Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.

Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: El Agente Secreto

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.

Los créditos iniciales de "El agente secreto", del director Kleber Mendonça Filho, sitúan la escena en Brasil, en 1977, y añaden: "un período de grandes travesuras". Y esa podría ser una descripción breve y apropiada de la película en sí: una travesía traviesa que incluye identidades secretas, policías corruptos, intrigas intrincadas, frivolidades carnavalescas, una pierna amputada en el estómago de un tiburón, acción brutal y sangrienta, un estilo cinematográfico de los años 70 deliberadamente estridente y un toque de reflexión y emoción a lo largo de casi dos horas y media.

¿Tiene todo sentido? No. "El agente secreto" es un caos —no literalmente, ya que, como casi todas las películas de Filho, se desarrolla en Recife, su ciudad natal, en Brasil— y la cohesión y la coherencia no son una prioridad. Pero su desorden forma parte de su encanto y de su esencia; una película que se tomara a sí misma más en serio que esta no permitiría que un tiroteo culminante se convirtiera en una salpicadura de gran guiño casi caricaturesca.

El director se inspira en sus recuerdos de Recife a finales de los 70, en el trabajo de su madre como historiadora oral y en el estilo de cierto cine de la época, con colores vívidos y sobresaturados. No hay nada sutil en la forma en que está filmada "El Agente Secreto", con una película brillante que grita "años 70" antes de que uno siquiera sepa de qué trata.  

De lo que se trata, sin embargo, es de Marcelo (Wagner Moura), un investigador tecnológico que llega a Recife durante la agitada semana de Carnaval. Marcelo huye de algo, pero no sabemos qué, mientras se aloja en un edificio anodino lleno de personajes pintorescos (incluido un gato con dos caras) y supervisado por una anciana que parece albergar muchos secretos. Pero, sobre todo al principio, la historia de Marcelo es solo una de varias líneas narrativas que se mantienen tercamente independientes entre sí: los policías corruptos, sus jefes aún más corruptos, la pierna humana encontrada en el estómago de un tiburón, los dos tipos que parecen ser muy buenos deshaciéndose de otros cuerpos...

Todo empieza a complicarse cuando esos expertos en eliminación son contratados por un poderoso empresario, al que Marcelo se había opuesto cuando intentó cerrar un instituto de investigación años antes. Pero Recife, durante el Carnaval, no es el lugar más fácil para encontrar a alguien, y la vibrante banda sonora brasileña intensifica el ambiente festivo, excepto cuando la música de Tomaz Alves Souza y Mateus Alves aparece para dotar a la película de un siniestro presentimiento.

Pero apenas se instala en el ambiente de thriller de los 70, aparecen un par de jóvenes con iPhones y computadoras Apple para escuchar grabaciones de Marcelo y otros en su época. Es un cambio discordante que parece ocurrir aproximadamente una hora después de comenzar la película, y luego las mujeres desaparecen durante otro largo rato; si bien parecen adiciones extrañas y superfluas a la narrativa, con el tiempo demuestran no ser del todo ajenas.

Por cierto, no hay verdaderos agentes secretos en "El agente secreto". A Marcelo, si ese es su verdadero nombre (no lo es), le dan un trabajo en una oficina que finge ser una estación de policía pero no lo es, mientras que un Udo Kier masticador de escenario aparece para mostrar todas sus cicatrices y la gente murmura conspirativamente a Marcelo, "es juego sucio al más alto nivel" mientras la banda sonora se vuelve más melodramática.

Hay flashbacks, una extraña secuencia de fantasía que involucra a esa pierna amputada corriendo desenfrenada en un parque lleno de gente teniendo sexo, y un tiroteo frenético que se deleita con alegría en mostrar exactamente lo que las balas hacen en la carne, al menos en un estilo propio de una película de acción y un sueño febril. Para un director que se dio a conocer con la intrincada y brillantemente discreta "Neighboring Sounds" en 2012, "The Secret Agent" es inesperadamente salvaje y florida; aunque, para ser justos, Filho iba en esa dirección con su última película narrativa, el febril western de 2019 "Bacurau". (Su última película en Cannes, sin embargo, fue el documental de 2023 "Pictures of Ghosts", un homenaje mucho más comedido a los cines de su barrio natal, uno de los cuales sirve como escenario crucial en "The Secret Agent").

El final trae de vuelta a uno de los investigadores modernos y le da a Moura algo nuevo que hacer. Pretende ser una coda más reflexiva y emotiva, y casi lo consigue. Pero, al llegar solo media hora después de una masacre desenfrenada y un lío sexual en un parque con una pierna amputada, es difícil encontrar el camino hacia la reflexión y la emoción. 1977 fue, al parecer, una época de demasiadas travesuras como para lograr ese cambio de tono.  

Crítica Cinéfila: Final de Stranger Things

La batalla final está a punto de empezar, y deberán enfrentarse a una oscuridad más poderosa y letal que nunca. Para acabar con esta pesadilla, deberán estar todos juntos, una última vez.

Tras 42 episodios a lo largo de nueve años, Stranger Things ha llegado a su fin en Netflix. Si estás leyendo esto, es muy probable que en los últimos 9 años hayas aprendido a jugar "Dungeons and Dragons" (o lo hayas jugado más activamente). Desde su estreno en 2016, la serie de ciencia ficción de los hermanos Duffer se consolidó instantáneamente como una sensación de la cultura pop, y su popularidad no hizo más que crecer con el tiempo. Nos aprendimos de memoria la geografía de una ciudad que no existe, pero que nos hizo creer que el mundo completo tenía un universo paralelo opuesto. Nos enamoramos de los romances entre psíquicos y geeks, y le temimos a la presencia de entes que solo existen en un juego de aventura narrativa. Hicimos trend canciones que son de una época muy distinta a la propia, y nombres como Eddy, Bob, Barb y Billy nos hacen sentir un fuerte luto en nuestros corazones. Seas o no fanático del final de la serie, "Stranger Things" impactó a toda su audiencia. Por eso, tener que aceptar que este sería el último viaje a través de las calles de Hawkins y la última pelea de nuestro club de renegados es más difícil de lo habitual.

Sus fieles seguidores también generaron grandes expectativas para la quinta y última temporada. Sin embargo, si bien el final de Stranger Things fue satisfactorio en algunos aspectos, el final no se arriesgó lo suficiente para ser creíble por los que (indiscutiblemente) sacaremos nuestras teorías alternativas. La quinta temporada de "Stranger Things, 2nd volume", planteó la ambiciosa misión del matar a Vecna ​​y detener su plan de fusionar los dos mundos. El final de la serie se centró directamente en la misión, y aunque hubo desafíos en el camino, Eleven y el grupo derrotaron a Vecna, detuvieron al Azotamentes y llevaron a los niños de vuelta a Hawkins antes de la destrucción del Mundo del Revés.

Sin duda, el final de Stranger Things presentó importantes revelaciones de la historia, especialmente en la secuencia del epílogo, ambientada 18 meses después de derrotar a Vecna. El salto temporal permitió a la serie ofrecer a los fans una idea del destino de los personajes principales, pero también mantuvo ambiguo el destino de Eleven, lo cual es la mayor queja del final de la serie que cualquiera pudiese tener. 

Había mucho en juego durante la quinta temporada de Stranger Things. Vecna ​​no solo planeaba apoderarse de Hawkins; intentaba transformar el mundo entero. Con todos los peligros que enfrentaba el grupo en el final de la serie (Vecna, un Mundo del Revés en colapso, el Azotamentes, el ejército), los Hermanos Duffer evitaron matar a ninguno de los personajes más destacados. 

Kali murió en el Upside Down, aunque no se podría considerar la muerte de un personaje importante. Incluso cuando el final de la serie aparentemente mató a Eleven, no tardó mucho en retractarse de su destino. En cambio, los hermanos Duffer mantuvieron ambiguo el destino de Eleven a propósito a través de la historia del Mago de Mike, sugiriendo que escapó con vida de Hawkins con la ayuda de Kali. La serie también sabía lo que hacía al casi matar a Steve en la torre de radio, solo para que Jonathan lo rescatara. La quinta temporada ciertamente tuvo su cuota de casi muertes, pero no incluyó una muerte definitiva de un golpe bajo, como la que logró con la muerte de Eddie en la cuarta temporada. Si bien es terriblemente triste perder personajes principales, se siente necesario que una serie como esta compense las altas expectativas.

La muerte de Vecna ​​se hizo esperar, pero ni siquiera eso parecía del todo merecido en ese momento. Su derrota fue demasiado fácil para Eleven y Will, considerando lo mucho que el grupo sufrió antes del enfrentamiento final. La serie también omitió convenientemente a los Demogorgons, Demodogs y Demobats, lo que permitió al grupo atacar a Vecna ​​y al Azotamentes a toda máquina sin distracciones. La historia del origen de los poderes de Henry en la cueva también habría sido más impactante si "La Primera Sombra" no hubiera revelado ya ese importante detalle.

Todo comenzó con la desaparición de un niño y la amenaza de un monstruo humanoide en un pequeño pueblo de Indiana. Casi una década después, "Stranger Things" muestra a sus personajes autodenominándose " viajeros espaciales interdimensionales " y luchando contra amenazas del tamaño de kaijus. Sin embargo, los momentos más impactantes del final de la serie no fueron las secuencias taquilleras, sino las pequeñas interacciones personales.

Stranger Things siempre brilló cuando equilibraba las historias centradas en los personajes con elementos sobrenaturales. Sin embargo, la quinta temporada de Stranger Things perdió muchas de las interacciones más pequeñas con los personajes, ya que la trama se expandió demasiado. Algunas de las mejores escenas del final recuperaron esas breves pero impactantes interacciones, como la negativa de Nancy a darle a Mike un arma real o cuando Eleven le devolvió el brazalete de Sara a Hopper. Afortunadamente, el salto temporal del epílogo le dio la oportunidad de mostrar más de los momentos desenfadados y realistas que predominaron en temporadas anteriores. Es cierto que era demasiado tarde para intentar equilibrar la historia después de haber visto al Grupo luchar contra villanos en otro planeta. Y no podemos dejar de recordar las últimas lágrimas del Club de Renegados y su gran adiós a una serie que los vio crecer.

Podríamos seguir analizando el final de la serie Stranger Things mucho después de su estreno, para bien y para mal. Definitivamente hubo muchas preguntas sin resolver (la relación de Nancy y Jonathan; la opinión de Joyce sobre la sexualidad de Will; si Eleven verdaderamente murió). Aun así, el éxito general de la serie es innegable, independientemente de la recepción de la última temporada. La serie de Netflix de los hermanos Duffer fue algo especial.

Crítica Cinéfila: Avatar - Fire and Ash

Tercera entrega de la saga "Avatar". Presenta al Pueblo de las Cenizas, un clan Na'vi no tan pacífico que utilizará la violencia si lo necesita para conseguir sus objetivos, aunque sea contra otros clanes. 

Necesitamos a James Cameron. Necesitamos al gigante de Hollywood capaz de liderar el progreso tecnológico sin traicionar sus principios creativos. Necesitamos a alguien que rechace la IA generativa, que preserve la experiencia cinematográfica y que respete el talento de sus profesionales de efectos visuales. Algunos se burlaron de Damien Chazelle por incluir el Avatar original de 2009 en su montaje de la historia del cine al final de Babylon (2022). Fueron unos insensatos al hacerlo.

Sin embargo, también puede ser cierto que, con sus 197 minutos de duración, la tercera película de la serie Avatar te haga sentir como un niño inquieto obligado a escuchar un sermón de Pascua. Los asientos más cómodos del cine empiezan a resultar un poco incómodos cuando el grupo de niños Na'vi (más un humano) liderados por Jake Sully (Sam Worthington) se dan palmadas en la espalda con un "Bro!" y discuten como monitores de campamento sobre cómo salvar su preciado planeta Pandora.

El salto en la tecnología de captura de movimiento entre "Fire and Ash" y su predecesora, "The Way of Water", no es tan impresionante; sin embargo, a estas alturas, la capacidad de captar las microexpresiones de un actor empiezan a sentirse como que las personas reales han sido cubiertas con prótesis. Y, ya sea en el combate cuerpo a cuerpo, las banshees con aspecto de dragón o el regreso del tulkun tatuado con aspecto de ballena, hay una infinidad de dinámicas de cámara: tomas en picado, tomas giratorias, primeros planos ajustados.

No obstante, lo que resulta ineludible de "Fire and Ash" es la sensación de estancamiento emocional narrativo. El destino vacacional extraterrestre y bioluminiscente de Pandora conserva una gracia meditativa gracias al uso que hace el compositor Simon Franglen de los temas originales de James Horner. Pero ¿existe una historia que lo impulse? ¿O es simplemente un mundo en el que nos gusta pasar el rato?

Supuestamente, "Fire and Ash" trata sobre los límites de la fe: Jake y Neytiri (Zoe Saldaña) lidian con la pérdida de su hijo mayor, Neteyam, quien fue asesinado en la película anterior. Neytiri se aferra a su compromiso con Eywa, la Gran Madre, al igual que su hija adoptiva, Kiri (Sigourney Weaver), quien nació milagrosamente gracias al avatar Na'vi de una científica humana, Grace Augustine (también Weaver).

Kiri encuentra bloqueado su camino hacia Eywa. Lo mismo le ocurre a la nueva antagonista de "Fire and Ash", Varang (Oona Chaplin), líder chamánica del clan Mangkwan, cuyo hogar fue devastado por una erupción volcánica. Ella cree que Eywa abandonó a su pueblo, por lo que ha jurado lealtad a un poder diferente y más oscuro: las armas de fuego de la fuerza invasora humana colonialista, entre ellos el coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), transformado en Na'vi.

Chaplin es tan escurridiza y extraña en el papel, una seductora con una cerbatana llena de drogas alucinógenas y deseos prometeicos, que inmediatamente emerge como la estrella de la película. Pero es todo un logro cuando el guion de Cameron, coescrito con Rick Jaffa y Amanda Silver, sigue siendo tan frustrante por lo poco que ofrece a sus actores. Lo que debería ser un apasionado choque de ideales entre Jake y Neytiri —lealtad a la familia versus lealtad a la gente— se ve enturbiado por la decisión de intercambiar perspectivas simplemente para avanzar la acción; los personajes adolescentes se desgarran y se unen hasta la saciedad; y la secuencia de acción culminante es en gran medida una repetición de la película anterior.

La propia actitud fetichista de Varang hacia las armas se vuelve irrelevante cuando los héroes también empiezan a disparar; el comportamiento profético de Kiri se ve socavado por el impulso de darle a Weaver un guiño a Aliens. "Fire and Ash" encontrará su lugar en el canon, sobretodo al ver como la audiencia está asistiendo al cine a verla. Pero eso no excusa sus defectos.

Crítica Cinéfila: Stranger Things, 5ta temporada (Volumen 1)

Otoño de 1987. Hawkins sigue marcada por la apertura de los portales, y nuestros protagonistas comparten un único objetivo: encontrar a Vecna y acabar con él. Pero ha desaparecido; nadie sabe dónde está ni cuáles son sus planes. Para complicar aún más las cosas, el Gobierno ha puesto la ciudad en cuarentena militar y ha intensificado la búsqueda de Once, que se ve obligada a esconderse de nuevo. A medida que se acerca el aniversario de la desaparición de Will, también crece una inquietud conocida. La batalla final está a punto de empezar, y deberán enfrentarse a una oscuridad más poderosa y letal que nunca. Para acabar con esta pesadilla, deberán estar todos juntos, una última vez.

Las estaciones cambian. Los niños crecen. Los monstruos evolucionan. Una querida serie de streaming llega a su final. La quinta y última temporada de "Stranger Things" arrancó hace dos semanas tras casi tres años y medio de ausencia. Es un reencuentro bienvenido, pero agridulce, para los fans de la serie, que han pasado la última década viendo a un grupo de jóvenes inadaptados (ahora adolescentes) usar sus habilidades de nerd contra enemigos sobrenaturales y mortales en el pueblo ficticio de Hawkins, Indiana.

Will (Noah Schnapp), Mike (Finn Wolfhard), Lucas (Caleb McLaughlin), Dustin (Gaten Matarazzo) y Max (Sadie Sink) y su amiga con superpoderes Eleven (Millie Bobby Brown/Millie Bonnie Bongiovi) ahora están preparados para una batalla final contra su alucinante némesis, Vecna, con un división de la temporada en Volumen 1 con cuatro nuevos episodios; Volumen 2 (tres episodios) que se lanza el día de Navidad y el final llega el 31 de diciembre. Me puedo quejar de la distribución escalonada de los episodios (todos programados para un día festivo, por supuesto), pero la estrategia les da a los espectadores sentimentales (incluyéndome) un poco más de tiempo para desvincularse emocionalmente de la serie.

El final de la serie de Netflix, que pasó de ser una rareza a un éxito de audiencia, marca el fin de una era y, sin duda, el último hito generacional. La Generación Z, que creció en los albores de YouTube y, posteriormente, con la aparición de TikTok, generalmente ha favorecido el contenido de formato corto sobre las producciones más largas; sin embargo, "Stranger Things" se convirtió en la excepción. Los jóvenes fans alargaron su capacidad de atención, viendo temporadas enteras de una serie cuyos episodios podían durar desde una hora hasta más de dos horas. El Upside Down, un universo paralelo oscuro y pegajoso de Hawkins, y sus demogorgons depredadores se convirtieron en parte de su vocabulario de secundaria, de la misma manera que las generaciones anteriores al streaming usaban "ismos" de sus series favoritas.

“Stranger Things” se desarrolla en la era Reagan, así que desde sus inicios, los padres de la generación Z podían ver la serie con sus hijos mientras rememoraban sus propios recuerdos entrañables y/o dolorosos de su infancia en los 80. La década del Day-Glo sigue siendo crucial cuando "Stranger Things" regresa esta semana. Prepárense para un momento de "I Think We're Alone Now" de Tiffany, guiños a grandes bandas como The Fall y una oportuna mención de un condensador de flujo. 

Pero Hawkins no es una fiesta de baile de MTV. El tranquilo pueblo está en cuarentena militarizada. Es por su propia protección y porque el gobierno trama algo malo, una vez más. Nada entra ni sale del lugar sin el conocimiento de las autoridades, a menos que sea introducido de contrabando por el siempre intrigante Murray (Brett Gelman). Lo último que supimos fue que el antagonista Vecna ​​(que adopta múltiples formas) finalmente había abierto las puertas del deslucido Upside Down, fusionándolo con el mundo real. Fue un evento violento, pero la mayoría de los habitantes del pueblo creían que todo ese temblor y ruido se debía a un terremoto. 

Nuestra querida pandilla de nerds de Hawkins lo sabe mejor. Han estado haciendo "rastreos" encubiertos con el objetivo de localizar y destruir a Vecna ​​antes de que convierta la ciudad, y luego el mundo, en un páramo cenagoso. Se unen a la lucha la hermana mayor de Mike, Nancy (Natalia Dyer), el hermano mayor de Will, Jonathan (Charlie Heaton), los amigos Steve (Joe Keery) y Robin (Maya Hawke), la madre de Will y Jonathan, Joyce Byers (Winona Ryder), y el padre adoptivo de Eleven, Jim Hopper (David Harbour). Max está en coma en el hospital. Su consciencia está atrapada en el paisaje mental de Vecna, sin importar cuánto Lucas toque "Running Up That Hill" de Kate Bush para despertarla.

Tras múltiples ataques a su modesto hogar por parte de demodogs y agentes estadounidenses, los Byers han estado viviendo en el sótano de la casa de Mike con su familia, los Wheeler. La menor de los Wheeler, Holly (Nell Fisher), se acerca a la edad que tenía el elenco principal de niños cuando la serie se estrenó en 2016. Y Erica (Priah Ferguson), la hermana pequeña de Lucas, que siempre dice "no te metas conmigo", y que todavía dice las mejores ocurrencias de la serie, ahora está en la clase de ciencias de secundaria del Sr. Clarke.

Elevar las historias de los personajes más jóvenes ayuda a superar la brecha de edad creada cuando el elenco principal de actores infantiles tuvo la audacia de madurar durante la emisión de la serie. Brown tenía 12 años cuando se estrenó la serie. Ahora tiene 21. Los críticos se han quejado de que no deberían interpretar a estudiantes de secundaria. Pero aceptar a Wolfhard, de 22 años, como un Mike adolescente no es una exageración, especialmente considerando todo lo demás en lo que los fans de "Stranger Things" han estado dispuestos a creer ("luces navideñas parlantes", batallas psicoquinéticas, un laboratorio soviético nefasto bajo la zona de restaurantes del centro comercial).

Hay demasiados spoilers alrededor de estos primeros cuatro episodios de la temporada final. Basta decir que hay una megabatalla en el horizonte. Eleven ha estado entrenando duro, perfeccionando sus poderes. Ahora puede lanzar vehículos blindados, saltar sobre grandes edificios y doblegar a las mentes más duras con una mínima hemorragia nasal. Dustin lucha furioso, endurecido por la muerte de su compañero del Club Fuego Infernal, Eddie Munson (Joseph Quinn). Steve y Jonathan siguen compitiendo por la atención de Nancy mientras ella se centra en perfeccionar sus habilidades de tiro. Y la Sra. Wheeler demuestra ser una guerrera formidable cuando se arma con una botella de vino rota y dentada. Las circunstancias de sus hijos originales no han cambiado mucho, pero sus perspectivas sí, lo que genera giros impredecibles en sus poderes, fortalezas y alianzas.

En la última temporada de su pequeña serie, los creadores, los hermanos Duffer, se apoyan en gran medida en las disputas interpersonales y las amistades entre todos los personajes, combinando acción de alto presupuesto con tramas que avanzan sobre personajes que los fans han llegado a adorar. Al fin y al cabo, son los chicos protagonistas de la historia los que nos hicieron quererla más. Y parece que seguirán haciéndolo, hasta el final.

Crítica Cinéfila: Wicked: For Good

Segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway. El capítulo final de la historia jamás contada de las brujas de Oz comienza con Elphaba y Glinda distanciadas y viviendo las consecuencias de sus respectivas decisiones. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, ambas deberán unirse una vez más. Con su singular amistad convertida en el punto de inflexión de su futuro, tendrán que mirarse a los ojos con honestidad y compasión para afrontar su transformación personal y cambiar el destino de todo Oz.

El tiempo estándar para los intermedios en Broadway oscila entre 15 y 20 minutos, tiempo suficiente para estirar las piernas, quizás comer algo e ir al baño. ¿Un año entero? Es posible que a cualquiera se le olvide hasta los puntos argumentales y las maquinaciones de los personajes más importantes de cualquier espectáculo. Tal es el caso de " Wicked : For Good" de Jon M. Chu, la segunda entrega de su planeada adaptación en dos películas del aclamado musical "Wicked".

Mientras que la primera parte pertenecía en gran medida a Elphaba, la marginada de Oz de piel verde e incomprendida de Cynthia Erivo, la continuación pone en primer plano a su antigua némesis convertida en su amiga, Glinda, de Ariana Grande. 

Erivo sigue siendo una potencia, con una energía que sacude los cielos y una fuente de intensidad emocional espontánea que nunca se agota. La paradoja es aún más evidente: a pesar de la infamia de Elphaba como la llamada Bruja Malvada del Oeste, la bondad y la justicia inherentes a su oposición a las crueles injusticias y a un gobierno cada vez más autoritario terminan siendo su salvación, aunque ella cargue con la culpa como chivo expiatorio de la historia. Pero la engreída rubia hueca de Grande gana importancia aquí cuando Glinda asume la responsabilidad de difundir la bondad en Oz, mientras experimenta una aplastante decepción romántica que la humilla y desinfla su vanidad.

La película comienza de forma impresionante: meses después de que Elphaba (Erivo) y Glinda (Grande) eligieran caminos completamente diferentes durante una desgarradora separación en la Ciudad Esmeralda, ambas siguen firmemente aferradas a sus respectivos roles.

Elphaba es ahora la Bruja Mala del Oeste, ayudada en parte por la incansable labor de su antigua mentora, Madame Morrible (Michelle Yeoh), quien se ha dedicado a difundir desinformación aterradora a todos los ozianos, con el fin de apoyar a un déspota perdedor (Jeff Goldblum como El Maravilloso Mago de Oz, en esta ocasión aburrido y olvidable). Esto la lleva a asumir misiones descabelladas para lograr su objetivo de derrocar al Mago y deshacer sus numerosas fechorías. La principal preocupación de Elphaba es liberar a los Animales, quienes han sido reclutados para una terrible esclavitud, principalmente porque el Mago comprende perfectamente que para mantener unida a la gente, un enemigo común (real o imaginario) es la clave.

Si Elphaba ha aceptado su papel de villana de Oz, Glinda ha ido un paso más allá como la mayor santa del país. Como Glinda, la Bruja Buena, se pasa el día paseando por Oz, intentando animar a una población que ha sido obligada a temer ciegamente a su mejor amiga. Es un trabajo horrible, si se puede conseguir. Tanto Elphaba como Glinda se han visto obligadas a asumir roles que, si bien en general les sientan bien (Elphaba es una luchadora y líder nata, Glinda valora mucho hacer sentir bien a la gente), en realidad solo sirven para dividir, asustar y herir. ¿Cómo se solucionará esto?

Dos horas después, la respuesta es bastante parecida al aclamado musical, solo que con un par de canciones nuevas (ambas de Stephen Schwartz, incluyendo "No Place Like Home" y "The Girl in the Bubble"), una puesta en escena curiosamente plana y la pregunta constante: ¿por qué se divide en dos partes? Chu y sus guionistas no temen en absoluto ahondar en las terribles implicaciones políticas de los mensajes deshonestos, la politiquería violenta, el ascenso de charlatanes al poder y el abuso de quienes son de alguna manera "diferentes", pero choca con lo más ligero a cada paso. Sí, es difícil tomarse demasiado en serio una película que incluye una canción que dice: "Hay puentes que cruzas/No sabías que cruzabas/Hasta que los cruzaste". 

En “Wicked: For Good”, hay mucha continuidad de la primera, pero la duración no es justificable cuando el ritmo va cayendo y lo que uno busca en una historia, aún sea una segunda parte, ya se ha contado en su antecesora. Lo que funcionó en “Wicked” sigue funcionando. El reparto de Erivo y Grande es lo máximo, y el profundo respeto y amor que comparten los intérpretes, dentro y fuera de la pantalla, realmente mantiene a flote estas dinámicas. Elphaba y Glinda son el alma de esta historia, y es difícil imaginar otro dúo que las represente mejor (o con mejor canto).

Sin embargo, y a pesar de prolongar la duración total de ambas películas a casi cinco horas (el musical dura dos horas y 45 minutos, con un intermedio de 15 minutos), aún quedan grandes preguntas. Pero la decisión de Chu de comenzar "Wicked: For Good" con poco material para ponerse al día es refrescante, aunque su audacia efímera. 

Si bien esta entrega de la franquicia, por necesidad, debe expandirse aún más al vasto mundo de Oz, a menudo se siente ligada a los lugares que ya hemos visitado. La Ciudad Esmeralda y Munchinkland siguen teniendo un lugar destacado, e incluso la querida Universidad Shiz aparece en un flashback (innecesario, junto con otro flashback a la encantadora infancia de Glinda). Breves incursiones al escondite del bosque de Elphaba son un cambio de aire bienvenido (como escenario de una famosa escena de amor entre ella y Fiyero, interpretado por Jonathan Bailey), al igual que otra visita a un tramo remoto del Camino de Baldosas Amarillas, pero estos cambios son escasos y se echan mucho de menos.

Incluso las escenas que implican exploraciones más profundas de nuestros espacios conocidos, incluyendo una escena ambientada en la Ciudad Esmeralda, resultan algo extrañas, cautivadas por un bloqueo extraño que impide al público apreciar la totalidad de una ubicación y oculta puntos focales clave. Sí, en la gran secuencia musical donde experimentamos con mayor intensidad la fuerza del miedo de los ozianos ("La Marcha de los Cazadores de Brujas") y la furia del Boq de Ethan Slater, quizás estaría bien ver alguna expresión facial. Lo mismo ocurre con una secuencia clave en la que Fiyero queda alterado para siempre, y que parece haber sido filmada a ocho kilómetros del Camino de Baldosas Amarillas. Si queremos ver más, no debería ser porque veamos mucho menos de lo absolutamente necesario. Otra toma de campos de tulipanes inmensos no constituye un verdadero viaje a Oz, ni a "Wicked".

Aun así, lo que une a estas dos películas es innegable: la fuerza y ​​el talento de las protagonistas Cynthia Erivo y Ariana Grande. Ambos personajes están firmemente encasillados en sus papeles en Oz, y aun así, Erivo y Grande nunca se sienten tan limitadas, ni en su conmovedora actuación ni en sus imponentes letras.

Al igual que "Wicked", "Wicked: For Good" se convierte en un dueto masivo entre ambos, tan emotivamente impactante que hasta el corazón más hueco derramará una lágrima durante "For Good". Es un momento culminante, sin embargo, también se siente solitario. ¿Vale la pena esperar un año completo y una segunda parte solo por eso? ¿De verdad era necesario extenderlo a una segunda parte?

Crítica Cinéfila: Snow White

Una adaptación en acción real del clásico cuento de hadas sobre una hermosa joven princesa que, mientras es acosada por una reina celosa, busca refugio en la casa de siete enanos en la campiña alemana.

La película animada de Disney, Blancanieves y los siete enanitos (1937), se estrenó hace casi 90 años, por lo que es lógico que necesitara una actualización considerable para este remake de acción real. Con toda la agitación que asedia al mundo real, uno pensaría que podría haber cosas más importantes que los alborotos previos al estreno que han plagado a "Blancanieves". Resulta que esta es una adaptación bastante decente de un largometraje animado de Disney. En el fondo, todavía no entiendo realmente la idea de que Disney extraiga su propiedad intelectual animada, y lo hace no porque haya algo inherentemente atractivo en convertir dibujos animados de cuentos de hadas pictóricos en versiones de la vida real menos sublimes y forzadas de sí mismos. Lo que venden los remakes es la novedad de la transformación.

Dicho todo esto, "Snow White" es una película alegre, vivaz y lo suficientemente romántica para ser creíble como para pasar desapercibida, que demuestra ser una excepción a la regla, en gran parte de su trama. Dirigida por Marc Webb ("The Amazing Spider-Man", "500 Days of Summer"), a partir de un guion de Erin Cressida Wilson ("The Girl on the Train"), la película es más ligera, más juguetona, y menos torpe que los remakes de acción real de Disney.

La versión renovada comienza con una joven princesa, Blancanieves (Rachel Zegler), confinada a una vida de servidumbre cuando el rey viudo se casa con una malvada hechicera (Gal Godot). Tras la desaparición del rey, la malvada reina, celosa de la belleza de Blancanieves, envía a su hijastra al bosque con el cazador para que este la mate. En cambio, él le permite que escape y ella es acogida por un grupo de siete desconocidos en el bosque. A partir de aquí, la trama añade nuevos fragmentos que le dan más capas de profundidad a los personajes que ya conocemos, aunque en ocasiones estas capas se superponen con otras sin llegar a un fin. Rachel Zegler, como Blancanieves, tiene un brillo alegre y atractivo, y Gal Gadot, como la Reina Malvada, brilla divinamente con su elegante capa de color púrpura oscuro (corona de vitral, uñas como dagas, labios y ojos negros a juego), como la dominatrix más furiosa del mundo. 

En esta trama, Blancanieves es una joven fuerte que quiere reclamar su corona y liderar a su pueblo, en lugar de una ingenua e indefensa joven que hace tareas domésticas para extraños mientras espera a que un príncipe la rescate. Sus canciones sobre desear amor han sido reemplazadas por otras sobre simplemente desear. Sin embargo, la reina todavía se deja llevar por la vanidad pura y el terror a envejecer. El sexismo está tan arraigado en Blancanieves que no se puede erradicar por completo sin destruir la premisa. Igualmente, la reticencia de Disney a usar personas con enanismo para el alivio cómico parece completamente correcta, pero entonces, ¿qué haces con las otras siete personas del título? ¿Aparte de, en este caso, eliminarlas del título? Aquí la respuesta es crear un septeto de seres no especificados usando CGI, lo cual inicialmente es muy espeluznante, pero con el tiempo te acostumbras. 

La historia de amor sigue bastante intacta. El legendario príncipe ha desaparecido, reemplazado por un noble rufián, Jonathan (Andrew Burnap), a quien Blancanieves conoce por primera vez cuando intenta robar patatas de la despensa del castillo. Su flirteo es muy Disney contemporáneo; me recordó al romance de "Frozen", donde el amor se debate con la tentación del empoderamiento. Es revelador que en una película que revive con exuberancia la mayoría de las canciones clave de la "Blancanieves" original ("Heigh-Ho", "Whistle While You Work"), los cineastas hayan descartado "Someday My Prince Will Come". Esto tiene sentido literal, ya que el príncipe ya no es un personaje.

Sin embargo, el viaje emocional de nuestra heroína sigue siendo vibrante, al igual que el diseño encantador, abierto y siniestro de la historia: la relación de la Reina Malvada con su Espejo Mágico (el rostro de su narcisismo maligno); y la forma en que Blancanieves, después de que su madre, la Reina Buena (Lorena Andrea), muere y su padre, el Rey Buen (Hadley Fraser), es enviado a la guerra (nunca regresa), se convierte en una sirvienta como Cenicienta, solo para descubrir quién es en compañía de sus siete alegres amigos del bosque y el impulso de querer algo mejor, una vez se da cuenta de que no es tan frágil como otros parecen pensar de ella.

Crítica Cinéfila: Poor Things

Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Emma Stone es una mujer que comienza de cero en la nueva y sorprendente película de Yorgos Lanthimos, “ Poor Things”. Para la mayoría de nosotros, la vida se compone de conocimientos y circunstancias que tardamos décadas en acumular hasta que morimos. Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en dos horas y media, gracias a un procedimiento de reanimación después que la encuentran una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo no nacido dentro de su cabeza.

Bella, de soltera Victoria, es una tabula viva que respira, libre de presiones sociales, decoro o sutilezas. Y Stone, en su interpretación más descaradamente extraña hasta la fecha, la interpreta como una niña pequeña que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de “Poor Things” ella habla francés con fluidez y estudia anatomía, con los ojos y los oídos llenos de emoción y mundanería.

Realizado audazmente con un diseño de producción de color caramelizado, decorados alucinantes repletos de suficientes irrealidades de huevos de Pascua como para llenar el rompecabezas más difícil de 5,000 piezas, y trajes victorianos tremendamente exagerados que también parecen hechos por una costurera esquizoide. Y con la suficiente sobredosis de azucar, también es histéricamente divertida y la película más atrevida que probablemente verás en todo el año.

Lanthimos nos sitúa en lo que parece un Londres victoriano del siglo XIX, pero las sutilezas surrealistas que sólo aumentan en su extrañeza sugieren un mundo abierto y agrietado fuera de lugar y tiempo: los carruajes tirados por caballos son literalmente mitad caballo, mitad carruaje, los pájaros tienen caras de tiburón y una quimera mitad cerdo, mitad gallina camina por las calles sin que nadie se lo piense. Estas anomalías médicas experimentales se le atribuyen al funerario y científico enloquecido Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe, sombríamente tranquilizador).

Está marcado, literal y psíquicamente, por los tormentos de su padre, cirujano, y ahora tiene un rostro que parece un cuadro de Picasso, como si lo hubieran cortado, desarmado, reorganizado al azar y vuelto a coser. También es un eunuco que tiene que “hacer mis propios jugos gástricos”. Uno de sus protegidos en el quirófano es el médico novato del pueblo, Max McCandles (Ramy Youssef, adorablemente inepto y perpetuamente atónito), y juntos le devuelven la vida a Bella Baxter, y Max espera casarse con ella.

"Qué adorable retardada", le dice McCandles a Godwin (a quien Bella acabará llamando simplemente "Dios") sobre su creación nacida de nuevo mientras Bella se pone a golpear superficies, orinarse y balbucear tonterías en un inglés entrecortado que poco a poco empieza a tomar una forma lingüística más reconocible. Ahora sobre esa obscenidad antes mencionada: parte de la curva de aprendizaje existencial de Bella, por supuesto, viene con el descubrimiento de la masturbación y, finalmente, el sexo, del cual “Poor Things” está lleno de una cantidad escandalosa. Bella hace algo con una manzana que hará que todos olviden a Elio y el durazno de “Call Me by Your Name” y, todavía en un estado pueril y lascivo, llama al sexo “saltos furiosos”, sugiriendo a McCandles que tal vez “se tocan las partes genitales del otro”.

“Poor Things” en última instancia trata sobre el viaje erótico de Bella desde fuera del escenario del espejo freudiano hacia el mundo como un ser sexual despierto. Lanthimos y el guionista de “The Favourite”, Tony McNamara, a partir de una novela epistolar de 1992 de Alasdair Gray, están fascinados por las formas en que el deseo gobierna toda nuestra toma de decisiones. Al conocer al pícaro y decadente abogado Duncan Wedderburn (un petulante Mark Ruffalo), Bella decide que debe "aventurarse" en lugar de atarse a Dios y McCandles, con quienes está comprometida.

Y esas aventuras incluyen muchos saltos furiosos, como en un viaje a Lisboa (una creación alucinante de los diseñadores de producción Shona Heath y James Price), Duncan y Bella lo practican en todas las posiciones imaginables. Pero a medida que Bella se vuelve más inteligente y sabia cada día, y sus mechones de pelo negro siguen creciendo a una velocidad sobrenatural, Wedderburn comienza a preguntarse si ella es realmente "el diablo envuelto en un cuerpo seductor y un cerebro que separa a las personas".

“Poor Things” está llena de comentarios nocivos, descarados y agrios como estos, como lo es, por supuesto, el oficio de Tony McNamara, cuyo viperoso triángulo erótico lésbico en “The Favourite” arrojó infinitas máximas citables que seguramente se abrirán paso en El panteón del diálogo. “Poor Things” no es diferente. "Te miro y no siento nada más que la persistente pregunta de ¿cómo te quise?", le dice Bella a Wedderburn, cansada de sus celos de que ella se convierta en su propia persona.

Mientras está en un crucero por el Mediterráneo, un pasajero cínico interpretado por Jerrod Carmichael (cuyas lecturas de líneas son demasiado inexpresivas) le dice a Bella que la degradación, el horror y la tristeza son lo que nos hace personas sustanciales. Como cualquier fan de Lanthimos sabe, esas son piedras de toque de todas sus películas anteriores, incluida “Dogtooth”, de temática similar, que también se centró en los encuentros fenomenológicos de las personas y la comprensión del mundo que las rodea. Y, por lo general, para Lanthimos, la humanidad existe dentro de una bola de nieve que le gusta agitar para su propia diversión macabra; literalmente, mientras el director de fotografía Robbie Ryan encuadra el mundo con bastante frecuencia con una lente de ojo de pez, un dispositivo que ocasionalmente lo hizo tropezar en “The Favourite”, aquí se adapta al material visto desde el punto de vista asombrado del yo inquisitivo de Bella.

Pero la degradación, el horror y la tristeza rara vez entran en juego en “Poor Things”, una comedia sexual llena de empatía y esperanza sobre las posibilidades de una vida iniciada desde cero. Tomemos como ejemplo el colapso emocional de Bella cuando se encuentra, por primera vez, con las clases bajas mientras visita Atenas, un grupo de cuerpos disipados al estilo de Hieronymus Bosch en la base de un pintoresco acantilado. “¿Quién soy yo para acostarme en una cama de plumas mientras los bebés muertos yacen en una zanja?” Bella quiere ser una buena persona tanto como “Poor Things” demuestra el deseo de Lanthimos de extender algo más que un simple encogimiento de hombros hacia la humanidad y sus crueldades innatas.

Al ver esta belleza maximalista de una película en una sala de cine, es difícil resistir el impulso de hacer una pausa y detectar cualquier siguiente locura que se les ocurrió a estos cineastas para poblar los fondos. Más allá de las imágenes orgiásticas, “Poor Things” también está repleta de fabulosos personajes secundarios que van y vienen de la forma picaresca de la educación sentimental y erótica de Bella: Kathryn Hunter, con tatuajes en todo el cuerpo, interpreta a una madame del burdel parisino, ronca y que se muerde el lóbulo de la oreja; Christopher Abbott como un siniestro recién llegado cuyas intenciones no se estropearán en esta crítica; Hanna Schygulla como un pájaro de las nieves que viaja en un crucero y que “no ha tenido sexo en 20 años”; y Suzy Bemba como una prostituta con quien Bella tiene un encuentro sexual queer y un vínculo quizás más especial. En el centro hay un giro deliciosamente fuera de lo común de Emma Stone, prueba de que, sea cual sea la frecuencia agrietada en la que ella y Lanthimos viajan, su alquimia es la verdadera.

“Poor Things” es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordazmente divertido, caprichoso y excéntrico, modesto y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar que tratar de analizarlo todo en esta publicación resulta casi complicado a las ambiciones que la película posee.

Crítica Cinéfila: Avatar - The Way of Water

Ambientada más de una década después de los acontecimientos de la primera película, 'Avatar: The Way of Water' empieza contando la historia de la familia Sully (Jake, Neytiri y sus hijos), los problemas que los persiguen, lo que tienen que hacer para mantenerse a salvo, las batallas que libran para seguir con vida y las tragedias que sufren.

Seguro muchos gritaron en contra ante la idea de que el visionario más taquillero de Hollywood iba a desperdiciar el ocaso de su carrera (conociendo las trayectorias de las secuelas), en una segunda parte para la película más taquillera de la historia del cine. Actualmente es de los pocos productores y creadores con los recursos y el prestigio para crear nuevos mundos cinematográficos masivos desde cero, por lo que podría resultar chocante que decidiese atrincherarse en uno que ya había mostrado. 

"Aliens", "Terminator" e incluso la secuela desautorizada de "Piraña" demuestran que Cameron siempre ha tenido un don para construir nuevas vistas radicales sobre un lecho de roca preexistente, pero seguro habían muchos escépticos ante el concepto de que se pudiese construir otra epopeya digna sobre la batalla en contra de la colonización a civilizaciones puras, o que los Na'vi le ofrecieran las oportunidades que necesitaba para revolucionar el cine una vez más.

En este último punto, por supuesto, Cameron sabía que sí. Pandora se concibió como un universo gigantezco para la tecnología que quería llevar a las salas de cine, y como el arma que los obligaría a volverse digitales o morir, y el plan de Cameron siempre se extendió más allá de la comunidad de criaturas azules enormes que vende a las masas. Aunque la selva es lo que se conocía más, en la primera película se le demostró a la audiencia que existen otras comunidades en Pandora, y que para muchas de ellas, su corazón pertenece al océano, después de todo, y los de Pandora son prácticamente imposibles de vencer.

Cameron siempre ha tratado la historia como una extensión directa del espectáculo requerido para darle vida, pero la relación antropológica entre la narrativa y la tecnología de la primera película de Avatar fue un poco desigual, lo que hace que su predecesor se sienta como una prueba de concepto glorificada. "Avatar: The Way of Water" es una mejora tan asombrosa con respecto al original porque su espectáculo no tiene que compensar su historia; al estilo clásico de Cameron, el espectáculo de la película es lo que permite que su historia se cuente tan bien.

Las aventuras de Jake Sully probablemente nunca van a escapar de sus fundamentos de "Lawrence de Arabia" ni lograrán superar otros clásicos de James Cameron, como "Titanic". Cuando “Avatar” del 2009 termina, uno queda fascinado, pero en un tono simple, por la visualización de este universo. Cuando “The Way of Water” finalmente concluye después de 192 fascinantes minutos, retrocediendo en la oscuridad con un twist sutil al final de un tercer acto definido por algunas de las secuencias de acción más claras y sensacionalmente impulsadas por sus personajes, uno se encuentra completamente conmovido por la difícil situación de la familia Sully, y ansioso por ver qué les sucederá a continuación (por supuesto que habrá tercera parte).

Esta es una película que funciona muy bien porque utiliza herramientas nuevas y deslumbrantes para satisfacer nuestra nostalgia por el entretenimiento clásico. Ver “Avatar: The Way of Water” en 3D VFR en High Dynamic Range no es como ver ninguna otra película que se haya visto antes. Esta película es una experiencia categórica y fenomenológicamente diferente a todo lo demás que se haya reproducido en su cine local, incluido el "Avatar" original: está a muchos años luz de los otros grandes éxitos de taquilla del año ("Nope", "RRR" y "Top Gun: Maverick”) ya que la luna extrasolar de Pandora es de la Tierra.

Hasta cierto punto, eso se debe a que "The Way of Water" repite y mejora la tecnología que se ha probado antes. Como era de esperar de una secuela de "Avatar", el elenco principal consiste en gran parte de extraterrestres de 10 pies de altura que se fusionan mentalmente con la naturaleza a través de los zarcillos con forma de anémona que se mueven fuera de sus trenzas, solo que esta vez el aspecto Na'vi es mucho más realista y cercano a los actores que se encontrará en otras películas de Hollywood, especialmente durante los primeros planos ultra vívidos que Cameron usa para darle a esta película una profundidad emocional que su predecesor no tuvo el tiempo ni la tecnología para lograr.

Como todas las grandes secuelas, "The Way of Water" profundiza retrospectivamente en el original, y aunque eso puede no ser un gran desafío aquí, es uno que Cameron enfrenta de todos modos. Ahora que la puesta en escena está fuera del camino y el marine parapléjico convertido en líder del clan alienígena Jake Sully (Sam Worthington) ha estado en casa en su nuevo mundo y cuerpo durante más de una década, Cameron es libre de moverse más allá y diversificar el mundo creado.

Jake y su compañera cazadora Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) han procreado cuatro niños híbridos humanos/Na'vi cuando comienza la secuela. Pero, la hija más particular de la pareja fue adoptada cuando el Avatar que usó la Dra. Grace Augustine de Sigourney Weaver durante la primera película de alguna manera quedó embarazada mientras flotaba dentro de su ataúd de tubo de ensayo después de la muerte de la científica (pendiente a que se responda "¿cómo?"). Y si bien la identidad del padre sigue siendo un misterio, debe haber sido un Dios espiritual porque la adolescente inquisitiva Kiri, también interpretada por Weaver en uno de los giros más conmovedores que la captura de movimiento ha hecho posible, instantáneamente se convierte en el mejor personaje más relevante de la saga.

Una paria en una historia repleta de ellos, Kiri depende de un grado de matiz que no parecía posible de los Na'vi en la película anterior, y el personaje trasciende su mística de "elegida" con una calidez y curiosidad que la pone aparte del resto del elenco, aun cuando su hibridez entre especies y búsqueda de pertenencia la encuentran en buena compañía. Ella es el puente entre humanos y Na'vi, analógico y digital, que "Avatar" tanto necesitaba, y su centralidad en el próximo capítulo de la narrativa general de Cameron es un buen augurio para el futuro de esta franquicia.

No se puede decir lo mismo de Miles "Spider" Socorro (Jack Champion), un adolescente humano destrozado que nació en Pandora antes de los eventos de la primera película, y está tan decidido a ser aceptado por/como uno de los Na'vi, que corre en trapos con rayas azules pintadas sobre su piel. Es un Newt para una nueva generación, y su ridiculez no sería tan preocupante si no fuera por el hecho de que casi de inmediato se revela que Spider es el hijo del difunto coronel Quaritch.

O no tan difunto, ya que Quaritch (Stephen Lang) está de vuelta en forma de Na'vi. La Tierra es inhabitable, la gente necesita un nuevo planeta y un alto clon azul del coronel genocida de la última película está a cargo de limpiar a los hostiles del nuevo hogar de la humanidad. El hecho de que Avatrar Quaritch no sea humano en sí mismo agrega una dinámica curiosa a su misión, una arruga dramatizada por una maravillosa versión de "Avatar", al igual que el hecho de que su propio hijo está luchando junto a los nativos.

Queda por ver si Spider es un personaje lo suficientemente fuerte como para llevar ese tipo de peso de la historia, pero la intención por sí sola apunta la trama hacia notas resonantes de aceptación y pertenencia; notas que ayudan a que “The Way of Water” se aleje de los matices colonialistas que su predecesor no estaba preparado para manejar, y en cambio hacia preguntas más amplias sobre el instinto destructivo del hombre para sobrevivir a toda costa, a perpetuidad, en todo el universo. La guerra de Quaritch contra los Na'vi refleja la guerra contra su propia naturaleza, una guerra que Jake Sully considera que vale la pena pelear para proteger a las personas que ama y el planeta que los sostiene. Con Quaritch decidido a masacrar a todo el clan de Jake, el héroe toma la decisión de abandonar la jungla y huir con su familia a los lejanos alrededores de Pandora. Ahí es donde buscan refugio con el clan Metkayina e intentan adaptarse a la vida acuática mientras esperan el inevitable enfrentamiento con los militares de Quaritch.

Es durante la pausada mitad de la película que Cameron es pionero en el uso de la captura de movimiento bajo el agua. Si parte del primer capítulo de la historia sugiere que al público le espera una simple reedición de una aventura de ciencia ficción que todos en este planeta vieron dos veces y fingen haber olvidado, todo realmente se resetea en el minuto en que la acción finalmente se sumerge bajo la superficie y sumerge a la audiencia en un mundo oceánico tan claro y presente que instintivamente uno podría comenzar a contener la respiración.

Es el regreso al cine de atracciones más entusiasta, impresionante, disfrutable principalmente en una sala de cine (preferiblemente en 3D, Dolby o 4D), ya sea nadando con bancos de peces alienígenas o presentando a Tulkun, con forma de ballena de un pie de largo; estas escenas tienen más en común con la realidad virtual o los sueños lúcidos que cualquier CGI que uno haya visto con cada nueva película de superhéroes, y Cameron deja devorar cada encuadre. Igualmente, obliga a la reflexión y a esa intención que tiene el director detrás de esta película. Desde la perspectiva de esta cinéfila, invita a la cuestión: si uno puede enamorarse de este mundo y sentirse obligados a luchar para salvarlo, ¿por qué no se puede hacer lo mismo con el nuestro?

Para complicar la ilusión de una manera que alternativamente mejora "The Way of Water" y corre el riesgo de interrumpir su flujo, hay una velocidad de fotogramas variable, como si Dios (o Eywa) estuviera acelerando la vida por sí mismo. Hay ocasiones en los que puede parecer que no hay una pantalla y que la acción se desarrolla justo frente a la audiencia. De cualquier manera, casi todo lo que se ve parece real, o al menos todo parece igualmente irreal, que es lo mismo.

Lo más impresionante de "The Way of Water" podría ser cómo captura el espíritu antiguo de los multicines. Esta es una película con una "M" mayúscula, por su tecnología de $400 millones y mensajes ecológicos, todo al servicio de una aventura del tamaño de un tulkun tan transportadora que rápidamente está cinéfila dejó de cuestionarse cómo lo hizo Cameron. Sin duda, siempre es obvio que nadie más podría haberlo hecho, ya que "The Way of Water" encuentra un nuevo encanto en muchos de los fetiches y clichés más dignos del director: héroes rígidos, villanos rabiosos, militares idiotas, insultos castrantes más dolorosos que las balas, ingenieros desaliñados con camisetas estúpidas, y suficiente descaro de boomer para levantar el Titanic están todos presentes y explicados.

Sea como fuese, esta trama sigue siendo más que suficiente para que uno quede pidiendo más. Para cuando la película llega a su desgarrador final (un sublime recordatorio de que "James Cameron + barcos hundidos" es una de las mejores combinaciones que jamás se hayan producido en las películas), la audiencia no podrá creer lo involucrada que ha quedado en esta historia sobre personajes que uno abandonó hace 13 años.

¿Qué importa si “The Way of Water” no provoca la misma respuesta cuando la veo en casa? En realidad no, sé que no lo hará. ¿Importa que Cameron siga “salvando” las películas haciéndolas casi irreconocibles del resto del medio? Su última secuela sugeriría que incluso los cuerpos más alienígenas pueden servir como recipientes adecuados para los espíritus que uno considera sagrados. Por ahora, lo único que importa es que después de 13 años, “volver a Pandora” se convirtió en una de las mejores taquillas compradas del 2022.