Crítica Cinéfila: Evil Dead Burn

Tras la muerte de su marido, una mujer busca consuelo junto a la familia de él en su aislada casa familiar. Pero cuando, uno tras otro, empiezan a quedar poseídos, la reunión se convierte en un reencuentro familiar sacado directamente del infierno. Entonces descubre que los votos que hizo en vida... siguen siendo vinculantes incluso después de la muerte.

Es hora de desempolvar las tarjetas de la biblioteca y volver a consultar ese ejemplar desgastado del  Necronomicón Ex-Mortis. No es que el infame "Libro de los Muertos" tenga mucha relevancia en "Evil Dead Burn", la sexta entrega de la longeva saga de terror sobrenatural de Sam Raimi, que comenzó allá por 1981. La única información útil que se revela en sus siniestras páginas esta vez es la existencia de una antigua daga, el único medio para matar a un demonio definitivamente. Como era de esperar, el clan de demonios recién convertidos no se detendrá ante nada para encontrarla antes que la superviviente, que milagrosamente no está infectada.

Puede que el director Sébastien Vanicek  haya surgido bastante después de la ola del Nuevo Extremismo Francés de finales de los 90 y principios de los 2000 —su primer largometraje, la impactante película de terror sobre arañas descontroladas de 2023, "Infested", pero su gusto por la carnicería espeluznante, la crueldad despiadada, las vísceras derramadas y la violencia hipergráfica que rechina los huesos está firmemente arraigado en esa escuela. Esta es una película que se regocija en su propia crueldad.  El exceso es claramente la consigna del director, lo que pareció encajar a la perfección con los gustos del público aficionado al cine de terror sangriento al extremo. Cada nueva escena de cráneos aplastados, derramamiento de sangre viscoso e improvisación creativa con armas fue recibida con puños en alto, gritos de aprobación y más de un par de exclamaciones de asco. 

El hecho de que el guion de Vanicek y su compatriota francés Florent Bernard no ofrezca casi nada novedoso en términos narrativos es probablemente irrelevante, aunque a esta nueva entrega independiente le habría convenido un principal agente del mal más consolidado, como la monstruosa madre de Alyssa Sutherland en la entrega anterior, "Evil Dead Rise" de Lee Cronin. Esta vez es el padre quien empieza a sembrar el caos en otra familia, aunque la creciente cantidad de demonios hace que pronto se convierta en parte de la banda demoníaca, y no en la principal amenaza.

Al igual que su predecesora de 2023, "Evil Dead Burn" comienza con la rápida eliminación de personajes secundarios en un bonito paraje junto a un lago, donde los amigos Jared (Keanu Karim) y Leo (Tapiwa Soropa) están pescando. Cuando Leo se aleja para contestar una llamada de su novia, Jared pezca algo tan pesado que hace que su caña se doble, y empieza a recoger lo que él supone que será una gran captura. Pero no. Desde el principio, Vanicek demuestra que no se anda con rodeos, con una muerte brutal. Cuando Leo regresa, ya es demasiado tarde para ambos.

La portadora de la muerte (Greta van den Brink), tras levitar sobre el lago y llegar a la carretera, sirve de enlace con los personajes principales cuando un coche a toda velocidad la atropella. El conductor es Will (George Pullar), un impulsivo que se marcha furioso de un club en medio de una discusión con su esposa francesa, Alice (Souheila Yacoub), abandonando la celebración del cumpleaños de su hermano Joe (Hunter Doohan), que estaba allí con su novia Thya (Luciane Buchanan). El choque de Will con el demonio desata una venganza incendiaria, sumando así tres muertes incluso antes de que aparezca el título principal.

Los primeros indicios de que Will era un marido maltratador parecen tener un precedente en el carácter irascible de su padre, Edgar (Erroll Shand), cuya amabilidad se reserva principalmente para su perro. Hasta que incluso ese vínculo se torna hostil. En el funeral de Will también conocemos a su madre, Susan (Tandi Wright), una mujer de carácter duro y afligida, cuyas palabras durante su elogio fúnebre —«Daría todo por que volviéramos a estar juntos»— resultan presagiadas. Edgar insiste en quedarse a solas un momento con su hijo muerto antes de que el ataúd sea introducido en el horno crematorio. Se sobresalta al oír un golpe que parece provenir del interior del ataúd cerrado, pero el caos que se desata permanece invisible, solo audible en la inquietante banda sonora de Samy Bardet. 

De vuelta en la destartalada casa familiar, Edgar se vuelve aún más hosco, arremetiendo contra el bondadoso Joe por ser un estudiante mediocre comparado con su hermano y provocando que Thya se preocupe por la cercanía de Ed a objetos punzantes. Solo la abuela (Maude Davey), que habla sin parar debido a su avanzada demencia, parece ajena a la tensión. Sin embargo, y aunque ya lo intuirás, si crees que la falta de lucidez, una silla de ruedas y una pierna protésica impedirán que un octogenario cascarrabias se convierta en una fiera con la fuerza de un luchador de peso pesado, probablemente nunca hayas visto una  película de "Evil Dead". Y si la has visto, seguramente podrás predecir la secuencia de sucesos espeluznantes que siguen. 

Vanicek y Bernard establecen las conexiones necesarias con la mitología de Evil Dead  al situar la casa destartalada donde el abuelo historiador de Will y Joe realizó una extensa investigación sobre el Necronomicón antes de abandonar a la familia para viajar por el mundo en busca de información sobre un misterioso culto conocido como El Círculo de los Sabios, una adición insignificante a la mitología. Si bien Susan ha insistido repetidamente en que Joe se deshaga de la colección de notas, dibujos, artefactos y un detallado álbum de recortes del abuelo, él solo cumple a medias.

Naturalmente, alguien, en este caso Alice, saca el temido libro de una bolsa de basura, lee que las fuerzas demoníacas se invocan con un conjuro y procede a pronunciar esas palabras sin sentido en voz alta. Un gran error, aunque posiblemente solo un poco más tonto que Susan, que coloca los cubiertos del lavavajillas con la hoja de los cuchillos hacia arriba. 

Junto con el tema poco desarrollado de las mujeres que se han endurecido para sobrevivir a hombres abusivos, la desconfianza xenófoba hacia los extraños influye en la fría actitud de los padres de Will hacia Alice desde el principio. La abuela no discrimina, lanzando insultos con igual virulencia tanto a Alice como a Thya. Pero la hostilidad de Susan es más directa, mirando de reojo a su nuera incluso en el funeral. La actuación de Wright es divertida porque parece solo un poco menos rencorosa en su modo benigno que cuando se deja llevar por el programa demoníaco y empieza a gritarle a Joe: "¡Tráeme la daga Kandariana!". 

A medida que los miembros del grupo se vuelven feroces uno a uno y la matanza se intensifica, es obvio quién será el último en pie. La diversión, como siempre, reside en descubrir qué objetos serán reutilizados como armas. Entre los objetos se incluyen un reposacabezas de asiento de coche desprendido, una elegante pluma estilográfica que Will le regaló a Joe, un candelabro espantoso, un sacacorchos y un trozo de porcelana de un inodoro roto. No es común ver hilos de hilo de pescar sueltos con anzuelos que atan a un personaje como si fuera un asado. Por supuesto, también hay guiños a la querida motosierra de la época de Raimi con herramientas eléctricas como una desbrozadora y un taladro percutor de alta potencia.

Vanicek y el director de fotografía Philip Lozano aumentan la energía visual para que esté a la altura de la acción incesante: mucho trabajo de cámara frenético en mano; tomas de seguimiento vertiginosas; una toma única virtuosa; un zoom a alta velocidad a ras de suelo (sello distintivo de la serie) a través de bosques; y el encuadre desorientador habitual, sobre todo cuando los personajes empiezan a trepar por las paredes y los techos como arañas o a deslizarse por el tejado.

La banda sonora del dúo experimental francés Double Danger (también compositores de  Infested) intensifica la acción, pasando de una electrónica inquietante a una histeria digna de Black Mass con elementos corales satánicos. La preferencia por los efectos prácticos sobre los generados por ordenador resulta satisfactoria, destacando el impresionante trabajo de la diseñadora de maquillaje Jane O'Kane.

Hay momentos de humor negro, pero solo un chiste, el del salvaescaleras motorizado de la abuela, resulta realmente hilarante. Vanicek parece más interesado en mostrar escenas sangrientas, hasta el punto de que la película se asemeja más a una sucesión de secuencias hiperviolentas que a una historia con sustancia. Esto también deja a los actores con poco margen para definir sus personajes, limitándolos a interpretar estereotipos, aunque la actriz suiza Yacoub resulta convincente en su papel de Alice, demostrando su resiliencia sin restarle importancia en ningún momento a la tortura mental y física de pesadilla que sufre.

Extraño el espíritu pícaro, el sentido del humor travieso y la comedia descarada que definían las originales de Raimi, sin mencionar la locura desquiciada del querido personaje principal de Bruce Campbell, Ash. (Raimi y Campbell son productor y productor ejecutivo, respectivamente). Las nuevas versiones de la saga, comenzando con el reinicio suave de Fede Álvarez de 2013, "Evil Dead", han abandonado en gran medida sus raíces como comedia de terror en favor de una matanza orgiástica. Sin duda hay un público para eso, pero es un estilo completamente distinto que honra los primeros capítulos solo de nombre.

Crítica Cinéfila: Don't Move

Un asesino experimentado inyecta un potente agente paralizante a una mujer afligida. Ella debe correr, luchar y esconderse antes de que su cuerpo se apague.

He aquí una hipótesis suicida que sólo se le ocurriría a un cineasta de películas de terror: ¿qué pasaría si en el momento en que una joven profundamente perturbada (Kelsey Asbille) estuviera a punto de acabar con su vida, apareciese un asesino en serie (Finn Wittrock), la convenciera de que no lo hiciera y luego la secuestrara con un propósito mucho más espantoso? ¿El plan del asesino seguiría contando como asesinato o, dado que esta víctima ya había decidido morir, contaría como un favor?

Una de las más recientes obras de Netflix, "Don't Move", comienza con ese recurso y luego añade otro: una vez que la mujer recupera la conciencia, su captor revela que le ha inyectado un "relajante especial" que comenzará a hacer efecto en cualquier momento. A partir del momento en que lo haga, el sedante tardará 20 minutos en paralizarla completamente. ¿Qué harías en su situación?

Cuando comienza Don't Move, la historia gira en torno a una mujer afligida que solo quiere que la dejen en paz. Se va de excursión a lo profundo de un bosque aislado donde los recuerdos la persiguen cuando se encuentra con un extraño. Encantador y amable al principio, se convierte rápidamente en el villano de la película cuando le inyecta un agente paralizante. La droga hará que su cuerpo se apague gradualmente, por lo que necesita alejarse lo más posible de él antes de que ya no pueda moverse.

El objetivo, por supuesto, es observar a una mujer que quiere (o quería) terminar con su vida y encuentra la voluntad de luchar por ella. Pero hay algo tan esquemático en la situación de Iris que parece un insulto para quienes tienen pensamientos reales de autolesión. Eso no significa que no sea interesante de ver, ya que Iris hace todo lo posible por superar su inmovilidad. Lo mejor es tomar la película como una prueba de un puñado de jóvenes cineastas que piden favores y centrarse en las sorpresas. Un nombre conocido entre los créditos es Sam Raimi, para quien los directores Adam Schindler y Brian Netto dirigieron los capítulos de Minnesota de la serie de Quibi “50 States of Fright”. Ambientada en lo profundo de los bosques y a lo largo de caminos de tierra lejos de la civilización, “Don't Move” se siente como otra película soñada durante la pandemia que un pequeño equipo podría ejecutar. Pero esa restricción no es nada comparada con la que se le impone a Asbille, que pasa la mitad de la película inmóvil.

El día infernal de Iris incluye enfrentarse a un río de aguas rápidas, comunicarse con un amable extraño y escapar de un incendio que crece, y aunque las reglas sobre qué parte de su cuerpo funciona y qué no en un momento dado a menudo pueden parecer laxas, es difícil no dejarse llevar por la escalada de pesadilla de todo ello. Hay un verdadero suspenso y el ritmo rara vez decae. La película alcanza su máximo potencial cuando las palabras pasan a un segundo plano frente a la acción.

Aunque la protagonista de “Yellowstone” se limita a sus ojos y al movimiento de su dedo índice, estamos junto a ella en estos momentos. En una escena, rescatada temporalmente por un ermitaño bien intencionado (Moray Treadwell), aprende a comunicarse parpadeando, enviando un “SOS” de pánico cuando aparece el personaje de Wittrock (aparece como “Richard” en los créditos finales, pero se presenta con diferentes nombres, según quién pregunte). Tanto aquí como en una escena posterior con un policía (Daniel Francis), la mujer silenciosa es fácilmente acallada por su manipulador.

Kelsey Asbille es  perfecta como Iris y debería ser una heroína para muchas mujeres, mientras que los hombres seguramente esperarán que las mujeres en sus vidas reaccionen como ella lo hace. Como villano, que también es un personaje con matices pero muy definido, tenemos a Finn Wittrock. Este es un gran papel para él y ofrece exactamente lo que se necesita.

Nuestra identificación con Iris es tan fuerte que es una pena que la película esté limitada al streaming, ya que podría ser divertida verla en un cine con una multitud, donde la gente le gritaría a la pantalla palabras de motivación. En ese sentido, el título parece una orden falsa, ya que Iris no puede moverse, pero lo haría con gusto si pudiera. Esto crea un tipo de suspenso impotente y muy efectivo, ya que Iris debe confiar en que su torturador se equivoque, al menos hasta que sus extremidades comiencen a responder nuevamente.

Este dilema recuerda a la escena central de la historia de fantasmas hitchcockiana de Robert Zemeckis, “What Lies Beneath”, cuando el personaje de Michelle Pfeiffer yace consciente pero incapacitada en una bañera que se llena poco a poco. Ese es el tipo de emoción que existe en “Don't Move”, incluso en su escena más cercana, donde Iris debe encontrar una manera de atraer la atención de su posible asesino antes de que un incendio voraz la queme viva. ¿Es eso realmente suficiente para curar sus impulsos suicidas? O, en una interpretación completamente diferente, ¿Wittrock no está realmente allí en absoluto, sino que es la manifestación del dolor y el trauma que la han estado atormentando y que debe vencer para seguir adelante?

Crítica Cinéfila: 65

Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que realmente está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con solo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

A pesar de su posición como una de las pocas películas de ciencia ficción "originales" a gran escala que parecen competir con franquicias, secuelas y remakes por los dueños de taquilla, "65" está demasiado fabricada en el mejor de los casos. Improvisado a partir de partes de "Jurassic Park", "The Descent", "Armageddon" y más, el guion de Scott Beck y Bryan Woods se parece demasiado a sus antepasados ​​para abrir nuevos caminos, mucho menos particularmente interesantes. Sin embargo, anclada por otra en una serie de actuaciones comprometidas de Adam Driver y un conjunto de bestias prehistóricas adecuadamente amenazantes que lo persiguen durante poco más de 90 minutos, la aventura de Beck y Woods ofrece las emociones necesarias, incluso si su creatividad parece estancada en el pasado cinematográfico.

Driver interpreta al Comandante Mills, un piloto y explorador de "antes del advenimiento de la humanidad" que acepta a regañadientes pilotar una misión de dos años a cambio de un salario suficiente para pagar un procedimiento médico que salva la vida de su hija Nevine (Chloe Coleman). Cuando los escombros del asteroide matan a los otros pasajeros y dejan varada su nave en un Planeta Tierra de la era del Cretácico, Mills contempla si enviar o no una señal de socorro para pedir ayuda. Pero después de localizar a la única sobreviviente, una niña llamada Koa (Ariana Greenblatt) que tiene casi la edad de Nevine pero no habla inglés, él se compromete a salvarla de los muchos peligros del planeta.

Al identificar los restos distantes del resto de su nave utilizando un puñado de reliquias de su cultura tecnológicamente avanzada, Mills y Koa emprenden un viaje difícil a través de un terreno lleno de arenas movedizas, géiseres llenos de vapor, flora que amenaza la vida y una variedad de especies de dinosaurios. Pero incluso cuando superan cada nuevo peligro, aparece uno mucho más grande: el asteroide que derribó su nave está en curso de colisión con la Tierra. Pronto se encuentran en una carrera contrarreloj para llegar a la cápsula de escape de la nave antes de morir por el impacto del asteroide que nivela el planeta o ser devorados por un reptil carnívoro.

Dado su título, es difícil saber qué detalles en “65” califican como sorpresa o “spoiler” y, de todos modos, la película te dice inmediatamente cuándo y dónde está sucediendo. Sin embargo, lo que no hace es decirte por qué sucede; aparte de su fecha estelar, esta es solo otra historia sobre un padre con exceso de trabajo que descuida a su hijo en nombre de asegurar su futuro. Hay algo ampliamente acogedor en esa familiaridad, y Driver, por supuesto, imbuye incluso los momentos tranquilos con más sustancia que la exposición proporcionada en flashbacks periódicos de tarjetas de memoria.

Pero esos momentos de tranquilidad también hacen que la audiencia se pregunte: entonces, una especie similar a la humana de otro planeta, armada con la tecnología para el viaje interestelar (sin mencionar las pistolas láser y el GPS 3D) llegó a la Tierra hace 65 millones de años, mucho antes de que existiera la humanidad, y ¿el punto es "solo" que están tratando de volver a casa? Parece un largo camino por recorrer para no llegar a ningún lugar particularmente significativo.

Dicho esto, Beck y Woods hacen que los dinosaurios sean aterradores por primera vez en décadas, gracias a una dirección clásica y una puesta en escena que involucra muchas sombras para hacer que la audiencia diga "no" cuando los personajes deciden adentrarse más en ellos. Si su filmación no es particularmente inventiva, el dúo lo aborda con el mismo tipo de habilidad sólida que usan cuando toman prestadas escenas o repeticiones de género para contar sus historias. El guion de “A Quiet Place” funcionó porque modificó suavemente muchas fórmulas familiares y luego el director John Krasinski ejecutó todo con una atención al detalle profesional; “65” no tiene la misma emotividad central que la mantiene unida (esta familia está fracturada, no lucha por mantenerse unida), pero detrás de las cámaras, Beck y Woods simplemente sirven sus ideas en lugar de fortalecerlas desde la página.

Sin embargo, con solo 93 minutos, "65" se siente agradablemente divertido en competencia con una gran cantidad de secuelas que incluyen "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" y "Scream VI, que no tienen nada de original. Por otra parte, tal vez la razón por la que todavía se queda corta es porque la idea de una historia independiente parece demasiado buena para ser verdad en una era de universos cinematográficos, especialmente dado el hecho de que en su premisa, incluso antes de la tarjeta de título, está la idea. hay más de un mundo que el nuestro por explorar.

En cuyo caso, lo mejor para “65” sería que no le siguieran más entregas, pero si resulta ser un éxito, el público no podría tener tanta suerte. ¿Quiénes eran los otros pasajeros de Mills? ¿Por qué los estaba transportando? ¿De qué manera su “pueblo” se relaciona, genéticamente o de otra manera, con los humanos comunes? Todas estas son preguntas que puede ver a Sony salivando ante la perspectiva de responder en una secuela o spin-off, pero todas se sienten más intrigantes sin algún tipo de respuesta canónica. En cuyo caso, “65” es una película cuyo pasado se siente como si hubiera habido 65 millones de películas en proceso, y su futuro depende de varios cientos de millones en ingresos de taquilla. La mejor manera de disfrutarlo es dejar ir todo eso y vivir el presente.

Crítica Cinéfila: Doctor Strange in the Multiverse of Madness

Viaja a lo desconocido con el Doctor Strange, quien, con la ayuda de tanto antiguos como nuevos aliados místicos, recorre las complejas y peligrosas realidades alternativas del multiverso para enfrentarse a un nuevo y misterioso adversario.

Uno de los planos de "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" presenta un vórtice arremolinado que tiene un parecido definitivo con uno que sale igualmente en un teaser "Everything Everywhere All at Once", y es una desafortunada coincidencia, ya que la audaz inventiva de los Daniels anuncia mucho ingenio, nervio y carácter, la mayoría de los cuales faltan de manera prominente en esta última aventura del universo de Marvel. El seguimiento de "Doctor Strange" de 2016 alcanza las marcas de exclamación que esperamos de una aventura de Marvel bien diseñada, pero incluso con Sam Raimi a la cabeza, esta entrada es pesada de seguir y ligera de humanismo.

El éxito de Raimi con la trilogía original de "Spider-Man" sentó las bases, para bien o para mal, para la ola contemporánea de sagas de superhéroes, y aunque su marca de estilo visual y sacudidas aterradoras sirven bien al material, el guion de Michael Waldron (Loki) acumula tantos universos alternativos, nuevos personajes y libros de hechizos (tanto buenos como malos) que no queda espacio para respirar.

“Multiverse of Madness” es una secuela de “Doctor Strange”, con el ex-hechicero supremo (interpretado por Benedict Cumberbatch) asumiendo una nueva amenaza a la realidad misma. Los espectadores probablemente también deberían estar al tanto de la serie de Disney+ "WandaVision", en la que Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) usó sus propios poderes mágicos para crear una realidad artificial en la que su esposo Vision no había muerto y los dos tenían gemelos en un suburbio perfecto dentro de un sitcom.

La arrogancia de Strange abrió una parte del multiverso en “Spider-Man: No Way Home”, y ahora ese multiverso aterriza en su propia puerta en la forma de América Chavez (Xochitl Gomez). Esta adolescente aparece por primera vez en los sueños de Strange, donde no logra salvarla a ella ni a sí mismo, y luego en el medio de Manhattan, donde está siendo perseguida por un monstruo ocular gigante con tentáculos, muy Sam Raimi. 

Resulta que América es el único superhéroe que puede saltar de un universo a otro, solo que no tiene idea de cómo controlarlo (realmente funciona por sí solo cuando ella tiene miedo). Naturalmente, es el tipo de poder que nunca debería caer en las manos equivocadas, por lo que, por supuesto, las manos equivocadas están haciendo todo lo posible para tomarlo por sí mismas, lo que lleva a América y al Dr. Strange saltar de un universo a otro hasta que puedan descubrir cómo proteger a la niña y sus habilidades. 

Los poderes de Doctor Strange (como se manifiestan en su primera película y apariciones posteriores en otros proyectos de Marvel) permiten a los cineastas crear vórtices coloridos donde se puede presenciar una realidad que se derrumba, y Raimi aprovecha absolutamente las oportunidades para enviar a todos a refugiarse. Hay un montaje memorablemente alucinante de Dr. Strange y América cayendo a través de un universo tras otro, con diferentes estilos de arquitectura, cinematografía e incluso la composición física de los propios personajes. "Multiverse of Madness" está en su mejor momento en los que aparece esa locura, con la partitura perfecta de Danny Elfman que ofrece el apoyo adecuado tanto para el heroísmo como para la locura.

“Doctor Strange” nos presentó a un personaje brillante y arrogante, un hombre que pierde todo lo que tiene pero se reinventa a sí mismo, transformándose de un cirujano legendario a un maestro de las artes místicas. El buen doctor no tiene tanto para jugar esta vez, aparte de algunos pensamientos sobre su relación fallida con Christine (Rachel McAdams), y aunque América parece una adición potencialmente interesante al universo de Marvel, ella gasta tanto de esta película en angustia activa, que en realidad no hay exposición de quién es ella en absoluto. Y así como se aprovecha y desaprovecha a la vez el personaje de América, así mismo se castiga demasiado a Wanda/Bruja Escarlata, quien definitivamente merecía un mejor trato después de los distintos sufrimientos que ha tenido desde Avengers: Infinity War.

Los fanáticos de Raimi disfrutarán de su travieso sentido de la diversión con las libertades que se le permite tomar con las reglas básicas y con la gravedad, y los fanáticos de Marvel saldrán encantados con pistas sobre dónde podría ir esta megafranquicia a continuación. Pero falta un nivel de drama humano en “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”; la superficie de estos personajes está cargada de ingredientes, pero le falta cierto sabor, algo que los Avengers originales siempre tuvieron de manera natural.