Crítica Cinéfila: Candyman

Desde tiempos inmemoriales, los proyectos residenciales del barrio de Cabrini Green en Chicago se han visto amenazados por la historia de un supuesto asesino en serie con un gancho por mano al que se invoca fácilmente repitiendo su nombre cinco veces frente a un espejo. Hoy, una década después de que la última torre de Cabrini fuese derruída, el artista visual Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen) y su novia Brianna Cartwright (Teyonah Parris), se mudan a un apartamento de lujo de un barrio ahora irreconocible, repleto de millennials y de personas que, por lo general, desconocen su oscuro pasado.

Cuando Nia DaCosta era una niña en 1992 en Nueva York, no se le podía decir que el villano de la película de terror original "Candyman" no existía realmente. De hecho, en una entrevista ella narró la historia de una mujer que fue asesinada en esos días por alguien que se trepó por el espejo del baño y que fue algo de lo que hablaban porque sucedió en los proyectos detrás de su escuela primaria”. Entonces, para ella cuando era niña, Candyman era real. No venía de una película, algo que en esta versión del 2021 lo hacen sentir como un grito de auxilio real.

Puede sonar como la creencia ingenua de una niña, pero cuando reconsideras la brutal historia de fondo de "Candyman", sobre un artista negro del siglo XIX que fue asesinado por una multitud de hombres blancos por enamorarse de una mujer blanca, la leyenda se siente aún más real.

Es una de las razones por las que DaCosta volvió a mostrar esa historia en el nuevo "Candyman", protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II como Anthony, un pintor que lucha por lidiar con un mundo de arte blanco mientras se obsesiona horriblemente con la historia de Candyman; mientras que su novia y directora de la galería que muestra su obra, Brianna (Teyonah Parris), quiere enterrar la leyenda y evitar que vuelva a ocurrir.

"Candyman es la forma en que lidiamos con las cosas que sucedieron, que todavía están sucediendo", dice William Burke, residente de Cabrini Green, de Colman Domingo, en el próximo Candyman de Universal .

La secuela heredada de la popular franquicia de terror de la década de 1990 es una película de género, claro. Gritos, horror, sangre y gore. Pero la directora Nia DaCosta y el productor Jordan Peele le recuerdan a Hollywood que se puede hacer una película puntual sobre las divisiones sociales independientemente de la marca o escala. Da la casualidad de que Candyman lo hace con la precisión filo de un maestro de manos de gancho.

Los proyectos de vivienda del vecindario Cabrini Green de Chicago han sido aterrorizados durante mucho tiempo con la historia de fantasmas de boca en boca sobre un asesino sobrenatural con un gancho en lugar de mano. Pero esta no es una aparición ambigua. Es un fantasma manifestado por la narración compartida. Décadas después de la demolición de la última de las torres Cabrini, el artista visual Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II) y su novia, la directora de la galería Brianna Cartwright (Teyonah Parris), se mudan a un lujoso condominio tipo loft en Cabrini, ahora aburguesado más allá del reconocimiento y habitado por millennials ascendentes. Con la carrera de pintura de Anthony al borde del estancamiento, un encuentro casual con William de Domingo expone a Anthony a la naturaleza trágicamente horrible de la verdadera historia detrás de Candyman.

A nivel general, DaCosta parece haber obtenido inspiración para plasmar la película de lugares muy familiares en el género del terror y se debe a varios factores. 

El primero es el hecho de que se ha apreciado una revisita al barrio de Chicago que una vez fue el hogar de los proyectos Cabrini-Green donde se ambienta la primera película, para absorber todo lo que se pudiera sobre un área que ahora parece estar completamente deshabitada. Tanto para la directora como para el personaje de Anthony, se trata de contextualizar una larga historia de atrocidades raciales que se extienden mucho más allá de Candyman a través de las perspectivas de los residentes actuales y anteriores. 

El segundo factor se debe a que DaCosta trabajó junto a Jordan Peele y Win Rosenfeld en la escritura del guión. Al esta película ser el debut directorial de DaCosta, por lo que la inspiración en el estilo de la puesta en escena parece provenir bastante de lo que Peele y Rosenfeld (quien aparece en los créditos de agradecimiento de Get Out y Us) nos enseñaron en sus películas anteriores, donde se aprecia las preferencias directoriales que Peele nos ha mostrado, como la intensidad de la musicalización que afecta de una manera u otra en la tensión generada por la trama. Por supuesto, predomina el factor narrativo, dónde se mezcla una situación social que afecta a la comunidad afroamericana (en este caso particular, la gentrificación en sectores específicos de la ciudad) con la creencia en una leyenda o cultura urbana que igual está relacionada con esa comunidad. Si no fuese porque DaCosta está acreditada como directora, fácilmente cualquier persona fanática del cine de Jordan Peele (como yo) confunde esta trama como una película del aclamado director de terror.

Ahora... Candyman de DaCosta es fascinante de principio a fin, una de las mejores películas del año. La película explora el poder del mito y la leyenda y el trauma heredado en una mezcla de elementos familiares y nuevos que se arremolina de manera ingeniosa y contemporánea. Es una amalgama de dolor y maltrato generacional. El desprendimiento de un subconsciente colectivo. Es aterrador pero reflexivo. El guión presenta amplias destilaciones de matices temáticos complejos y estratificados en trozos de diálogo fácilmente digeribles que permanecen contigo tan poderosamente como algunas de las imágenes inquietantes de la película. 

Visualmente, DaCosta juega muy bien con su cinematografía, usando la distancia como un esgrimista experto, retrocediendo para dejar que una imagen duradera permanezca y acercándose para lamer la emoción y la tensión. Así mismo, asume el manto de Jonathan Demme y Barry Jenkins como maestros del primer plano destinado a plasmar las microemociones y puntos de vista de nuestros personajes. Una picadura de abeja aparentemente inocua convierte bolas de nieve en algo mucho peor. Una sensación de podredumbre y decadencia, una erosión tanto interna como externa, del espíritu y del cuerpo, impregna la tensa historia como un paralelo a la vida real. Hay algo elemental en ser acechado por un espectro en tu propio reflejo, y las perspectivas cambiadas, los ángulos torcidos y el diseño de sonido único de Candyman se unen para transmitir esa sensación de inquietud que se avecina. 

Candyman vuelve a examinar el mito y la ira de un hombre que ha perseguido este vecindario durante cientos de años, incluso ahora en la nueva trama cuando su historia casi se ha desvanecido con el tiempo. Pero di su nombre cinco veces en un espejo y te encontrarás con un destino sangriento que no se olvidará pronto.

Crítica Cinéfila: The Trial of the Chicago 7

 En 1969 se celebró uno de los juicios más populares de la Historia de Estados Unidos, en el que siete individuos fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional. Este hecho traería una serie de conflictos sociales (manifestaciones, movimientos ciudadanos) que pasarían a la posteridad en una época de grandes cambios en todos los niveles del pueblo norteamericano.

Aaron Sorkin es de esos creadores que nunca decepcionan. Aún en los géneros más preestablecidos, él siempre encuentra el momento de recordarnos que no solo es uno de los mejores guionistas de su generación; sino quizás de los pocos que se renueva sin perder su estilo. 

A lo largo de su carrera escribiendo para cine, televisión y teatro, desde The West Wing , Charlie Wilson's War y The Newsroom hasta A Few Good Men y To Kill a Mockingbird, Aaron Sorkin ha mostrado cierta fascinación por las problemáticas instituciones políticas y la judiciales estadounidenses. Su poderoso y oportuno segundo largometraje como guionista y director, The Trial of the Chicago 7, muestra a Sorkin en su punto ideal, excavando con curiosidad, indignación y pasión en el infame circo de la sala de audiencias de seis meses de los cargos de incitación a un motín ocurrido en la Convención Nacional Demócrata de 1968.

La película de Netflix ha recorrido un largo camino hacia convertirse en este producto final. El guión de Sorkin originalmente estaba destinado a Steven Spielberg, pero la huelga de la WGA de 2007 provocó la suspensión del proyecto y el director original pasó a otros compromisos. Se rumoreaba que Paul Greengrass y Ben Stiller eran posibles reemplazos hasta que Spielberg alentó a Sorkin a dirigirlo él mismo, después de haberse estrenado como director en 2018 con Molly's Game. Cualquier defecto que pudo haber tenido su debut se ha superado aquí en una película que es densa por sus diálogos ingeniosos, personajes importantes, hechos, cambios de tiempo y multperspectividad como todo lo que Sorkin sabe escribir.

El capítulo Chicago Seven ha inspirado numerosas películas, desde el tratamiento documental de Haskell Wexler sobre las protestas de DNC, pasando por la versión satírica de Woody Allen, hasta la mezcla de material de archivo de Brett Morgen con escenas animadas basadas en transcripciones judiciales. Sorkin se acerca al enfoque de los documentales generados por el caso, dramatizando de manera convincente los eventos dentro y alrededor del sendero en una estructura fluida de ida y vuelta que gradualmente reconstruye lo que sucedió en el Grant Park de Chicago la noche del 28 de agosto de 1968.

Como ha demostrado a menudo el caso de las películas basadas en la historia durante este año turbulento, los acontecimientos de hace medio siglo tienen una forma extraña de reflejar la América amargamente polarizada de hoy, a medida que los juegos de poder neoconservadores se vuelven cada vez más agresivos.

El solo hecho de presenciar a los policías de Chicago quitarse las insignias y las etiquetas de identificación mientras aumentan las tensiones en un enfrentamiento con los manifestantes es escalofriante. La base misma del caso judicial, que se apila contra los grupos de protesta mientras que la evidencia apunta a la policía como antagonistas que intensifican la violencia, tiene una relevancia punzante dada la inquietud que ha sacudido al país en los últimos meses. El gas lacrimógeno, los clubes antidisturbios y las tropas federales militarizadas le han dado a 2020 un parecido incómodo con 1968.

Con la administración Trump ahora ansiosa por ocupar el asiento de Ruth Bader Ginsburg en la Corte Suprema, probablemente eliminando cualquier apariencia de equilibrio del cuerpo jurídico más alto del país, el espectáculo de un juez autoritario y parcial que ya ha tomado una decisión sobre los acusados ​​antes de que el juicio incluso se pone en marcha es motivo de reflexión. Ese jurista prepotente, el juez Julius Hoffman es una mezcla de autoridad glacial y beligerancia mezquina en una de las muchas caracterizaciones incisivas del conjunto superlativo. Por igual es una gran ironía que Frank Langella sea quien lo interprete cuando hace unos años le tocó un personaje igual de autoritario con el sombrero de Richard Nixon.

Sorkin y el editor Alan Baumgarten establecen la línea de tiempo histórica que condujo a la protesta y los actores principales involucrados en una secuencia previa al título de 7 minutos que entrelaza imágenes de noticias. El presidente Johnson había aumentado las tropas estadounidenses en Vietnam de 75.000 a 125.000, duplicando la convocatoria de reclutamiento mensual a 35.000. El miedo y la indignación aumentaron a raíz de los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy, y los estadounidenses liberales estaban indignados por la matanza en masa de vietnamitas inocentes con gotas de napalm.

El candidato presidencial demócrata, Hubert Humphrey, fue considerado demasiado cercano a su oponente republicano, Richard Nixon, en sus posiciones sobre Vietnam, por lo que múltiples grupos activistas se movilizaron para organizar lo que pretendía ser una manifestación pacífica en Chicago durante el DNC. Entre ellos se encontraban Estudiantes por una Sociedad Democrática (SDS), dirigida por Tom Hayden (Eddie Redmayne) y Rennie Davis (Alex Sharp); el Partido Internacional de la Juventud, o "Yippies", encabezado por Abbie Hoffman (Sacha Baron-Cohen) y Jerry Rubin (Jeremy Strong); y David Dellinger (John Carroll Lynch), el líder pacifista scoutmaster de la Movilización Nacional para Poner Fin a la Guerra de Vietnam, también conocido como The Mobe. Dos figuras periféricas, Lee Weiner (Noah Robbins) y John Froines (Danny Flaherty), también estuvieron entre los juzgados como resultado de la violencia de esa noche. No tienen idea de cómo lograron el corte, pero Weiner observa de manera divertida en su primer día en la corte: "Estos son los Premios de la Academia de las protestas, y en lo que a mí respecta, es un honor estar nominado". El octavo acusado original era Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), presidente nacional del Partido Pantera Negra, a pesar de haber estado en Chicago por un breve período esa noche.

El guión de Sorkin golpea a sabiendas los nervios con sus ideas sobre cómo los Black Panthers fueron explotados en el juicio, poniendo a un hombre negro entre los acusados ​​para asustar al jurado. Apenas dos de los miembros del jurado identificados por la defensa como potencialmente de su lado, sus familias reciben cartas amenazantes firmadas por los Panthers, a pesar de que esto es inconsistente con el modus operandi de la organización. El asesinato durante el juicio del presidente de Chicago Panthers, Fred Hampton (Kelvin Harrison Jr.) envía ondas de choque, y para el público que desconoce la forma vergonzosa en la que el juez Hoffman trató a Seale, las escenas brutales que llevaron a la declaración de un juicio nulo en su caso serán reveladores. 

En un momento en que el fiscal general William Barr pervierte la justicia casi a diario, Sorkin se mete en la piel desde el principio al presentar al fiscal general de Nixon, John Mitchell (John Doman), como un depredador sin bondad. Está aún más impulsado por una venganza contra su predecesor en el trabajo, Ramsey Clark (Michael Keaton), un defensor de los derechos civiles que se negó a presentar cargos contra los manifestantes y encontraba a la policía como los verdaderos culpables del motín.

Cuando el joven fiscal Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) es convocado a la oficina de Mitchell para tomar el caso, deja claras sus reservas. El fiscal general quiere que los manifestantes sean juzgados bajo la Ley Rap Brown, una ley antidisturbios aprobada por los blancos del sur en el Congreso para limitar la libertad de expresión de los activistas negros al reprimir a los agitadores que actúan fuera de sus propias comunidades. Schultz, que es brillante y ambicioso pero también ético, señala que los testigos dicen que la policía, no los manifestantes, inició la violencia.

En el otro lado está el abogado defensor William Kunstler (Mark Rylance), asistido por Leonard Weinglass (Ben Shenkman). Pasan gran parte de las primeras semanas del juicio mediando entre las personalidades discordantes de sus acusados, sobre todo Seale, cuyo abogado está en el hospital y al que el juez Hoffman le niega el derecho a representarse a sí mismo.

Abdul-Mateen II trae una tremenda ira enroscada a sus escenas, al igual que Harrison como Hampton, quien inflama al puntilloso Juez susurrando como abogado al oído de Seale. Su desaparición de la película en el punto medio podría haber dejado un bajón en la energía si Sorkin no hubiera sido tan hábil en subir la temperatura alrededor de los otros personajes para compensar. La fricción entre Kunstler y el juez Hoffman, en particular, produciendo momentos emocionantes de fuegos artificiales para Rylance y Langella.

Pero la atención se centra cada vez más en el respeto inicialmente a regañadientes entre Hayden (que todavía está vivo y se desempeñó como asesor mientras Sorkin investigaba el guión) y Abbie Hoffman, dos hombres con enfoques muy diferentes para un objetivo común.

El primero es muy grave, al igual que su compinche nerd Davis, ocupado en llevar un recuento diario de las muertes estadounidenses en Vietnam durante el juicio. Tom, que mantiene una actitud respetuosa durante todo el juicio, descarta a Abbie y Jerry como bufones de la corte contraculturales en busca de atención, y Baron Cohen aporta un toque de comedia en vivo a los discursos irreverentes de Hoffman ante multitudes de universitarios. Redmayne inyecta una conmovedora seriedad en el reconocimiento definitivo de Tom de que detrás de la provocación de Abbie se encuentra un coraje y un compromiso inquebrantables. Gran parte del humor astuto de la película proviene del doble acto de Baron Cohen y Strong, que se susurran bromas constantemente en contra del juez. Y Strong le da a Jerry una conmovedora inocencia y vulnerabilidad cuando es engañado por una planta del FBI (Caitlin Fitzgerald) que mantiene el romance mientras recopila información.

Hay momentos fuertes de todos los directores, pero Redmayne obtiene las últimas palabras conmovedoras. Si bien se podría decir que Sorkin empuja un poco fuerte en esa escena con las notas altísimas de la partitura de Daniel Pemberton, el fuerte impacto emocional del personaje es innegable, especialmente cuando se produce tan pronto después de que las escenas llenan las piezas finales de la noche de los disturbios. Las imágenes descarnadas del cinematógrafo Phedon Papamichael de esos momentos volátiles en la calle y en el parque, intercaladas con imágenes de archivo, son un éxito.

Sorkin ha hecho una película apasionante, esclarecedora y mordaz, tan erudita como su mejor trabajo y siempre basada ante todo en la historia y el personaje. Se trata tanto del derecho constitucional estadounidense a protestar como de la justicia, lo que lo hace increíblemente relevante para el lugar donde nos encontramos hoy y para lo que está en juego en las próximas elecciones. La nota final de desafío aquí ofrece un rayo de esperanza que muchos de nosotros estamos hambrientos en este momento.