Crítica Cinéfila: Final Destination: Bloodlines

Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.

Toda una generación fue traumatizada con esta franquicia, y ahora le toca conquistar a un nuevo grupo con la sexta entrega de la venerable saga de películas de terror que nació, o mejor dicho, nos manipuló, hace un cuarto de siglo. Llegando 14 años después de la última entrega —una eternidad para los estándares de la franquicia—, "Destino Final: Linajes de Sangre" ofrece a su público justo lo que espera: una serie de fatalidades diabólicas, ingeniosamente diseñadas y al estilo de Rube Goldberg, tan realistas que te encontrarás cruzando la calle con mucho cuidado al salir del cine.

El hecho de que la propia muerte sea la protagonista, y no un maníaco homicida enmascarado, es lo que da a estas películas su encanto morboso. Es improbable que la mayoría de nosotros nos crucemos en el camino de un asesino en serie. Pero es muy fácil imaginarse resbalándose en la ducha o siendo atropellado por un autobús. Las películas de Destino Final simplemente magnifican estas ansiedades comunes y las elevan al máximo, dejándote hecho un manojo de nervios en el proceso.

Dos directores, Adam Stein y Zach Lipovsky, dirigen con elegancia esta entrega, que presenta una secuencia inicial magníficamente coreografiada que posiblemente sea la mejor de la serie. La trama se ambienta en 1969, cuando una joven pareja, Iris (Brec Bassinger) y Paul (Max Lloyd-Jones), llega a cenar a un restaurante ubicado en lo alto de una torre en su día de apertura. Es claro anticipar que las cosas empiezan a ir terriblemente mal en una serie de desastrosos sucesos que resultan en la muerte de hordas de clientes de las formas más espantosas. Basta decir que nunca volverás a escuchar "Raindrops Keep Falling on My Head" de la misma manera. Los aficionados a la serie adivinarán rápidamente que todo fue en realidad una premonición de Iris que salvó decenas de vidas. Años después, su nieta Stefani (Kaitlyn Santa Juana) sufre pesadillas recurrentes sobre los mismos sucesos, aunque desconoce la conexión personal.

Tras indagar un poco en la historia de su familia, Stefani visita a su abuela Iris (Gabrielle Rose), ahora anciana, quien vive recluida en una cabaña fortificada en lo profundo del bosque. Iris explica que, al salvar la vida de todos en la torre, engañó a la muerte, quien desde entonces se ha dedicado a rectificar el error asesinando sistemáticamente no solo a los supervivientes, sino también a sus descendientes (que de otro modo no habrían nacido). Esto incluye a Stefani y a su familia, a quienes intenta advertir y proteger. No es ningún spoiler revelar que sus esfuerzos son prácticamente en vano.

No es si las víctimas morirán, sino cómo morirán, lo que da jugo a estas películas, y "Final Destination: Bloodlines" no decepciona. Se atasca en una trama tediosa que gira en torno a dinámicas familiares disfuncionales que te hace impaciente por que las muertes comiencen a llegar. Pero una vez que lo hacen, la diversión espeluznante se reanuda. Las escenas sangrientas, que involucran cosas como una cortadora de césped, un camión de basura y, lo más espectacular, una máquina de resonancia magnética, están tan inteligentemente orquestadas que el público estará aplaudiendo de la emoción con cada una como si fueran números de canto y baile. La combinación de CGI y efectos prácticos funciona a la perfección, y las secuencias están editadas sádicamente para máxima tensión, que afortunadamente se alivia con frecuentes dosis de humor mordaz.

Santa Juana es una heroína atractiva y valiente, y Richard Harmon tiene momentos muy divertidos como uno de los primos sarcásticos de Stefani. Pero el punto álgido de la actuación lo aporta el difunto Tony Todd, un pilar de la serie que hace su última aparición en pantalla en su emblemático papel como el misterioso William Bludworth. El actor, a quien está dedicada la película, regresa para una breve escena, luciendo muy frágil y visiblemente enfermo. Pero aun así, es imponente, recordándonos conmovedoramente que en la vida real, como en estas películas, la muerte llega para todos.     

Crítica Cinéfila: Candyman

Desde tiempos inmemoriales, los proyectos residenciales del barrio de Cabrini Green en Chicago se han visto amenazados por la historia de un supuesto asesino en serie con un gancho por mano al que se invoca fácilmente repitiendo su nombre cinco veces frente a un espejo. Hoy, una década después de que la última torre de Cabrini fuese derruída, el artista visual Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen) y su novia Brianna Cartwright (Teyonah Parris), se mudan a un apartamento de lujo de un barrio ahora irreconocible, repleto de millennials y de personas que, por lo general, desconocen su oscuro pasado.

Cuando Nia DaCosta era una niña en 1992 en Nueva York, no se le podía decir que el villano de la película de terror original "Candyman" no existía realmente. De hecho, en una entrevista ella narró la historia de una mujer que fue asesinada en esos días por alguien que se trepó por el espejo del baño y que fue algo de lo que hablaban porque sucedió en los proyectos detrás de su escuela primaria”. Entonces, para ella cuando era niña, Candyman era real. No venía de una película, algo que en esta versión del 2021 lo hacen sentir como un grito de auxilio real.

Puede sonar como la creencia ingenua de una niña, pero cuando reconsideras la brutal historia de fondo de "Candyman", sobre un artista negro del siglo XIX que fue asesinado por una multitud de hombres blancos por enamorarse de una mujer blanca, la leyenda se siente aún más real.

Es una de las razones por las que DaCosta volvió a mostrar esa historia en el nuevo "Candyman", protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II como Anthony, un pintor que lucha por lidiar con un mundo de arte blanco mientras se obsesiona horriblemente con la historia de Candyman; mientras que su novia y directora de la galería que muestra su obra, Brianna (Teyonah Parris), quiere enterrar la leyenda y evitar que vuelva a ocurrir.

"Candyman es la forma en que lidiamos con las cosas que sucedieron, que todavía están sucediendo", dice William Burke, residente de Cabrini Green, de Colman Domingo, en el próximo Candyman de Universal .

La secuela heredada de la popular franquicia de terror de la década de 1990 es una película de género, claro. Gritos, horror, sangre y gore. Pero la directora Nia DaCosta y el productor Jordan Peele le recuerdan a Hollywood que se puede hacer una película puntual sobre las divisiones sociales independientemente de la marca o escala. Da la casualidad de que Candyman lo hace con la precisión filo de un maestro de manos de gancho.

Los proyectos de vivienda del vecindario Cabrini Green de Chicago han sido aterrorizados durante mucho tiempo con la historia de fantasmas de boca en boca sobre un asesino sobrenatural con un gancho en lugar de mano. Pero esta no es una aparición ambigua. Es un fantasma manifestado por la narración compartida. Décadas después de la demolición de la última de las torres Cabrini, el artista visual Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II) y su novia, la directora de la galería Brianna Cartwright (Teyonah Parris), se mudan a un lujoso condominio tipo loft en Cabrini, ahora aburguesado más allá del reconocimiento y habitado por millennials ascendentes. Con la carrera de pintura de Anthony al borde del estancamiento, un encuentro casual con William de Domingo expone a Anthony a la naturaleza trágicamente horrible de la verdadera historia detrás de Candyman.

A nivel general, DaCosta parece haber obtenido inspiración para plasmar la película de lugares muy familiares en el género del terror y se debe a varios factores. 

El primero es el hecho de que se ha apreciado una revisita al barrio de Chicago que una vez fue el hogar de los proyectos Cabrini-Green donde se ambienta la primera película, para absorber todo lo que se pudiera sobre un área que ahora parece estar completamente deshabitada. Tanto para la directora como para el personaje de Anthony, se trata de contextualizar una larga historia de atrocidades raciales que se extienden mucho más allá de Candyman a través de las perspectivas de los residentes actuales y anteriores. 

El segundo factor se debe a que DaCosta trabajó junto a Jordan Peele y Win Rosenfeld en la escritura del guión. Al esta película ser el debut directorial de DaCosta, por lo que la inspiración en el estilo de la puesta en escena parece provenir bastante de lo que Peele y Rosenfeld (quien aparece en los créditos de agradecimiento de Get Out y Us) nos enseñaron en sus películas anteriores, donde se aprecia las preferencias directoriales que Peele nos ha mostrado, como la intensidad de la musicalización que afecta de una manera u otra en la tensión generada por la trama. Por supuesto, predomina el factor narrativo, dónde se mezcla una situación social que afecta a la comunidad afroamericana (en este caso particular, la gentrificación en sectores específicos de la ciudad) con la creencia en una leyenda o cultura urbana que igual está relacionada con esa comunidad. Si no fuese porque DaCosta está acreditada como directora, fácilmente cualquier persona fanática del cine de Jordan Peele (como yo) confunde esta trama como una película del aclamado director de terror.

Ahora... Candyman de DaCosta es fascinante de principio a fin, una de las mejores películas del año. La película explora el poder del mito y la leyenda y el trauma heredado en una mezcla de elementos familiares y nuevos que se arremolina de manera ingeniosa y contemporánea. Es una amalgama de dolor y maltrato generacional. El desprendimiento de un subconsciente colectivo. Es aterrador pero reflexivo. El guión presenta amplias destilaciones de matices temáticos complejos y estratificados en trozos de diálogo fácilmente digeribles que permanecen contigo tan poderosamente como algunas de las imágenes inquietantes de la película. 

Visualmente, DaCosta juega muy bien con su cinematografía, usando la distancia como un esgrimista experto, retrocediendo para dejar que una imagen duradera permanezca y acercándose para lamer la emoción y la tensión. Así mismo, asume el manto de Jonathan Demme y Barry Jenkins como maestros del primer plano destinado a plasmar las microemociones y puntos de vista de nuestros personajes. Una picadura de abeja aparentemente inocua convierte bolas de nieve en algo mucho peor. Una sensación de podredumbre y decadencia, una erosión tanto interna como externa, del espíritu y del cuerpo, impregna la tensa historia como un paralelo a la vida real. Hay algo elemental en ser acechado por un espectro en tu propio reflejo, y las perspectivas cambiadas, los ángulos torcidos y el diseño de sonido único de Candyman se unen para transmitir esa sensación de inquietud que se avecina. 

Candyman vuelve a examinar el mito y la ira de un hombre que ha perseguido este vecindario durante cientos de años, incluso ahora en la nueva trama cuando su historia casi se ha desvanecido con el tiempo. Pero di su nombre cinco veces en un espejo y te encontrarás con un destino sangriento que no se olvidará pronto.