Crítica Cinéfila: The Last House

En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa.

Dándole un giro inesperado al género de los thrillers de invasión a domicilio, "The Last House" de  Netflix pone a una familia en peligro cuando una misteriosa amenaza los encierra en su hogar sin posibilidad de escape, mientras caen lluvias torrenciales durante días que se convierten en semanas, meses y años. La hábil dirección de Louis Leterrier y las sólidas interpretaciones de Greta Lee y Wagner Moura como padres desesperados por proteger a sus hijos de sus peores miedos dan como resultado una película que, a pesar de sus elementos de ciencia ficción y terror, es tanto un drama psicológico como un thriller de supervivencia sobre cuatro personas que usan su ingenio y sus menguantes recursos para mantenerse con vida, incluso cuando sus estrechos lazos familiares comienzan a resquebrajarse. 

El guion de Matthew Robinson ("Good Luck, Have Fun, Don't Die") , que inevitablemente evoca el aislamiento del confinamiento por la COVID-19, oscila entre encontrar consuelo y una vulnerabilidad aterrorizada en la autosuficiencia, manteniendo la naturaleza exacta de la fuerza que aprisiona a la familia —y aparentemente a todos los demás en el mundo— en la ambigüedad hasta aproximadamente una hora después, cuando aumenta el suspense incluso cuando la narración se vuelve inestable. 

Esa espera podría frustrar a los fanáticos del género que requieren una dosis más instantánea de emociones y sustos de alta intensidad, o a cualquiera que espere el tipo de acción trepidante por la que Leterrier es más conocido, pero los actores hacen lo que sea para mantenerla entretenida.

La cita de Arthur C. Clarke con la que comienza la película es significativa: «Qué inapropiado llamar a este planeta Tierra cuando claramente es Océano». Con el aumento del nivel del mar a nivel mundial debido al cambio climático, esas palabras podrían resultar proféticas. La ansiedad generalizada asociada a estos problemas ambientales contribuye a la tensión que corroe a la familia mientras intentan descubrir quién o qué los mantiene cautivos y qué pretende esa entidad de ellos. 

Durante gran parte de su duración, "The Last House" se siente casi como una versión más realista de la tensa película de ciencia ficción y terror de Kaitlyn Dever de 2023, "No One Will Save You", aquí centrada en la respuesta humana a una amenaza más ambigua, posiblemente alienígena. Desde el primer día, cuando buscan respuestas, Jason Delgado (Moura) le dice a su familia que la fuerza que los ha dejado confinados en su casa no es de origen humano. Pero, al igual que el público, saca conclusiones basándose en un conocimiento concreto mínimo.

Jason, un ingeniero desempleado, recoge sus aparejos de pesca y regresa a casa desde el muelle mientras se acerca un fuerte frente de tormenta, sin haber pescado nada a pesar de sus esfuerzos matutinos. Una voz en off, identificada solo al final, nos dice: «El día que llegaron las lluvias, descubrimos que no estábamos solos». 

Cuando Jason lleva apresuradamente a su esposa Ann (Lee), a su hijo Graham (Noah Alexander Sosnowski), de 12 años, y a su hija Ruth (Riley Chung), de 8 años, al coche para comprar un árbol de Navidad, encuentra las puertas y ventanas de la casa selladas. Cualquier intento de forzarlas o incluso romperlas resulta inútil. Al mirar por las ventanas, los Delgado descubren que sus vecinos están en la misma situación, incluyendo a una pareja de jubilados que vive al otro lado de la calle y que tiene provisiones de comida limitadas.

Al principio, Jason y Ann animan a los niños a seguir una rutina —tareas domésticas, estudio, práctica de piano, educación física— convencidos de que la lluvia pronto parará y sus vidas volverán a la normalidad. Sin conexión Wi-Fi, ni señal de televisión ni de radio, las opciones de entretenimiento se limitan a juegos de mesa, la vieja colección de vinilos de Jason (un momento entrañable muestra a la familia bailando al ritmo de The Cure) y dos películas para elegir: Annie o Air Force One, para poner en un viejo reproductor de DVD.

Comienzan a racionar la comida, y Ann empieza a recolectar semillas de tomate y raíces de hortalizas para crear un huerto interior. Una de las ventajas de una casa en ruinas y con los cimientos hundidos es el fácil acceso a la tierra con solo levantar unas tablas del suelo. Una grieta en la chimenea impulsa a Jason a preparar una trampa con la que se dedica a "pescar", atrapando ardillas y otros animales salvajes que se adentran en el patio y acaban en la sartén. Pero esta fuente de alimento también trae consigo un nuevo peligro a la casa. De alguna manera, la necesidad de esconderse de lo que sea que esté afuera se vuelve imperativa, aún más cuando vislumbran por primera vez, de forma parcial, a una criatura imponente, irreconocible como cualquier especie conocida por el hombre. 

Su confinamiento se prolonga, dando un salto de cinco años, tiempo durante el cual la ordenada calle suburbana ha sucumbido ante la vegetación descontrolada. Los niños crecen y se convierten en adolescentes; Graham (Gabriel Barbosa) se vuelve más malhumorado e impaciente, mientras que Ruth (Emma Ho) se refugia en su vívida imaginación, leyendo sobre sirenas y monstruos mitológicos como el Kraken y el Leviatán. Comienza a elaborar teorías sobre criaturas marinas desconocidas que habitan en el fondo del océano. La cosa se complica cuando las entidades tentaculares del exterior se revelan y la familia se ve obligada a combatirlas. Pero el diseño de las criaturas es tosco, con inspiraciones que van desde H.P. Lovecraft y los kaiju, hasta la mutación del río descontrolado de  The Host  y una mezcla heterogénea de criaturas de ciencia ficción olvidables. 

Cuanto más los vemos y más se explica su presencia, más se le escapa la película a Leterrier, devaluada por clichés manidos de sustos repentinos como cadáveres flotando en el agua o cuerpos infestados de bichos repugnantes. Hemos visto demasiadas representaciones más aterradoras de familias enfrentadas a agresores no humanoides descomunales —en el mundo de "A Quiet Place", por ejemplo— como para quedar especialmente cautivados por los enfrentamientos aquí presentes, que resultan menos efectivos que la amenaza elemental de las crecientes aguas que amenazan con ahogar a los Delgado en su propia casa. Tras una acumulación emocional tan prolongada, el final se siente apresurado y su mensaje de empatía entre especies, un tanto trivial.

La principal fortaleza de la película reside en su énfasis en el amor familiar como fuerza vital, haciendo un guiño a los thrillers de los años 80. Puede que Ann y Jason parezcan estar al borde del colapso, asustando a sus hijos —ella se vuelve más fatalista, mientras que él está tan absorto en su responsabilidad de mantenerlos a salvo que descuida sus roles de esposo y padre—, pero el vínculo inquebrantable que los une hace que la situación sea más real de lo que el guion de Robinson sugiere. Lee y Moura son actores talentosos, especialmente convincentes en sus interpretaciones de Ann y Jason, cada vez más demacrados, que dejan de intentar ocultar su desesperación. Graham y Ruth están magníficamente elegidos para sus respectivos papeles, creando un retrato conmovedor de la familia como salvavidas que mantiene al público de su lado incluso cuando la narración flaquea.

Crítica Cinéfila: Evil Dead Burn

Tras la muerte de su marido, una mujer busca consuelo junto a la familia de él en su aislada casa familiar. Pero cuando, uno tras otro, empiezan a quedar poseídos, la reunión se convierte en un reencuentro familiar sacado directamente del infierno. Entonces descubre que los votos que hizo en vida... siguen siendo vinculantes incluso después de la muerte.

Es hora de desempolvar las tarjetas de la biblioteca y volver a consultar ese ejemplar desgastado del  Necronomicón Ex-Mortis. No es que el infame "Libro de los Muertos" tenga mucha relevancia en "Evil Dead Burn", la sexta entrega de la longeva saga de terror sobrenatural de Sam Raimi, que comenzó allá por 1981. La única información útil que se revela en sus siniestras páginas esta vez es la existencia de una antigua daga, el único medio para matar a un demonio definitivamente. Como era de esperar, el clan de demonios recién convertidos no se detendrá ante nada para encontrarla antes que la superviviente, que milagrosamente no está infectada.

Puede que el director Sébastien Vanicek  haya surgido bastante después de la ola del Nuevo Extremismo Francés de finales de los 90 y principios de los 2000 —su primer largometraje, la impactante película de terror sobre arañas descontroladas de 2023, "Infested", pero su gusto por la carnicería espeluznante, la crueldad despiadada, las vísceras derramadas y la violencia hipergráfica que rechina los huesos está firmemente arraigado en esa escuela. Esta es una película que se regocija en su propia crueldad.  El exceso es claramente la consigna del director, lo que pareció encajar a la perfección con los gustos del público aficionado al cine de terror sangriento al extremo. Cada nueva escena de cráneos aplastados, derramamiento de sangre viscoso e improvisación creativa con armas fue recibida con puños en alto, gritos de aprobación y más de un par de exclamaciones de asco. 

El hecho de que el guion de Vanicek y su compatriota francés Florent Bernard no ofrezca casi nada novedoso en términos narrativos es probablemente irrelevante, aunque a esta nueva entrega independiente le habría convenido un principal agente del mal más consolidado, como la monstruosa madre de Alyssa Sutherland en la entrega anterior, "Evil Dead Rise" de Lee Cronin. Esta vez es el padre quien empieza a sembrar el caos en otra familia, aunque la creciente cantidad de demonios hace que pronto se convierta en parte de la banda demoníaca, y no en la principal amenaza.

Al igual que su predecesora de 2023, "Evil Dead Burn" comienza con la rápida eliminación de personajes secundarios en un bonito paraje junto a un lago, donde los amigos Jared (Keanu Karim) y Leo (Tapiwa Soropa) están pescando. Cuando Leo se aleja para contestar una llamada de su novia, Jared pezca algo tan pesado que hace que su caña se doble, y empieza a recoger lo que él supone que será una gran captura. Pero no. Desde el principio, Vanicek demuestra que no se anda con rodeos, con una muerte brutal. Cuando Leo regresa, ya es demasiado tarde para ambos.

La portadora de la muerte (Greta van den Brink), tras levitar sobre el lago y llegar a la carretera, sirve de enlace con los personajes principales cuando un coche a toda velocidad la atropella. El conductor es Will (George Pullar), un impulsivo que se marcha furioso de un club en medio de una discusión con su esposa francesa, Alice (Souheila Yacoub), abandonando la celebración del cumpleaños de su hermano Joe (Hunter Doohan), que estaba allí con su novia Thya (Luciane Buchanan). El choque de Will con el demonio desata una venganza incendiaria, sumando así tres muertes incluso antes de que aparezca el título principal.

Los primeros indicios de que Will era un marido maltratador parecen tener un precedente en el carácter irascible de su padre, Edgar (Erroll Shand), cuya amabilidad se reserva principalmente para su perro. Hasta que incluso ese vínculo se torna hostil. En el funeral de Will también conocemos a su madre, Susan (Tandi Wright), una mujer de carácter duro y afligida, cuyas palabras durante su elogio fúnebre —«Daría todo por que volviéramos a estar juntos»— resultan presagiadas. Edgar insiste en quedarse a solas un momento con su hijo muerto antes de que el ataúd sea introducido en el horno crematorio. Se sobresalta al oír un golpe que parece provenir del interior del ataúd cerrado, pero el caos que se desata permanece invisible, solo audible en la inquietante banda sonora de Samy Bardet. 

De vuelta en la destartalada casa familiar, Edgar se vuelve aún más hosco, arremetiendo contra el bondadoso Joe por ser un estudiante mediocre comparado con su hermano y provocando que Thya se preocupe por la cercanía de Ed a objetos punzantes. Solo la abuela (Maude Davey), que habla sin parar debido a su avanzada demencia, parece ajena a la tensión. Sin embargo, y aunque ya lo intuirás, si crees que la falta de lucidez, una silla de ruedas y una pierna protésica impedirán que un octogenario cascarrabias se convierta en una fiera con la fuerza de un luchador de peso pesado, probablemente nunca hayas visto una  película de "Evil Dead". Y si la has visto, seguramente podrás predecir la secuencia de sucesos espeluznantes que siguen. 

Vanicek y Bernard establecen las conexiones necesarias con la mitología de Evil Dead  al situar la casa destartalada donde el abuelo historiador de Will y Joe realizó una extensa investigación sobre el Necronomicón antes de abandonar a la familia para viajar por el mundo en busca de información sobre un misterioso culto conocido como El Círculo de los Sabios, una adición insignificante a la mitología. Si bien Susan ha insistido repetidamente en que Joe se deshaga de la colección de notas, dibujos, artefactos y un detallado álbum de recortes del abuelo, él solo cumple a medias.

Naturalmente, alguien, en este caso Alice, saca el temido libro de una bolsa de basura, lee que las fuerzas demoníacas se invocan con un conjuro y procede a pronunciar esas palabras sin sentido en voz alta. Un gran error, aunque posiblemente solo un poco más tonto que Susan, que coloca los cubiertos del lavavajillas con la hoja de los cuchillos hacia arriba. 

Junto con el tema poco desarrollado de las mujeres que se han endurecido para sobrevivir a hombres abusivos, la desconfianza xenófoba hacia los extraños influye en la fría actitud de los padres de Will hacia Alice desde el principio. La abuela no discrimina, lanzando insultos con igual virulencia tanto a Alice como a Thya. Pero la hostilidad de Susan es más directa, mirando de reojo a su nuera incluso en el funeral. La actuación de Wright es divertida porque parece solo un poco menos rencorosa en su modo benigno que cuando se deja llevar por el programa demoníaco y empieza a gritarle a Joe: "¡Tráeme la daga Kandariana!". 

A medida que los miembros del grupo se vuelven feroces uno a uno y la matanza se intensifica, es obvio quién será el último en pie. La diversión, como siempre, reside en descubrir qué objetos serán reutilizados como armas. Entre los objetos se incluyen un reposacabezas de asiento de coche desprendido, una elegante pluma estilográfica que Will le regaló a Joe, un candelabro espantoso, un sacacorchos y un trozo de porcelana de un inodoro roto. No es común ver hilos de hilo de pescar sueltos con anzuelos que atan a un personaje como si fuera un asado. Por supuesto, también hay guiños a la querida motosierra de la época de Raimi con herramientas eléctricas como una desbrozadora y un taladro percutor de alta potencia.

Vanicek y el director de fotografía Philip Lozano aumentan la energía visual para que esté a la altura de la acción incesante: mucho trabajo de cámara frenético en mano; tomas de seguimiento vertiginosas; una toma única virtuosa; un zoom a alta velocidad a ras de suelo (sello distintivo de la serie) a través de bosques; y el encuadre desorientador habitual, sobre todo cuando los personajes empiezan a trepar por las paredes y los techos como arañas o a deslizarse por el tejado.

La banda sonora del dúo experimental francés Double Danger (también compositores de  Infested) intensifica la acción, pasando de una electrónica inquietante a una histeria digna de Black Mass con elementos corales satánicos. La preferencia por los efectos prácticos sobre los generados por ordenador resulta satisfactoria, destacando el impresionante trabajo de la diseñadora de maquillaje Jane O'Kane.

Hay momentos de humor negro, pero solo un chiste, el del salvaescaleras motorizado de la abuela, resulta realmente hilarante. Vanicek parece más interesado en mostrar escenas sangrientas, hasta el punto de que la película se asemeja más a una sucesión de secuencias hiperviolentas que a una historia con sustancia. Esto también deja a los actores con poco margen para definir sus personajes, limitándolos a interpretar estereotipos, aunque la actriz suiza Yacoub resulta convincente en su papel de Alice, demostrando su resiliencia sin restarle importancia en ningún momento a la tortura mental y física de pesadilla que sufre.

Extraño el espíritu pícaro, el sentido del humor travieso y la comedia descarada que definían las originales de Raimi, sin mencionar la locura desquiciada del querido personaje principal de Bruce Campbell, Ash. (Raimi y Campbell son productor y productor ejecutivo, respectivamente). Las nuevas versiones de la saga, comenzando con el reinicio suave de Fede Álvarez de 2013, "Evil Dead", han abandonado en gran medida sus raíces como comedia de terror en favor de una matanza orgiástica. Sin duda hay un público para eso, pero es un estilo completamente distinto que honra los primeros capítulos solo de nombre.

Crítica Cinéfila: Obsession

El anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.

Estamos llegando a un punto en el que la ruta más segura para convertirse en director de terror es iniciar una carrera en la comedia de formato corto. Jordan Peele impactó al mundo con "Get Out", Zach Cregger lo convirtió en un patrón con "Barbarian" y "Weapons", Danny y Michael Philippou se subieron al carro con "Talk to Me" y "Bring Her Back". Ahora, el bromista de YouTube Curry Barker ha lanzado una de las mejores películas de terror de 2026.

“Obsession” comienza con la premisa más simple del género de terror: Bear (Michael Johnston) es un tímido y sensible empleado de una tienda de música que no encuentra el valor para invitar a salir a su compañera de trabajo y amiga de la infancia, Nikki (Inde Navarrette). En lugar de ser honesto con ella y decirle lo que realmente siente, entra en una tienda de cristales esotéricos y compra un Sauce de un Deseo, un juguete antiguo y cursi de los años 60 que promete conceder un deseo a su dueño al partir una rama por la mitad. La cajera le advierte que la mayoría de los clientes que lo compran se han quejado de los resultados, pero no sería una película de terror si le hiciera caso.

Tras dejar a Nikki en su casa después de una noche de trivia en un bar con sus otros compañeros de trabajo (y de incomodarla con su intento de coqueteo mientras insistía en que solo eran amigos), rompe el sauce y pide un deseo sencillo: que Nikki lo ame más que a nada en el mundo. Poco después, ella sale de su casa y le pide ir a la suya, y Bear piensa que acaba de comprar un billete de ida para salir de la zona de amigos, pero no sin sentirse extremadamente perturbado por su cambio de actitud.

De repente, Nikki está siempre loca por Bear, ansiosa por demostrarle afecto en público y pasa tanto tiempo con él que prácticamente se muda con él. Para Bear, la nueva situación es estupenda casi siempre… el único inconveniente es que Nikki a veces vuelve a ser la de antes y grita de terror durante unos segundos, antes de reanudar el bombardeo de amor.

Incluso antes de que la película se descontrole, los amigos en común de Bear y Nikki empiezan a señalar lo extraño que es todo. La otra chica del trabajo escuchó a Nikki hablar de cómo veía a Bear como un hermano menor apenas unas horas antes de convertirse en una adolescente locamente enamorada, y queda claro que está pasando por un mal momento. Empiezan a circular rumores: las conjeturas van desde la drogadicción hasta una crisis nerviosa total, pero curiosamente nadie adivina que se trata de un "juguete de los años 60 que concede deseos con consecuencias mortales". Sin embargo, en lo único que todas coinciden es en que Bear se está aprovechando de una chica vulnerable.

Sus relaciones sociales empiezan a escasear, las invitaciones a fiestas se pierden en el correo y Bear pronto se encuentra solo, sin nadie a quien recurrir, cuando la nueva Nikki comienza a apuñalarse con cristales rotos, a cocinar a su gato muerto y a sellar sus puertas con cinta adhesiva para impedirle salir de casa. Lo único que puede hacer es llamar al servicio de atención al cliente que aparece en el reverso del paquete; pero cuando escucha que tienen el alma de la verdadera Nikki pidiendo ayuda a gritos, el romántico empedernido se da cuenta de que se ha metido en un lío mucho mayor de lo que puede manejar.

“Obsession” demuestra que la influencia de Cregger en el terror de la década de 2020 está en pleno apogeo, ya que su combinación de violencia sádica, referencias irónicas y comedia extraída de la reacción patéticamente egoísta de las personas ante la tragedia merecerá numerosas comparaciones con “Barbarian” y “Weapons”. Además, continúa sabiamente la reciente tendencia de permitir que fuerzas del mal inexplicables simplemente existan en su mundo, encontrando su crítica social en la forma en que los humanos reaccionan ante lo que no comprenden. En lugar de convertir los males reales en metáforas.

El aspecto más fascinante e impredecible de la película reside en la decisión de Barker de contar una historia sobre algo objetivamente horrible —en este caso, un hombre que le arrebata el alma a una mujer y la convierte en una réplica psicótica de sí misma para poder tener relaciones sexuales con su cuerpo y fingir que son pareja— exclusivamente desde la perspectiva del perpetrador. Navarrette ofrece una interpretación brillantemente retorcida de lo que queda de Nikki, pero dado que su verdadero ser está atrapado gritando en el purgatorio del centro de llamadas y solo emerge por segundos, Bear es el humano a través de cuyos ojos vemos todo.

Gran parte del género de terror se basa en hombres que cometen actos atroces contra mujeres, con resultados que van desde la profunda misoginia hasta el feminismo catártico. Pero "Obsession" se centra en un miedo masculino mucho más contemporáneo: ser el tipo problemático cuyo círculo social sabe que se aprovechó de una chica y no quiere tener nada que ver con esto.

Cuando conocemos a Bear, no es un monstruo a punto de estallar. Es un tipo sensible, frustrado por su falta de éxito amoroso, y su desamor lo empuja a anteponer sus propios deseos a la autonomía de su amiga el tiempo suficiente para arruinarles la vida a ambos. No la agrede físicamente, pero se adentra en una zona moralmente ambigua por puro egoísmo, claramente atormentado por la culpa del ciclo irreversible que puso en marcha. También odia que sus amigos tengan razón en sus críticas. El hecho de que exista una película como "Obsession" es prueba de un mínimo progreso social, ya que solo funcionaría en una sociedad donde los hombres sienten que hay consecuencias sociales reales para la mala conducta sexual. Barker no le muestra piedad por sus acciones, pero deja la puerta abierta a una introspección más oscura. Para la mayoría de los espectadores, la pregunta aterradora no debería ser "¿Podría terminar como Nikki?", sino más bien "¿Podría yo, o alguien que conozco, sentir la tentación de hacer lo que hizo Bear?".

Eso no quiere decir que lo que le sucede a él sea peor que lo que le sucede a ella (al menos al principio), pero Barker casi parece desafiar al público a preguntarse cuántos "buenos" en la sala serían capaces de cometer un error de juicio similar en ciertas circunstancias. Hombres y mujeres experimentarán dos tipos de miedo muy diferentes al considerar la respuesta, pero "Obsession" debería mantener a todos despiertos mucho después de haberla visto.

Crítica Cinéfila: Hokum

Un escritor de terror visita una posada irlandesa para esparcir las cenizas de sus padres, sin saber que se dice que la propiedad está encantada por una bruja.

“Hokum”, la inquietante nueva joya de terror del guionista y director Damian McCarthy, es una historia de fantasmas que te atrapa de la mejor manera posible. También es una historia de brujas, una historia de un hotel embrujado y una historia sobre cómo la humanidad puede ser la fuerza más aterradora del mundo, todo ello entrelazado con una potente técnica. No solo resulta inquietante, gracias a su magistral uso de la oscuridad y el sonido, sino que también se convierte en una sutil y poética reflexión sobre la pérdida cuando menos te lo esperas. Cabe destacar que no se trata de otra película de terror obvia sobre el trauma, ya que McCarthy lo maneja todo con delicadeza, sin exagerar ni dar demasiadas explicaciones. En cambio, el cineasta irlandés aborda los elementos del terror folclórico con una naturalidad refrescante, un humor negro pero a la vez melancólico, al tiempo que le brinda a Adam Scott una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha. 

Todo comienza con una reveladora mirada a la imaginación de un escritor: el atormentado novelista Ohm Bauman (Scott), quien intenta encontrar la manera de terminar su historia sobre un hombre y un niño perdidos en un desierto donde la muerte podría ser su única salida. Está tecleando con una bebida siempre a mano, una leve sonrisa casi grabada en su rostro, la lluvia cayendo a cántaros afuera y su casa vacía casi engullida por las sombras. Este vacío desolador, tanto el de la historia como el de su vida, es donde se ha instalado, aunque algo ya parece acechar en la oscuridad. Al alzar la vista, ve una figura que parece observarlo desde lejos. Cuando intenta mirar más de cerca en el vacío, tanto en ese instante como a lo largo de la película, encuentra algo ineludiblemente doloroso que lo mira fijamente y al que tendrá que enfrentarse.

Tras esta fascinante escena inicial, casi sin diálogos, Ohm decide —o al menos se ve impulsado por algo— a ir a un remoto hotel irlandés que era un lugar especial para sus difuntos padres. Va allí para esparcir sus cenizas, y la escena, a la vez sombría y cómica, en la que lo hace, revela su compleja y tensa relación con ambos, obligándolo también a reflexionar sobre su propio pasado. Una angustia abrumadora lo espera allí, hasta que todo se vuelve demasiado y casi lo consume.

Es salvado por una amable camarera, Fiona (Florence Ordesh), quien no solo le habla de la misteriosa suite nupcial del hotel, a la que nadie tiene acceso, sino que también lo trae de vuelta al mundo de los vivos que parecía haberlo dado por perdido. Hablan sobre el final de su historia, y ella lo interpela directamente sobre si lo que él considera una conclusión valiente es en realidad una forma de eludir su responsabilidad. Cuando Fiona desaparece, Ohm se lanza a buscarla, mientras que la mayoría de los demás en el hotel parecen preferir que siga desaparecida.

La experiencia resultante es un triunfo sutil del terror, con una increíble técnica maestra y la misma inquietante fuerza emocional que una gran historia de Stephen King. Es tan entretenida como evocadora, y cada nuevo vistazo a la oscuridad invita a quedarse un rato más para ver qué emerge a continuación. Aunque similarmente contenida como las también sólidas películas anteriores de McCarthy, "Caveat" y "Oddity", "Hokum" demuestra ser su obra más segura, cautivadora y, en última instancia, demoledora hasta la fecha. Ya sea en los breves atisbos del pasado que proporcionan un contexto devastador a lo que inicialmente parecía una frase amarga pronunciada en estado de embriaguez, o en un siniestro programa de televisión infantil que atormenta a Ohm a mitad de la película, impacta de maneras sorprendentes.

Desde el meticuloso diseño de producción de Til Frohlich hasta la rica cinematografía de Colm Hogan, todo en esta película le otorga una mayor profundidad, sumergiéndote en los lúgubres rincones del hotel. Cada detalle hace que las habitaciones —y lo que yace debajo— parezcan infinitas, incluso en medio de la opresión. Cuando Ohm debe adentrarse aún más en las profundidades del hotel con la esperanza de encontrar una salida a esta pesadilla, su viaje se convierte en algo más que una lucha por la supervivencia. En cambio, busca algo más cercano a la salvación existencial en los abismos de la desesperación donde pasa la mayor parte de la película atrapado. A veces, hay que descender al abismo de la oscuridad para emerger a la luz.

Es una situación compleja, pero Scott está a la altura de las circunstancias en cada momento, ofreciendo una interpretación impactante, justo cuando la película se adentra en las profundidades del alma de Ohm. Su interpretación es sencillamente excepcional, transmitiendo el peso emocional de su personaje a la vez que encuentra momentos de humor en medio del horror. Es capaz de mostrar la crueldad de Ohm, sin rehuir jamás cómo el dolor que el escritor carga se ha endurecido hasta convertirse en una coraza impenetrable que utiliza para protegerse de quienes lo rodean.

A medida que los personajes le muestran pequeñas muestras de amabilidad a lo largo de la película, Ohm comienza a darse cuenta de que todavía hay personas que se preocupan por él y que, posiblemente, también tienen esperanzas en él. Afortunadamente, la película no nos lo pone fácil, sino que deja que Scott capture esta transformación gradual pero conmovedora con sutil delicadeza. Del mismo modo que el escritor abre su mente a la posibilidad de que algo más allá de nuestra comprensión se oculte en el hotel, vemos cómo empieza a considerar que su vida quizás no sea tan sombría después de todo.

La película conserva un encanto fascinante y muchos momentos que te conmueven profundamente. La forma en que Ohm y McCarthy encuentran sus respectivos finales resulta significativa. Es un significado que quizás requiera adentrarse en la oscuridad de la película, pero allí encontrarás una visión aterradora y, en última instancia, conmovedora.

Crítica Cinéfila: Lee Cronin's The Mummy

La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.

Lee Cronin's The Mummy es un título que busca aclarar algunas cosas para el público. Sí, es una película de terror sobre momias, pero no es la última entrega ni el remake de la aclamada franquicia de acción y aventuras de Brendan Fraser . Tampoco tiene nada que ver con la última gran película titulada The Mummy , que resultó ser el fracaso del Dark Universe , al menos en esa versión . Pero en lugar de aclarar las cosas, el título parece haber generado más preguntas, como "¿Quién demonios es Lee Cronin?" y posiblemente "¿De dónde sacó una momia?".

Cronin se encuentra en una etapa ligeramente más temprana de su carrera como director de terror que Carpenter cuando su nombre comenzó a aparecer en los títulos de sus películas. "The Mummy" es el tercer largometraje de Cronin, aunque tuvo un segundo trabajo de gran repercusión con "Evil Dead Rise". A primera vista, su versión de "The Mummy" se asemeja a "Evil Dead Rise", solo que rotando la amenaza de una madre soltera mientras está poseída por un molesto espíritu Deadite, a una niña que amenaza a sus padres y hermanos mientras está poseída por un demonio ancestral. Ciertamente hay una sensibilidad similar en la combinación de gore horripilante y escenas tan exageradas que alcanzan un nivel de humor macabro.

Sin embargo, no se trata simplemente de las comparaciones, ni estrictamente de una historia de niños poseídos por demonios como "The Omen", aunque sin duda hay cierta influencia de esa película de 1976. Cronin ha encontrado una nueva y más ingeniosa manera de adentrarse en la mitología de la momia, explotando los miedos de los padres y jugando con la maleabilidad de la forma humana.

En lugar de centrarse en la realeza del antiguo Egipto resucitada, como en las clásicas películas originales de los Monstruos de Universal, "The Mummy" de Lee Cronin comienza con una familia egipcia aparentemente normal hurgando en una tumba bajo una granja. Luego, la narración cambia a una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie Cannon (Jack Reynor), trabaja como periodista de televisión, mientras que la madre, Larissa (Laia Costa), hace turnos de enfermera en un hospital. Larissa espera su tercer hijo, después de los conflictivos Sebastián (Shylo Molina) y Katie (Emily Mitchell). Su relativa felicidad familiar se ve truncada cuando Katie es raptada del jardín familiar, una pesadilla tan impactante como cualquiera de los horrores más sobrenaturales de la película.

La policía, incluyendo a la detective Zaki (May Calamawy), no logra ningún avance en el caso. Ocho años después, la familia Cannon ha regresado a Nuevo México, y la hija menor, Maud (Billie Roy), tiene aproximadamente la misma edad que Katie tenía cuando desapareció. Entonces ocurre lo que parecía imposible: encuentran a Katie entre los restos de un accidente aéreo, con vida, aunque no necesariamente bien. Finalmente regresa con sus padres, pero a pesar de su alegría inicial, algo anda claramente mal.

Mientras la familia se adapta a la inquietante presencia de Katie y a los extraños incidentes que ocurren en la casa, el detective Zaki continúa investigando qué le sucedió realmente a la niña. Ahora interpretada por Natalie Grace con una gran cantidad de maquillaje sucio, Katie no habla al principio, y sus extremidades están retorcidas y nudosas. Esas viejas películas de momias de Universal, como la mayoría de los proyectos de monstruos de Universal, trataban sobre personajes monstruosos con rastros persistentes de humanidad; las momias resucitadas en particular están atrapadas entre la vida y la muerte, sus cuerpos parcialmente conservados, mientras que su esencia permanece esquiva. Ese es el efecto que Cronin busca con esta película, pero actualiza el concepto con un nuevo grado de horror y la transgresión añadida de que esto le ocurra a una niña. Katie no se parece a como era de pequeña, pero tampoco se parece a la adolescente en la que debería haberse convertido. Los espectadores de terror modernos pensarán en posesión demoníaca, o en zombis, que hoy en día son monstruos cinematográficos más comunes que las anticuadas momias.

Cronin no envuelve a Katie con vendas. Sin embargo, encuentra variaciones novedosas y a veces deliciosamente desagradables sobre la idea de un cuerpo resucitado mantenido unido por sus vendajes. En un momento dado, parece preguntarse si la piel humana misma podría considerarse una forma de vendaje precario. A lo largo de la película, Cronin utiliza primeros planos grotescos que distorsionan visualmente partes de los cuerpos de sus personajes, estén o no afectados por la momia: dientes, piel, globos oculares y dedos son materia prima para su manipulación visual. Su truco favorito es el plano con dioptría dividida, que permite que los sujetos en primer plano y en el fondo aparezcan nítidos dentro del mismo encuadre, mientras que el espacio negativo entre ellos se ve especialmente borroso.

Este efecto suele usarse con moderación, pero está presente en toda la película de Cronin, reflejando la intensa y malsana fijación de la inquietud potencialmente monomaníaca de un padre. En una toma con dioptría dividida de la película, se ve el pie grisáceo y nudoso de una niña en un primer plano extremo, mientras que el rostro preocupado de su madre también está nítidamente enfocado en el fondo, con el espacio entre ellas borroso. Estos planos hiperenfocados también convierten las diferencias físicas de Katie en extrañas abstracciones de cómo "debería" ser su físico, situándola en un valle inquietante entre la preservación, la resurrección y la reanimación. 

Al igual que con "Evil Dead Rise", "Lee Cronin's The Mummy" a veces se mueve en un extraño valle entre la empatía por el sufrimiento de sus personajes y el regocijo con el que Cronin lo representa. Cronin empuja a sus personajes hacia una resonancia emocional que, a pesar de sus superficiales interpretaciones, no logran transmitir, incluso con un buen tiempo en pantalla. Pero esta deficiencia se hizo más evidente en "Evil Dead Rise", ya que competía con el recuerdo de entregas anteriores de la franquicia que eran más divertidas ("Army of Darkness"), más aterradoras ("The Evil Dead" o su remake de 2013) o ambas cosas ( "Evil Dead 2"). "Lee Cronin's The Mummy" es una variación tan marcada de una franquicia menos específica que es más fácil simplemente disfrutar de su humor negro y travieso como una novedad hecha con entusiasmo.

¿Eso la hace más efectiva como película de terror o disminuye su impacto? Depende de lo que busques como audiencia. Cronin solo explota la rebeldía adolescente como un orquestador de caos y gore, no como un observador perspicaz de la condición estancada de Katie entre la niñez y la adultez, lo que podría haber sido una poderosa metáfora. De igual manera, el tema de la película sobre la negligencia y/o el sacrificio parental es superficial. Sin embargo, como espectáculo de terror para geeks, "Lee Cronin's The Mummy" cumple con creces, y a mayor escala que sus predecesoras no oficiales. No es una película tan personal como sugiere el título posesivo, pero el marketing es en gran medida correcto: por primera vez en mucho tiempo, una momia preside un auténtico espectáculo de terror.

Crítica Cinéfila: Something Very Bad Is Going to Happen

En la víspera de su boda, una mujer viaja a la casa de la familia de su prometido, donde una serie de sucesos inquietantes comienzan a volverla paranoica.

Según las canciones de amor, encontrar a tu alma gemela debería ser una experiencia cálida, placentera y dichosa. Pero intenta explicarle eso a una novia nerviosa en los días previos a su boda, cuando se da cuenta de cuánto de su futuro ha apostado a que su prometido es realmente el indicado. "Something Very Bad Is Going to Happen" de Netflix, de la creadora Haley Z. Boston y los productores ejecutivos Matt Duffer y Ross Duffer, toma esos nervios preboda y los amplifican hasta extremos sobrenaturales, para finalmente convertirse en una visión sorprendentemente reflexiva y satisfactoriamente sangrienta sobre la imposibilidad de la certeza de un romance absoluto.

A primera vista, Rachel Harkin (Camila Morrone) y Nicky Cunningham (Adam DiMarco) parecen una pareja prometedora. Ella es la melancólica, un manojo de ansiedades envuelto en camisetas negras y rodeado por una omnipresente bocanada de humo de marihuana. Él es el optimista impecable, siempre dispuesto a dar una respuesta tranquilizadora o un comentario ingenioso. A pesar de sus personalidades opuestas, es evidente que se entienden a la perfección, comprenden las necesidades, los deseos y el sentido del humor del otro. Cuando están juntos, incluso una parada en carretera para repostar y tomar un café puede convertirse en una cita improvisada y coqueta, salpicada de chistes picantes sobre sexo oral y reflexiones juguetonas sobre los hijos que tal vez esperan tener algún día.

Sin embargo, Rachel presiente que algo no anda bien. A medida que la pareja se acerca a la gran casa de vacaciones de los Cunningham en el campo, donde planean celebrar su boda dentro de cinco días, parecen abundar los malos presagios: fragmentos de una conversación inquietante que se escuchan por casualidad, un zorro muerto al costado del camino, un auto que pasa con la inscripción "recién casados" escrita con pintura color sangre.

Una vez que llegan a Somerhouse, los malos presagios se convierten en malas señales, incluyendo una bastante literal: una tarjeta dirigida a Rachel que dice: "NO TE CASES CON ÉL". La familia de Nicky, encabezada por su egocéntrica madre Victoria (Jennifer Jason Leigh), alterna entre una distancia hacia Rachel que raya en el desdén y un entusiasmo por la boda que roza la intromisión. Circulan historias de un monstruo asesino de novias que acecha en el bosque, con el que Jules, el hermano mayor de Nicky (Jeff Wilbusch) pudo haberse topado de niño. Incluso teniendo en cuenta la tendencia paranoica que Rachel admite, parece obvio que hay algo más que la típica incomodidad previa a la boda.

Boston y la directora Weronika Tofilska (quien dirigió el primer episodio, entre otros) resaltan los matices macabras de los tópicos nupciales más conocidos con un humor retorcido y pícaro. Los arreglos de los vestidos se realizan en un frenesí de lágrimas violentas y cortes afilados. Un altar de cedro hecho a medida, desde algunos ángulos, algo sacado de un cuento de hadas, y desde otros (para disgusto de la snob hermana menor de Nicky, Portia, interpretada por Gus Birney) algo de "El proyecto de la bruja de Blair". Con suficiente amplificación, el clic de la cámara de un fotógrafo de bodas podría sonar como una pistola descargándose.

"Something Very Bad is Going to Happen" cultiva su aura de terror tanto a través de la violencia gráfica que a través de la sorpresa y la sugerencia, desde cortes abruptos que desorientan nuestra percepción del tiempo, hasta una banda sonora llena de baladas que suenan casi inquietantes en su melancolía amorosa («You Are My Destiny» de Paul Anka es una pista recurrente clave), pasando por ángulos de cámara temblorosos que nos convierten en cómplices involuntarios de alguien o algo invisible. Pero a medida que la trama se vuelve más retorcida y luego se adentra en lo sobrenatural, no necesariamente rehúye mostrarnos algo muy malo: un animal despellejado, una parte del cuerpo cercenada, chorros de sangre.

Morrone demuestra ser una heroína de terror bastante hábil, manteniendo a Rachel con los pies en la tierra, con una simpatía y una cercanía realistas, incluso cuando su estado mental se deteriora en proporción directa al terror que la rodea. Frente a ella, DiMarco interpreta a Nicky como una variación de su tremendo rol en The White Lotus: es innegablemente dulce, pero quizás también demasiado ansioso por ser percibido como tal. Es mérito de los intérpretes que nos resulte casi tan difícil como a Rachel discernir si realmente están enamorados y simplemente tienen miedo en circunstancias tan escalofriantes, o si no lo están y ella solo intenta convencerse a sí misma de que sí lo está porque su vida depende de ello.

Sin embargo, a su alrededor, el elenco tiene más dificultades para destacar. Birney causa una impresión inmediata como la princesa mimada Portia, pero luego no se le ofrece nada más allá de brindar un alivio cómico intermitente; de ​​manera similar, Leigh tiene una entrada impactante como una figura casi fantasmal que deambula por los pasillos, pero luego su personaje está tan poco desarrollado que se requiere un diálogo para explicar que se supone que debemos encontrarla extremadamente narcisista. Por otro lado, personajes como Jules y su esposa Nell (Karla Crome) y el padre de Nicky (Ted Levine) se vuelven más interesantes a medida que los conocemos mejor, pero luego no se les concede suficiente tiempo en pantalla para que vayan más allá de ser meros contrapuntos a la historia de Rachel y Nicky.

La superficialidad de los personajes resulta especialmente extraña, dado que "Something Very Bad is Going to Happen" dispone de demasiado tiempo. En su trama y estructura, a menudo se asemeja más a una película de dos horas que a una serie, estirada para llenar ocho episodios de 45 minutos con la excusa de que sería más fácil obtener luz verde para esta última. Sin embargo, esos minutos adicionales se destinan más a saturar la trama con desvíos innecesarios (como una cacería repleta de metáforas) o a extender los necesarios (como una investigación en la biblioteca) hasta dos o tres veces su duración lógica.

Y, sin embargo, no puedo decir que me aburriera ni un solo momento. La serie sobresale en su capacidad de hechizar mediante detalles extraños, pistas falsas engañosas e indicios inquietantes. Y subyacente a todo ello, se encuentra una exploración inesperadamente sincera de lo que el verdadero amor puede o debería sentirse, justo en el filo de la navaja entre el sentimentalismo y el cinismo. Rachel tiene más motivos que la mayoría para angustiarse por la cuestión de cómo reconocer realmente a un alma gemela: si se trata de una cuestión de destino o simplemente de una decisión, de puro sentimiento o de algún cálculo oscuro y objetivo. Pero la serie funciona porque estas preguntas tampoco son un asunto menor para el resto de nosotros. «Hasta que la muerte nos separe» es una afirmación romántica. También es, como señalaría la serie con gran duda, una especie de amenaza: un recordatorio de que, incluso en el mejor de los casos, todo está destinado a terminar en un mar de sangre y lágrimas.

Crítica Cinéfila: Ready or Not 2, Here I Come

Momentos después de sobrevivir a un ataque de la familia Le Domas, Grace descubre que ha alcanzado el siguiente nivel del juego, y esta vez acompañada por su hermana Faith, con quien mantiene una relación distante. Grace tiene una oportunidad para sobrevivir, mantener con vida a su hermana y reclamar el Alto Trono del Consejo que controla el mundo. Cuatro familias rivales la persiguen para hacerse con el trono, y quien gane lo gobernará todo.

Dicen que cada vez que Samara Weaving suelta su grito único en una película de terror, un ángel recibe sus alas. O, como sería más preciso para esta película en particular, un demonio recibe sus cuernos. Esto se cumplió en "Ready or Not", la oscura y diabólicamente divertida película de terror de 2019 donde Weaving interpretó a Grace, una mujer de clase trabajadora que se casa con un miembro de una familia adinerada que intenta desesperadamente mantener su férreo control sobre el dinero y el poder mediante un trato con el misterioso Sr. Le Bail, quien, resulta ser, la encarnación misma de Satanás. 

 

Sin embargo, dejando a un lado al príncipe de las tinieblas, la figura más destacada de la película fue Weaving, quien consolidó su estatus como una memorable reina moderna del terror y una estrella de acción tremendamente cautivadora. Su grito, en particular, sigue siendo uno de los mejores de todos los tiempos, capaz de exorcizar un miedo profundo y primigenio a la vez que te estremece en tu asiento. Al igual que Grace tuvo que luchar en un juego de escondite de pesadilla donde debía sobrevivir a la persecución de su nueva y asesina "familia" hasta el amanecer, Weaving logró superar la mayoría de las limitaciones de la película y salir ilesa. Incluso cuando todo se hizo pedazos a su alrededor, culminando en un final maravillosamente inesperado y explosivo, ella lo mantuvo todo en pie.  

Uno pensaría que otra película que ofreciera más de Weaving, su carisma ilimitado, su humor sutil y su grito desgarrador sería difícil de arruinar. Sin embargo, de alguna manera, "Ready or Not 2: Here I Come", una secuela sorprendentemente segura que retoma la historia justo donde la dejó su predecesora, pero que decepciona por la falta de nuevas e interesantes direcciones propias, y más bien cometiendo nuevos errores. Es más grande y cuenta con un elenco más amplio, que incluye a los interpretados por Sarah Michelle Gellar, Shawn Hatosy y, brevemente, el encantador David Cronenberg, con quien Weaving debe volver a enfrentarse. Pero a medida que el alcance se expande, la creatividad se reduce, dejando a Weaving con aún más trabajo pesado, ya que la película simplemente se siente como si estuviera repitiendo lo que ya vimos la primera vez. Tiene más momentos de absurdo macabro, pero poca profundidad temática, acción atractiva o terror bien filmado. Si bien Weaving está sensacional una vez más, logrando sacar el máximo provecho de los pocos recursos con los que cuenta casi por pura fuerza de voluntad, es una película a la que preferirías decir "no" y quedarte con la original. 

Dirigida por el dúo, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, a partir del guion de Guy Busick y R. Christopher Murphy, también de regreso, la película comienza donde terminó "Ready or Not", con la genial frase de los suegros. Esta frase, que fácilmente podría haber parecido un momento cómico simple y forzado, cobró vida gracias a la manera cansada e impasible con la que Weaving, cubierta de sangre, la pronunció, asegurando que volviera a ser genuinamente ingeniosa. Tal inspiración brilla por su ausencia aquí, ya que "Ready or Not 2" inmediatamente se encuentra construyendo torpemente a partir de esto al mostrar a Grace desmayándose después de la broma y siendo llevada al hospital. Con cada descarga del desfibrilador, vemos breves destellos de momentos memorables y más genuinamente amenazantes de la primera película. Esta segunda entrega no se hace ningún favor al recordarnos las fortalezas que hicieron de su predecesora un éxito, pero al menos hay algo efectivo en la forma en que introduce estos recordatorios en el inicio. Por desgracia, llegamos a un hospital donde todo se paraliza y nos bombardean con explicaciones de todo lo que sucedió antes. La película se explica una y otra vez, aunque rara vez se siente la misma energía que la primera entrega. 

Es en el hospital donde Grace es interrogada por un detective. Allí se reencuentra con su hermana, Faith (Kathryn Newton), con quien aún mantenía como su contacto de emergencia, explica lo sucedido y se ve envuelta de nuevo en el mismo juego del gato y el ratón del que apenas logró escapar. Solo que esta vez, no se trata de un matrimonio, sino el Alto Asiento del Consejo (que básicamente otorga el control del mundo), que cuatro familias intentan hacerse con el poder. Quien mate a Grace y Faith ocupará ese puesto, aunque si sobreviven hasta el amanecer, todos los miembros de las familias rivales explotarán en una masa sangrienta. Vemos muchas más explosiones, pero mientras que la primera película las utilizaba como un desenlace increíblemente satisfactorio, la secuela recurre una y otra vez a la violencia gratuita con resultados cada vez menos efectivos. 

Gran parte de esto, salvo un puñado de chistes más oscuros y divertidos, como uno en el que vemos cómo el patriarca postrado en cama de Cronenberg puede ejercer poder inmediato en una guerra con una sola llamada telefónica, o todo lo que rodea al pequeño y malvado abogado de Elijah Wood que lo supervisa todo, resulta extrañamente tedioso. Mientras que "Ready or Not" fue directamente al grano, "Ready or Not 2" se entretiene más, salpicada de explosiones sangrientas que no impactan tanto como la primera vez. El hecho de que trate la película original con una referencia extraña, incluyendo una escena desconcertante donde Grace se pone su vestido de novia ensangrentado y zapatillas amarillas como si fuera una superheroína preparándose para la batalla, solo pone a prueba aún más la credulidad cuando no se esfuerza de la misma manera por justificar su propia existencia. Mientras que "Ready or Not" se sentía genuinamente fresca y divertida al mezclar elementos familiares del género, "Ready or Not 2" simplemente repite la misma fórmula. En realidad, nunca da miedo ni genera tensión; el mayor temor no proviene de la película, sino de sus creadores, que parecen reacios a correr riesgos reales. 

Sigue siendo divertido ver a Weaving cocinar, especialmente en cómo minimiza escenas clave para lograr un efecto cómico, pero gran parte de la película se pierde en el laberinto del enorme complejo turístico que Grace y Faith deben recorrer. Repite los patrones cada vez más tediosos del dúo corriendo, siendo atrapadas, participando en secuencias de lucha rígidamente filmadas y luego corriendo de nuevo mientras se insinúan torpemente algunos detalles expositivos sobre su distanciamiento. No es aburrida en sí, ya que siempre hay mucho que sucede, pero es bastante básica, recurriendo a menudo a artificios predecibles para mantener la acción. Hay algunas traiciones, giros y revelaciones, aunque la estructura de la película hace que no te involucres en ellas cuando surgen. La cinematografía se siente plana y monótona, con pocas composiciones interesantes que se queden grabadas en la memoria. 

Es una lástima, ya que un complejo turístico, especialmente uno con campo de golf, es un lugar ideal para crear grandes películas que lo utilicen como escenario (recordemos películas como "The Hunt" que aprovechan ese tipo de espacios). Estos lugares son prístinos y hermosos, aunque también inquietantemente artificiales, y a menudo ocultan una violencia latente. Desafortunadamente, "Ready or Not 2" carece de brillantez visual al explorar esta realidad. Lo único que termina revelando es la dolorosa falta de audacia de la película, tanto en sus aspectos técnicos como temáticos. No hay mucho a lo que aferrarse, salvo la actuación de Weaving. La incorporación de Newton no aporta nada destacable, aparte de las superficiales disputas entre hermanos y un sentimentalismo forzado que la película no se gana. Mientras que la original triunfaba por su sencillez, la mayoría de las expansiones de esta secuela resultan superfluas y restan protagonismo al personaje principal.

Weaving tiene un momento hacia el final donde logra ofrecer algo más complejo con una decisión inesperada de Grace, lo que complica la trama de la película. Sin embargo, llega demasiado tarde para dejar huella. En cambio, repite el final que ya vimos la primera vez. Hay sangre por todas partes, pero carece de emoción. Para una película de terror que supuestamente trata sobre cómo vivir la vida a tu manera y no bajo las crueles reglas de los ricos, es decepcionante que "Ready or Not 2" ofrezca más de lo mismo, o peor. Incluso cuando se atreve a ser impactante, no tiene fuerza. Solo queda el eco de lo que antes era mejor. Uno la ve deseando que a Weaving le hubieran dado más material con el que trabajar, o al menos, más espacio para que su icónico grito nos estremeciera una vez más.

Crítica Cinéfila: Stranger Things, 5ta temporada (Volumen 1)

Otoño de 1987. Hawkins sigue marcada por la apertura de los portales, y nuestros protagonistas comparten un único objetivo: encontrar a Vecna y acabar con él. Pero ha desaparecido; nadie sabe dónde está ni cuáles son sus planes. Para complicar aún más las cosas, el Gobierno ha puesto la ciudad en cuarentena militar y ha intensificado la búsqueda de Once, que se ve obligada a esconderse de nuevo. A medida que se acerca el aniversario de la desaparición de Will, también crece una inquietud conocida. La batalla final está a punto de empezar, y deberán enfrentarse a una oscuridad más poderosa y letal que nunca. Para acabar con esta pesadilla, deberán estar todos juntos, una última vez.

Las estaciones cambian. Los niños crecen. Los monstruos evolucionan. Una querida serie de streaming llega a su final. La quinta y última temporada de "Stranger Things" arrancó hace dos semanas tras casi tres años y medio de ausencia. Es un reencuentro bienvenido, pero agridulce, para los fans de la serie, que han pasado la última década viendo a un grupo de jóvenes inadaptados (ahora adolescentes) usar sus habilidades de nerd contra enemigos sobrenaturales y mortales en el pueblo ficticio de Hawkins, Indiana.

Will (Noah Schnapp), Mike (Finn Wolfhard), Lucas (Caleb McLaughlin), Dustin (Gaten Matarazzo) y Max (Sadie Sink) y su amiga con superpoderes Eleven (Millie Bobby Brown/Millie Bonnie Bongiovi) ahora están preparados para una batalla final contra su alucinante némesis, Vecna, con un división de la temporada en Volumen 1 con cuatro nuevos episodios; Volumen 2 (tres episodios) que se lanza el día de Navidad y el final llega el 31 de diciembre. Me puedo quejar de la distribución escalonada de los episodios (todos programados para un día festivo, por supuesto), pero la estrategia les da a los espectadores sentimentales (incluyéndome) un poco más de tiempo para desvincularse emocionalmente de la serie.

El final de la serie de Netflix, que pasó de ser una rareza a un éxito de audiencia, marca el fin de una era y, sin duda, el último hito generacional. La Generación Z, que creció en los albores de YouTube y, posteriormente, con la aparición de TikTok, generalmente ha favorecido el contenido de formato corto sobre las producciones más largas; sin embargo, "Stranger Things" se convirtió en la excepción. Los jóvenes fans alargaron su capacidad de atención, viendo temporadas enteras de una serie cuyos episodios podían durar desde una hora hasta más de dos horas. El Upside Down, un universo paralelo oscuro y pegajoso de Hawkins, y sus demogorgons depredadores se convirtieron en parte de su vocabulario de secundaria, de la misma manera que las generaciones anteriores al streaming usaban "ismos" de sus series favoritas.

“Stranger Things” se desarrolla en la era Reagan, así que desde sus inicios, los padres de la generación Z podían ver la serie con sus hijos mientras rememoraban sus propios recuerdos entrañables y/o dolorosos de su infancia en los 80. La década del Day-Glo sigue siendo crucial cuando "Stranger Things" regresa esta semana. Prepárense para un momento de "I Think We're Alone Now" de Tiffany, guiños a grandes bandas como The Fall y una oportuna mención de un condensador de flujo. 

Pero Hawkins no es una fiesta de baile de MTV. El tranquilo pueblo está en cuarentena militarizada. Es por su propia protección y porque el gobierno trama algo malo, una vez más. Nada entra ni sale del lugar sin el conocimiento de las autoridades, a menos que sea introducido de contrabando por el siempre intrigante Murray (Brett Gelman). Lo último que supimos fue que el antagonista Vecna ​​(que adopta múltiples formas) finalmente había abierto las puertas del deslucido Upside Down, fusionándolo con el mundo real. Fue un evento violento, pero la mayoría de los habitantes del pueblo creían que todo ese temblor y ruido se debía a un terremoto. 

Nuestra querida pandilla de nerds de Hawkins lo sabe mejor. Han estado haciendo "rastreos" encubiertos con el objetivo de localizar y destruir a Vecna ​​antes de que convierta la ciudad, y luego el mundo, en un páramo cenagoso. Se unen a la lucha la hermana mayor de Mike, Nancy (Natalia Dyer), el hermano mayor de Will, Jonathan (Charlie Heaton), los amigos Steve (Joe Keery) y Robin (Maya Hawke), la madre de Will y Jonathan, Joyce Byers (Winona Ryder), y el padre adoptivo de Eleven, Jim Hopper (David Harbour). Max está en coma en el hospital. Su consciencia está atrapada en el paisaje mental de Vecna, sin importar cuánto Lucas toque "Running Up That Hill" de Kate Bush para despertarla.

Tras múltiples ataques a su modesto hogar por parte de demodogs y agentes estadounidenses, los Byers han estado viviendo en el sótano de la casa de Mike con su familia, los Wheeler. La menor de los Wheeler, Holly (Nell Fisher), se acerca a la edad que tenía el elenco principal de niños cuando la serie se estrenó en 2016. Y Erica (Priah Ferguson), la hermana pequeña de Lucas, que siempre dice "no te metas conmigo", y que todavía dice las mejores ocurrencias de la serie, ahora está en la clase de ciencias de secundaria del Sr. Clarke.

Elevar las historias de los personajes más jóvenes ayuda a superar la brecha de edad creada cuando el elenco principal de actores infantiles tuvo la audacia de madurar durante la emisión de la serie. Brown tenía 12 años cuando se estrenó la serie. Ahora tiene 21. Los críticos se han quejado de que no deberían interpretar a estudiantes de secundaria. Pero aceptar a Wolfhard, de 22 años, como un Mike adolescente no es una exageración, especialmente considerando todo lo demás en lo que los fans de "Stranger Things" han estado dispuestos a creer ("luces navideñas parlantes", batallas psicoquinéticas, un laboratorio soviético nefasto bajo la zona de restaurantes del centro comercial).

Hay demasiados spoilers alrededor de estos primeros cuatro episodios de la temporada final. Basta decir que hay una megabatalla en el horizonte. Eleven ha estado entrenando duro, perfeccionando sus poderes. Ahora puede lanzar vehículos blindados, saltar sobre grandes edificios y doblegar a las mentes más duras con una mínima hemorragia nasal. Dustin lucha furioso, endurecido por la muerte de su compañero del Club Fuego Infernal, Eddie Munson (Joseph Quinn). Steve y Jonathan siguen compitiendo por la atención de Nancy mientras ella se centra en perfeccionar sus habilidades de tiro. Y la Sra. Wheeler demuestra ser una guerrera formidable cuando se arma con una botella de vino rota y dentada. Las circunstancias de sus hijos originales no han cambiado mucho, pero sus perspectivas sí, lo que genera giros impredecibles en sus poderes, fortalezas y alianzas.

En la última temporada de su pequeña serie, los creadores, los hermanos Duffer, se apoyan en gran medida en las disputas interpersonales y las amistades entre todos los personajes, combinando acción de alto presupuesto con tramas que avanzan sobre personajes que los fans han llegado a adorar. Al fin y al cabo, son los chicos protagonistas de la historia los que nos hicieron quererla más. Y parece que seguirán haciéndolo, hasta el final.

Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: Frankenstein

Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza científica, Frankenstein considera que la criatura carece de inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.

Las influencias del terror gótico han impregnado la obra de Guillermo del Toro desde que el cineasta mexicano irrumpió en la escena con "Cronos", "The Devil's Backbone" y "El Laberinto del Fauno" (mi película favorita de todos los tiempos). El encuentro del guionista y director con la inmortal novela de Mary Shelley de 1818 se ha hecho esperar, y tras innumerables adaptaciones cinematográficas, se siente como un renacimiento electrizante. La suntuosa reinterpretación de "Frankenstein", obra de este gran maestro que desafía los géneros, honra la esencia del libro, pues se trata más de tragedia, romance y una reflexión filosófica sobre el significado de ser humano.

La ausencia o la imperfección paterna han sido un tema recurrente en las películas de Del Toro, recibiendo aquí un tratamiento conmovedor en la angustiosa relación entre el científico egocéntrico Victor Frankenstein y la criatura sin nombre a la que da vida a partir de partes del cuerpo cosidas entre sí. Esos papeles son interpretados, respectivamente, por Oscar Isaac con la tensa intensidad de un artista atormentado, cuya arrogancia se ve consumida poco a poco por el remordimiento; y por Jacob Elordi en una actuación reveladora, notable por su expresividad física, pero quizás aún más por su inocencia, su profundo anhelo y el vacío abrumador que le sigue cuando la Criatura comprende quién y qué es. La película plantea la cuestión de si la monstruosidad se define por la apariencia o por las acciones.

Además de su fuerza emocional, "Frankenstein" de Guillermo del Toro es una película de intensos placeres sensoriales. La aclamada imaginación visual del director (canalizada a través del excepcional trabajo de colaboradores que repiten en la película, como el director de fotografía Dan Lausten, la diseñadora de producción Tamara Deverell y la diseñadora de vestuario Kate Hawley) deleita constantemente la vista. El audaz uso del color, especialmente los rojos y verdes saturados que abrasan las sombras, es impresionante. Mientras tanto, los oídos se deleitan con una potente banda sonora orquestal que se encuentra entre las obras más cautivadoras de Alexandre Desplat.

Dividida en un preludio y dos partes cuyos títulos, "Victor’s Tale" y "The Creature’s Tale", dejan clara su perspectiva de juicio, la historia comienza en el Ártico, donde un capitán de barco danés (Lars Mikkelsen) supervisa los esfuerzos de su tripulación por desenterrar su nave del hielo. Al investigar un incendio que divisan al otro lado de la tundra, encuentran a Victor (Isaac) herido y al borde de la muerte, aunque sus perros de trineo están ilesos. La criatura, enfurecida, aparece casi como un gigante, una figura imponente y encapuchada, envuelta en pieles de animales. "Víctor. Tráelo ante mí", gruñe, apartando a los tripulantes que lo atacan y le disparan, y usando su fuerza descomunal para inclinar el barco. Cuando un disparo de trabuco derriba al monstruo y este cae por las grietas a las aguas heladas, el capitán lo da por muerto. Pero Víctor le asegura que la criatura es inmortal y que regresará; suplica a los daneses que lo dejen en el hielo y que ella se lo lleve.

Víctor le cuenta su historia al Capitán, comenzando con su infancia en una gran plantación familiar que ya no existe. Su madre francesa era todo su mundo hasta que murió al dar a luz a su segundo hijo. Esto deja al joven Víctor (Christian Convery) a merced de su frío y autoritario padre, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un distinguido médico británico a quien sospecha de haber salvado a su hermano pequeño a costa de la vida de su madre (parecería un homenaje a "El Laberinto del Fauno"). La acción avanza rápidamente hasta 1855, cuando Victor se dirige al Real Colegio de Medicina, demostrando su éxito inicial en la reanimación de tejido muerto. La comunidad médica, con sus pelucas y su actitud desdeñosa, se burla de la idea de que él domine las fuerzas de la vida y la muerte. Pero por razones que van más allá del interés científico y que se aclararán más adelante, el acaudalado comerciante de armas Heinrich Harlander (Christophe Waltz) se siente lo suficientemente intrigado como para financiar la investigación y experimentación de Victor.

Por esta época, reaparece William (Felix Kammerer), el hermano menor predilecto de Victor, ahora comprometido para casarse con Elizabeth ( Mia Goth ), sobrina de Heinrich, cuyo agudo intelecto y curiosidad científica cautivan instantáneamente a Victor. La entrada de Goth, con un deslumbrante vestido azul pavo real y un tocado de plumas, le confiere un aspecto casi sobrenatural. Es el primero de varios atuendos que la diseñadora de vestuario Hawley creó para Elizabeth —entre ellos, un traje verde musgo con velo y un vestido de novia blanco enjoyado— que la retratan como una figura de cuento de hadas, mostrando una belleza segura de sí misma. 

Aunque el título de “reina del terror” de Goth está más que consolidado, del Toro parece haber visto algo más en la actriz: una inteligencia directa, un espíritu y una fuerza que refuerzan la delicadeza de porcelana de su personaje. La predilección de Elizabeth por el color evoca una impactante imagen anterior de la madre de Victor en las escaleras de la casa ancestral familiar, envuelta en un velo rojo sangre que ondeaba al viento. También la define como una libre pensadora inconformista, muy parecida a Victor, con su elegante atuendo en blanco y negro con detalles rojos; él viste con un estilo ajustado, al estilo de una estrella de rock, a diferencia de otros hombres de la época con sus voluminosos trajes de tweed, quizás para destacarlo como una mente innovadora, atrevida y modernista.

Hay imágenes asombrosas a lo largo de toda la película; una de las más impactantes es el enorme laboratorio construido para Victor en un remoto castillo de la costa escocesa (casi todos los decorados de Deverell eran construcciones físicas hechas desde cero, como el barco danés, o composiciones de estructuras existentes, no creaciones digitales). Inspirándose en el clásico «laboratorio del científico loco» y elevando el ambiente con el tipo de detalles atmosféricos que caracterizan a Guillermo del Toro, los diseñadores equiparon el espacio con pararrayos plateados sujetos a una torre exterior, máquinas de vapor y enormes cilindros convectores verticales. La inscripción latina en la fachada del edificio —«Aqua est vita»— resulta apropiada para un experimento nacido de una tormenta. 

Inicialmente, Victor selecciona partes adecuadas del cuerpo de hombres condenados a muerte justo antes de ser ahorcados. Pero con la escalada de la Guerra de Crimea, los campos de batalla le proporcionan una gran variedad de cadáveres mutilados, entre los que abundan los hombres fuertes y de extremidades largas que necesita. Más que una simple cabeza cosida a un cuerpo y reconectada con un nuevo cerebro, la Criatura de Victor parece una cabeza de frenología de cerámica unida a una escultura de mármol remendada, cubierta únicamente con un taparrabos de vendas. Elordi habita el diseño de criatura de Mike Hill con una seductora mezcla de torpeza y gracia, pero, de forma igualmente notable, con una sensualidad que recuerda la carga erótica que del Toro y Hill imprimieron al hombre pez anfibio en "The Shape of Water".

Desde sus primeras apariciones, la Criatura muestra una vulnerabilidad conmovedora, deleitándose como un bebé con nuevos descubrimientos como el agua o las hojas. Víctor la mantiene encadenada en una gran área de contención, por la seguridad tanto del creador como de la criatura. Cuando Elizabeth la descubre allí, como atraída por el instinto, él queda hechizado por su presencia etérea, mientras que ella parece intuir la humanidad innata de la Criatura.

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Pero pronto se hace evidente que Víctor no había reflexionado mucho sobre lo que ocurriría después de la creación. Su confianza se resquebraja cuando Guillermo pregunta: "¿Te has preguntado alguna vez, de todas las partes que componen a ese hombre, en cuál alberga el alma?". Del Toro reconoce la influencia de la obra maestra homónima de James Whale de 1931 como una influencia decisiva, y su versión también se nutre de su secuela, posiblemente aún mejor, "Frankenstein's Bride" de 1935. Esto se hace evidente en la historia de la criatura, cuando escapa del castillo y encuentra refugio en una granja aislada con un anciano ciego (David Bradley), quien se alegra enormemente de tener compañía. Uno de los momentos más conmovedores de la película es cuando la criatura aprende la palabra "amigo". Ese es solo el comienzo de su educación, pues los libros le abren un mundo entero de lenguaje y conocimiento. La gran tristeza de la historia reside en la incomprensión entre “padre e hijo”, pero la desgarradora experiencia de pérdida de la Criatura es lo que lleva la monstruosidad a otro nivel. La desolación que lo invade al descubrir, a través del cuaderno de Víctor, que es "un miserable hecho con los desechos de la muerte", se agrava al comprender que la muerte definitiva se le ha arrebatado, negándole así el alivio a su dolor. Cuando unos cazadores lo abaten, sus pensamientos más íntimos se convierten en un tormento eterno y abrasador:"De nuevo el silencio, y luego la vida despiadada".

La cita de Byron con la que Del Toro cierra la película —"Y así el corazón se romperá y, sin embargo, seguirá viviendo"— indica claramente la visión del director sobre Frankenstein como una tragedia romántica de proporciones operísticas. "No puedo morir. Y no puedo vivir solo", le dice la Criatura a Víctor durante un enfrentamiento crucial. Los ojos oscuros y expresivos de Elordi transmiten una tristeza penetrante que no se había sentido en este personaje. La complejidad también reside en la gama emocional de la conmovedora interpretación de Isaac como Víctor, un hijo traumatizado que, al intentar jugar a ser Dios, engendra a su propio hijo traumatizado en el laboratorio. La caída en desgracia de este genio visionario, devastado por las consecuencias de sus actos, es una tragedia tan dolorosa como la de la Criatura. Aquí todos juegan a villanos y víctimas. Y todos saben crear la empatía suficiente para que cada uno duela en momentos cruciales.

"Frankenstein" ha sido un proyecto muy querido por el director Guillermo del Toro durante mucho tiempo, pero no hace falta leer sobre los más de diez años que le llevó sacarlo adelante para comprenderlo. La pasión se desborda en cada fotograma, convirtiéndose de las mejores películas de Guillermo del Toro, esta es una narración épica con una belleza, emotividad y maestría excepcionales. El "Frankenstein" de Del Toro es un logro extraordinario que, en cierto modo, se apropia de la historia emblemática del género de terror y la transforma en un relato de perdón. Si bien Netflix le ofrece a esta obra maestra visual solo tres semanas en cines antes de su estreno en streaming, merece ser disfrutada en la gran pantalla.