas con el grano degradado del VHS. Todo tenía un aura a lo "Blair Witch": la dimensión de metraje encontrado, con la cámara en mano que el camarógrafo nunca suelta, ni siquiera al correr, y toda la insinuación de "¿qué se esconde tras la siguiente esquina?". Pero también fue un ejemplo fundamental de la estética del "espacio liminal": imágenes de espacios vacíos o abandonados que transmiten una sensación de desolación y, vagamente, de embrujo, con la cualidad de un portal de la vida real. El espacio liminal original podría haber sido casi como las tomas de los pasillos vacíos del hotel en "El resplandor", una película que siempre me ha parecido mucho más inquietante por su diseño audiovisual que por cualquier otro aspecto.

Gracias a la popularidad de la serie Backrooms, Parsons recibió una oferta de A24 para adaptarla a una película de terror. Con tan solo 20 años, esto lo convierte en el Orson Welles del cine viral. Y tal vez lo sea. "Backrooms", que se nutre de la popularidad de Parsons, podría convertirse en la primera película de terror experimental en recaudar 40 millones de dólares en su primer fin de semana. Parsons, en su debut como director de largometrajes (el guion es de Will Soodik), demuestra ser un maestro de la ambientación, compartiendo con el joven David Lynch la pasión por el diseño de sonido industrial y cósmico, así como su fascinación por los misterios de la electricidad. Parsons extrae el verdadero terror de la sensación de estar encerrado, en lo que a veces parece una versión infinita de la guarida de un asesino en serie.

Como película de terror atmosférico, "Backrooms" es extraordinariamente efectiva. Te sientas y te sumerges en el laberinto, en los enigmas y las texturas grunge, sabiendo que la película te va a dejar perplejo. La sensación de pavor creciente se basa en la posibilidad de que algo horrible aceche dentro de esas habitaciones amarillas y mohosas, algo parecido al monstruo que aparece en "Inland Empire" de Lynch (otro precursor de Backrooms). Y Parsons, con su estilo demasiado refinado para los sustos repentinos, nos ofrece esos monstruos, o al menos, algunas figuras atormentadas de horror con cabezas retorcidas. Hay una imponente versión demoníaca del Capitán Clark, así como humanos que parecen tener varias caras arrugadas sobre sí mismos. ¿Qué son? Quizás seamos nosotros.

Chiwetel Ejiofor, un actor excepcional, es la presencia perfecta para estar en el centro de todo esto. Su Clark, barbudo y bebedor, es un hombre cuya vida destrozada no tiene sentido para él, y a medida que se adentra en los cuartos traseros, comunica —e inculca en el público— la sensación de que busca una catarsis de significado, incluso si resulta ser una pesadilla (que, por supuesto, lo es). Renate Reinsve, como la psiquiatra que se adentra en los cuartos traseros tras él, transmite una tensión angustiosa.

A pesar de la inquietante viveza de su imaginación, ¿es "Backrooms" una buena película? Es un film de insinuaciones y oscuridad profunda, como un thriller de casas encantadas convertido en un escalofriante poema sobre lo siniestro. Puede que decepcione a quienes esperen una experiencia de terror convencional. Parsons, a pesar de todo lo que muestra, deja la sensación de que el verdadero horror podría estar fuera de nuestro alcance, lo cual, en cierto modo, es lo que convierte la estética del espacio liminal en algo atractivo. Pero no se puede negar que Kane Parsons es ahora un maestro en este género. De ahora en adelante, será fascinante ver cómo llena esos espacios.

Crítica Cinéfila: Never Let Go

Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos gemelos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno. Necesitan estar conectados en todo momento, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero, cuando uno de los niños se pregunta si el mal es real, los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia.

Algo anda mal en el bosque otra vez; solo unos meses después de un asesino trastornado, algunas hadas trastornadas y un intento trastornado de resucitar extraños nos recordaran nuevamente que debemos mantenernos alejados de este lugar. En la nueva película de terror intrigante pero excesivamente derivada de Alexandre Aja, "Never Let Go", Halle Berry es una madre que intenta mantener a sus hijos mellizos a salvo en un paisaje infernal postapocalíptico, ocultos de lo que queda del mundo exterior. Hay reglas exhaustivas contadas de manera agotadora, la más importante de las cuales es nunca salir de su choza remota sin una cuerda atada, manteniendo una conexión con la santidad del hogar en todo momento. Si se encuentran sin ataduras, estarán a merced de un mal malévolo que los consumirá.

Pero es un mal que sólo ella parece ver, y les dice a los chicos que sólo lo verán cuando sean mayores, una advertencia que empieza a generar sospechas en la mente de Nolan (Percy Daggs IV), el menos incuestionablemente leal de los dos, que se enfrenta a la oposición de su hermano Samuel (Anthony B Jenkins). A medida que la comida empieza a escasear y las tensiones empiezan a aumentar, la tensa dinámica familiar se pone a prueba.

Es fácil distraerse mientras se ve "Never Let Go", y el instinto de enumerar las muchas películas que recuerda se vuelve cada vez más difícil de reprimir. Hay fragmentos de "Bird Box", "10 Cloverfield Lane", "The Babadook", "The Village", "Goodnight Mommy" y "A Quiet Place", entre muchas otras, y la película existe tanto en la tendencia reciente de los thrillers de aislamiento en la era de la pandemia como en el subgénero de los horrores que son sutilmente alegóricos. Es una película sobre una madre que intenta evitar que sus hijos se vayan de casa, protegiéndolos de los monstruos que existen afuera y, al mismo tiempo, poniéndolos en riesgo de ser lastimados por los que viven dentro también. Posiblemente se trate de varias cosas: la maldición de la enfermedad mental hereditaria, la asfixia de la crianza sobreprotectora, el miedo a liberar a los hijos negros en un mundo brutal y racista; un caldo de ideas que burbujea y que nos lleva a creer que esto no es solo un vago retroceso.

Cuando la película se sitúa en el espacio entre la suposición y el conocimiento, hay un verdadero atractivo. Una vez que la falta de elegancia de la ambientación ha pasado, hay una tensión genuina al intentar averiguar de dónde viene el verdadero peligro y ver a los niños obligados a pensar como adultos. Aja, cuyas películas de Hollywood han tendido a ser más fracasos (Mirrors, Horns, The Hills Have Eyes, The 9th Life of Louis Drax) que éxitos (Craw, Piranha), se inclina hacia una maldad eficientemente pesadillesca, mostrándonos desde el principio que los monstruos que plagan a Berry encuentran formas tortuosas de atormentarla. Ella ve una versión grotesca de su madre muerta o una visión de sus hijos muertos o una serpiente gigante que da vueltas y, al límite, Berry es feroz y persuasiva como una madre que intenta equilibrar su miedo personal con su necesidad de mantenerse fuerte frente a sus hijos.

Una escena que va aumentando de intensidad y que involucra al perro de la familia ofrece un verdadero suspenso que te mantiene en vilo, pero también señala el punto en el que la película comienza a desmoronarse. Le sigue una gran sorpresa que te deja sin aliento y que, lamentablemente, le quita el aire al acto final, dejando un final caótico con piezas de rompecabezas que caen en cascada y no encajan en su lugar. Lo que parecía intrigante se vuelve completamente confuso y uno comienza a lamentar el apogeo de Shyamalan, cuando podía crear un final de género que se ganaba la vida y explicaba lo suficiente como para convencernos.

Aja no encuentra la manera de equilibrar la cruda seriedad de la película con los elementos más ridículos y sombríos de las películas de monstruos. Nunca está muy seguro de si quiere engañarnos con un susto repentino o hacernos reflexionar sobre cuestiones más importantes y, al no poder hacer ambas cosas de manera eficiente, la película se pierde en la oscuridad intermedia. Berry es, como siempre, un ancla fuerte, pero cuando aparecen los créditos finales, estamos listos para soltar la película en su totalidad.

Crítica Cinéfila: All The Light We Cannot See

Narra la historia de Marie-Laure, una adolescente francesa ciega, y Werner, un brillante adolescente alemán reclutado como soldado para rastrear emisiones de radio ilegales, cuyos caminos chocan en la Francia ocupada mientras ambos intentan sobrevivir a la devastación de la 2ª Guerra Mundial.

Algunos grandes libros simplemente no son adecuados para la adaptación, aunque eso nunca impidió que Hollywood lo intentara. A juzgar por su portada y su enorme popularidad, el atractivo de llevar a la pantalla algo como "All The Light We Cannot See" de Anthony Doerr es obvio. La novela ganadora del Premio Pulitzer, ambientada en Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, está repleta de personajes fascinantes, lugares pintorescos y un tema recurrente que mezcla la naturaleza humana de hacer lo prohibido con la clandestinidad que salva vidas. Pero si profundizas en sus páginas encontrarás una narrativa densa y no lineal contada en prosa lírica, casi operística. Las características que hicieron de la novela un libro elegante para pasar páginas también hacen que sea extraordinariamente difícil de adaptar.

Esto hace que Steven Knight juegue sus cartas de acuerdo a lo conveniente: ¿es mejor hacer una adaptación que sea propia para el medio aunque no cuente la historia completa, o aferrarse al libro y contar lo más que se puede? Como fiel creyente que cada medio comunica de acuerdo a su audiencia, creo que tomó la decisión correcta, aferrándose a un fragmento de esta increíble novela, dividiéndola en 4 episodios y utilizando algunos de sus momentos más épicos para ilustrar la trayectoria de los protagonistas que tanto querremos salvar.

La serie inicia con un asalto aéreo a la ciudad portuaria francesa amurallada de St. Malo en 1944, en los días previos a su liberación de los nazis. Se siguen las bombas lanzadas desde un escuadrón de aviones estadounidenses mientras caen sobre la ciudad, aterrizando en medio de una historia que ya está en progreso. Una adolescente, Marie-Laure LeBlanc (Aria Mia Loberti), sentada en el ático de una casa, envía un mensaje a su padre desaparecido y a su tío abuelo a través de un transmisor de radio y lee un pasaje de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. Aunque es ciega y está completamente sola, rápidamente nos damos cuenta de que en realidad es bastante capaz y autosuficiente.

A través de flashbacks, conocemos la historia de fondo de la casa y sus dueños: los tíos abuelos de Marie, los hermanos Madame Manec (Marion Bailey) y Etienne (Hugh Laurie). El padre de Marie, Daniel (Mark Ruffalo), la trajo para quedarse con ellos después de la invasión nazi de París, donde había estado trabajando como maestro cerrajero en el Museo de Historia Natural. Antes de abandonar el museo, se guardó en secreto un famoso y valioso diamante llamado "Mar de Llamas", que se cree que está maldito. Se dice que quienes lo toquen vivirán una larga vida, pero sus familiares estarán condenados a sufrir. El robo los ha convertido en el objetivo de un nazi en particular, el sargento mayor Reinhold von Rumpel (Lars Eidinger), quien cree que la gema lo curará de una enfermedad potencialmente mortal. Mientras Marie se protege sola del bombardeo en su casa, él aterroriza a los ciudadanos de St. Malo, buscándola para apoderarse de la gema.

Al mismo tiempo, en otra parte de la ciudad, un joven operador de radio alemán descubre la transmisión de Marie, pero la oculta a sus superiores nazis. Este es Werner Pfennig (Louis Hofmann, mejor conocido por los espectadores de Netflix como Jonas en la sinuosa serie alemana de viajes en el tiempo Dark). Nuestro segundo protagonista tiene razones para mantener la señal en secreto se van revelando gradualmente a través de flashbacks de su juventud en un orfanato, donde creció con su hermana Jutta (Luna Wedler), hasta que su genio para arreglar radios llamó la atención del tercer Reich. Lo reclutan para asistir a un internado nacionalista y luego lo obligan a unirse al ejército a pesar de ser técnicamente demasiado joven para ser soldado. A pesar de la cruz de hierro clavada en su pecho y el ocasional "Heil Hitler" lanzado para su propia protección, no es un simpatizante nazi. Puede parecer un poco desconcertante apoyarlo al principio, pero la simpatía innata de Hofmann te ayuda a hacerlo.

Desde el momento en que los conocemos, Werner y Marie están claramente en un rumbo de colisión que impulsa el sentido de los episodios, incluso si la serie parece algo desinteresada en seguir lo que resulta ser el hilo argumental más atractivo. Cuando sus caminos finalmente se cruzan, es eléctrico, gracias a la química y las actuaciones de Hofmann y Loberti. Entre el elenco mayoritariamente estelar, Ruffalo se destaca, aunque por momentos muy breves. Ha demostrado en otros proyectos que es más que un actor capaz; simplemente pudo haber sido más aprovechado. El que sí destaca cada vez que lo encontramos, y se convierte en un interesante conector entre Marie y Werner es el increíble e ingenioso profesor que en una de sus grandes narraciones radiofónicas dice una frase que resuena como un eco persistentemente motivador en ambos jóvenes: "la luz más brillante es la que no podemos ver". Además de ser un increíble título que resuena en la mente de dos almas jóvenes aferradas al sonido de un radio, es una referencia, ante todo, a toda la luz que literalmente no se puede ver: las longitudes de onda del espectro electromagnético que están más allá de la capacidad de detección del ojo humano. También es una sugerencia metafórica de que hay innumerables historias invisibles todavía enterradas en la Segunda Guerra Mundial; que las historias de niños comunes y corrientes, por ejemplo, son un tipo de luz que normalmente no se ven. En última instancia, el título pretende ser una sugerencia de que uno dedica demasiado tiempo a centrarse sólo en una pequeña porción del espectro de posibilidades, sin imaginarse el universo de opciones que hay allí afuera.

Los cuatro episodios fueron dirigidos por Shawn Levy, quien utiliza el buen trabajo de escenografía para guiar a sus personajes a contar una historia que pueda dejar a muchos deseosos de leer la novela en la que está inspirada. Las pintorescas calles adoquinadas, los edificios de ladrillo, los malecones de piedra y los interiores de las cabañas francesas le dan a la serie una sensación de habitabilidad y un distintivo sabor europeo. Algunas de las escenas incluso fueron filmadas en el verdadero St. Malo. Hay un bonito montaje al final del episodio final con fotografías de archivo de la ciudad, que es tan central en la historia que es casi un personaje en sí mismo.

Cuando te da la oportunidad de recuperar el aliento, "All The Light We Cannot See" puede transportarte maravillosamente. A lo mejor muchos quieran que esta historia se extienda tanto como su novela para disfrutar de la atmósfera de cualquiera de sus escenarios por un tiempo antes de empujarnos hacia atrás o hacia adelante en el tiempo. Pero eso requeriría extender el material original a varias temporadas, algo que no necesariamente es malo. Lo que sí deben saber todos es que arte de la adaptación consiste en descubrir qué cambios se pueden hacer en el libro sin sacrificar el espíritu de la historia. Creo que Levy encontró un espacio donde, sin necesidad de contar mucho, sacó la pureza de sus personajes, y le da sed de lectura y de curiosidad al más interesado.

Crítica Cinéfila: The Adam Project

Adam Reed (Reynolds) es un viajero del tiempo del año 2050, que se ha aventurado en una misión de rescate para buscar a Laura (Zoe Saldana), la mujer que ama, quien se perdió en el continuo espacio-tiempo en circunstancias misteriosas. Cuando la nave de Adam se estropea, es enviado en espiral al año 2022, y al único lugar que conoce de esta época de su vida: su casa, donde vive su yo cuando tenía 12 años.

Decían los antiguos romanos (y el gran cantante de principios del siglo XX, Guy Lombardo), “diviértete, es más tarde de lo que crees”. Esas palabras son un estribillo frecuente en la última película del director Shawn Levy y protagonizado por Ryan Reynolds, una comedia de acción dulce y sarcástica que, de acuerdo con el concepto igualmente alto de "Free Guy" del dúo, solo es consciente de sí mismo hasta cierto punto.

Por un lado, “The Adam Project” reconoce que el sarcasmo herido de su estrella encaja perfectamente en una aventura al estilo de Amblin sobre un piloto de combate herido que viaja en el tiempo para formar equipo con su yo de 12 años. Por otro lado, este espectáculo de Netflix abrumadoramente sobrecargado está tan ocupado tratando de fusionar las travesuras temporales de "Regreso al futuro" con el heroísmo de la era espacial de "La guerra de las galaxias", y hacerlo de una manera que evite que la gente no lo vea como un quasi-plagio, que le faltó originalidad y naturalidad en muchos momentos necesarios.

Alcanza su punto máximo con una persecución a alta velocidad a través de un bosque similar a Endor, y acentúa la mayoría de sus escenas de acción con batallas con sables de luz ciertamente geniales que encuentran algunas formas nuevas y divertidas de jugar con el accesorio clásico. Esa tecnología proviene de 2050, el año en que Adam Reed (Reynolds) escapa al comienzo de la película como parte de su misión de salvar nuestra línea de tiempo de un futuro que supuestamente se siente como "Terminator 2" en un buen día.

Herido al llegar en 2022 y, por lo tanto, incapaz de encender una nave espacial bloqueada por ADN que también requiere que sus pilotos estén ilesos por alguna razón (la mayoría de las películas de viajes en el tiempo tienen la cortesía de esperar unos minutos antes de freír por completo sus centros lógicos, pero está bien), Adam no tiene más remedio que reclutar a su yo más joven para el servicio.

Interpretado por el recién llegado Walker Scobell, quien misteriosamente canaliza el espíritu de Reynolds de una manera que ancla "The Adam Project" a su premisa incluso después de que la historia de la película comienza a desmoronarse, Adam, de 12 años, es el triste pero inteligente niño que podría pasar el resto de su sobrecompensación por las debilidades percibidas que lo definieron como un niño. Lo intimidan en la escuela, lo miman en casa (Jennifer Garner pone cara de valiente como la amorosa y exasperada madre de Adam) y sufre la pérdida reciente de su padre donde quiera que vaya. Para el joven Adam, la revelación de que crecerá y se convertirá en un tipo de héroe atractivo es la mejor noticia de todos los tiempos, incluso si Reynolds aparece en su puerta con una terrible advertencia sobre el futuro y una herida de bala fresca que lanza un fuerte chorro de sangre. Para Adam mayor, amargado por décadas de pérdida y resentimiento, reencontrarse con su versión más joven solo le trae tristes recuerdos.

Si alguna vez has visto una película de Ryan Reynolds, probablemente puedas imaginar cómo se desarrollan las cosas a partir de aquí: imagínate si personajes como Deadpool, Van Wilder y Definitely Maybe tuvieran un doppelgänger diminuto que hiciera eco de su desapego irónico y asaltara con tanta fuerza cada escena que se sentían como si tuvieran que ser robada para tener éxito. Reynolds podría hacer este tipo de cosas medio borracho, pero eso no significa él no es bueno en eso, o que "The Adam Project" no se divierte con el cumplimiento de un deseo de alguien que se venga de su yo más joven.

Pero "The Adam Project" no está satisfecho con tales travesuras impulsadas por los personajes, ni es lo suficientemente paciente como para dejar que se conviertan en algo más rico. El futuro se acerca rápidamente para estos jóvenes, y una vez que llega, con la fuerza de una gran armada y algunas ideas aún más grandes sobre la mecánica del espacio-tiempo, la película comienza a avanzar en un esfuerzo por acelerar su trama para que rápidamente la gente pierda de vista sus agujeros.

Al sugerir que los viajes en el tiempo siempre habrían existido una vez que alguien los usó para saltar a través de un agujero de gusano, “The Adam Project” trata cortésmente de excusarse del binario “A” o “B” de un género en el que el tiempo tiende a funcionar como ya sea un bucle fijo ("La Jetée") o una cronología dinámica ("Frecuencia"). No sorprende que el director de “Noche en el museo” no esté realmente interesado en tener esos dolores de cabeza, ni es un gran problema que su película se vuelva quisquillosa con sus propias reglas tan rápido como lo hace con todo lo demás.

Él y sus guionistas tienen toda la razón al reconocer que una película como esta solo necesita tener sentido emocional, pero “The Adam Project” cae en un ciclo de adormecimiento de pseudociencia y frases ingeniosas porque no logra acumular ningún peso emocional. Cómo Adam planea reunirse con su difunta esposa (Zoe Saldaña) solo se convierte en un punto conflictivo si a los espectadores no les importa el por qué, al igual que por qué los dos Adams necesitan unirse a su difunto padre (Mark Ruffalo) solo para salvar el mundo, si a los espectadores no les importa cómo estas personas podrían salvarse entre sí.

Ruffalo es un papá de Disney adorablemente aturdido, su voz redondeada es el vehículo perfecto para un diálogo asombrado sobre lo conmovedor de dedicar la vida a problemas que solo las generaciones futuras vivirán para resolver, pero simplemente no se le da suficiente tiempo para desenredar estos problemas cuatridimensionales, ni la dinámica familiar y ni siquiera los mejores científicos de Netflix tienen la tecnología necesaria para cambiar eso.

Es un tercer acto apropiado para una película demasiado segura que solo finge su ambición, y deja a "The Adam Project" menos como una opción natural para los talentos de Reynolds que como un vehículo estelar inadecuado para alguien que nunca ha estado menos interesado en estirar sus límites. “Pasé 30 años tratando de alejarme del yo que eras tú”, se lamenta el adulto Adam a su yo más joven, pero la línea suena hueca viniendo de alguien cuya imagen de pantalla completa siempre se ha basado en no crecer nunca. Si ese desarrollo detenido eventualmente podría empujar a Reynolds hacia roles más interesantes a medida que envejece, pues ese futuro se siente más lejano que nunca.

Crítica Cinéfila: Free Guy

Guy (Ryan Reynolds) trabaja como cajero de un banco, y es un tipo alegre y solitario al que nada la amarga el día. Incluso si le utilizan como rehén durante un atraco a su banco, él sigue sonriendo como si nada. Pero un día se da cuenta de que Free City no es exactamente la ciudad que él creía. Guy va a descubrir que en realidad es un personaje no jugable dentro de un brutal videojuego.

Free Guy puede ser la película inspirada en videojuegos más entretenida hasta ahora. 

Cualquiera que haya visto alguno de los muchos esfuerzos anteriores de Hollywood en el género sabrá lo que eso significa. No me refiero a la mirada de adaptaciones cinematográficas directas, como Resident Evil, Lara Croft o Street Fighter, sino a películas sobre mundos virtuales como Tron, Wreck-It Ralph  y Pixels. La nueva comedia de aventuras de Shawn Levy protagonizada por Ryan Reynolds se eleva por encima del último campo, y los jugadores apasionados se deleitarán con su entrega ininterrumpida de bromas internas y huevos de Pascua. Aquellos que no estén familiarizados con términos como "mundo abierto" y "NPC" (personaje no jugador) probablemente se divertirán menos, aunque el atractivo ilimitado de Reynolds, el guión frecuentemente ingenioso y los aspectos técnicos interpretados por expertos hacen que la película genéricamente disfrutable por todos.

Reynolds interpreta al acertadamente llamado Guy, que se despierta todas las mañanas en su apartamento mínimamente amueblado y procede a realizar exactamente la misma rutina diaria incluyendo trabajar como cajero de banco, con un atuendo que nunca cambia de camisa azul abotonada y pantalones caqui. Tiene la misma reacción alegre cada vez que su barista le presenta su pedido de café habitual, y apenas se estremece cuando los ladrones armados asaltan su banco a diario. Sin embargo, reacciona fuertemente a la vista de Molotovgirl (Jodie Comer), una chica motociclista vestida de chaqueta de cuero con la que desarrolla una fijación instantánea. Tanto es así, de hecho, que comienza a preguntarse si hay algo más en la vida.

Desafortunadamente para Guy, realmente no lo hay, ya que él es simplemente un NPC en un videojuego de mundo abierto llamado "Free City", creado por una compañía llamada "Soonami" dirigida por el odioso y codicioso magnate Antwan (Taika Waititi, salvajemente pero entretenidamente exagerado). El juego fue co-creado por sus empleados Keys (Joe Keery) y Millie (Comer), quienes perdieron el control de su invento pero con frecuencia se inyectan en él como avatares.

Cuando Guy se rebela e intenta insertar el libre albedrío en su vida, el caos resulta en el juego, lo que amenaza la lucrativa franquicia de Antwan, que tiene la intención de expandir con una secuela, "Free City 2". En el camino, Millie, o al menos su avatar Molotovgirl, se enamora de Guy y se une a él en sus esfuerzos por salvar el único mundo que conoce.

Es un poco confuso, sin duda, especialmente si no ha pasado incontables horas perdidos en los videojuegos. Afortunadamente, el director Shawn Levy hace un excelente trabajo al delinear entre el mundo real y el virtual (Guy puede ver la diferencia cuando se pone lentes especiales), con los lujosos efectos especiales y un diseño de producción que brindan el tipo de experiencia inmersiva que los jugadores anhelan.

Los coguionistas Zak Pen (que tiene algo de experiencia con este tipo de cosas, después de haber escrito Ready Player One) y Matt Lieberman (The Christmas Chronicles) brindan muchas bromas internas a su público objetivo, pero también manejan la hazaña más difícil de hacer que nos preocupemos por sus personajes, incluso los virtuales. La amistad entre Guy y su compañero NPC, el guardia de banco Buddy (Lil Rel Howery), que está mucho menos ansioso por liberarse de sus estrechos parámetros, es genuinamente conmovedora, al igual que los crecientes sentimientos de Molotovgirl por el infinitamente optimista Guy. Si bien el intento de la película de un comentario social al estilo de Truman Show sobre la naturaleza de la existencia carece de la profundidad para resonar realmente, al menos gana puntos por ambición temática.

La película también es muy divertida, incluso si muchos de los chistes, incluidos los cameos de celebridades de los videojuegos de la vida real, pasarán por encima de la cabeza de muchas personas. También hay muchas otras sorpresas que, a excepción de la conmovedora última aparición en pantalla del difunto Alex Trebek, no se revelarán aquí. 

Si bien Comer sobresale en sus roles duales y los actores secundarios, incluido también Utkarsh Ambudkar, son consistentemente interesantes, es seguro decir que Free Guy no funcionaría tan bien como lo hace sin su protagonista. Reynolds es un actor que a menudo parece estar comentando sus propias actuaciones incluso cuando las está realizando. Aquí encarna a la perfección la dulce inocencia de su personaje, que ni siquiera está seguro de existir, pero definitivamente sabe que quiere. Te encuentras apoyándolo como si fuera tu propio avatar.