Crítica Cinéfila: The Roses

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.

Esta es una idea divertida para una nueva versión de una de las sátiras más amargas y oscuras sobre los dolores del matrimonio: ¿Qué pasaría si pasáramos un tiempo serio en los días de gloria de nuestra relación central? Tal es la idea un tanto audaz de " The Roses " de Jay Roach, una reimaginación de la novela de Warren Adler "La guerra de los Roses" y, en menor medida, la increíblemente divertida película de 1989 de Danny DeVito del mismo nombre. En el papel, esto puede sonar tonto y extraño, pero Roach y sus estrellas Benedict Cumberbatch y Olivia Colman encuentran tanta diversión en los días felices que casi distraen de lo que es inevitable.

Con un guion de Tony McNamara (“The Favourite”, “Poor Things”), la película de Roach arranca lejos de esos días felices, con Theo Rose (Cumberbatch) e Ivy Rose (Colman) enfrentándose en una sesión de terapia de pareja que alcanza su máximo esplendor cuando Ivy insulta a su marido. ¡Ah, el humor británico! Pero mientras su terapeuta se horroriza ante la tensión y los insultos, llegando incluso a anunciar que los Rose no tienen solución, los dos no pueden evitar reírse disimuladamente.

Retrocediendo en el tiempo, pronto vemos cómo empezó todo: con un encuentro inolvidable, pero que también insinúa lo que podría separarlos en los próximos años. Theo es un arquitecto decepcionado por el estado de su obra, obligado a celebrar la finalización de un edificio de apartamentos sin alma en una elegante comida con sus compañeros de trabajo. Cuando se escapa para un descanso, termina en la cocina, justo delante de una sonriente chef, Ivy, ocupada preparando un carpaccio de salmón y lidiando con sus propias preocupaciones profesionales. A los pocos segundos de conocerse, se preguntan si simplemente se van juntos a Estados Unidos. Si estás dispuesto a creerte ese particular (y peculiar) giro argumental, probablemente te entusiasmes con lo que está por venir. Diez años después, la pareja británica ha dado sus frutos. Felizmente instalados en el condado de Mendocino, California, la carrera de Theo está en auge, tienen un par de gemelos que parecen felices, e Ivy se ha dedicado a cocinar por diversión.

Y, sin embargo, han empezado a aparecer pequeñas grietas. Theo aún mantiene la esperanza de construir algún día la casa de sus sueños, la vida de Ivy parece relegada principalmente a ser esposa y madre, y sin duda parece que la pareja tiene ideas discordantes sobre la crianza de los hijos. McNamara entrelaza estos detalles a la perfección, y Cumberbatch y Colman, tan naturalmente entusiasmados el uno con el otro, poco a poco empiezan, si no a distanciarse, al menos a criticarse.

Cuando Theo decide gastar el dinero de su casa en un restaurante de mariscos para Ivy, es el primer paso hacia su ruina. Y cuando el último proyecto de Theo —un enorme museo dedicado a la vida marina con forma de barco— se derrumba durante una tormenta particularmente fuerte (un evento que se viraliza de inmediato), poniendo fin a sus propios sueños profesionales, es solo otro clavo en el ataúd. Mientras que el libro de Adler y la película de DeVito imaginaban a la Sra. Rose como una estrella emergente de la restauración, la película de Roach la convierte en una marca culinaria masiva, y el éxito de Ivy la catapulta a la cima del mundo gastronómico. Un día está haciendo galletas con forma de Big Ben en casa, y al siguiente, está viajando con David Chang.

Esto no le sienta bien a Theo. Mientras que en versiones anteriores de la historia los Rose tenían dos hijos casi adultos, el guion de McNamara reduce la edad de los niños (Hattie y Roy, interpretados por Delaney Quinn y Ollie Robinson, de diez años, y Hala Finley y Wells Rappaport al cumplir los 13), lo que aporta una nueva dimensión a los problemas de Theo e Ivy. Mientras ella se dedica a abrir nuevos restaurantes —con la ayuda de sus empleados de toda la vida, interpretados por Sunita Mani y Ncuti Gatwa —, Theo, recién convertido en padre a tiempo completo, se dedica a criar a los niños a su imagen. Eso significa mucha actividad física y menos postres azucarados.

Son esos desacuerdos aparentemente insignificantes los que empiezan a erosionar su matrimonio. Y aunque mucho de esto pueda parecer muy serio, la película de Roach suele ser muy divertida. Los momentos en los que los Rose se critican entre sí —un momento con unas donas desafortunadas es genial— contrastan con escenas cómicas más significativas que los unen, como una visita a un club de tiro local con sus locos amigos estadounidenses (Andy Samberg, Kate McKinnon, Zoë Chao y Jamie Demetriou). Pero si bien estas secuencias son inteligentes y divertidas, también socavan constantemente los aspectos más amargos de la historia original en el corazón de la película.

Pero si bien la cena, realmente aterradora y a la vez divertidísima, que posiblemente lo pone todo patas arriba se encuentra entre las mejores obras cómicas de Roach, Cumberbatch y Colman, lo que sigue contrasta con todo lo anterior. Que McNamara haya escrito una versión completamente nueva de la novela de Adler es realmente refrescante, pero el tono más ligero y la mayor dependencia del romance real entre sus protagonistas hacen que lo que está por venir sea aún más difícil de digerir.

La película de DeVito no temía ser oscura, profunda y cruel desde el principio, pero en el último acto de la película de Roach, los ataques que Theo e Ivy se lanzan entre sí sorprenden, y no siempre de forma entretenida. Puede parecer absurdo preguntarse si esta versión de "La Guerra de los Roses" es demasiado cruel, pero así es precisamente como se siente. Demasiado cruel, demasiado directa y demasiado extravagante, al menos en el mundo que Roach y McNamara han tejido previamente. Todo es diversión y juegos, hasta que alguien sale lastimado.

Crítica Cinéfila: Bombshell

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes.

La palabra Bombshell tiene dos significados: puede ser una noticia impactante, ya sea positiva o negativa; puede también ser una mujer (normalmente rubia) sumamente atractiva. Así, cuando Jay Roach se sentó a descifrar el nombre de su próxima gran película, el título se lo dió la misma historia y su temática.

Este es un tema tan jugoso que los cineastas simplemente no pueden mantenerse alejados de él, especialmente los adictos políticos como Roach y Charles Randolph. El director de  Recount, Game Change, The Campaign, y Trumbo,  y el escritor de The Big Short, han puesto su mirada en un viejo y poderoso golpe y han generado un gran placer al dramatizar su derribo. Este hilo conductor sobre la caída deslumbrante del fallecido déspota de Fox News, Roger Ailes, no puede afirmar que ofrece temas nuevos, pues ya lo hemos visto en una miniserie de televisión reciente (Showtime's The Loudest Voice) y un documental muy bueno (Divide and Conquer: The Story of Roger Ailes). Pero las actuaciones, mejoradas por las transformaciones físicas de Charlize Theron, Nicole Kidman y John Lithgow que son asombrosamente convincentes, entregan los productos de una manera muy atractiva. Cualquiera que haya estado siguiendo las noticias durante los últimos tres años no pudo evitar sentirse intrigado por este petardo de película.

Sin preámbulos, la película arroja al espectador directamente a la alta presión de los preparativos finales para el primer debate televisado de la campaña presidencial de 2016, que será transmitido por Fox News y moderado por Megyn Kelly (Theron); está inquieta por las preguntas que no le ha formulado a Donald Trump y se siente desesperadamente enferma en el trato. Pero espera, esta es una película y la mujer que estamos viendo realmente se parece exactamente a Megyn Kelly. El realismo es asombroso.

Kidman interpreta a otra de las estrellas de la cadena desde hace mucho tiempo, Gretchen Carlson, que tiene su propio programa. La tercera rubia en la parte superior del boleto no se parece a nadie más que a Margot Robbie, pero tiene la excusa de interpretar a un personaje compuesto, una recién llegada hermosa e ingenua llamada Kayla, que en poco tiempo sufre la desgracia de atraer la atención de Ailes. Como lo representa Lithgow, Ailes tiene la distinción de verse más gordo, asqueroso y mucho más parecido al tipo real que Russell Crowe a principios de este año en  The Loudest Voice.

Si los atributos físicos de los directores exigen que se los considere con cierta extensión, es porque se destacan en el esquema de las cosas de Fox, una construcción que  Bombshell  disecciona y examina con considerable vigor. Después de décadas durante las cuales se esperaba que las noticias transmitidas por los Estados Unidos mantuvieran un cierto equilibrio y no se entregaran a un partidismo absoluto (había una cosa llamada doctrina de la justicia), Fox cambió este decoro con su descarada defensa de posiciones conservadoras y un servicio público abierto de derecha, a menudo dispensado por rubias atractivas. En el momento de las elecciones de 2016, la red era más poderosa que nunca y puso toda su fuerza considerable para defender a Trump como presidente.

Cuando Kayla aparece en las oficinas de Fox en Nueva York, parece una candidata ideal en el aire, tanto físicamente como políticamente, ya que proviene de una familia cristiana evangélica. También es ingenua y ansiosa por complacer, pero está paralizada por Ailes, quien le ofrece a las mujeres que le interesan dos frases para prosperar: "Para salir adelante tienes que dar un poco de cabeza" y "Si quieres jugar con los grandes, tienes que acostarte con los chicos grandes". 

Bombshell, su doble sentido plenamente justificado, se sumerge directamente en este turbulento pozo negro de sexo y política con confianza, entusiasmo e inteligencia. Como demostró en su guión ganador del Oscar (con Adam McKay) para  The Big Short,  Randolph es experto en agitar eventos y sistemas reales complicados y combustibles (economía, política, juegos de azar, presión sexual) y usarlos para impulsar la narrativa hacia adelante. El Director Roach complementa esto manteniéndose alerta todo el tiempo, a menudo usando disparos rápidos que parecen atrapados sobre la marcha, como corresponde a figuras de poder que saben lo que quieren, no pierden el tiempo y siempre tienen hambre de más poder, no importa qué tan bien alimentados están.

Todos los personajes principales aquí están obsesionados con el poder; si no lo fueran, no estarían en este negocio. El propio Trump no figura personalmente en los eventos de  Bombshell  y las elecciones aún faltan cuatro meses. Pero Fox News en este punto se ve en la transición de un corredor de poder a un poder importante en sí mismo, muy probablemente capaz de influir decisivamente en el resultado de las próximas elecciones. 

Roach y Randolph usan esta energía e intención maligna que se transmite de Ailes, o Jabba the Hut, como se le llama, para beneficio considerable de la película. Ailes tiene un facilitador que todo lo sabe, una mujer mayor (Holland Taylor) que organiza discretamente todas las idas y venidas de la oficina del gran hombre. También aprendemos la fórmula mágica de la red para el éxito: "Asustar y excitar", un enfoque que Ailes ha transformado en una forma de arte. Pero, ¿qué es lo más importante para Ailes cuando se trata de una excelente cobertura de noticias de televisión?

El impulso dinámico y el ritmo de la película pueden atribuirse en parte simplemente al hecho de que el escenario principal es una sala de redacción, donde los escritores con plazos fijos están constantemente bajo presión; infundido con energía y tensión constantes, la sede de Fox está hecha para parecer el segundo lugar más importante en la Tierra, justo por debajo de la Casa Blanca. Se menciona de pasada que en el año anterior los Murdochs obtuvieron una ganancia de $15 mil millones solo de Fox News, por lo que es fácil ver por qué el jefe está bien protegido.

Pero aún así tiene una gran caída. Es provocado por el despido de la periodista Carlson, mientras le dice: "Eres sexy, pero eres demasiado trabajo". A pesar de un gran pago, ella toma represalias con una demanda de acoso sexual contra el propio Ailes, contratando a los mejores abogados e inspirando a muchas otras mujeres, incluida Kelly, a presentar demandas contra el gran jefe. El abogado de Ailes, Rudy Giuliani (la única figura famosa en el reparto que no tiene un físico ideal, aunque su primera aparición genera una gran risa bajo las circunstancias) entra en el conflicto, seguido por el propio Rupert Murdoch (Malcolm McDowell) y sus dos hijos. En poco tiempo, los grandes jefes emiten el edicto: Jabba se debe ir.

Los actores se lanzan a sus roles con un celo excelente, animados por el diálogo a menudo contundente y los temas en juego. Las tres mujeres pasan por extenuantes pruebas personales y pruebas de fuerza en el período de tiempo muy comprimido, todas emergiendo más fuertes de lo que eran antes, incluso si la lucha no tuviera nada que hubieran elegido voluntariamente. Kelly de Theron y Carlson de Kidman están en lugares claramente diferentes en el espectro de la carrera, con Kelly en el centro de las cosas al rojo vivo y Carlson quizás superando su pico. Por su parte, la joven y ficticia Kayla de Robbie se encuentra en el trampolín, lista para saltar, o ser empujada, hacia el fondo.

Lithgow es memorablemente asqueroso y depredador como el mejor jefe de malas noticias en lo que respecta a las mujeres. Lo único que puedes decir de Ailes como se muestra aquí es que él es sincero; él es bastante claro sobre el precio de la entrada, y cada mujer decide si pagarlo o no. Se exhibe suficiente comportamiento groseramente abusivo de Ailes para dejar en claro que el precio es muy alto.

Bombshell no ofrece un análisis profundo de la televisión moderna, las actividades corporativas o las prácticas de explotación a puerta cerrada que han estado ocurriendo desde el principio de los tiempos. Pero más allá de crear una imagen dinámica de una entidad mediática famosa en acción, respalda firmemente la noción de que, si las personas se ponen de pie con valentía y se pronuncian contra la impropiedad y la ilegalidad, incluso contra los ricos y los más privilegiados, se puede hacer justicia y se puede progresar.

Crónica Cinéfila: Ma

Una mujer solitaria (Octavia Spencer) entabla amistad con un grupo de adolescentes y decide invitarles a una fiesta en su casa. Justo cuando los jóvenes piensan que su suerte no puede ir a mejor, una serie de extraños acontecimientos comienzan a suceder, poniendo en tela de juicio las intenciones de su nueva y misteriosa amiga.

Como el personaje principal de "Ma", Octavia Spencer asume el papel de acosadora-plaga desesperada, amigable en el exterior, loca en el interior de una manera que se adapta facilmente a una actriz de importancia internacional. Ella hace todo lo que puede para interpretar al personaje como un ser humano real, y eso logra dos cosas: pone un poco de carne en los huesos inteligentes y tontos de esta producción de Blumhouse, con destellos distantes de "Carrie", "Misery" y otros thrillers de la acosadora de la venganza estudiada. Al mismo tiempo, la humanidad de Spencer solo hace que el personaje parezca mucho más espeluznante, lo cual es algo bueno.

No puedes tomar a "Ma" en serio. Es una imagen de fórmula consumida que está demasiado ocupada conectando puntos, golpeando ritmos, diseñando situaciones diseñadas para hacerlo retorcerse. Pero la audiencia se va a retorcer de todas formas. Y aunque incluso el sector demográfico más joven para esta película sabrá que están siendo manipulados, es probable que lo consigan. La novedad y la moderación de la actuación de Spencer, cuando no está haciendo todo lo posible, aunque se las arregla para hacerlo incluso de manera controlada, debería ser un señuelo suficiente para convertir a "Ma" en un fabricante de dinero menor.

En una ciudad en Ohio, Maggie (Diana Silvers), que acaba de mudarse allí con su madre, Erica (Juliette Lewis), se encuentra con un grupo de nuevos amigos de la escuela secundaria en una camioneta frente a un Tienda de licores. Siguen intentando, y fallando, conseguir que un adulto les compre algo de alcohol. Luego viene Sue Ann (Spencer), paseando a un perro de tres patas. Ella también se resiste, pero recuerda sus propios días haciendo lo mismo que estos jóvenes, así que ella le compra a los niños unas cuantas botellas. Al día siguiente, ella los compra un poco más, invitándolos a su casa para festejar en el sótano.

Sue Ann, que trabaja como asistente de un veterinaria testaruda (Allison Janney), parece ser una persona solitaria, pero no es como si se pudieran celebrar fiestas de adolescentes en la sala de recreación sin terminar de su gran casa en medio de la nada. Algo está mal, y los flashbacks de la adolescencia de Sue Ann en la década de los 80 nos dicen que algo realmente malo sucedió.

Spencer, una actriz camaleónica, hace cambios de humor en "Ma" que nos dejan entretenidos con la guardia baja. Primero, ella es la perdedora divorciada alegre y afectuosa que aún intenta congraciarse con los niños con información privilegiada después de tantos años. Entonces ella es la mujer de mediana edad que quiere una fiesta y que todavía cree que es genial bailar con el robot en "Funkytown". Luego es la criticona que hace estallar invitaciones de video selfie para todos los teléfonos de los niños, y el puma lujurioso con ojos para Andy, que en un momento se refiere a Sue Ann como "ma", y el apodo se pega. Luego es la exaltada que obliga a Andy a desnudarse a punta de pistola, y luego al bromista que finge que todo es una gran broma, diciendo: "¿Crees que soy Madea?". Ella también es, por supuesto, el manipulador siniestro que atará agregará tranquilizante para animales a los shots de los jóvenes, el psico enojado con sed de venganza (aunque Spencer lo hace con una sonrisa extrañamente atractiva), y la madre de una niña a la que quiere convencer que está enferma, cuando en realidad solo está evitando que le llegase a pasar lo mismo que a ella le pasó cuando era joven.

"Ma" fue dirigida por Tate Taylor, quien realizó "The Help", que contó con una brillante (y ganadora de un Oscar) Spencer. Luego creció como director en su película "Get On Up", una película biográfica de James Brown, con una actuación extraordinaria de Chadwick Boseman. Hacer un thriller de Blumhouse como "Ma" es una manera de reforzar su buena fe comercial, y, probablemente se lo haya imaginado. En la era de Jordan Peele, no es como si estuviera perdiendo credibilidad.

Pero cuando intentas hacer una buena película con un guión como este, de Scotty Landes, que está hecho de fragmentos y piezas derivadas, puedes terminar con muchas mini películas en una. En "Ma", Taylor obtiene fragmentos de textura en las primeras escenas de la adolescencia, y en la interacción entre Maggie y su madre, interpretada por Juliette Lewis como una ave dura y desamparada que está regresando a su ciudad natal después de haber intentado llegar a San Francisco. Y luego salta a los demás personajes, que sí están relacionados a la vida de Maggie o la de sus amigos, pero que se sienten fuera de orden. Y no se puede mencionar la introducción de personajes que parecen ir a ningún lugar con participaciones innecesarias. Pero lo aún más decepcionante es el final, demasiado abierto para el resto de los thrillers que ya se conocen, con aspectos de historias similares a las de Stephen King pero sin el crecimiento suficiento de los personajes para ganárselo.

Al final, quienes la salvan son las actuaciones y sobretodo una Octavia Spencer fuera de sus típicos personajes, que hará hasta el más valiente tambalearse en su asiento. Diana Silvers y los otros actores hacen lo que pueden para completar sus roles. Están jugando versiones glorificadas de la carne fresca en una película de Slasher, pero Taylor muestra un regalo para el terror del tabaco. Sue Ann tiene una agenda oculta para elegir a estos niños, y cuando ella finalmente decide aplicar el castigo, la película te hace temblar en todos los lugares correctos. Y hay un elemento astuto agregado: el tema de la raza apenas se menciona, pero cuando Sue Ann habla de crecer como una "forastera", Octavia Spencer invierte eso en un subtexto de lo que significaba ser la chica negra aislada que intenta encajar en una cultura juvenil homogeneizada de Middle American. louts No es justificación para el horror que ella inflige, pero sí da un poco de escalofrío a la explicación.

I, Tonya

Tonya Harding fue la primera mujer estadounidense en completar un salto de triple axel en competición en patinaje sobre hielo en 1991. Pero el éxito en el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal. (FILMAFFINITY)

El director Craig Gillespie recrea uno de los mayores escándalos deportivos de la historia de Estados Unidos, con el papel protagónico de Margot Robbie quien encarna a Tonya Harding, la famosa patinadora estadounidense.

Tonya tuvo una niñez complicada. Su familia era completamente disfuncional, con una madre que la maltrataba física y verbalmente, y un padre ausente en la mayor parte de su niñez, atemorizado por la madre de Tonya. Desde los tres años, su madre la inscribió en patinaje, pues se había percatado de la obsesión de la niña con ese deporte, pero todo esto con la condición de que se convertiría en su carrera y único deseo de vida. Tonya vivía bajo las reglas dictatoriales de su madre y por esa razón creció con una actitud fuerte, violenta y extrovertida. 

A pesar de su distorcionada relación con su madre, y luego con su novio, la escasez de verdaderos amigos y su afán por impresionar a la audiencia bajo sus extrencidades, siempre demostró la pasión que sentía por el patinaje.

Margot Robbie le da vida a este personaje, del cual se apodera y lo presenta de una manera divertida pero a la vez dramática, con la principal intención de reconocerla como una víctima de las personas que la rodearon, que a la vez la convirtieron en la persona que todavía hoy es. La personalidad que transmitió y la devoción con la que fue desarrollando su personaje la convierten en una fuerte candidata para esta próxima temporada de premios. Además, es impresionante y notorio el entrenamiento que Margot tuvo que recibir para las escenas en hielo (aunque se haya utilizado un doblaje). 

Por otro lado, Robbie es complementada con un elenco envidiable compuesto por Sebastian Stan y Allison Janney, quienes tuvieron la ardua tarea de representar al esposo y la madre de Tonya, y hacerle la vida imposible al personaje en cada etapa que estuvo junto a ellos.

La trama está narrada a modo de entrevistas realizadas a los personajes que estuvieron más involucrados en esta historia, permitiendo entender cada momento y lo que conllevó a que se produjera el escándalo en la que la patinadora estuvo supuestamente involucrada y lo que la llevó al declive total de su carrera. El guión está desarrollado en un orden y temática interesante, con un tono y ritmo que se mantiene para no romper con la atención de la audiencia, y unas líneas que de manera constante y divertida mantienen la energia, ironía y sarcasmo de sus personajes.

Un aspecto importante a resaltar es el diseño de vestuario, que se guió completamente de los verdaderos atuendos de Tonya Harding para mantener una línea más realista y cercana a las presentaciones de la patinadora.

La fotografía se guía del estilo en que la historia está narrada y emplea planos de entrevistas, donde cada personaje se caracterizaba por un diseño de producción y escenografía en específico, y  luego utilizando planos en movimientos y slow motion para las escenas en el hielo, muy característicos de los dramas deportivos. Del mismo modo, la musicalización es inspirada del estilo musical que Tonya siempre utilizó para sus presentaciones, manteniendo la esencia del personaje y el tono de la trama.

"I, Tonya" es una película de humor negro con la que Margot Robbie debuta como productora y trata de lanzarse como una actriz de más nivel. Este filme puede ser considerado uno de los mejores del 2017, gracias a la naturalidad y carisma con la que sus personajes cuentan este drama que involucró  a una de las mejores patinadoras de hielo más famosas de los años 90.