Crítica Cinéfila: The Drama

Una pareja, en los días previos a su boda, se enfrenta a una crisis cuando unas inesperadas revelaciones desbaratan lo que uno de ellos creía saber sobre el otro.

¿Cuánto de tu pasado deberías revelarle a tu adorable prometido antes de decir "acepto"? Probablemente sea mejor evitar los temas más delicados en los días previos a la ceremonia, pero aun así, los jóvenes ingenuos y atractivos pueden sacarlos a relucir imprudentemente, asumiendo que los secretos no pueden ser tan grandes ni tan numerosos, ni tan difíciles de olvidar. En “The Drama”, una comedia incómoda que gira en torno al caso extremo de nerviosismo matrimonial, Robert Pattinson ofrece una de las actuaciones más nerviosas de la historia del cine. Esta situación constituye el eje central de esta película ingeniosa pero divertida, de alto concepto y gran tensión, del director noruego Kristoffer Borgli; una sátira europea del prestigio burgués estadounidense que busca incomodar y angustiar al espectador.

Charlie, interpretado por Robert Pattinson, es un joven historiador de arte británico, algo desaliñado y con gafas, que reside en Estados Unidos y conoce de forma inesperada a la deslumbrante Emma, ​​interpretada por Zendaya, en una cafetería. Deslumbrado por su belleza mientras ella lee, Charlie se acerca, pero como Emma es sorda de un oído y escucha música con el otro, al principio no oye sus titubeantes intentos de conversación. Charlie, confundiéndolo con desprecio, se siente mortificado. Pero pronto se rompe el hielo, comienza una gloriosa historia de amor y el malentendido se convertirá en una anécdota divertidísima para el discurso de la boda.

Pero Borgli muestra algo siniestro en esta escena, imponiendo un estilo de terror psicológico a los clichés de la comedia romántica. El diseño de sonido es extraño: ruidos ambientales inquietantes se desvanecen en el silencio, primeros planos amenazantes y figuras de viento disonantes y perturbadoras en la banda sonora. 

A medida que se acerca el día de su boda, Charlie y Emma van a cenar con sus amigos Rachel (Alana Haim) y Mike (Mamoudou Athie), donde se retan a confesar las peores cosas que han hecho. Llegado este punto, aquellos que no aguanten los spoilers o el análisis cinéfilo deberían dejar de leer, ya que Emma revela que, cuando tenía 14 años (interpretada en un flashback por Jordyn Curet), planeó perpetrar un tiroteo en la escuela secundaria, pero no pudo llevarlo a cabo, y que su sordera parcial, lejos de deberse a una infección grave en la infancia como ella afirmaba, en realidad fue causada por sostener el rifle de asalto de su padre demasiado cerca de su oído mientras practicaba tiro en el bosque.

Borgli inventa una razón exquisitamente horrible y cínica para que Emma se eche atrás. Justo cuando iba a sacar la pistola escondida en su mochila, en el colegio se enteraron de que se estaba produciendo otro tiroteo masivo en el centro comercial local, donde había muerto un compañero suyo; su plan había sido eclipsado y arruinado, así que simplemente decidió olvidarlo. Es un desenlace que Bret Easton Ellis habría admirado.

Emma espera que todos pasen por alto esta revelación precipitada o que acepten su afirmación de que ahora es perfectamente normal. Pero todos están conmocionados. No pueden olvidar lo que han oído. Y Charlie presiente que su relación, aparentemente perfecta, comienza a desmoronarse.

"The Drama" es una mezcla descaradamente ofensiva de dos fenómenos estadounidenses: la comedia de bodas de Hollywood y el tiroteo en una escuela. Parte de su ingenio reside en esta ambigüedad genérica: ¿sátira o thriller? Puede que no estemos seguros del tono en que se presenta el secreto; su condición de absurdo macabro y de humor negro depende de que aceptemos la recuperación total de Emma. Una mujer que dispara es extremadamente rara en comparación con los hombres, pero el guion de Borgli se anticipa a esa objeción con ejemplos.

Charlie empieza a preguntarse si la tendencia latente de Emma a la violencia podría resurgir. Y la película plantea con toda seriedad la idea de que probablemente haya miles de personas así entre nosotros: los que estuvieron a punto de cometer un asesinato en secreto, pero que no lo llevaron a cabo y volvieron a la normalidad.

La película flaquea un poco en lo que nos cuenta sobre las consecuencias del supuesto crimen: lo que hizo la adolescente Emma y cómo se comportó en las semanas y meses posteriores al tiroteo que le robó el protagonismo. Charlie no está convencido e incluso lo compara con la trama de Lacombe, Lucien de Louis Malle, pero en realidad transmite una sensación reconfortante de lo que ella era y quién es, y seguramente Emma y Charlie se habrían esforzado por contarles todo esto a sus amigos, en particular a la horrorizada Rachel.

"The Drama" posee el estilo mordaz, ingenioso y de mal gusto de su anterior película, "Dream Scenario", y ambas superan a su comedia sobre el narcisismo, Hambre de mí mismo . Nos ofrece una provocación, un juego de ingenio y desprecio, un colapso psicológico articulado con mayor astucia que en muchas otras películas de tono más solemne. Y cumple lo que promete en su título.

Crítica Cinéfila: Bugonia

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. 

Emma Stone y Yorgos Lanthimos ya tienen una relación de trabajo: han rodado cuatro largometrajes y un cortometraje, lo que demuestra que ambos comparten un mismo nivel creativo. Lo que hace tan interesante su colaboración constante es el esfuerzo por definir cuál es ese nivel. El último fruto de esta dupla, que nos trajo "The Favourite", "Kinds of Kindness" y "Poor Things", es "Bugonia", una sátira magistralmente macabra sobre el síndrome de las supersticiones en el internet, que narra la historia de una joven y ambiciosa directora ejecutiva de una farmacéutica (Stone) que es secuestrada por uno de sus empleados de menor rango.

Este pobre y atormentado personaje, interpretado por Jesse Plemons, compañero de reparto de Stone en "Kinds of Kindness", es Teddy, un repartidor y apicultor a tiempo parcial. Está convencido, tanto por conversaciones en línea como por sus propias deducciones en el sótano, de que su jefa es en realidad una emperatriz alienígena disfrazada. Su plan es secuestrarla y mantenerla prisionera en su sótano hasta que esta amenaza extraterrestre salve la vida de su madre (Alicia Silverstone), quien se encuentra en un hospicio con una enfermedad terminal que Teddy cree que forma parte de un gran experimento interplanetario. Después de eso, va a acompañarla de vuelta a la nave nodriza y negociar la retirada de su raza de la Tierra. En esencia, es una historia un tanto descabellada (además de ser una adaptación de una película coreana, algo que no es común en el cine de Yorgos), pero el director y su elenco la han expandido hasta convertirla en una alocada epopeya canina de proporciones épicas, digna de los Baskerville.

El único compañero de Teddy en su causa es su primo Don, fácilmente influenciable, interpretado magistralmente por Aidan Delbis. Tras adoptar una existencia monástica moderna —«nada de videojuegos, nada de vapear, nada de masturbarse», advierte Plemons con severidad—, los dos secuestran a Stone frente a su mansión modernista en una secuencia hilarantemente seca que Lanthimos dirige como Jacques Tati al estilo de John Wick. (Aquí y en otras escenas, la fotografía de Robbie Ryan es una delicia: por momentos sensual y severa, con un brillo decadente y lujoso propio del Hollywood de los 70).

Los lectores atentos se habrán dado cuenta de que aquí hay dos posibilidades, y "Bugonia" los mantiene en vela. O bien Plemons es un lunático peligroso, radicalizado por sus incursiones en laberintos de teorías conspirativas en internet (hay una viñeta recurrente muy divertida de la Tierra en la que el planeta se vuelve progresivamente más plano), o bien… no lo es. Ambas opciones son sombrías, aunque por razones totalmente distintas; y a medida que la situación se torna cada vez más frenética y macabra, Lanthimos exprime con maestría la máxima tensión cómica de los fantasmas de ambas. En esto, Stone y Plemons demuestran ser los cómplices ideales, con interpretaciones cuidadosamente equilibradas que les permiten alternar entre héroe y villano sin llegar a aniquilar por completo nuestra simpatía ni ganárnosla del todo.

A la película le encanta contrastar la elegancia del entorno de trabajo de Michelle con el desorden rústico de la cabaña de Teddy; es alternativamente elegante y grunge, lo que permite al compositor Jerskin Fendrix (nominado al Oscar por "Poor Things") pasar de su característico minimalismo peculiar a una grandilocuencia orquestal a gran escala para acompañar los diversos ataques de pánico de todos los involucrados. Y no se equivoquen, los ataques de pánico se vuelven cada vez más espeluznantes y descabellados, con un secuestro educado que deriva en tortura (mala, pero ni de lejos tan perturbadora como en la película original coreana), disparos de escopeta y vestidos de fiesta empapados de sangre, como corresponde a una extravagancia de terror de ciencia ficción a gran escala. Mientras tanto, cada vez que una explicación lógica (o incluso ilógica) parece inminente, Lanthimos desmiente las expectativas de su público.

En cierto modo, da igual qué desenlace elija finalmente la película: la esencia de "Bugonia" reside en los retorcidos y agónicos giros de la narración. Pero tiene que terminar en algún sitio, y quizá algunos espectadores encuentren el desenlace exasperante, mientras que otros simplemente se desharán en elogios ante la pura virtuosismo y malicia que se despliega. En cualquier caso, ¡que relajo de película!

Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: Wednesday, 2da temporada (2da parte)

Tras la destrucción involuntaria del manicomio que dejó a Tyler liberado y a Wednesday Addams en coma, ella despierta para encontrarse en medio de un pueblo infestado de monstruos, y con una tensión avispada con su compañera y amiga Enid.

Aunque Jenna Ortega brilla como la gótica violonchelista favorita de todos, es un zombi quien se roba el espectáculo. La segunda temporada de la exitosa serie de Netflix de Tim Burton es un emocionante torbellino de acción trepidante, violencia sobrenatural y un toque de amor verdadero (platónico y familiar). Los primeros cuatro episodios de la segunda temporada de Wednesday fueron un poco caóticos , lo cual es mucho decir para una serie que gira en torno al caos y las travesuras sobrenaturales. Sin embargo, la segunda parte de la segunda temporada de Wednesday cierra el capítulo sobre todas esas subtramas (algunas más innecesarias que otras) y se centra en el meollo del asunto, incluyendo no uno, sino dos asuntos familiares y aumentando la apuesta (y los muertos) por última vez.

Wednesday despierta del coma. Sin embargo, no descansa ni un segundo, pues abre los ojos y se dirige de inmediato a la manifestación espiritual de la recién fallecida Larissa Weems (Gwendoline Christie), exdirectora de la Academia Nevermore. Como Weems es técnicamente la prima decimotercera de Wednesday, y como su "guía espiritual" solo puede ser un pariente, se convierte en el ángel proverbial que la acompaña durante los últimos cuatro episodios, reprendiéndola constantemente por sus decisiones arrogantes y egoístas, pero no sin antes brindarle la guía que tanto necesita. Wednesday cree que solo tiene que matar a Tyler (Hunter Doohan) antes de que él las mate a ella y a Enid (Emma Myer) para revertir la premonición, pero el peligro se vuelve mucho mayor de lo que jamás imaginó. Es un punto interesante de la trama, porque no es la abuela (Joanna Lumley) quien termina ayudando a Wednesday a reparar su relación con Morticia (Catherine Zeta-Jones), sino Weems, quien es la enemiga de Morticia desde hace mucho tiempo y que pasó sus años en Nevermore viviendo a su sombra.

Esta es solo una de las pequeñas sorpresas que se encuentran a lo largo de la segunda parte; algunas subtramas innecesarias y un poco aburridas en la primera parte regresan con fuerza en los últimos cuatro episodios. Aunque Pugsley (Isaac Ordonez) todavía no convence, su decisión de desenterrar la tumba de un estudiante de Nevermore fallecido hace mucho tiempo (de alguna manera) termina siendo lo mejor de la segunda temporada. Slurp (Owen Painter) se convierte en una figura central en la segunda parte, y deja a todos los demás en una posición deslumbrante.

A medida que recupera la consciencia y vuelve lentamente a su forma humana (por su alimentación basada en cerebros humanos), descubrimos que Slurp es mucho más que una simple mascota... y es la actuación de Painter la que lo convierte en uno de los personajes favoritos de la temporada y posiblemente la serie. Es absolutamente aterrador, pero también, de alguna manera, genial y astuto; recuerda un poco al chico malo de una película de terror adolescente de los 80 y 90, o incluso a Dan Stevens en The Guest. Painter le roba protagonismo a Ortega, volviéndose cada vez más cautivador con cada escena. 

Sin embargo, no todas las tramas tienen una gran revelación. Algunas de las más tediosas terminan entretejiéndose en un gran desastre dramático, y dicho desastre no tiene nada que ver con Wednesday ni con el tema principal de la serie. El director sospechoso de Steve Buscemi es un poco inútil; lo mismo ocurre con el profesor de Christopher Lloyd, con una cabeza incorpórea. Sin embargo, fue encantador verlo liderar un grupo de apoyo para otras personas sin cuerpo, un grupo al que Thing asiste con regularidad. En una escena, Agnes (Evie Templeton), la acosadora de Wednesday con sus convenientes poderes de invisibilidad, asiste a la reunión, sintiéndose incompleta tras ser despedida una vez más por Wednesday.

Agnes es una de las mejores partes de la nueva temporada, ya que su inquietante pero entrañable encanto y su devoción por una Wednesday completamente indiferente crean una dinámica sorprendentemente dulce. Sus celos por la amistad entre Wednesday y Enid son adorables y razonables. Su amistad florece maravillosamente a lo largo de la temporada y crea la relación más sólida y creíble de la serie, además de ser uno de los mejores aspectos de la serie en su conjunto.

Aunque esta temporada termina centrándose en la familia Addams, lo cual es emocionante de por sí, sigo sin impresionarme con el Gómez de Luis Guzmán ni, como mencioné, con Pugsley. Hay poca química entre Guzmán y Jones, y prácticamente ninguna química familiar con Ordóñez. Quizás esto se deba simplemente a que estoy acostumbrado a la interpretación romántica y encantadora de Gómez del difunto Raúl Julia, o incluso a la actuación de John Astin en la serie original de los años 60.

En cuanto a otros personajes, el tío Fester de Fred Armisen captura el espíritu del personaje sin perder el ritmo, y en el proceso suelta algunas frases bastante hilarantes. La Rosaline Rotwood de Lady Gaga fue más impactante en su promoción que lo que hizo en escena. Y aunque el desarrollo de los personajes de Gomez y Pugsley estuvo ausente esta temporada, tenemos la esperanza de que la temporada 3 traiga algo diferente y mucho más en línea con el clásico motivo "espeluznante y totalmente extraño" que la familia Addams ha llevado durante décadas. 

A los escritores detrás de Wednesday les encanta una buena red tejida por varios personajes secundarios excéntricos con su moralidad ambigua, y aunque condujimos por algunos caminos que no llevaron a ninguna parte, tengo la sensación de que la próxima temporada verá algunos giros bruscos y pronunciados que se sentirán absolutamente merecidos.

Crítica Cinéfila: The Roses

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.

Esta es una idea divertida para una nueva versión de una de las sátiras más amargas y oscuras sobre los dolores del matrimonio: ¿Qué pasaría si pasáramos un tiempo serio en los días de gloria de nuestra relación central? Tal es la idea un tanto audaz de " The Roses " de Jay Roach, una reimaginación de la novela de Warren Adler "La guerra de los Roses" y, en menor medida, la increíblemente divertida película de 1989 de Danny DeVito del mismo nombre. En el papel, esto puede sonar tonto y extraño, pero Roach y sus estrellas Benedict Cumberbatch y Olivia Colman encuentran tanta diversión en los días felices que casi distraen de lo que es inevitable.

Con un guion de Tony McNamara (“The Favourite”, “Poor Things”), la película de Roach arranca lejos de esos días felices, con Theo Rose (Cumberbatch) e Ivy Rose (Colman) enfrentándose en una sesión de terapia de pareja que alcanza su máximo esplendor cuando Ivy insulta a su marido. ¡Ah, el humor británico! Pero mientras su terapeuta se horroriza ante la tensión y los insultos, llegando incluso a anunciar que los Rose no tienen solución, los dos no pueden evitar reírse disimuladamente.

Retrocediendo en el tiempo, pronto vemos cómo empezó todo: con un encuentro inolvidable, pero que también insinúa lo que podría separarlos en los próximos años. Theo es un arquitecto decepcionado por el estado de su obra, obligado a celebrar la finalización de un edificio de apartamentos sin alma en una elegante comida con sus compañeros de trabajo. Cuando se escapa para un descanso, termina en la cocina, justo delante de una sonriente chef, Ivy, ocupada preparando un carpaccio de salmón y lidiando con sus propias preocupaciones profesionales. A los pocos segundos de conocerse, se preguntan si simplemente se van juntos a Estados Unidos. Si estás dispuesto a creerte ese particular (y peculiar) giro argumental, probablemente te entusiasmes con lo que está por venir. Diez años después, la pareja británica ha dado sus frutos. Felizmente instalados en el condado de Mendocino, California, la carrera de Theo está en auge, tienen un par de gemelos que parecen felices, e Ivy se ha dedicado a cocinar por diversión.

Y, sin embargo, han empezado a aparecer pequeñas grietas. Theo aún mantiene la esperanza de construir algún día la casa de sus sueños, la vida de Ivy parece relegada principalmente a ser esposa y madre, y sin duda parece que la pareja tiene ideas discordantes sobre la crianza de los hijos. McNamara entrelaza estos detalles a la perfección, y Cumberbatch y Colman, tan naturalmente entusiasmados el uno con el otro, poco a poco empiezan, si no a distanciarse, al menos a criticarse.

Cuando Theo decide gastar el dinero de su casa en un restaurante de mariscos para Ivy, es el primer paso hacia su ruina. Y cuando el último proyecto de Theo —un enorme museo dedicado a la vida marina con forma de barco— se derrumba durante una tormenta particularmente fuerte (un evento que se viraliza de inmediato), poniendo fin a sus propios sueños profesionales, es solo otro clavo en el ataúd. Mientras que el libro de Adler y la película de DeVito imaginaban a la Sra. Rose como una estrella emergente de la restauración, la película de Roach la convierte en una marca culinaria masiva, y el éxito de Ivy la catapulta a la cima del mundo gastronómico. Un día está haciendo galletas con forma de Big Ben en casa, y al siguiente, está viajando con David Chang.

Esto no le sienta bien a Theo. Mientras que en versiones anteriores de la historia los Rose tenían dos hijos casi adultos, el guion de McNamara reduce la edad de los niños (Hattie y Roy, interpretados por Delaney Quinn y Ollie Robinson, de diez años, y Hala Finley y Wells Rappaport al cumplir los 13), lo que aporta una nueva dimensión a los problemas de Theo e Ivy. Mientras ella se dedica a abrir nuevos restaurantes —con la ayuda de sus empleados de toda la vida, interpretados por Sunita Mani y Ncuti Gatwa —, Theo, recién convertido en padre a tiempo completo, se dedica a criar a los niños a su imagen. Eso significa mucha actividad física y menos postres azucarados.

Son esos desacuerdos aparentemente insignificantes los que empiezan a erosionar su matrimonio. Y aunque mucho de esto pueda parecer muy serio, la película de Roach suele ser muy divertida. Los momentos en los que los Rose se critican entre sí —un momento con unas donas desafortunadas es genial— contrastan con escenas cómicas más significativas que los unen, como una visita a un club de tiro local con sus locos amigos estadounidenses (Andy Samberg, Kate McKinnon, Zoë Chao y Jamie Demetriou). Pero si bien estas secuencias son inteligentes y divertidas, también socavan constantemente los aspectos más amargos de la historia original en el corazón de la película.

Pero si bien la cena, realmente aterradora y a la vez divertidísima, que posiblemente lo pone todo patas arriba se encuentra entre las mejores obras cómicas de Roach, Cumberbatch y Colman, lo que sigue contrasta con todo lo anterior. Que McNamara haya escrito una versión completamente nueva de la novela de Adler es realmente refrescante, pero el tono más ligero y la mayor dependencia del romance real entre sus protagonistas hacen que lo que está por venir sea aún más difícil de digerir.

La película de DeVito no temía ser oscura, profunda y cruel desde el principio, pero en el último acto de la película de Roach, los ataques que Theo e Ivy se lanzan entre sí sorprenden, y no siempre de forma entretenida. Puede parecer absurdo preguntarse si esta versión de "La Guerra de los Roses" es demasiado cruel, pero así es precisamente como se siente. Demasiado cruel, demasiado directa y demasiado extravagante, al menos en el mundo que Roach y McNamara han tejido previamente. Todo es diversión y juegos, hasta que alguien sale lastimado.

Crítica Cinéfila: Sirens

Devon sospecha que su hermana Simone tiene una relación muy extraña con su nueva jefa, la enigmática socialité Michaela Kell. La lujosa vida de Michaela es como una droga para Simone. Devon decide que es hora de intervenir, pero no sabe que Michaela es una oponente a la que temer.

“Sirens” es una serie peculiar, una mezcla interesante de ideas pretenciosas, drama familiar y lo que podría llamarse una oscura farsa. Ambientada durante el fin de semana del Día del Trabajo en una isla de Cape Cod habitada por gente adinerada con gustos inclinados hacia los colores pastel y los estampados florales, la serie está protagonizada por Julianne Moore como Michaela, una antigua abogada influyente que ha renunciado a su puesto por casarse con el multimillonario Peter (Kevin Bacon) y dedicarse a rescatar aves rapaces. La reina de todo lo que ve, habla con adagios melancólicos, posa para Vanity Fair y organiza una gala benéfica, entre otros entretenimientos.

Mientras tanto, en Buffalo, conocemos a Devon (Meghann Fahy), un desastre de clase trabajadora, que hace su entrada por la puerta de una estación de policía, con un vestido negro corto y luciendo descuidada. Luchando por cuidar de su padre Bruce (Bill Camp), diagnosticado con demencia, va en busca de su hermana, Simone (Milly Alcock), que ha estado trabajando como asistente personal de Michaela. Después de viajar 17 horas, cargando, por razones de comedia, el arreglo comestible gigante que Simone ha enviado en lugar de una respuesta real a su llamado de ayuda, todavía con su ropa de la noche en la cárcel, Devon descubrirá que su hermana se ha transformado: se ha quitado los tatuajes a juego que se hicieron juntas, se operó la nariz y se presenta como algo así como la versión Disney de Alicia del "País de las Maravillas". Los fanáticos de Ingmar Bergman notarán la cuna que se suponía debía ser notada de "Persona", lo que subraya la observación de Devon de que Simone se pierde en otras personas.

Simone, por su parte, está encantada de poder llamar a Michaela "Kiki", "lo cual es un honor muy especial", y fielmente amplifica las peticiones volubles de Michaela al personal, personificado por José (Félix Solís), que la odia y quien lidera un grupo de mensajes entre los demás empleados para bromear sobre ella. A pesar de su lealtad a Michaela y de considerarla su mejor amiga, ha estado ocultando sus orígenes obreros y el hecho de que se ha acostado con Ethan (Glenn Howerton), el también rico amigo y vecino de Peter.

Aunque a Michaela le preocupa que tenga una aventura, Peter, por su parte, da la impresión de ser un buen tipo, para ser un multimillonario de fondos de cobertura. Es amigo de sus empleados, que trabajan para él desde antes de casarse con Michaela (hay una primera esposa e hijos adultos fuera del escenario), sabe cocinar y se esconde de la gente de color pastel en la torre de la mansión, donde toca la guitarra y fuma un poco de marihuana. Pero hay margen para las sorpresas.

«Sirenas» es el código especial que comparten las hermanas para «SOS», lo cual parece menos práctico que, ya saben, SOS, pero enlaza con las vagas referencias mitológicas griegas con las que se ha adornado la serie —más sugerentes que sustanciales. El sistema Siri de la casa se llama Zeus. Un episodio se titula «Perséfone», en honor a la diosa de los muertos y reina del inframundo; Simone, en efecto, le dice a Michaela: «Eres literalmente una diosa» —y se viste como tal, con vestidos ligeros y vaporoso.

Fue el dulce canto de las sirenas, por supuesto, lo que atrajo a los marineros a la muerte en los antiguos cuentos, y en un momento dado, Michaela contempla el océano y reflexiona sobre los barcos balleneros que se estrellan sangrientamente contra las rocas. De hecho, hay un marinero en la serie, Jordan (Trevor Salter), capitán del yate de Ethan, a quien Devon recoge en el bar de un hotel, pero es quizás el personaje menos propenso a chocar con algo. Michaela está acompañada por un trío de mujeres (Jenn Lyon como Cloe, Erin Neufer como Lisa y Emily Borromeo como Astrid) que, como sugiere el nombre de las criaturas, hablan en armonía y actúan como una sola, pero son más la encarnación de una idea, una broma informal, que participantes activas en la historia. La banda sonora de Michael Abels presenta un coro de voces femeninas y opta por algo que uno bien podría identificar como música griega antigua, incluso sin tener idea de cómo sonaba la música griega antigua.

El núcleo de la serie es la lucha entre Devon y Michaela por el alma de Simone, aunque hay batallas secundarias que ayudarán a decidir el destino de la guerra. Para un espectador, es natural ponerse del lado de Devon, quien, tras un encontronazo con Michaela, se infiltrará en la mansión, vistiéndose según las reglas de la casa mientras ella husmea. Por muy caótica que sea, no es pretenciosa; tiene energía, audacia y constancia, y vive en el mundo que la mayoría de nosotros - lo digo porque supongo que no eres un multimillonario con una mansión en un acantilado, una pajarera llena de aves rapaces y un gran equipo para atender tus necesidades y caprichos, pero si lo eres, ¡gracias por leer!). Eso no quiere decir que Michaela no tenga sus problemas; de hecho, su necesidad, que se expresa en su cuidado, se asemeja a la de Devon. “Me encargo de todo lo que hay en mi orbe”, dice Michaela, “grandes y pequeños, presas y depredadores”.

Con "solo" cinco episodios, se mantiene más centrada que la mayoría de las miniseries, aunque el tono cambia un poco; algunos personajes parecen más profundos y complejos, lo cual es bueno a primera vista, pero también puede resultar un poco artificial. Algunos detalles se plantean simplemente para dar frutos prácticos más adelante. El final me pareció regular: satisfactorio y frustrante a la vez, según el personaje, pero hay actuaciones excelentes y comprometidas a lo largo del camino, y entretiene con creces.

Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: The Room next Door

Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce. 

Todos los días mueren personajes en las películas. Ya sea que estés viendo un thriller violento o un drama sobre el lecho de muerte como “Steel Magnolias” o alguna de las meditaciones más macabras de Ingmar Bergman, podría decirse que las películas, en un sentido colectivo grandioso, no son nada menos que un ensayo sobre la muerte. Sin embargo, todavía es raro encontrar un drama en la pantalla grande que tome a la muerte por los cuernos, la mire a los ojos, y nos pida enfrentarnos a su abrumadora realidad en todos los niveles como lo hace la lírica y conmovedora “The Room next Door” de Pedro Almodóvar.

La película, en su forma, es bastante simple. Trata de dos mujeres, ambas de sesenta y tantos años, que son amigas desde hace mucho tiempo pero que no se han visto desde hace unos años: Ingrid (Julianne Moore), una autora del mundo del arte que vive en la ciudad de Nueva York, y Martha (Tilda Swinton), una ex corresponsal de guerra del New York Times que viaja por el mundo y con la que Ingrid se reencuentra cuando se entera de que Martha está en el hospital luchando contra el cáncer. Su enfermedad es grave: es un cáncer de cuello uterino en etapa tres y se está sometiendo a un tratamiento de inmunoterapia altamente experimental, que es la única posibilidad que tiene.

Algunas personas en esta situación podrían no optar por expresar sus sentimientos, pero Martha no es así. Sabe que puede morir y es franca, abierta y filosófica al respecto. Pero eso no significa que sea fácil. Ella e Ingrid, alguna vez, fueron cercanas, y después de algunos encuentros, todavía lo son. La película, si bien tiene algunos personajes más (como el hombre con el que ambas salieron, un pesimista del cambio climático interpretado por John Turturro), es esencialmente una película de dos personajes, una serie de conversaciones entre las dos mujeres que casi podrían estar sucediendo en un escenario.

Al adaptar la novela estadounidense de 2020 de Sigrid Núñez, “What Are You Going Through?”, en su primer largometraje en inglés, Almodóvar ha hecho una película llena de diálogos con un fervor expositivo maduro. “The Room next Door” no es una parodia de la telenovela de Almodóvar, pero sí muestra su amor por la comunicación elocuaz, y por los sentimientos extravagantes. Los personajes explican quiénes son y se exponen por completo. Al principio, Martha cuenta la historia de cómo terminó distanciada de su hija, Michelle, a quien había criado como una joven madre soltera, y este desgarrador flashback (ambientado en la era de Vietnam) es como una minipelícula en sí misma. 

La trama está filmada de forma vibrante (por Eduard Grau), en particular cuando los personajes se mudan a una lujosa casa de vacaciones de estilo modernista en alquiler, cerca de Woodstock, Nueva York. Sin embargo, en su mayor parte es una película en la que Martha e Ingrid hablan sobre la muerte, y Martha finalmente descubre qué va a hacer al respecto. No ha dejado de querer vivir, pero se ha cansado de luchar contra el miedo a morir.

Tilda Swinton siempre ha tenido un rostro tan característico que sentimos como si conociéramos ese rostro como si fuera el nuestro. En “The Room Next Door”, el rostro de Swinton, junto con sus palabras, se convierte en un asombroso instrumento de indagación. Ofrece una actuación monumental, una que en su emoción cruda, su poder reflexivo, es digna de comparación con el espíritu y el virtuosismo de Vanessa Redgrave. Hace de Martha una mujer con los pies en la tierra que se conoce a sí misma y sabe lo que quiere, pero que ha aterrizado en un territorio desconocido. No está preparada para esto. ¿Quién lo está, en realidad? Pero emprenderá el viaje y nos llevará con ella.

En un momento dado, Martha decide que ya ha tenido suficiente y que va a tomar el control de su destino. Va a decidir cuándo morir. “The Room Next Door” no es una película “temática” (aunque se inclina mucho por la eutanasia). Es un viaje engañosamente sencillo pero ingenioso al río de emociones que acompaña al impulso de terminar con la propia vida. Martha tiene un plan, y es relativamente simple, aunque implica una pastilla que tuvo que obtener, con cierta dificultad, en el dark-web. Y el desafío no termina allí. Mientras ella e Ingrid se mudan a la casa en el norte del estado, surge un cronograma que infunde a la película un suspenso basado en la realidad. ¿Ingrid se despertará y encontrará la puerta del dormitorio de Martha cerrada? Ese es el código que acordaron para el día del ajuste de cuentas de Martha. La Ingrid de Moore, cálida y empática, hará lo que sea necesario para apoyar a su amiga, lo que la convierte en parte de una ecuación espiritual-ética. Está allí para proteger a Martha, aunque ella también necesita protección (de la ley).

Pedro Almodóvar, a sus 74 años, no es un fatalista español, pero sus películas están cada vez más obsesionadas por la muerte. Por eso, en su mayoría, la comedia ha desaparecido. Sin embargo, esto no lo ha convertido en un artista pesimista. “The Room Next Door”, impulsada por la humanidad abrasadora de la interpretación de Swinton, te eleva y te ofrece una catarsis. La película trata sobre la muerte, pero en la honestidad sin pestañear con la que enfrenta ese tema, se posiciona poderosamente del lado de la vida.

Crítica Cinéfila: Nightbitch

Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. 

Como no veo trailers ni leo sinopsis antes de ver una película, realmente no sé que esperaba de "Nightbitch". Sabía que no la catalogaban como drama, pero la imagen de Amy Adams corriendo con un grupo de caninos no me daba ni una mínima idea. Lo que más sorprendió de este dulce, sabio y brillante homenaje a las madres de todo el mundo, es lo realista que es. Es divertida, conmovedora y muy real a pesar del aspecto metafísico del personaje de la madre de Adams, que piensa que su cuerpo se ha deteriorado tanto después del parto y que su mente/cuerpo asume la depresión posparto convirtiéndola básicamente en una canina (para no llamarla de la otra manera). La película requiere que ella cave y husmee por el jardín en modo Lassie. Adams también trabaja frente a ocho perros para brindarle al público la experiencia visual completa de este sentimiento. Pero aún así... eso no es lo que "Nightbitch" es en el fondo.

La madre (Amy Adams) ha abandonado su carrera artística y sus sueños tras el nacimiento de su hijo, un niño revoltoso de dos años (interpretado por los gemelos Arleigh Patrick y Emmett James Snowden) que causa estragos en cualquier momento, mientras que el esposo tiende a ser ciego a todo eso. La madre lo hace todo hasta el punto del agotamiento absoluto. 

La madre no recuerda la última vez que durmió bien. Da de comer al niño, limpia sus excrementos y lo acompaña al parque y a la biblioteca, donde apenas puede relacionarse con las otras madres, lo cual es extraño, ya que tres de ellas (Zoë Chao, Archana Rajan y Mary Holland) son bastante amigables y se comunican con miradas cómplices, como si la maternidad las hubiera inducido a todas a la misma secta. Pero el personaje de Adams no disfruta mucho de su compañía, lo que solo hace que su aislamiento sea mucho más agudo. 

Cuando interactúa con otras mamás, la madre inmediatamente pasa a temas de los que “nadie habla” (por ejemplo, “nadie habla del cambio que ocurre a nivel celular”). ¿Es eso realmente un secreto o simplemente está aislada de la conversación? Las noches en que papá no está, ni siquiera habla con él por teléfono. Y nunca se acerca a una computadora. Cuando llega el momento de investigar, la bibliotecaria Norma (Jessica Harper) le da una copia de "The Field Guide To Mystical Women", un libro que explicará muchas de las respuestas a las preguntas más urgentes que tiene, solo para pasar el día haciendo varias cosas a la vez y sin obtener gloria de ello.

Como era de esperar, este niño de dos años es un auténtico reto y la madre ya no puede soportarlo más, hasta considerar que debe separarse de su esposo, que no ha sido de mucha ayuda. A partir de ahí, la historia continúa, pero la guionista y directora Marielle Heller nunca pierde de vista la magia o la dulzura inherentes a la historia. No se trata de una de esas películas melodramáticas en las que la madre sufre un colapso nervioso después de que el esposo, incapaz de soportar la presión de los niños, se va con su asistente personal. Está mucho más arraigada en la realidad que ese tipo de escenario.

Adams, que también es productora, simplemente se entra en lo más profundo de este papel, completamente creíble y convincente como una madre al límite. Sabe como salpicar en lo absurdo sin que se sienta así; sabe exactamente cómo hacer que todo funcione, y lo hace espléndidamente. Adams encarna con valentía la exasperación de la madre, encontrando la comedia en cada revés. En manos de Adams, la madre convierte su crisis de identidad (la forma en que la mujer que era antes “murió en el parto”, dejando a alguien a quien ni siquiera ella reconoce en su lugar) en un acto de reinvención magistral.

Scoot McNairy está perplejo, pero en última instancia es comprensivo como el desventurado esposo, pero sigue interponiéndose en su camino. Es probable que los momentos más importantes de McNairy generen lágrimas, especialmente del contingente femenino que es el público objetivo aquí. Zoe Chao, Mary Holland y Archana Rajan, el trío de mujeres ansiosas por darle la bienvenida a Adams a su “Baby Pack”, son el trío perfecto, pero tampoco son caricaturas como se suele ver en estas comedias, aunque ninguna de ellas puede pensar en un inconveniente de pasar todo el día cuidando niños de dos años. Harper es realmente mística y no deja ver el hecho de que hay más en ella de lo que se ve a simple vista.

Aunque siempre es entretenida, “Nightbitch” prácticamente demuestra su propio punto (sobre cuán limitante es ahora la existencia de la madre) al restringir tan estrictamente la trama. No todas las culturas son tan insensibles al sacrificio de las mujeres embarazadas, aunque eso es precisamente lo que frustra a esta víctima particular del patriarcado. La madre articula todo lo que ella —que solía ser artista y curadora en la ciudad, reducida a pintar con los dedos con un niño de cuatro años en los suburbios— considera injusto en cuanto a la maternidad en sí: “¿Cuántos hombres han retrasado su grandeza mientras sus mujeres no sabían qué hacer con la suya?”. Aquí, la narración de Heller es obvia y incontrovertible, y aún así necesita urgentemente ser dicha.

Sencillamente, no hay forma de que esta película hubiera sido escrita o realizada por un hombre, al menos para conseguir el tipo de efecto estelar que logra esta divertida y conmovedora película para mamás. Heller hace un trabajo excepcional guiándola detrás de la cámara. Puede que incluso te haga llorar.

Crítica Cinéfila: Kinds of Kindness

Fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.

El director griego Yorgos Lanthimos sigue las travesuras históricas barrocas y ganadoras del Oscar de Poor Things y The Favourite con este sombrío y aún más oscuro - pero no menos extraño - trío de historias filmadas en la Nueva Orleans actual y sus alrededores. Emma Stone, que se está convirtiendo rápidamente en una figura fija en la cinematografía de Lanthimos, se une a él en el viaje, al igual que Willem Dafoe de Poor Things, junto con Jesse Plemons, Margaret Qualley, Joe Alwyn, Hong Chau de The Whale y otros, formando un elenco de repertorio que gira en torno a tres historias. Cada viñeta es distinta, pero tiene un personaje secundario en común e intrigante: un hombre silencioso y barbudo llamado "RMF". También los une un estilo visual prístino y glacial, y una partitura de piano desconcertantemente aguda con estallidos corales que colorean el ambiente.

¿Quién es RMF? Nunca lo descubrimos. El trío de historias de Yorgos Lanthimos en Kinds of Kindness se titulan The Death of RMF (La muerte de RMF), RMF is Flying (RMF está volando) y RMF Eats a Sandwich (RMF come un sándwich). RMF es un hombre silencioso y barbudo, identificado por el monograma de su camisa. En la primera historia, llega a una mansión georgiana para recibir un sobre. Vivian (Margaret Qualley), concubina del anciano magnate Raymond, a quien normalmente se ve con un diminuto abrigo de satén, abre la puerta, le toma una fotografía y le entrega el sobre. Puede que contenga dinero. RMF está a punto de convertirse en el objetivo de una serie de accidentes. ¿Por qué? Eso tampoco lo averiguaremos.

No es una sorpresa para los fanáticos de Yorgos de toda la vida que las historias sean sombrías: un hombre de negocios (Plemons) vive una vida personal y profesional completamente bajo el control de su jefe (Defoe), hasta el jugo que bebe cada mañana y la hora exacta en que tiene relaciones sexuales con su esposa; una mujer (Stone) regresa de un accidente en el mar, pero su esposo (Plemons) no cree que sea su mujer y la obliga a cometer actos indescriptibles en su cuerpo; una esposa y madre (Stone) ha abandonado a su esposo e hijo por pertenecer a un culto sexual liderado por un hombre (Dafoe) que cree que una mujer joven (Qualley) tiene poderes para resucitar a los muertos.

Kinds of Kindness trata de una interdependencia omnipresente entre el poder despiadado y la sumisión voluntaria que surge en todas partes, lo que implica que todos estamos bajo su control. Eso la convierte en su película más sombría hasta el momento. Por supuesto, también es muy divertida.

Suceden cosas extrañas, pero esta no es una historia de fantasmas. A Lanthimos no le interesa tanto lo extraño como lo siniestro, una atmósfera subrayada en las tres historias con una punzante banda sonora para piano de Jerskin Fendrix y enfatizada por los lentes alternantes, los ángulos extravagantes, los primeros planos extremos y un motivo repetitivo de superficies brillantes del director de fotografía Robbie Ryan. De hecho, los pisos, paredes y techos de madera pulida del rústico bungalow de Daniel y Liz en el segundo piso, que le dan a todo el episodio un brillo cada vez más sanguinario, merecen un reconocimiento propio. 

Por supuesto, la atención a los detalles del decorado significa que siempre sabes exactamente dónde estás en una película de Lanthimos: el arreglo floral en una mesa auxiliar, un laberinto de mullidos sofás beige o la extensión de terreno baldío visible desde una ventana cuentan las historias de las personas en esta casa insoportablemente ordenada, esta oficina deslumbrantemente vidriada, o esta institución con propósitos turbios. 

El control es la obsesión de Lanthimos, y la posesión extrema de las vidas de otras personas recorre estos cuentos tanto como la posesión extrema de la narración recorre la obra de Lanthimos. Su control sobre nosotros es férreo, y puede resultar tan sofocante como desafiante e inspirador. El absurdo inexpresivo y el tono cómico tranquilamente negro de "Kinds of Kindness" recuerdan las películas anteriores de Lanthimos (Dogtooth, Alps, The Lobster y The Killing of the Sacred Deer), lo que tal vez no sea sorprendente, ya que ha vuelto a trabajar con su guionista, Efthimis Filippou, lo que convierte a esta película en una especie de reintroducción a su obra para aquellos que se unieron a la fiesta más recientemente. Como en esas películas anteriores, la sensación dominante es la de ver a los humanos como juguetes para las ideas cada vez más sádicas de un titiritero enfermo. 

No es una broma, es lo que hace Lanthimos, y el grado de simpatía (o, más apropiadamente, de relajación) que uno tenga con esta película determinará el apetito que uno tenga por él, que parece un limpiador de paladar provisional y para los verdaderos fans. Algunos de los que pensaron que sus dos últimas películas eran un pasatiempo excéntrico podrían acabar sintiéndose como algunos de los desafortunados protagonistas de esta película: maltratados, maltrechos y atrapados, pero cualquiera que comparta el placer de Lanthimos al aplastar a sus humanos como si fueran moscas sin duda obtendrá un placer irónico de ello.

Crítica Cinéfila: Beau is Afraid

Beau (Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Después de crear un desastre familiar demoníaco y una escapada sueca loca, el escritor y director Ari Aster ha creado la madre de todos los viajes de culpa. No queda mucho claro acerca de su nueva comedia oscura "Beau Is Afraid", aparentemente por diseño, pero Aster ha cambiado sus espectáculos de terror "Hereditary" y "Midsommar" por una aventura extrañamente identificable y orgullosamente trastornada sobre un hombre de mediana edad (Joaquin Phoenix) y su búsqueda para regresar a casa. Esa parte, al menos sobre el viaje de este extraño héroe, tiene sentido. Es todo lo demás en el transcurso de tres horas, comenzando con, sí, la desconcertante experiencia del parto, lo que desafía la imaginación y la capacidad de uno para la rareza cinematográfica. Sin embargo, no tenga miedo de darle una oportunidad a "Beau" porque hay algunos asuntos sustanciosos en juego con una pizca de ridícula hilaridad.

El personaje del título de Phoenix, lleno de ansiedad, vive en la peor parte de la ciudad, donde tipos desnudos corren con cuchillos, los cadáveres se pudren en las calles y las arañas reclusas pardas están en pie de guerra. Se supone que Beau debe volar a casa para ver a su madre Mona (interpretada a diferentes edades por Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) para el aniversario de la muerte de su padre, pero se queda dormido, inexplicablemente le roban las llaves y de mala gana llama diciendo que se ha retrasado. Mamá está decepcionada, y no es la primera vez.

Una serie continua de eventos desafortunados luego le suceden a Beau, comenzando al día siguiente con la noticia de que su madre ha muerto aplastada por un candeladro que se cayó encima de su cabeza. Desesperado (y desnudo en la calle después de que un intruso estropeara un baño relajante), es atropellado por un camión y se lo lleva una pareja suburbana sospechosamente amable (Nathan Lane y Amy Ryan) a su casa. A partir de ahí, la película se desarrolla como una odisea homérica de pesadilla, donde el épico viaje de nuestro triste Beau en su regreso a casa para enterrar a su madre incluye un enamoramiento de la infancia (Parker Posey), una compañía de teatro itinerante, una adolescente que bebe pintura, un soldado maníaco, un desvío animado de fantasía y una caída de aguja de todos los tiempos. 

Con flashbacks de un joven Beau (Armen Nahapetian) y viejos recuerdos borrosos que lentamente se enfocan, Aster construye capas de surrealismo en "Beau Is Afraid", lo suficiente como para que la audiencia (y Beau) se pregunten si algo de eso es real. Phoenix ofrece una actuación física excepcional, con su rostro haciendo el trabajo la mayor parte del tiempo para transmitir la letanía de miedos y estados de dolor, horror y todo lo demás de Beau. Mientras todo esto ocurre, Beau creció con la idea de que tiene una condición hereditaria, como su padre, que lo matará en el momento en que tenga un orgasmo. Así que también tiene eso a su (des)favor. A su vez Aster ha construido un elenco de apoyo interesante a su alrededor, incluida una parte estelar de LuPone.

Con esta tercera película, Aster demuestra que su estilo ronda alrededor de temáticas de conflictos familiares. Aquí deconstruye con perspicacia de la unidad familiar (uno de sus temas en "Hereditary") y examina nuestras relaciones con los padres. “Beau Is Afraid” también mantiene a su audiencia adivinando y rascándose la cabeza: una escena memorable en un ático garantiza romper el cerebro y/o provocar un ataque de risa. Es una narrativa más exigente de navegar que los esfuerzos anteriores del director, y no todo funciona con su astuta sutileza. Sin embargo, hay un arte sensacional en el trabajo, con Aster salpicando gran parte de su narración en el fondo de las escenas (fotos en las paredes, carteles informativos, etc. - algo que también es parte de su estilo) que mucha gente ni siquiera notará, a menos que estén prestando mucha atención.

Las almas valientes pueden verse tentadas a volver a visitarlo. Y ya sea que la ames o la odies, porque esta no es una película para reacciones medianas, "Beau" actúa como un gran recordatorio para enviar un mensaje de texto o llamar a su madre. O en el peor de los casos, para hacer que uno se cuestione el tipo de relación que guarda con la matriarca.