Crítica Cinéfila: Pinocchio

Versión en acción real y CGI del aclamado cuento sobre una marioneta que se embarca en una trepidante aventura para convertirse en un niño de verdad. La historia también presenta a otros personajes, como Gepetto, el carpintero que fabrica a Pinocho y lo trata como a su propio hijo; Pepito Grillo, que hace las veces de guía y “conciencia” de Pinocho o el Hada Azul.

Pinocchio ha sido el outcast durante mucho tiempo dentro del universo clásico de Disney, a pesar de haber sido una de las primeras películas animadas que solidificaron la reputación de Walt Disney como un maestro narrador y formaron la base de los cuentos de hadas cinematográficos estadounidenses. Es difícil encontrar a alguien que reclamen hacer una adaptación del original de 1940, la segunda película animada jamás realizada por Disney, como su favorito. Muchos lo encontraron aterrador e inquietante. Es una historia extraña de un títere de madera inteligente que sueña con ser un niño de verdad, le crece la nariz cuando miente, y es testigo de cómo niños rebeldes se transforman en burros y son tragados por una ballena.

Por lo tanto, tiene sentido (e imaginemos que por razones comerciales) que la inevitable nueva versión live-action de Pinocho pase por alto los cines y se dirija directamente a Disney+. Es un ajuste extraño, menos publicitado que las demás versiones recientes, ni una película para niños ni una película para toda la familia. Hay una extrañeza en todo el procedimiento: un clásico no querido, lijado de la novela original de 1883 del autor italiano Carlo Collodi, visualmente estimulante pero emocionalmente aburrida.

La rotación de acción en vivo de Disney ha dado como resultado, en el mejor de los casos, adaptaciones fieles que luchan por capturar la magia de la animación (El Libro de la Selva y Aladdin) y, en el peor, robos no solicitados que se adentran profundamente en el valle inquietante (Dumbo, The Lion King, Cenicienta). Pinocho, dirigida por Robert Zemeckis, quien la co-escribe con Chris Weitz, se inclina más hacia la primera versión, aunque se ve obstaculizada por el hecho de que nunca deja de ser extraño, a nivel visual, ver una marioneta de madera CGI interactuar con humanos reales.

El atractivo central de la película es el reencuentro de Zemeckis con Tom Hanks, como el solitario carpintero Geppetto, y Pinocho ofrece indicios de ese sentimentalismo que llevó a sus colaboraciones anteriores: Forrest Gump, Cast Away, The Polar Express. Hanks es el ideal platónico de una figura conmovedora para los niños, y no puedes evitar animarlo a actuar con valentía en medio del CGI, intentando y ocasionalmente logrando anclar esta historia de un títere parlante a la emoción humana real. La película es más efectiva cuando Hanks se entrega por completo al papel de un hombre solitario que ha perdido a su hijo (un niño real, una vez, y ahora uno de madera) y desea desesperadamente volver a ser padre, tratando a sus mascotas y creaciones como su familia inanimada (aquí una gran nostalgia hacia Cast Away).

Ese deseo, desde "lo más profundo de su corazón", se hace realidad a través de la magia del hada azul (Cynthia Erivo), envuelta en un brumoso brillo y entonando "When You Wish Upon a Star", la canción característica de las producciones de Walt Disney, que se originó en la película de 1940. Cricket (Joseph Gordon-Levitt) quien queda encargado del manejo de los deberes morales de Pinocho hasta que este sea un niño real, también actúa como narrador y, por lo tanto, como principal interlocutor entre el diálogo moderno y el escenario del siglo XIX, para niños y padres.

Otros momentos hacen referencia al presente, y en particular al espectro de la fama que destroza la conciencia. “Ser famoso es ser real”, le dice a Pinocho el estafador zorro Honest John (Keegan-Michael Key), atrayendo al niño con la fama y la oportunidad de “ser un influencer”. Una escena en la que Pinocho se agita en el escenario entre carcajadas en un espectáculo de marionetas dirigido por el monstruoso Stromboli (Giuseppe Battiston) sugiere un metacomentario sobre el espectáculo explotador. Se pueden ver ecos de una acumulación de Twitter en el “rincón del desprecio” de la engañosa isla del placer del cochero (un diabólico Luke Evans) para niños destructivos e inconscientes.

Ninguno de estos es ofensivo o desafinado, particularmente para una historia cuyo personaje central carece de mucha caracterización o encanto; hasta el acto final, el pobre Pinocho es golpeado principalmente por las maquinaciones de los demás. El personaje nunca guía la historia, y de paso se abandona ese mensaje moral de la historia original de las consecuencias que puede tener cuando actúas al contrario de lo que te dicen tus padres. La película de Zemeckis lo compensa un poco en el arte: el espectáculo de Pleasure Island es visualmente deslumbrante, y el escape de Geppetto de la ballena acelera a cualquier miembro de la audiencia. El gato CGI de Geppetto, Figaro, pasa de ser una distracción falsa a entrañable, al igual que una servicial gaviota llamada Sofia (Lorraine Bracco). Sobre todo, Kyanne Lamaya se destaca como Fabiana, un personaje inventado que se hace amiga de Pinocho en el show de Stromboli.

A menudo, es difícil saber a qué culpar cuando los remakes de acción en vivo de Disney fracasan. ¿Es que la animación permite una suspensión de creencias que los actores humanos no pueden sostener? ¿Un problema con el material de origen? ¿Un aire de estrategia corporativa a todo el asunto? En el caso de Pinocho, es una combinación de los tres. De cualquier manera, algo está mal: la película está elaborada de manera competente, debidamente actuada, claramente trabajada con alma y, sin embargo, como su estrella, carece de un corazón palpitante.

Crítica Cinéfila: Anna

Bajo la hipnotizante belleza de Anna Poliatova (Sasha Luss) se esconde un secreto que la lleva a poder desatar una imparable agilidad y fuerza, convirtiéndose así en una de las asesinas a sueldo más temidas por los gobiernos de todo el planeta. 

Anna se siente como un intento modernizado de La Femme Nikita, una película que hablaba sobre una joven francesa huérfana que lleva una doble vida: amante cariñosa y dedicada, y espía/asesina asignada del gobierno. Lo decepcionante no es solo que Luc Besson no pudiera simplemente rehacer la famosa película de Nikita, sino que hiciese su peor versión.

Anna (Sasha Luss), una drogadicta de Moscú cuyo ingenio y calma la llaman la atención de un fantasma de la KGB (Luke Evans), y antes de que alguien se dé cuenta, está operando en París como una modelo de élite que se dedica también a asesinatos por encargo.

No hay subtexto, no hay tensión; en ningún momento te preocuparás de que Anna pueda ser atrapada o asesinada, porque todo el trato de Besson son escapes, amputaciones y falsificaciones de último segundo. La única variación que juega en La Femme Nikita es que no sigue una línea cronológica, prefiriendo mostrar un evento impactante en el presente, para luego volver a varios meses antes, cuando se sentaron las bases para cualquier cambio o traición que ya se hayan presenciado en pantalla, y creanme que estos viajes en el tiempo no pudiesen haber mareado más.

Besson parece pensar que es una elección estructural atrevida, pero todo lo que hace es enseñar a no tomar nada a su valor nominal. No se dan razones para que alguien se preocupe por el por qué de cualquier cosa, entonces, ¿por qué alguien estaría invirtiendo en cómo hacerlo? El vacío de Anna, combinado con su tiempo de ejecución de dos horas otorga un momento para uno analizar que uno no se estaría perdiendo de nada si hubiese evitado mirar esta película.

¿Por qué se ha diseñado Helen Mirren para que se parezca a Fran Leibowitz como la administradora de la KGB de Anna? ¿Por qué tantos montajes de asesinatos que terminan cuando Anna estrangula a su víctima? Y si quiere hablar sobre detalles de la época, Anna tiene lugar entre 1985 y 1991, en la era de Glasnost: Mikhail Gorbachev está en el poder y la URSS se está abriendo a Occidente. Pero esta película está perdida sin horizontes ni seguimientos a la realidad del mundo en aquel entonces. Y no solo eso... Besson se equivoca con los detalles del período más básico: los moscovitas comunes tienen IBM ThinkPads y WiFi, las salas de situaciones de la CIA tienen pantallas planas y los teléfonos móviles de todos son considerablemente más pequeños de lo que hubieran sido. 

Besson pasó la mayor parte del año pasado involucrado en situaciones sobre MeToo, hasta el punto en que afectó la estrategia de distribución estadounidense de Anna. Mientras más dura Anna, más incómodas se sienten las opciones de Besson, pues al final del día, es una mujer balanceándose entre dos hombres y un patriarcado de espías. Luss, que se parece a Milla Jovovich (la ex esposa del cineasta), se ve casi exclusivamente como un objeto físico, deseado y utilizado por casi todos. Lo más cercano que tiene la película a un tema es la idea de que siempre está trabajando para alguien que promete su libertad; da un paso atrás y se da cuenta de que está siendo intercambiada entre divisiones e instituciones como una posesión. Incluso el romance de Anna con otra modelo (Lera Abova) es, en última instancia, solo transaccional: a Anna se le ha ordenado usarla como cobertura, porque las novias disuaden a los depredadores.

Besson podría argumentar que todo este fetichismo está al servicio de su héroe que finalmente reclama su propia agencia, pero es la razón más fina, y no explica realmente por qué la cámara ve a Anna como un objeto a lo largo de la imagen.

Por su parte, Luss no juega en los clichés. Ella le da a Anna un núcleo de rabia y vigilancia que apoya perfectamente todo el trabajo físico que debe hacer en el transcurso de la película. La mayoría son cosas muy comunes para correr y saltar, hasta que se presencia una secuencia en la que Anna se inspira en John Wick a través de un restaurante lleno de matones, armada solo con una pistola vacía; al final de la secuencia, está cortando gargantas con platos rotos y matando a su marca con un tenedor. Sin embargo, es difícil leer a la actriz, pues sus emociones son muy planas, sin siquiera intentar expresarse.

Pero esa es la única escena en Anna en la que todo se junta y se ve la película que podría haber sido: robusta, implacable, inteligente y divertida. Mientras tanto, es una historia vacía, confusa  y sin un fin determinado.

Crónica Cinéfila: Ma

Una mujer solitaria (Octavia Spencer) entabla amistad con un grupo de adolescentes y decide invitarles a una fiesta en su casa. Justo cuando los jóvenes piensan que su suerte no puede ir a mejor, una serie de extraños acontecimientos comienzan a suceder, poniendo en tela de juicio las intenciones de su nueva y misteriosa amiga.

Como el personaje principal de "Ma", Octavia Spencer asume el papel de acosadora-plaga desesperada, amigable en el exterior, loca en el interior de una manera que se adapta facilmente a una actriz de importancia internacional. Ella hace todo lo que puede para interpretar al personaje como un ser humano real, y eso logra dos cosas: pone un poco de carne en los huesos inteligentes y tontos de esta producción de Blumhouse, con destellos distantes de "Carrie", "Misery" y otros thrillers de la acosadora de la venganza estudiada. Al mismo tiempo, la humanidad de Spencer solo hace que el personaje parezca mucho más espeluznante, lo cual es algo bueno.

No puedes tomar a "Ma" en serio. Es una imagen de fórmula consumida que está demasiado ocupada conectando puntos, golpeando ritmos, diseñando situaciones diseñadas para hacerlo retorcerse. Pero la audiencia se va a retorcer de todas formas. Y aunque incluso el sector demográfico más joven para esta película sabrá que están siendo manipulados, es probable que lo consigan. La novedad y la moderación de la actuación de Spencer, cuando no está haciendo todo lo posible, aunque se las arregla para hacerlo incluso de manera controlada, debería ser un señuelo suficiente para convertir a "Ma" en un fabricante de dinero menor.

En una ciudad en Ohio, Maggie (Diana Silvers), que acaba de mudarse allí con su madre, Erica (Juliette Lewis), se encuentra con un grupo de nuevos amigos de la escuela secundaria en una camioneta frente a un Tienda de licores. Siguen intentando, y fallando, conseguir que un adulto les compre algo de alcohol. Luego viene Sue Ann (Spencer), paseando a un perro de tres patas. Ella también se resiste, pero recuerda sus propios días haciendo lo mismo que estos jóvenes, así que ella le compra a los niños unas cuantas botellas. Al día siguiente, ella los compra un poco más, invitándolos a su casa para festejar en el sótano.

Sue Ann, que trabaja como asistente de un veterinaria testaruda (Allison Janney), parece ser una persona solitaria, pero no es como si se pudieran celebrar fiestas de adolescentes en la sala de recreación sin terminar de su gran casa en medio de la nada. Algo está mal, y los flashbacks de la adolescencia de Sue Ann en la década de los 80 nos dicen que algo realmente malo sucedió.

Spencer, una actriz camaleónica, hace cambios de humor en "Ma" que nos dejan entretenidos con la guardia baja. Primero, ella es la perdedora divorciada alegre y afectuosa que aún intenta congraciarse con los niños con información privilegiada después de tantos años. Entonces ella es la mujer de mediana edad que quiere una fiesta y que todavía cree que es genial bailar con el robot en "Funkytown". Luego es la criticona que hace estallar invitaciones de video selfie para todos los teléfonos de los niños, y el puma lujurioso con ojos para Andy, que en un momento se refiere a Sue Ann como "ma", y el apodo se pega. Luego es la exaltada que obliga a Andy a desnudarse a punta de pistola, y luego al bromista que finge que todo es una gran broma, diciendo: "¿Crees que soy Madea?". Ella también es, por supuesto, el manipulador siniestro que atará agregará tranquilizante para animales a los shots de los jóvenes, el psico enojado con sed de venganza (aunque Spencer lo hace con una sonrisa extrañamente atractiva), y la madre de una niña a la que quiere convencer que está enferma, cuando en realidad solo está evitando que le llegase a pasar lo mismo que a ella le pasó cuando era joven.

"Ma" fue dirigida por Tate Taylor, quien realizó "The Help", que contó con una brillante (y ganadora de un Oscar) Spencer. Luego creció como director en su película "Get On Up", una película biográfica de James Brown, con una actuación extraordinaria de Chadwick Boseman. Hacer un thriller de Blumhouse como "Ma" es una manera de reforzar su buena fe comercial, y, probablemente se lo haya imaginado. En la era de Jordan Peele, no es como si estuviera perdiendo credibilidad.

Pero cuando intentas hacer una buena película con un guión como este, de Scotty Landes, que está hecho de fragmentos y piezas derivadas, puedes terminar con muchas mini películas en una. En "Ma", Taylor obtiene fragmentos de textura en las primeras escenas de la adolescencia, y en la interacción entre Maggie y su madre, interpretada por Juliette Lewis como una ave dura y desamparada que está regresando a su ciudad natal después de haber intentado llegar a San Francisco. Y luego salta a los demás personajes, que sí están relacionados a la vida de Maggie o la de sus amigos, pero que se sienten fuera de orden. Y no se puede mencionar la introducción de personajes que parecen ir a ningún lugar con participaciones innecesarias. Pero lo aún más decepcionante es el final, demasiado abierto para el resto de los thrillers que ya se conocen, con aspectos de historias similares a las de Stephen King pero sin el crecimiento suficiento de los personajes para ganárselo.

Al final, quienes la salvan son las actuaciones y sobretodo una Octavia Spencer fuera de sus típicos personajes, que hará hasta el más valiente tambalearse en su asiento. Diana Silvers y los otros actores hacen lo que pueden para completar sus roles. Están jugando versiones glorificadas de la carne fresca en una película de Slasher, pero Taylor muestra un regalo para el terror del tabaco. Sue Ann tiene una agenda oculta para elegir a estos niños, y cuando ella finalmente decide aplicar el castigo, la película te hace temblar en todos los lugares correctos. Y hay un elemento astuto agregado: el tema de la raza apenas se menciona, pero cuando Sue Ann habla de crecer como una "forastera", Octavia Spencer invierte eso en un subtexto de lo que significaba ser la chica negra aislada que intenta encajar en una cultura juvenil homogeneizada de Middle American. louts No es justificación para el horror que ella inflige, pero sí da un poco de escalofrío a la explicación.

La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast)

Adaptación en imagen real del clásico de Disney "La bella y la bestia", que cuenta la historia de Bella (Emma Watson), una joven brillante y enérgica, que sueña con aventuras y un mundo que se extiende más allá de los confines de su pueblo en Francia. Independiente y reservada, Bella no quiere saber nada con el arrogante y engreído Gastón, quien la persigue sin descanso. Todo cambia un día cuando su padre Maurice (Kevin Kline) es encarcelado en el castillo de una horrible Bestia, y Bella se ofrece a intercambiarse con su padre y queda recluida en el castillo. Rápidamente se hace amiga del antiguo personal del lugar, que fue transformado en objetos del hogar tras una maldición lanzada por una hechicera. (FILMAFFINITY)

En el momento que me senté en la sala de cine para ver esta película solo me cuestioné: ¿la nueva adaptación de Beauty and the Beast le ganaría a su producción original? Es imposible no sentir las ganas de comparar y de decir "eso no va ahí" o "eso no es así". Y quien creció con Disney y sus personajes, siempre le caerá atrás a sus clásicos y a las nuevas historias. Sin embargo, es un caso similar al de El Libro de la Selva: no se trata de comparar cuál es mejor y que le faltó, sino de revivir los momentos de infancia que han sido reprimidos después de tantos años viendo películas. Dicho esto, y como fanática empedernida de los musicales, puedo decir que fue simplemente maravilloso poder revivir el recuerdo de este clásico.

Es visualmente hermosa, gracias a la perfecta combinación del diseño de producción, el vestuario y la coreografía. Esta nueva película mantiene los lineamientos de la original, con ciertas variaciones en la música, un increíble montaje escenográfico y la selección perfecta de actores, que logran el carisma y la energia necesaria para sacar a flote cada uno de sus personajes. 

Particularmente, el candeladro Lumiere y el reloj Din Don son los que se robaron mi atención, incluso en algunos momentos más que Bella y Bestia; pero esto no quiere decir que la actuación de Emma Watson y Dan Stevens haya sido totalmente opacada por el resto. No obstante, la mejor química de toda la historia la tienen Gastón (Luke Evans) y LeFou (Josh Gad), tanto en su número musical como en sus intervenciones.

Este filme no es solo la adaptación de uno de los clásicos más memorables de Disney (el primero en ser nominado a Mejor Película en los Oscars), sino también para tratar temas como la diversidad de razas, la igualdad de género y la homosexualidad. Este último ha creado mucha polémica, tanto en los excepticos como los encargados de promoción en las salas de cine, evitando que menores de 15 años entren a ver esta película. Sin embargo, creo que esto es lo que menos podría impactar a un niño o una niña, cuando existen escenas como el ataque de los lobos y la muerte de Gastón.

La Bella y la Bestia evoca una de las historias más hermosas de los 90, sin buscar opacarla ni mucho menos borrarla de nuestra mente, pero con la capacidad de traer otra vez esos sentimientos que hace 26 años Disney provocó en nuestros corazones.

Todavía se me eriza la piel.