Crítica Cinéfila: Backrooms

Una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para intentar salvarlo.

En “ Backrooms ”, un inquietante viaje de terror dadaísta y meditativo en la tradición de “Eraserhead” y “Skinamarink”, donde se cuestiona la realidad, el director Kane Parsons convierte nuestros miedos en una casa de la risa con muchas paredes pero sin fondo. El personaje central, Clark ( Chiwetel Ejiofor ), es un dueño divorciado de una tienda de muebles, un arquitecto fracasado que hierve de resentimiento por el desastre en que se ha convertido su vida. Clark acude a terapia con la Dra. Mary Kline ( Renate Reinsve ), y juntos realizan un juego de rol en el que recrean la historia de Clark sobre cómo su esposa lo echó de casa. Ahora vive en la tienda, que se llama Cap'n Clark's Ottoman Empire (incluso hace anuncios de televisión disfrazado de pirata). Es un lugar grande donde vende muebles baratos, y un día, mientras intenta arreglar la iluminación defectuosa de la tienda, se siente atraído por una pared hasta que se adentra en ella.

Al otro lado de la pared hay una habitación enorme, casi vacía. Es como una versión de la tienda que han vaciado, con una moqueta mohosa, un techo salpicado de paneles rectangulares de luz fluorescente y paredes de un amarillo descolorido. Está conectada a otra habitación, y a otra, y a otra, y algunas contienen muebles apilados o montones de ropa sucia, y otras están divididas por huecos cuadrados que parecen pasadizos. Pero el lugar parece no tener fin. ¿Acaso Clark ha cruzado un espejo que lo llevará a la salvación? ¿Ha descubierto un misterio envuelto en un acertijo dentro de un enigma? ¿O ha entrado en el infierno? Quizás todo lo anterior.

La historia de fondo de "Backrooms" es casi tan interesante como la película misma. No es la primera película que surge de un concepto de creepypasta, pero podría ser la primera en hablar el lenguaje de los memes de Internet, canalizando la esencia misma del terror web en constante expansión. Backrooms comenzó como una sola fotografía inquietante tomada durante la renovación de una antigua tienda de muebles en Oshkosh, Wisconsin. El concepto fue luego desarrollado por usuarios en un hilo de 4chan, pero siguió siendo una visión del infierno como un infinito espacio de oficinas abandonadas hasta 2022, cuando Kane Parsons, de 16 años, tomó esa premisa y la expandió en una intrincada serie de cortometrajes en YouTube; la serie se convirtió en un fenómeno.

En las películas de Backrooms, la cámara vagaba por habitación tras habitación (era como un plató de cine interminable), con imágenes grabadas con el grano degradado del VHS. Todo tenía un aura a lo "Blair Witch": la dimensión de metraje encontrado, con la cámara en mano que el camarógrafo nunca suelta, ni siquiera al correr, y toda la insinuación de "¿qué se esconde tras la siguiente esquina?". Pero también fue un ejemplo fundamental de la estética del "espacio liminal": imágenes de espacios vacíos o abandonados que transmiten una sensación de desolación y, vagamente, de embrujo, con la cualidad de un portal de la vida real. El espacio liminal original podría haber sido casi como las tomas de los pasillos vacíos del hotel en "El resplandor", una película que siempre me ha parecido mucho más inquietante por su diseño audiovisual que por cualquier otro aspecto.

Gracias a la popularidad de la serie Backrooms, Parsons recibió una oferta de A24 para adaptarla a una película de terror. Con tan solo 20 años, esto lo convierte en el Orson Welles del cine viral. Y tal vez lo sea. "Backrooms", que se nutre de la popularidad de Parsons, podría convertirse en la primera película de terror experimental en recaudar 40 millones de dólares en su primer fin de semana. Parsons, en su debut como director de largometrajes (el guion es de Will Soodik), demuestra ser un maestro de la ambientación, compartiendo con el joven David Lynch la pasión por el diseño de sonido industrial y cósmico, así como su fascinación por los misterios de la electricidad. Parsons extrae el verdadero terror de la sensación de estar encerrado, en lo que a veces parece una versión infinita de la guarida de un asesino en serie.

Como película de terror atmosférico, "Backrooms" es extraordinariamente efectiva. Te sientas y te sumerges en el laberinto, en los enigmas y las texturas grunge, sabiendo que la película te va a dejar perplejo. La sensación de pavor creciente se basa en la posibilidad de que algo horrible aceche dentro de esas habitaciones amarillas y mohosas, algo parecido al monstruo que aparece en "Inland Empire" de Lynch (otro precursor de Backrooms). Y Parsons, con su estilo demasiado refinado para los sustos repentinos, nos ofrece esos monstruos, o al menos, algunas figuras atormentadas de horror con cabezas retorcidas. Hay una imponente versión demoníaca del Capitán Clark, así como humanos que parecen tener varias caras arrugadas sobre sí mismos. ¿Qué son? Quizás seamos nosotros.

Chiwetel Ejiofor, un actor excepcional, es la presencia perfecta para estar en el centro de todo esto. Su Clark, barbudo y bebedor, es un hombre cuya vida destrozada no tiene sentido para él, y a medida que se adentra en los cuartos traseros, comunica —e inculca en el público— la sensación de que busca una catarsis de significado, incluso si resulta ser una pesadilla (que, por supuesto, lo es). Renate Reinsve, como la psiquiatra que se adentra en los cuartos traseros tras él, transmite una tensión angustiosa.

A pesar de la inquietante viveza de su imaginación, ¿es "Backrooms" una buena película? Es un film de insinuaciones y oscuridad profunda, como un thriller de casas encantadas convertido en un escalofriante poema sobre lo siniestro. Puede que decepcione a quienes esperen una experiencia de terror convencional. Parsons, a pesar de todo lo que muestra, deja la sensación de que el verdadero horror podría estar fuera de nuestro alcance, lo cual, en cierto modo, es lo que convierte la estética del espacio liminal en algo atractivo. Pero no se puede negar que Kane Parsons es ahora un maestro en este género. De ahora en adelante, será fascinante ver cómo llena esos espacios.

Crítica Cinéfila: Obsession

El anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.

Estamos llegando a un punto en el que la ruta más segura para convertirse en director de terror es iniciar una carrera en la comedia de formato corto. Jordan Peele impactó al mundo con "Get Out", Zach Cregger lo convirtió en un patrón con "Barbarian" y "Weapons", Danny y Michael Philippou se subieron al carro con "Talk to Me" y "Bring Her Back". Ahora, el bromista de YouTube Curry Barker ha lanzado una de las mejores películas de terror de 2026.

“Obsession” comienza con la premisa más simple del género de terror: Bear (Michael Johnston) es un tímido y sensible empleado de una tienda de música que no encuentra el valor para invitar a salir a su compañera de trabajo y amiga de la infancia, Nikki (Inde Navarrette). En lugar de ser honesto con ella y decirle lo que realmente siente, entra en una tienda de cristales esotéricos y compra un Sauce de un Deseo, un juguete antiguo y cursi de los años 60 que promete conceder un deseo a su dueño al partir una rama por la mitad. La cajera le advierte que la mayoría de los clientes que lo compran se han quejado de los resultados, pero no sería una película de terror si le hiciera caso.

Tras dejar a Nikki en su casa después de una noche de trivia en un bar con sus otros compañeros de trabajo (y de incomodarla con su intento de coqueteo mientras insistía en que solo eran amigos), rompe el sauce y pide un deseo sencillo: que Nikki lo ame más que a nada en el mundo. Poco después, ella sale de su casa y le pide ir a la suya, y Bear piensa que acaba de comprar un billete de ida para salir de la zona de amigos, pero no sin sentirse extremadamente perturbado por su cambio de actitud.

De repente, Nikki está siempre loca por Bear, ansiosa por demostrarle afecto en público y pasa tanto tiempo con él que prácticamente se muda con él. Para Bear, la nueva situación es estupenda casi siempre… el único inconveniente es que Nikki a veces vuelve a ser la de antes y grita de terror durante unos segundos, antes de reanudar el bombardeo de amor.

Incluso antes de que la película se descontrole, los amigos en común de Bear y Nikki empiezan a señalar lo extraño que es todo. La otra chica del trabajo escuchó a Nikki hablar de cómo veía a Bear como un hermano menor apenas unas horas antes de convertirse en una adolescente locamente enamorada, y queda claro que está pasando por un mal momento. Empiezan a circular rumores: las conjeturas van desde la drogadicción hasta una crisis nerviosa total, pero curiosamente nadie adivina que se trata de un "juguete de los años 60 que concede deseos con consecuencias mortales". Sin embargo, en lo único que todas coinciden es en que Bear se está aprovechando de una chica vulnerable.

Sus relaciones sociales empiezan a escasear, las invitaciones a fiestas se pierden en el correo y Bear pronto se encuentra solo, sin nadie a quien recurrir, cuando la nueva Nikki comienza a apuñalarse con cristales rotos, a cocinar a su gato muerto y a sellar sus puertas con cinta adhesiva para impedirle salir de casa. Lo único que puede hacer es llamar al servicio de atención al cliente que aparece en el reverso del paquete; pero cuando escucha que tienen el alma de la verdadera Nikki pidiendo ayuda a gritos, el romántico empedernido se da cuenta de que se ha metido en un lío mucho mayor de lo que puede manejar.

“Obsession” demuestra que la influencia de Cregger en el terror de la década de 2020 está en pleno apogeo, ya que su combinación de violencia sádica, referencias irónicas y comedia extraída de la reacción patéticamente egoísta de las personas ante la tragedia merecerá numerosas comparaciones con “Barbarian” y “Weapons”. Además, continúa sabiamente la reciente tendencia de permitir que fuerzas del mal inexplicables simplemente existan en su mundo, encontrando su crítica social en la forma en que los humanos reaccionan ante lo que no comprenden. En lugar de convertir los males reales en metáforas.

El aspecto más fascinante e impredecible de la película reside en la decisión de Barker de contar una historia sobre algo objetivamente horrible —en este caso, un hombre que le arrebata el alma a una mujer y la convierte en una réplica psicótica de sí misma para poder tener relaciones sexuales con su cuerpo y fingir que son pareja— exclusivamente desde la perspectiva del perpetrador. Navarrette ofrece una interpretación brillantemente retorcida de lo que queda de Nikki, pero dado que su verdadero ser está atrapado gritando en el purgatorio del centro de llamadas y solo emerge por segundos, Bear es el humano a través de cuyos ojos vemos todo.

Gran parte del género de terror se basa en hombres que cometen actos atroces contra mujeres, con resultados que van desde la profunda misoginia hasta el feminismo catártico. Pero "Obsession" se centra en un miedo masculino mucho más contemporáneo: ser el tipo problemático cuyo círculo social sabe que se aprovechó de una chica y no quiere tener nada que ver con esto.

Cuando conocemos a Bear, no es un monstruo a punto de estallar. Es un tipo sensible, frustrado por su falta de éxito amoroso, y su desamor lo empuja a anteponer sus propios deseos a la autonomía de su amiga el tiempo suficiente para arruinarles la vida a ambos. No la agrede físicamente, pero se adentra en una zona moralmente ambigua por puro egoísmo, claramente atormentado por la culpa del ciclo irreversible que puso en marcha. También odia que sus amigos tengan razón en sus críticas. El hecho de que exista una película como "Obsession" es prueba de un mínimo progreso social, ya que solo funcionaría en una sociedad donde los hombres sienten que hay consecuencias sociales reales para la mala conducta sexual. Barker no le muestra piedad por sus acciones, pero deja la puerta abierta a una introspección más oscura. Para la mayoría de los espectadores, la pregunta aterradora no debería ser "¿Podría terminar como Nikki?", sino más bien "¿Podría yo, o alguien que conozco, sentir la tentación de hacer lo que hizo Bear?".

Eso no quiere decir que lo que le sucede a él sea peor que lo que le sucede a ella (al menos al principio), pero Barker casi parece desafiar al público a preguntarse cuántos "buenos" en la sala serían capaces de cometer un error de juicio similar en ciertas circunstancias. Hombres y mujeres experimentarán dos tipos de miedo muy diferentes al considerar la respuesta, pero "Obsession" debería mantener a todos despiertos mucho después de haberla visto.

Crítica Cinéfila: Hokum

Un escritor de terror visita una posada irlandesa para esparcir las cenizas de sus padres, sin saber que se dice que la propiedad está encantada por una bruja.

“Hokum”, la inquietante nueva joya de terror del guionista y director Damian McCarthy, es una historia de fantasmas que te atrapa de la mejor manera posible. También es una historia de brujas, una historia de un hotel embrujado y una historia sobre cómo la humanidad puede ser la fuerza más aterradora del mundo, todo ello entrelazado con una potente técnica. No solo resulta inquietante, gracias a su magistral uso de la oscuridad y el sonido, sino que también se convierte en una sutil y poética reflexión sobre la pérdida cuando menos te lo esperas. Cabe destacar que no se trata de otra película de terror obvia sobre el trauma, ya que McCarthy lo maneja todo con delicadeza, sin exagerar ni dar demasiadas explicaciones. En cambio, el cineasta irlandés aborda los elementos del terror folclórico con una naturalidad refrescante, un humor negro pero a la vez melancólico, al tiempo que le brinda a Adam Scott una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha. 

Todo comienza con una reveladora mirada a la imaginación de un escritor: el atormentado novelista Ohm Bauman (Scott), quien intenta encontrar la manera de terminar su historia sobre un hombre y un niño perdidos en un desierto donde la muerte podría ser su única salida. Está tecleando con una bebida siempre a mano, una leve sonrisa casi grabada en su rostro, la lluvia cayendo a cántaros afuera y su casa vacía casi engullida por las sombras. Este vacío desolador, tanto el de la historia como el de su vida, es donde se ha instalado, aunque algo ya parece acechar en la oscuridad. Al alzar la vista, ve una figura que parece observarlo desde lejos. Cuando intenta mirar más de cerca en el vacío, tanto en ese instante como a lo largo de la película, encuentra algo ineludiblemente doloroso que lo mira fijamente y al que tendrá que enfrentarse.

Tras esta fascinante escena inicial, casi sin diálogos, Ohm decide —o al menos se ve impulsado por algo— a ir a un remoto hotel irlandés que era un lugar especial para sus difuntos padres. Va allí para esparcir sus cenizas, y la escena, a la vez sombría y cómica, en la que lo hace, revela su compleja y tensa relación con ambos, obligándolo también a reflexionar sobre su propio pasado. Una angustia abrumadora lo espera allí, hasta que todo se vuelve demasiado y casi lo consume.

Es salvado por una amable camarera, Fiona (Florence Ordesh), quien no solo le habla de la misteriosa suite nupcial del hotel, a la que nadie tiene acceso, sino que también lo trae de vuelta al mundo de los vivos que parecía haberlo dado por perdido. Hablan sobre el final de su historia, y ella lo interpela directamente sobre si lo que él considera una conclusión valiente es en realidad una forma de eludir su responsabilidad. Cuando Fiona desaparece, Ohm se lanza a buscarla, mientras que la mayoría de los demás en el hotel parecen preferir que siga desaparecida.

La experiencia resultante es un triunfo sutil del terror, con una increíble técnica maestra y la misma inquietante fuerza emocional que una gran historia de Stephen King. Es tan entretenida como evocadora, y cada nuevo vistazo a la oscuridad invita a quedarse un rato más para ver qué emerge a continuación. Aunque similarmente contenida como las también sólidas películas anteriores de McCarthy, "Caveat" y "Oddity", "Hokum" demuestra ser su obra más segura, cautivadora y, en última instancia, demoledora hasta la fecha. Ya sea en los breves atisbos del pasado que proporcionan un contexto devastador a lo que inicialmente parecía una frase amarga pronunciada en estado de embriaguez, o en un siniestro programa de televisión infantil que atormenta a Ohm a mitad de la película, impacta de maneras sorprendentes.

Desde el meticuloso diseño de producción de Til Frohlich hasta la rica cinematografía de Colm Hogan, todo en esta película le otorga una mayor profundidad, sumergiéndote en los lúgubres rincones del hotel. Cada detalle hace que las habitaciones —y lo que yace debajo— parezcan infinitas, incluso en medio de la opresión. Cuando Ohm debe adentrarse aún más en las profundidades del hotel con la esperanza de encontrar una salida a esta pesadilla, su viaje se convierte en algo más que una lucha por la supervivencia. En cambio, busca algo más cercano a la salvación existencial en los abismos de la desesperación donde pasa la mayor parte de la película atrapado. A veces, hay que descender al abismo de la oscuridad para emerger a la luz.

Es una situación compleja, pero Scott está a la altura de las circunstancias en cada momento, ofreciendo una interpretación impactante, justo cuando la película se adentra en las profundidades del alma de Ohm. Su interpretación es sencillamente excepcional, transmitiendo el peso emocional de su personaje a la vez que encuentra momentos de humor en medio del horror. Es capaz de mostrar la crueldad de Ohm, sin rehuir jamás cómo el dolor que el escritor carga se ha endurecido hasta convertirse en una coraza impenetrable que utiliza para protegerse de quienes lo rodean.

A medida que los personajes le muestran pequeñas muestras de amabilidad a lo largo de la película, Ohm comienza a darse cuenta de que todavía hay personas que se preocupan por él y que, posiblemente, también tienen esperanzas en él. Afortunadamente, la película no nos lo pone fácil, sino que deja que Scott capture esta transformación gradual pero conmovedora con sutil delicadeza. Del mismo modo que el escritor abre su mente a la posibilidad de que algo más allá de nuestra comprensión se oculte en el hotel, vemos cómo empieza a considerar que su vida quizás no sea tan sombría después de todo.

La película conserva un encanto fascinante y muchos momentos que te conmueven profundamente. La forma en que Ohm y McCarthy encuentran sus respectivos finales resulta significativa. Es un significado que quizás requiera adentrarse en la oscuridad de la película, pero allí encontrarás una visión aterradora y, en última instancia, conmovedora.

Crítica Cinéfila: Final de Stranger Things

La batalla final está a punto de empezar, y deberán enfrentarse a una oscuridad más poderosa y letal que nunca. Para acabar con esta pesadilla, deberán estar todos juntos, una última vez.

Tras 42 episodios a lo largo de nueve años, Stranger Things ha llegado a su fin en Netflix. Si estás leyendo esto, es muy probable que en los últimos 9 años hayas aprendido a jugar "Dungeons and Dragons" (o lo hayas jugado más activamente). Desde su estreno en 2016, la serie de ciencia ficción de los hermanos Duffer se consolidó instantáneamente como una sensación de la cultura pop, y su popularidad no hizo más que crecer con el tiempo. Nos aprendimos de memoria la geografía de una ciudad que no existe, pero que nos hizo creer que el mundo completo tenía un universo paralelo opuesto. Nos enamoramos de los romances entre psíquicos y geeks, y le temimos a la presencia de entes que solo existen en un juego de aventura narrativa. Hicimos trend canciones que son de una época muy distinta a la propia, y nombres como Eddy, Bob, Barb y Billy nos hacen sentir un fuerte luto en nuestros corazones. Seas o no fanático del final de la serie, "Stranger Things" impactó a toda su audiencia. Por eso, tener que aceptar que este sería el último viaje a través de las calles de Hawkins y la última pelea de nuestro club de renegados es más difícil de lo habitual.

Sus fieles seguidores también generaron grandes expectativas para la quinta y última temporada. Sin embargo, si bien el final de Stranger Things fue satisfactorio en algunos aspectos, el final no se arriesgó lo suficiente para ser creíble por los que (indiscutiblemente) sacaremos nuestras teorías alternativas. La quinta temporada de "Stranger Things, 2nd volume", planteó la ambiciosa misión del matar a Vecna ​​y detener su plan de fusionar los dos mundos. El final de la serie se centró directamente en la misión, y aunque hubo desafíos en el camino, Eleven y el grupo derrotaron a Vecna, detuvieron al Azotamentes y llevaron a los niños de vuelta a Hawkins antes de la destrucción del Mundo del Revés.

Sin duda, el final de Stranger Things presentó importantes revelaciones de la historia, especialmente en la secuencia del epílogo, ambientada 18 meses después de derrotar a Vecna. El salto temporal permitió a la serie ofrecer a los fans una idea del destino de los personajes principales, pero también mantuvo ambiguo el destino de Eleven, lo cual es la mayor queja del final de la serie que cualquiera pudiese tener. 

Había mucho en juego durante la quinta temporada de Stranger Things. Vecna ​​no solo planeaba apoderarse de Hawkins; intentaba transformar el mundo entero. Con todos los peligros que enfrentaba el grupo en el final de la serie (Vecna, un Mundo del Revés en colapso, el Azotamentes, el ejército), los Hermanos Duffer evitaron matar a ninguno de los personajes más destacados. 

Kali murió en el Upside Down, aunque no se podría considerar la muerte de un personaje importante. Incluso cuando el final de la serie aparentemente mató a Eleven, no tardó mucho en retractarse de su destino. En cambio, los hermanos Duffer mantuvieron ambiguo el destino de Eleven a propósito a través de la historia del Mago de Mike, sugiriendo que escapó con vida de Hawkins con la ayuda de Kali. La serie también sabía lo que hacía al casi matar a Steve en la torre de radio, solo para que Jonathan lo rescatara. La quinta temporada ciertamente tuvo su cuota de casi muertes, pero no incluyó una muerte definitiva de un golpe bajo, como la que logró con la muerte de Eddie en la cuarta temporada. Si bien es terriblemente triste perder personajes principales, se siente necesario que una serie como esta compense las altas expectativas.

La muerte de Vecna ​​se hizo esperar, pero ni siquiera eso parecía del todo merecido en ese momento. Su derrota fue demasiado fácil para Eleven y Will, considerando lo mucho que el grupo sufrió antes del enfrentamiento final. La serie también omitió convenientemente a los Demogorgons, Demodogs y Demobats, lo que permitió al grupo atacar a Vecna ​​y al Azotamentes a toda máquina sin distracciones. La historia del origen de los poderes de Henry en la cueva también habría sido más impactante si "La Primera Sombra" no hubiera revelado ya ese importante detalle.

Todo comenzó con la desaparición de un niño y la amenaza de un monstruo humanoide en un pequeño pueblo de Indiana. Casi una década después, "Stranger Things" muestra a sus personajes autodenominándose " viajeros espaciales interdimensionales " y luchando contra amenazas del tamaño de kaijus. Sin embargo, los momentos más impactantes del final de la serie no fueron las secuencias taquilleras, sino las pequeñas interacciones personales.

Stranger Things siempre brilló cuando equilibraba las historias centradas en los personajes con elementos sobrenaturales. Sin embargo, la quinta temporada de Stranger Things perdió muchas de las interacciones más pequeñas con los personajes, ya que la trama se expandió demasiado. Algunas de las mejores escenas del final recuperaron esas breves pero impactantes interacciones, como la negativa de Nancy a darle a Mike un arma real o cuando Eleven le devolvió el brazalete de Sara a Hopper. Afortunadamente, el salto temporal del epílogo le dio la oportunidad de mostrar más de los momentos desenfadados y realistas que predominaron en temporadas anteriores. Es cierto que era demasiado tarde para intentar equilibrar la historia después de haber visto al Grupo luchar contra villanos en otro planeta. Y no podemos dejar de recordar las últimas lágrimas del Club de Renegados y su gran adiós a una serie que los vio crecer.

Podríamos seguir analizando el final de la serie Stranger Things mucho después de su estreno, para bien y para mal. Definitivamente hubo muchas preguntas sin resolver (la relación de Nancy y Jonathan; la opinión de Joyce sobre la sexualidad de Will; si Eleven verdaderamente murió). Aun así, el éxito general de la serie es innegable, independientemente de la recepción de la última temporada. La serie de Netflix de los hermanos Duffer fue algo especial.

Crítica Cinéfila: The Conjuring, Last Rites

Los investigadores de lo paranormal Ed y Lorraine Warren se enfrentan a un último caso aterrador en el que están implicadas entidades misteriosas a las que deben enfrentarse.

La saga de "El Conjuro" de James Wan ha persistido como una especie de contradicción. Su dinastía —10 películas en total— contradice una serie que, a diferencia de franquicias igualmente grandes como Marvel o DC, realmente triunfa como reflexiones íntimas sobre la fe y la familia. No es difícil ver por qué las películas de "El Conjuro" en particular han sido tan populares: son historias católicas en las que personas fundamentalmente buenas se ven desafiadas a mantener sus almas intactas en un mundo donde Dios y el diablo no son abstracciones sino fuerzas reales en nuestro mundo material.

A pesar de los juguetes espeluznantes, las muñecas malditas y las bestias con cuernos, "El Conjuro" trata del poder del amor para alejar el espectro del mal. Y un símbolo de ese poder siempre han sido Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga, respectivamente). Si bien los Warren de la vida real tenían una mala fama ganada que desconozco a detalle, los de la ficción son una pareja sumamente entrañable cuyo amor mutuo es mucho más firme que el velo entre los vivos y los muertos.

Para los fans de la serie, el guion inicial de Last Rites resulta, a primera vista, bastante escalofriante. La cuarta película promete una historia tan devastadora para la vida de los Warren, que se ven obligados a alejarse del foco de atención, poniendo fin a sus carreras. Dado que los Warren en la vida real vivieron hasta bien entrada la vejez, y que su hija Judy Spera ahora dirige su propia empresa de investigación paranormal (y, además, que la película se ha promocionado ampliamente como la última película de los Warren ficticios), el guion resulta, en el mejor de los casos, un tanto ligero.

"Last Rites" es apropiadamente aterradora, mucho más exitosa en una base de susto por susto que la segunda o tercera película, y un regreso suavizado a los placeres estéticos del primer Conjuro de Wan . Los guionistas Ian B. Goldberg, Richard Naing y David Leslie Johnson-McGoldrick nos devuelven inteligentemente a la cuestión de la viabilidad de los Warren como unidad familiar, preguntando, por primera vez en la franquicia, cuál podría ser el costo psicológico de sus casos, no solo para Ed y Lorraine, sino también para su hija, Judy (Mia Tomlinson). Después de todo, esta es una vida dedicada a tratar íntimamente con los fantasmas, demonios y espíritus asesinos.

La película comienza la noche del nacimiento de Judy, en 1964, cuando los jóvenes Ed y Lorraine (Orion Smith y Madison Lawlor, respectivamente) se libran de un extraño espejo endemoniado y corren al hospital. Pero al nacer la bebé muerta, Lorraine reza para que reviva. La escena plantea la difícil posibilidad de que su hija esté condenada o, peor aún, que Lorraine haya ofrecido el alma de Judy al diablo a cambio de una larga vida.

Durante gran parte de la película, esa atractiva idea sustenta la trama principal como una bomba de tiempo. El director Michael Chaves, de forma mucho más acertada y conmovedora que en sus anteriores trabajos para la franquicia, construye una tensión intensa mediante presagios efectivos y con varias complejas máquinas de Rube Goldberg. Last Rites se basa en la supuesta aparición fantasmal de la casa de la familia Smurl en West Pittston, Pensilvania, entre 1974 y 1989, una aparición que desencadenó un revuelo mediático y un libro coescrito por los Warren. .

Como en cualquier otra película de "El Conjuro", los detalles del "porqué" son menos importantes que la mecánica misma del fantasma, y ​​Chaves y compañía prescinden de la labor investigadora que dificultó "El Diablo me obligó a hacerlo" en favor de una serie de escenas realmente espeluznantes. También vinculan de forma importante las propias experiencias de los Warren con las de la familia Smurl, lo que le da a este capítulo una sensación más personal y, sin duda, más devastadora que las anteriores.

En una saga admirablemente seria, "Last Rites" se lleva fácilmente el reconocimiento como el capítulo más sano del grupo, con su insistencia en Dios y la fe tambaleándose hacia la propaganda religiosa. Pero el enfoque es indudablemente efectivo, con un clímax que es tan aterrador como emocionalmente resonante. De una manera que no siempre ha sido cierta en "The Conjuring", muchos de los momentos más aterradores de la película están ligados a la perfección a los riesgos emocionales de los personajes. Una escena en la que Judy es perseguida por una presencia fantasmal mientras se prueba vestidos de novia frente a un espejo infinito es uno de los sustos más impresionantes de la franquicia, y hay otra escena exquisitamente discordante con un personaje recurrente de la saga que es una manipulación magistral.

Todos estos momentos culminan en una pregunta que ha estado presente en las diez películas del universo extendido: ¿Es mejor ahuyentar los fantasmas del pasado con pura fuerza de voluntad o enfrentarlos sin miedo? Para Ed, Lorraine y, quizás especialmente, para Judy, es una pregunta que los perseguirá en la siguiente etapa de la vida, o más allá del falso reflejo del espejo, hacia la trampa mortal de lo desconocido.

Crítica Cinéfila: Bring Her Back

Tras el fallecimiento de su padre, dos hermanos son adoptados por una mujer que vive en el bosque y cuyas actitudes les generan sospechas.

El dolor consume la nueva película de los directores Danny y Michael Philippou, "Bring Her Back". Lo alimenta todo. El tipo de agonía primaria y absorbente que funciona como un agujero negro, atrayendo todo lo cercano hacia su gravedad y extinguiendo la luz. El estilo de terror y dolor de los Philippou es tan visceral y brutal como cabría esperar de su ópera prima, "Talk to Me", pero sin nada de la vitalidad ni la esperanza. En cambio, "Bring Her Back" opera con una sensación inquebrantable y palpable de miedo y angustia de principio a fin.

El único momento verdaderamente despreocupado en el sombrío segundo trabajo de los Philippous llega con la escena inicial que presenta al protector hermano mayor Andy (Billy Barratt) mientras recoge a su hermana Piper (Sora Wong), quien tiene discapacidad visual, de la parada del autobús, apenas momentos después de que ella intenta sin éxito hacer nuevos amigos. El tierno momento entre hermanos tan unidos se detiene bruscamente cuando llegan a casa y encuentran a su padre muerto en la ducha, un momento traumático que apenas tienen tiempo de registrar antes de que los servicios sociales comiencen a ubicarlos en nuevos hogares.

Los acoge Laura (Sally Hawkins), una mujer excéntrica que ya tiene a su cargo un niño bastante peculiar: el mudo Oliver (Jonah Wren Phillips). Resulta que Laura también está muy familiarizada con las pérdidas profundas y tiene planes para sus nuevos pupilos.

A pesar de algunas cintas ocultistas bastante espeluznantes que indican lo que Laura pretende lograr y una actuación escalofriante de Jonah Wren Phillips como el misterioso niño poseído a su disposición, el guion de Danny Philippou y Bill Hinzman mantiene el horror mayormente relegado a un segundo plano. Eso no quiere decir que sea deficiente o moderado (Oliver es un desagradable pero excelente ejemplo de horror corporal), sino que la mayor parte de la tensión deriva de las malvadas maquinaciones de Laura en su determinación de lograr su objetivo. Eso implica mucho gaslighting y abuso, abriendo una brecha intencional entre Andy y Piper, lo que se vuelve aún más desgarrador y cruel considerando que todo se inflige a menores. 

Como tal, la película le pertenece a Sally Hawkins; la astucia calculada de Laura es tan exasperante como cautivadora e impredecible. Laura es de las que saben cómo engañar y usar su encanto, y cómo destruir por completo a un alma joven que aún se recupera de la pérdida de casi todo su mundo. El hecho de que Hawkins también logre generar compasión por el propio dolor de Laura o casi caer en sus muestras de bondad habla de ella como intérprete; el guion oculta demasiado de la humanidad de Laura hasta el final. Para entonces, es demasiado poco y demasiado tarde.

Parte de esto se debe a la increíblemente desgarradora interpretación de Barratt como un adolescente que intenta mantener la compostura durante el peor momento de su vida, pero fracasa sin culpa propia. Sin embargo, la mayor parte se debe a la meticulosa concentración de los Philippous en situar a su público con un miedo opresivo a costa de la historia y el susto. Cuando Andy se sincera con Laura, por ejemplo, se introduce una subtrama manejada con torpeza, hasta llegar a un punto manipulador. 

El verdadero horror aquí es de tipo humano, con elementos ocultos superficiales y fugaces, en apoyo de una mujer tan consumida por el dolor que se ha convertido en una vil bestia. Bring Her Back la presenta como tal y lucha por exponer su humanidad, lo que la convierte en una obra con un tono más soso que el debut de Philippous. Es una película que te atrapa con su angustia, acumulando el trauma a un ritmo constante hasta llegar a un final desolador que rechaza incluso una apariencia de catarsis por la miseria sufrida.

Es diferente y devastadora, ya que muestra que las causas del dolor pueden ser externas, pero su manifestación es totalmente interna: solitaria, sin forma, fea e insondable. "Bring Her Back" es una obra más refinada de Philippous, pero también más restrictiva y simple. Es impresionantemente audaz e impactante en la forma en que los directores siguen desafiando los límites del terror y rompiendo tabúes, especialmente cuando se trata del público infantil, lo que garantiza una experiencia trepidante y agotadora que te dejará con la boca abierta. Pero es tan desgarradora en su oscuridad inquebrantable que es difícil imaginar algo que se acerque a ella como la película de terror más impactante del año.

Crítica Cinéfila: Weapons

Cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su desaparición.

A medida que pasan los años, y a pesar de ser uno de mis géneros favoritos, el terror se ha convertido en una experiencia monótona y redundante. Así que, cuando una película como "Weapons" surge de las sombras y me hace gritarle a la pantalla, reírme nerviosamente y sentirme genuinamente estresada de principio a fin, no puedo evitar considerarla una especie de milagro.

Al igual que la película anterior del cineasta Zach Cregger, "Barbarian", "Weapons" es felizmente cruel, constantemente sorprendente, brutalmente divertida y completamente maldita. Sin embargo, mientras que "Barbarian" parecía tres películas unidas, esta está impresionantemente unificada. Incluso con una narrativa familiar basada en capítulos, logra ofrecer una pesadilla única y coherente. Esta estructura podría haber resultado exagerada en manos menos expertas, pero Cregger la utiliza con precisión para amplificar el terror, la tensión y la carga emocional, segmento por segmento, cuidadosamente calibrado.

"Weapons" ofrece una narrativa de terror multiperspectiva que gira en torno a un misterio central escalofriante: la repentina desaparición de 17 niños de una misma clase escolar en un tranquilo pueblo estadounidense, los cuales se levantaron exactamente a las 2:17 a.m. y salieron de sus casas. Mientras el dolor, la sospecha y la paranoia se extienden por la comunidad, la película sigue a una serie de personajes aparentemente inconexos cuyas historias revelan gradualmente una verdad siniestra e interconectada. Con cada capítulo, el terror se profundiza, llegando a un clímax impactante y que desafía el género, como nunca antes había visto en pantalla.

Justine, interpretada por Julia Garner ("Ozark"), se encuentra en el centro de la enloquecedora tragedia del pueblo. Cada uno de los niños desaparecidos era parte de su aula, dejándola con la ira de padres confundidos y una comunidad que lucha por dar sentido a las piezas. Archer, interpretado por un Josh Brolin ("No Country for Old Men") perfectamente desconcertado, es el padre de uno de los niños desaparecidos y está ciegamente dedicado a descubrir la verdad, sin importar el costo. Alden Ehrenreich ("Solo") y Benedict Wong ("Doctor Strange") también interpretan a ciudadanos clave de Maybrook: un policía y un director de escuela, respectivamente.

A la sombra desgarbada de "Barbarian", uno se adentra a "Weapons" esperando giros bruscos. Y se obtienen. Pero lo que no se espera es lo emocionalmente destrozada que uno se siente al final de la trama. La historia encuentra su equilibrio a través de las vidas entrecruzadas de personajes como Justine y Archer, pero es la dinámica entre el joven Alex y su grotesca tía Gladys lo que realmente eleva esta película a dimensiones nunca antes vistas. Sus escenas son eléctricas, desconcertantes y sádicamente juguetonas. Cary Christopher, como Alex, es simplemente fenomenal. Su actuación incluso conmueve hasta las lágrimas durante un momento tranquilo pero poderoso de reconciliación. Cada vez es más raro que una película de terror aborde el trauma infantil con tanta originalidad, eficacia y autenticidad.

Todos los años, determinar cuál o cuáles han sido las mejores películas de terror se vuelve una tarea aún más compleka; sin embargo, "Weapons" es exactamente todo el menú de arquetipos clásicos del terror: confianza, crueldad y una rotunda negativa a tomar de la mano. No hay explicaciones excesivas. No hay exposiciones interminables. Simplemente un cineasta que confía en que su público le siga el ritmo. Una deliciosa noche de terror de un director que promete. Cregger entra en la estimada compañía de maestros del terror moderno como Ari Aster, Robert Eggers y Jordan Peele. 

Es importante que haga una pausa aquí, específicamente, para mencionar que Amy Madigan como Gladys es absolutamente aterradora. Ofrece una actuación curiosamente clásica, como si hubiera escapado de un grotesco cuento de hadas de los hermanos Grimm y se hubiera adentrado directamente en el mundo de Cregger. Es pícara y operística, pero nunca exagerada. Cary Christopher, de nuevo, está asombroso junto a ella en su camino compartido al infierno. 

Esta es una película perfecta o casi perfecta. Sus escenas de muerte se encuentran, con diferencia, entre los actos de violencia más grotescos y prolongados de la película. Aun así: brutal, impactante, original y grotescamente divertida a la vez, "Weapons" es un regalo de oro para el cine. Cregger se ha consolidado como una de las voces más emocionantes de la narrativa de género actual con esta película. Es original. Es una locura. Y es un don excepcional seguir sorprendiéndose como periodista de género hoy en día. 

Crítica Cinéfila: Final Destination: Bloodlines

Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.

Toda una generación fue traumatizada con esta franquicia, y ahora le toca conquistar a un nuevo grupo con la sexta entrega de la venerable saga de películas de terror que nació, o mejor dicho, nos manipuló, hace un cuarto de siglo. Llegando 14 años después de la última entrega —una eternidad para los estándares de la franquicia—, "Destino Final: Linajes de Sangre" ofrece a su público justo lo que espera: una serie de fatalidades diabólicas, ingeniosamente diseñadas y al estilo de Rube Goldberg, tan realistas que te encontrarás cruzando la calle con mucho cuidado al salir del cine.

El hecho de que la propia muerte sea la protagonista, y no un maníaco homicida enmascarado, es lo que da a estas películas su encanto morboso. Es improbable que la mayoría de nosotros nos crucemos en el camino de un asesino en serie. Pero es muy fácil imaginarse resbalándose en la ducha o siendo atropellado por un autobús. Las películas de Destino Final simplemente magnifican estas ansiedades comunes y las elevan al máximo, dejándote hecho un manojo de nervios en el proceso.

Dos directores, Adam Stein y Zach Lipovsky, dirigen con elegancia esta entrega, que presenta una secuencia inicial magníficamente coreografiada que posiblemente sea la mejor de la serie. La trama se ambienta en 1969, cuando una joven pareja, Iris (Brec Bassinger) y Paul (Max Lloyd-Jones), llega a cenar a un restaurante ubicado en lo alto de una torre en su día de apertura. Es claro anticipar que las cosas empiezan a ir terriblemente mal en una serie de desastrosos sucesos que resultan en la muerte de hordas de clientes de las formas más espantosas. Basta decir que nunca volverás a escuchar "Raindrops Keep Falling on My Head" de la misma manera. Los aficionados a la serie adivinarán rápidamente que todo fue en realidad una premonición de Iris que salvó decenas de vidas. Años después, su nieta Stefani (Kaitlyn Santa Juana) sufre pesadillas recurrentes sobre los mismos sucesos, aunque desconoce la conexión personal.

Tras indagar un poco en la historia de su familia, Stefani visita a su abuela Iris (Gabrielle Rose), ahora anciana, quien vive recluida en una cabaña fortificada en lo profundo del bosque. Iris explica que, al salvar la vida de todos en la torre, engañó a la muerte, quien desde entonces se ha dedicado a rectificar el error asesinando sistemáticamente no solo a los supervivientes, sino también a sus descendientes (que de otro modo no habrían nacido). Esto incluye a Stefani y a su familia, a quienes intenta advertir y proteger. No es ningún spoiler revelar que sus esfuerzos son prácticamente en vano.

No es si las víctimas morirán, sino cómo morirán, lo que da jugo a estas películas, y "Final Destination: Bloodlines" no decepciona. Se atasca en una trama tediosa que gira en torno a dinámicas familiares disfuncionales que te hace impaciente por que las muertes comiencen a llegar. Pero una vez que lo hacen, la diversión espeluznante se reanuda. Las escenas sangrientas, que involucran cosas como una cortadora de césped, un camión de basura y, lo más espectacular, una máquina de resonancia magnética, están tan inteligentemente orquestadas que el público estará aplaudiendo de la emoción con cada una como si fueran números de canto y baile. La combinación de CGI y efectos prácticos funciona a la perfección, y las secuencias están editadas sádicamente para máxima tensión, que afortunadamente se alivia con frecuentes dosis de humor mordaz.

Santa Juana es una heroína atractiva y valiente, y Richard Harmon tiene momentos muy divertidos como uno de los primos sarcásticos de Stefani. Pero el punto álgido de la actuación lo aporta el difunto Tony Todd, un pilar de la serie que hace su última aparición en pantalla en su emblemático papel como el misterioso William Bludworth. El actor, a quien está dedicada la película, regresa para una breve escena, luciendo muy frágil y visiblemente enfermo. Pero aun así, es imponente, recordándonos conmovedoramente que en la vida real, como en estas películas, la muerte llega para todos.     

Crítica Cinéfila: Late Night with the Devil

En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica. 

Hay una magia alocada en la televisión nocturna, donde las estrellas salen a brillar ante un público en vivo que aplaude y las reglas del decoro parecen relajadas en un ambiente de estudio que imita una sala de estar limpia y nítida. Sabemos que cada invitado está allí para promocionarse a sí mismo y a su último producto, pero entre las sonrisas practicadas y las bromas estratégicas, existe la embriagadora posibilidad de que algo impuro y real, algo impactante, incluso, pueda colarse a medida que nos acercamos a la medianoche. Este es el espacio resbaladizo y surrealista de la televisión celebrado en "Late Night with the Devil", una película de terror ordenada y temblorosa donde los programas de entrevistas y el mundo de los muertos chocan. 

Los guionistas y directores Cameron Cairnes y Colin Cairnes (también conocidos como los hermanos Cairnes) sitúan su película en el 1977. En televisión, Johnny Carson, con su amplia sonrisa y su agudo ingenio, era el rey del Late Night, un encantador embajador de todo Hollywood y sus travesuras en busca de fama. Así como Carson extendió gentilmente su sala de estar a la nuestra, también lo hicieron los horrores caseros del cine de los años 70. Películas aterradoras como "Carrie" y "The Exorcist" aterrorizaban a los espectadores con historias retorcidas de jóvenes de aspecto inocente irrevocablemente inclinadas hacia el mal y la devastación ante nuestros propios ojos. Con Late Night with the Devil, los hermanos Cairnes reúnen estos mundos de miedo y diversión en un viaje emocionante, mezquino y enfermizamente satisfactorio. 

El actor David Dastmalchian (The Suicide Squad, Ant-Man) se convierte en el centro de atención como el presentador de un programa de entrevistas, Jack Delroy. Un talentoso actor con el don de la palabra, su programa podría haber rivalizado con el dominio de Carson en los programas nocturnos, si no fuera por una tragedia personal el año anterior que rompió el corazón de Jack y descarriló la popularidad del programa. Desesperado por revivir sus perspectivas en decadencia, planea un programa de Halloween que el mundo nunca olvidará. Junto con un psíquico (que podría ser un estafador) y un escéptico profesional (que vive para causar problemas), Jack consigue una entrevista controvertida con una joven misteriosa. Lily (Ingrid Torelli) fue parte de un culto satánico devoto a un demonio peligroso. Una vez que se esfumó, ella fue la única que sobrevivió. Ahora, bajo el cuidado de su tutora/terapeuta (Laura Gordon), Lily ha venido a altas horas de la noche para compartir su historia, y tal vez presentarnos a su amigo especial, el Sr. Wriggles. 

Al plantear su argumento como precursor del pánico satánico de los años 80, los hermanos Cairnes rápidamente establecen una sensación de aprensión para sus espectadores, que conocen muy bien los rumores descabellados sobre adoradores del diablo, demonios, fantasmas y cerdos llamados Jodie que están por venir. El precursor del pánico moral y la paranoia es la ingenuidad perforada por un miedo penetrante. ¿Y qué mejor burbuja acogedora para perforar que la atmósfera agradable de un programa de entrevistas? 

Un ingenioso diseño de producción reconstruye cuidadosamente esta época. Tonos cálidos pero apagados de marrones, amarillos y naranjas se arremolinan en el escenario. Trajes elegantes y overoles de mezclilla ubican a los invitados en una época de estilo vanguardista y aparente inocencia, cuando una adolescente atendía la prensa vestida como una muñeca en lugar de una supermodelo. Mientras tanto, la cinematografía nos recuerda a la era del VHS, con fallos analógicos que podrían no ser nada... o podrían ser una advertencia de que algo va mal. Todos estos detalles capturan la época con tanta minuciosidad que, si no reconoces a los actores, podrías confundir Late Night with the Devil con un clásico de culto olvidado, del tipo auténtico que alguna vez se encontraba en las codiciadas cintas VHS. 

Sin embargo, la oda más importante a esta era es el tono del programa de entrevistas. Con una bravuconería despreocupada, Dastmalchian se pavonea en el papel de anfitrión imperturbable. Ya sea mostrando una sonrisa falsa para el público o bromeando con sus invitados en disputa, se siente profundamente integrado en esta marca alegre de entretenimiento y ventas. Al basar el primer acto en las realidades familiares del programa de entrevistas de los años 70, los hermanos Cairnes y Dastmalchian se meten debajo de nuestra piel y nos ponen la piel de gallina mientras arman un escándalo. 

Esta película no pretende ser tan llamativa en su espectáculo demoníaco como "Carrie" o "The Exorcist", que se jactaron de baldes de sangre de cerdo y vómitos vociferantes, respectivamente. Al igual que Rosemary's Baby, es una mezcla atmosférica que supura con trauma emocional. No se preocupe; habrá estallidos de bilis, sangre y una carnicería climática. Sin embargo, esos fragmentos sangrientos no serían tan contundentes si no fuera por la tensión dramática que ocurre detrás de escena del programa de entrevistas plagado de Jack. En cierto sentido, Dastmalchian debe asumir dos papeles: el de profesional consumado y el de desastre personal. Debajo de su traje a medida hay un corazón tembloroso que anhela algo más que grandes índices de audiencia gracias a este diabólico truco publicitario. Anhela una prueba de que hay algo más que esta vida, algo más allá. Y arriesgará cualquier cosa, incluso su alma, para lograr esta revelación. 

Dastmalchian ha interpretado con frecuencia a hombres espeluznantes (Prisoners) y criminales extravagantes (Ant-Man). Su característica intensidad se agita bajo la superficie incluso cuando Jack se porta bien ante la cámara del estudio. En sus ojos parpadea un fuego caótico de dolor, esperanza y ambición que no se puede sofocar. Y se refleja en la mirada desconcertante de una niña que dice albergar un espíritu demoníaco. Son una pareja hecha no en el cielo sino en el infierno. Y presenciar su enfrentamiento es una diversión de morderse las uñas. Rindiendo homenaje al horror de los años 70, "Late Night with the Devil" está impregnada de la estética de la época y su ansiedad moral emergente, así como del ritmo metódico que nos atrapa y no nos suelta hasta ese momento macabro final. 

Crítica Cinéfila: Longlegs

A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta de que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

En tres décadas ha habido casi 40 víctimas, pero la terrible historia es siempre la misma: un padre bueno, corriente y religioso de los suburbios de Oregón, de repente, sin provocación, se enfurece y asesina a su esposa y a sus hijos pequeños antes de quitarse la vida de manera similar. A falta de cualquier indicio forense de que alguien ajeno a la casa estuviera en la escena del crimen, estas atrocidades domésticas podrían parecer una coincidencia diabólica si no fuera por la única prueba que comparten entre ellos: una siniestra y dulce tarjeta de cumpleaños firmada “Longlegs”. 

Ese toque de asesino en serie es el golpe de gracia adecuado para una serie de asesinatos-suicidios que resultan aún más inquietantes por la yuxtaposición que establecen entre el mal insondable y la salubridad de los libros de texto; la ilusión de pureza establece un contraste profano con la oscuridad que la invade. Es suficiente para hacer que la familia nuclear parezca una historia de tapadera, o al menos para sembrar una pizca de duda sobre su promesa de proteger a las buenas almas cristianas contra una serie de horrores impíos. 

El diablo prospera en la brecha que existe entre lo que se le enseña a la gente a creer y lo que no puede temer, e incluso las atrocidades más viles cometidas en nombre de Satanás no son más que un medio para alcanzar un fin. El verdadero objetivo es sembrar la persistente sospecha de que algo terrible se esconde fuera de la vista, justo debajo de ti, tal vez, o justo por encima de tu hombro. Cada garganta cortada y cada titular que te deja sin aliento susurra lo mismo a mil oídos diferentes: todo lo que te dijeron sobre el mundo cuando eras niño era una pequeña mentira piadosa.

Longlegs se deleita en exponer eso, y lo mismo hace la película agresivamente desconcertante de Oz Perkins a la que presta tanto su nombre como su filosofía. Aterradora en lo abstracto aunque cada vez resulta más absurda de ver, “Longlegs” se cuela en ese espacio preliminar entre las pesadillas infantiles y las cuestiones prácticas de los adultos con la misma precisión con la que divide la diferencia entre los procedimientos de asesinos en serie y los psicodramas sobrenaturales. Adivinar dónde termina un modo y comienza el otro es parte de la diversión morbosa de la lograda combinación de géneros de Perkins, que parece resolver su misterio central en la primera escena, solo para dejarte esforzándote por descifrar más pistas en medio de la oscuridad, entrecerrando los ojos en las esquinas de cada cuadro meticulosamente compuesto en busca de algo, cualquier cosa, que pueda explicar el lento escalofrío que te sube por la nuca con la elegancia de una araña. 

En “Longlegs”, la pregunta nunca es “¿qué hay ahí afuera?”. Enterrado bajo capas de maquillaje blanco y varias capas de prótesis faciales, Nicholas Cage entra en el prólogo de la película detrás del volante de una camioneta con paneles de madera antes de presentarse a una niña con un extraño tipo de baile que recuerda a los movimientos de “The OA”. Pasará un tiempo antes de que sepamos qué quería de ella (o qué le hizo) , pero solo unos segundos antes de que los títulos de apertura nos alumbren. Las palabras “Nicolas Cage como Longlegs” no dejan mucho espacio para segundas conjeturas, incluso si casi todo lo demás sobre el villano (su adicción a las malas cirugías plásticas, su obsesión con el “Bang a Gong (Get It On” de T. Rex, su hábito al estilo Zodiac de burlarse de la policía con cifras) todavía está abierto a la interpretación al final de la película. 

Cuando la acción se centra en los primeros días de la administración de Clinton, unos 20 años después del prólogo, la cuestión de la identidad de Longlegs es menos relevante que el misterio que rodea a la joven agente del FBI que está a punto de convertirse en su propia Clarice Starling. Su nombre es Lee Harker (la leyenda del terror independiente Maika Monroe, que mantiene el orden con una actuación estranguladora), es nueva en la agencia y su sexto sentido para detectar criminales parece desmentir su apariencia recatada. Su intuición psíquica le permite encontrar a un loco en lo que bien podría ser su primer día de trabajo, una escena tremendamente amenazante que logra establecer dos verdades fundamentales sobre la película de Perkins. Una es que no rehuirá a lo oculto. La otra es que tiene lugar en un mundo frío e indiferente donde las ejecuciones son tan casuales como abrir el timbre de una puerta, un mundo donde el mal no tiene miedo de esconderse a plena vista, porque sabe que la mayoría de la gente hará todo lo posible para no verlo. Uno profana el realismo, y el otro se niega a soltarlo. 

El agente Carter, interpretado por un astuto y entrañable Blair Underwood, que asume el alcoholismo de su personaje como el precio que le ha costado mantener la cabeza en su sitio, asigna a Lee el caso de Longlegs en cuanto se entera de su inusual habilidad. Los detectives convencionales no han encontrado ni un solo avance tras varias décadas intentándolo, así que ¿por qué no utilizar una extraña oficial para luchar contra otra extraña figura? El propio Longlegs parece ciertamente encantado con la idea, ya que no pierde el tiempo en dejar un mensaje personal en la oficina de Lee, prometiéndole que volverá a matar en un futuro muy cercano (Perkins se divierte mucho con la numerología satánica, aunque sea solo como parte de un intento poco satisfactorio de transmitir que Longlegs está en deuda con un plan).

Y eso es realmente todo lo que hay que hacer, además de la introducción de algunos otros personajes secundarios en el camino, a saber, la frágil y devota madre de Lee, interpretada por una irreconocible Alicia Witt, y la única superviviente conocida/mayor fan de Longlegs, interpretada por una perversamente trastornada Kiernan Shipka. Sofocante con atmósfera y afortunadamente ligera en trama (al menos hasta que deja de serlo), la película de Perkins está menos interesada en pelar las capas de las amenazas más agudas de su historia que en saturar el resto del mundo que los rodea con la misma inquietud ineludible. 

¿Cómo mata Longlegs a sus víctimas sin siquiera poner un pie dentro de sus casas? ¿Y por qué Lee no se alarma porque su propio cumpleaños está a la vuelta de la esquina? Nos dejamos llevar por los extraños detalles de los asesinatos en serie, incluso cuando la historia que los une se desarrolla con trazos decepcionantemente predecibles.

Y eso es porque “Longlegs” no se trata de un hombre amante de Satanás, al igual que “Se7en” no trataba de un tipo llamado John Doe. Hasta ese punto, Cage apenas aparece en esta película, lo que podría ser lo mejor en una película que nos hace escanear el fondo de cada toma hasta que empezamos a proyectar nuestros demonios más personales en las sombras; una película que a menudo parece que está trabajando activamente en contra de los gestos del actor de cine más inconfundible del planeta. 

Por el contrario, “Longlegs” es una película sobre el miedo que Cage nos implora que reconozcamos en nosotros mismos y en el mundo que nos rodea. Es una película sobre el espacio vacío que se cierne detrás de Lee mientras está sentada en su escritorio en medio de la noche. Es una película sobre el ominoso zumbido que nos rasga la garganta cuando Lee habla con su madre por teléfono, y el sordo ruido de pasos que el diseñador de sonido Eugenio Battaglia hace sonar tan fuerte que parece que cada uno de ellos está tratando de despertarnos de un sueño espantoso. Es una película sobre la falsa comodidad de la relación de aspecto similar a la de un proyector de diapositivas que Perkins usa para los flashbacks, sobre lo que está en el marco, lo que no y lo peligrosas que pueden ser nuestras mentes mientras hacen todo lo posible para dibujar en los espacios en blanco. 

Es revelador que el puñado de sobresaltos que Perkins ha incluido en la edición tienda a acompañar momentos inofensivos y/o supernarrativos en lugar de amenazas reales; amplían la tensión en lugar de centrarla en un objetivo específico que puede saltar hacia ti y resolverse con la misma rapidez. No son las cosas las que dan miedo, es el mundo lo que da miedo, y lo más aterrador es que no hay ningún otro lugar al que ir. Todas las personas que amamos tienen que vivir aquí, y decir tus oraciones por la noche no será suficiente para mantenerlas a salvo. Por otra parte, tal vez eso solo dependa de a quién le estés rezando.

Perkins pierde de vista los puntos fuertes de su película cuando “Longlegs” se asienta en su ridícula recta final, que se conforma con jadeos que delatan la hermosa falta de aire de los dos primeros actos de la historia. Por otra parte, supongo que el final es adecuado para el último y más alegremente jodido cuento de hadas de un maestro emergente del género, ya que “Longlegs” se deleita con los artilugios que la gente usa para empaquetar sus miedos mortales en una pequeña historia ordenada con un lazo en la parte superior, como un regalo de cumpleaños que tus padres estaban ansiosos por darte.

Crítica Cinéfila: A Quiet Place - Day One

Una mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión en la ciudad de Nueva York por criaturas alienígenas sedientas de sangre con oídos ultrasónicos.

Si quieres darle nueva vida a una película de terror construida en torno al silencio como único medio de sobrevivir a una invasión alienígena, hay un sinfín de ideas, pero seguro la que menos cualquiera se imaginaría era trasladar la historia de una pequeña ciudad de Estados Unidos a la superpoblada ciudad de Nueva York. El texto de la pantalla inicial sobre una toma aérea de Manhattan acompañado de los sonidos cacofónicos de bocinas de autos, sirenas y gritos nos informa que la Gran Manzana tiene un nivel de ruido promedio de 90 decibeles, el equivalente a un grito humano. El escenario por sí solo hace que la tensa y constantemente aterradora "A Quiet Place: Day One" sea una experiencia intensa que extiende hábilmente una franquicia duradera.

La respuesta corta es un sí rotundo. El guionista y director en esta ocasión, Michael Sarnoski ("Pig") se adapta a los requisitos del género, mantiene la tensión con habilidad, salpica la película de grandes sustos y se gana nuestra implicación emocional con los personajes clave. Y además, hay un gato (puntos a favor). Pero también encuentra el espacio para infundir muchas de las cualidades que elevaron su película de 2021 protagonizada por Nicolas Cage, en particular el control, la moderación, la compasión y el motor ronroneante de una película que es tanto una narrativa de búsqueda melancólica como un thriller sobre peligros mortales.

El éxito inesperado de 2018 de John Krasinki, "A Quiet Place", comenzó el día 89 del ataque alienígena antes de avanzar más de un año, centrándose en una familia amorosa que lucha por lidiar con su dolor y permanecer a salvo en circunstancias que amenazan su vida.

La secuela de 2021, A Quiet Place Part 2 , continuó su historia pero agregó un prólogo de 10 minutos que se desarrolla el primer día, en el que las familias en un partido de béisbol de las Pequeñas Ligas observan alarmadas cómo una especie de meteorito se precipita por el cielo y hace impacto en la distancia cercana. Mientras los padres todavía se apresuran para llevar a sus hijos a casa en medio de un estado de pánico creciente, criaturas delgadas, sin ojos y garras letales descienden en masa, moviéndose a una velocidad vertiginosa para abalanzarse y masacrar a cualquier humano que haga un sonido.

La nueva película refleja ese caos en un entorno que no es propicio para el silencio. Sarnoski comienza con paciencia, presentando a Samira (Nyong'o) haciendo una contribución hosca a su grupo de terapia en un hospicio en las afueras de la ciudad. Si su resignación enojada no nos da una pista, entonces sus parches transdérmicos de fentanilo son una clara indicación de que tiene un cáncer terminal, mientras que su comportamiento sugiere que nunca esperó quedarse por tanto tiempo.

El amable enfermero Reuben (Alex Wolff, que se reencuentra con Sarnoski después de "Pig") se considera amigo de Samira, aunque ella se burle de esa idea. Pero él la convence de que vaya en grupo a un teatro de marionetas de Nueva York, usando la promesa de una pizza de camino a casa como incentivo. Acunando a su inseparable gato de servicio, Frodo, apenas logra superar el acto de apertura del espectáculo de marionetas antes de salir. Cuando Reuben le dice que han recibido instrucciones de regresar al hospicio lo antes posible debido a una emergencia no declarada en toda la ciudad, ella se enoja porque él incumple la promesa de la pizza.

Como secuencia previa a los títulos, estas escenas de presentación son dinámicas y envolventes, y prescinden de una exposición que más adelante será necesaria. Lo más sorprendente es que cuando una lluvia de meteoritos golpea la Tierra, la ciudad explota casi instantáneamente, y mientras Samira se tambalea desde el autobús del hospicio en una nube cegadora de polvo blanco, las imágenes inevitablemente evocan asociaciones inquietantes con la lluvia de ceniza que cubrió el Bajo Manhattan el 11 de septiembre. Ella se refugia dentro del teatro con Reuben y una familia encabezada por Henri (Djimon Hounsou), el único personaje con una conexión con una de las películas anteriores. Pero pronto sigue una tragedia devastadora.

A pesar del caos y la confusión, rápidamente se establece que los depredadores extraterrestres no ven y solo reaccionan al ruido. Los militares movilizados también se dan cuenta rápidamente de que las criaturas no pueden nadar, lo que impulsa un plan de evacuación a través de transbordadores desde South Street Seaport. Pero la testaruda Samira insiste en dirigirse hacia el norte, a Harlem, luchando contra una ola de aturdidos neoyorquinos que se arrastran hacia el centro y, ocasionalmente, siendo interceptada cuando hacen un ruido involuntario. Poco a poco se va haciendo evidente que el antiguo hogar de Samira está en Harlem y su determinación de conseguir un trozo de su pizzería favorita tiene un profundo significado personal debido a una época más feliz de su vida.

Ver a Nueva York repleta de monstruos feroces trepando edificios y dejando gigantescos cortes en sus paredes, mientras las calles están llenas de coches en llamas y escaparates destruidos, causa una gran impresión. Sarnoski y un equipo de efectos visuales de primera categoría sitúan estas escenas en la mejor tradición de las películas de apocalipsis alienígena. Pero adquieren una dimensión adicional gracias al espectáculo inquietante de un Manhattan descarado y ruidoso que se transforma en un silencio que destroza los nervios. Cada sonido parece intensificado y cada ruido repentino provoca una sacudida en el cuerpo, junto con un escalofrío de terror, un efecto que adquiere amplitud gracias al uso discreto de la banda sonora relativamente minimalista de Alexis Grapsas.

El otro personaje importante, que entra en acción en el relato, es Eric (Joseph Quinn), un joven inglés que se encuentra en Nueva York estudiando Derecho. Frodo lo encuentra cuando sale petrificado de una escalera inundada del metro y sigue al gato hasta Samira. En una inversión de género de la dinámica habitual de las películas de catástrofes que nunca se lleva demasiado lejos, Samira es la dura y poco sentimental, y le dice que debe unirse al éxodo masivo que se dirige hacia el sur, mientras que Eric se muestra inicialmente indefenso, conmocionado hasta la médula. Forman un vínculo tentativo en el apartamento de ella, su conversación (e incluso sus gritos) silenciados por el estruendo de una fuerte tormenta eléctrica. Pero incluso cuando la intimidad natural de extraños unidos por la tragedia florece entre ellos y Eric reúne su ingenio lo suficiente como para mostrar caballerosidad y preocupación a medida que la salud de Samira sigue deteriorándose, el personaje nunca es banal.

El diseñador de producción Simon Bowles y el director de fotografía Pat Scola (que también estuvo detrás de la inquietante belleza de "Pig") aprovechan al máximo las oportunidades que ofrece Nueva York. Los lugares que asociamos automáticamente con el cuidado y la comodidad, como un hospital, se convierten en trampas mortales potenciales cuando el ruido hace que los extraterrestres se estrellen contra las paredes de vidrio y los tragaluces. Una catedral sirve como lugar de respiro, a pesar de un enorme agujero formado por una criatura que se estrella contra su piso de baldosas y otra que sale de su cúpula decorada con frescos. Los rascacielos con paredes de cristales se vuelven un espectáctulo de explosiones de cristal y ruido cuando los protagonistas son localizados por una manada de extraterrestres. Una de las escenas más emocionantes tiene lugar bajo tierra, en una estación de metro, donde un extraterrestre usa sus largas y ágiles extremidades para corretear por las paredes de un túnel inundado mientras Samira y Eric, tirando de Frodo en una mini balsa improvisada a toda prisa, son arrastrados por el agua embravecida.

Sarnoski, en colaboración con los editores Gregory Plotkin y Andrew Mondshein, ha avanzado bastante en la película hasta que consigue liberar la tensión lo suficiente como para conocer un poco más a los protagonistas. Pero incluso sin las conmovedoras revelaciones sobre los antecedentes de Samira y la revisión de lugares que fueron especiales para ella en el pasado, ella y Eric son personajes completamente dimensionales. La química entre los actores produce un impacto profundamente conmovedor en sus tiernas escenas finales, que se vuelven más poderosas por su falta de palabras.

Quinn, un actor de teatro británico conocido por su trabajo en televisión, como la cuarta temporada de "Stranger Things" o la adaptación de "Howards End" de Kenneth Lonergan, muestra los beneficios de elegir un rostro que no conocemos de una serie de películas. Su sensibilidad es tan aguda y sus grandes ojos marrones están tan llenos de sentimiento que el ingenio de Eric y su valentía invocada constantemente casi nos toman por sorpresa.

Wolff y Hounsou aportan emotividad a los papeles secundarios, mientras que Nyong'o lleva la película sobre unos hombros muy capaces. Sin subestimar en ningún momento el terror paralizante que domina cada movimiento de Samira, la actriz transmite el conflicto entre la amargura del personaje y su humanidad, manteniéndose tenaz y decidida incluso cuando su cuerpo empieza a fallarle seriamente. Te mantiene pegado y angustiado a lo largo de toda la película.

La otra estrella es Frodo, un gato de pantalla que pasará a la historia, al nivel de Ulises de "Inside Llewyn Davis" o Jonesy de "Alien", interpretados por dos felinos fornidos en blanco y negro llamados Nico y Schnitzel. Tiene la naturaleza gentil y la ternura de un gato de servicio, pero también la curiosidad ruda para explorar situaciones precarias y alimentar las ansiedades de sus humanos.

Sarnoski ha hecho un trabajo audaz, preparando una película derivada que se adhiere a las reglas de las dos primeras películas, centrándose en el grupo más pequeño posible de personajes principales, mientras que distribuye el factor miedo y el suspenso en un lienzo mucho más grande. También evita la trampa de explicar demasiado las cosas, lo que hace que el terror aquí sea posiblemente incluso más primario que en las películas anteriores, en las que los personajes tenían una ayuda estratégica al saber que los extraterrestres son sensibles al sonido de alta frecuencia, lo que los hace retroceder.

No es frecuente que veamos una saga postapocalíptica que siga siendo tan personal, que esté tan en contacto con la pérdida humana como algo que no solo se olvida en el siguiente susto, sino que tiene espacio para persistir, un aspecto que sobrevive al cambio de la protección de los padres hacia sus hijos. El tercer capítulo de "A Quiet Place" muestra que esta serie inteligente y confiablemente aterradora, que comenzó con un largometraje de presupuesto modesto que rindió mucho mejor de lo esperado, y no está agotada en lo absoluto.