Crítica Cinéfila: Wicked: For Good

Segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway. El capítulo final de la historia jamás contada de las brujas de Oz comienza con Elphaba y Glinda distanciadas y viviendo las consecuencias de sus respectivas decisiones. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, ambas deberán unirse una vez más. Con su singular amistad convertida en el punto de inflexión de su futuro, tendrán que mirarse a los ojos con honestidad y compasión para afrontar su transformación personal y cambiar el destino de todo Oz.

El tiempo estándar para los intermedios en Broadway oscila entre 15 y 20 minutos, tiempo suficiente para estirar las piernas, quizás comer algo e ir al baño. ¿Un año entero? Es posible que a cualquiera se le olvide hasta los puntos argumentales y las maquinaciones de los personajes más importantes de cualquier espectáculo. Tal es el caso de " Wicked : For Good" de Jon M. Chu, la segunda entrega de su planeada adaptación en dos películas del aclamado musical "Wicked".

Mientras que la primera parte pertenecía en gran medida a Elphaba, la marginada de Oz de piel verde e incomprendida de Cynthia Erivo, la continuación pone en primer plano a su antigua némesis convertida en su amiga, Glinda, de Ariana Grande. 

Erivo sigue siendo una potencia, con una energía que sacude los cielos y una fuente de intensidad emocional espontánea que nunca se agota. La paradoja es aún más evidente: a pesar de la infamia de Elphaba como la llamada Bruja Malvada del Oeste, la bondad y la justicia inherentes a su oposición a las crueles injusticias y a un gobierno cada vez más autoritario terminan siendo su salvación, aunque ella cargue con la culpa como chivo expiatorio de la historia. Pero la engreída rubia hueca de Grande gana importancia aquí cuando Glinda asume la responsabilidad de difundir la bondad en Oz, mientras experimenta una aplastante decepción romántica que la humilla y desinfla su vanidad.

La película comienza de forma impresionante: meses después de que Elphaba (Erivo) y Glinda (Grande) eligieran caminos completamente diferentes durante una desgarradora separación en la Ciudad Esmeralda, ambas siguen firmemente aferradas a sus respectivos roles.

Elphaba es ahora la Bruja Mala del Oeste, ayudada en parte por la incansable labor de su antigua mentora, Madame Morrible (Michelle Yeoh), quien se ha dedicado a difundir desinformación aterradora a todos los ozianos, con el fin de apoyar a un déspota perdedor (Jeff Goldblum como El Maravilloso Mago de Oz, en esta ocasión aburrido y olvidable). Esto la lleva a asumir misiones descabelladas para lograr su objetivo de derrocar al Mago y deshacer sus numerosas fechorías. La principal preocupación de Elphaba es liberar a los Animales, quienes han sido reclutados para una terrible esclavitud, principalmente porque el Mago comprende perfectamente que para mantener unida a la gente, un enemigo común (real o imaginario) es la clave.

Si Elphaba ha aceptado su papel de villana de Oz, Glinda ha ido un paso más allá como la mayor santa del país. Como Glinda, la Bruja Buena, se pasa el día paseando por Oz, intentando animar a una población que ha sido obligada a temer ciegamente a su mejor amiga. Es un trabajo horrible, si se puede conseguir. Tanto Elphaba como Glinda se han visto obligadas a asumir roles que, si bien en general les sientan bien (Elphaba es una luchadora y líder nata, Glinda valora mucho hacer sentir bien a la gente), en realidad solo sirven para dividir, asustar y herir. ¿Cómo se solucionará esto?

Dos horas después, la respuesta es bastante parecida al aclamado musical, solo que con un par de canciones nuevas (ambas de Stephen Schwartz, incluyendo "No Place Like Home" y "The Girl in the Bubble"), una puesta en escena curiosamente plana y la pregunta constante: ¿por qué se divide en dos partes? Chu y sus guionistas no temen en absoluto ahondar en las terribles implicaciones políticas de los mensajes deshonestos, la politiquería violenta, el ascenso de charlatanes al poder y el abuso de quienes son de alguna manera "diferentes", pero choca con lo más ligero a cada paso. Sí, es difícil tomarse demasiado en serio una película que incluye una canción que dice: "Hay puentes que cruzas/No sabías que cruzabas/Hasta que los cruzaste". 

En “Wicked: For Good”, hay mucha continuidad de la primera, pero la duración no es justificable cuando el ritmo va cayendo y lo que uno busca en una historia, aún sea una segunda parte, ya se ha contado en su antecesora. Lo que funcionó en “Wicked” sigue funcionando. El reparto de Erivo y Grande es lo máximo, y el profundo respeto y amor que comparten los intérpretes, dentro y fuera de la pantalla, realmente mantiene a flote estas dinámicas. Elphaba y Glinda son el alma de esta historia, y es difícil imaginar otro dúo que las represente mejor (o con mejor canto).

Sin embargo, y a pesar de prolongar la duración total de ambas películas a casi cinco horas (el musical dura dos horas y 45 minutos, con un intermedio de 15 minutos), aún quedan grandes preguntas. Pero la decisión de Chu de comenzar "Wicked: For Good" con poco material para ponerse al día es refrescante, aunque su audacia efímera. 

Si bien esta entrega de la franquicia, por necesidad, debe expandirse aún más al vasto mundo de Oz, a menudo se siente ligada a los lugares que ya hemos visitado. La Ciudad Esmeralda y Munchinkland siguen teniendo un lugar destacado, e incluso la querida Universidad Shiz aparece en un flashback (innecesario, junto con otro flashback a la encantadora infancia de Glinda). Breves incursiones al escondite del bosque de Elphaba son un cambio de aire bienvenido (como escenario de una famosa escena de amor entre ella y Fiyero, interpretado por Jonathan Bailey), al igual que otra visita a un tramo remoto del Camino de Baldosas Amarillas, pero estos cambios son escasos y se echan mucho de menos.

Incluso las escenas que implican exploraciones más profundas de nuestros espacios conocidos, incluyendo una escena ambientada en la Ciudad Esmeralda, resultan algo extrañas, cautivadas por un bloqueo extraño que impide al público apreciar la totalidad de una ubicación y oculta puntos focales clave. Sí, en la gran secuencia musical donde experimentamos con mayor intensidad la fuerza del miedo de los ozianos ("La Marcha de los Cazadores de Brujas") y la furia del Boq de Ethan Slater, quizás estaría bien ver alguna expresión facial. Lo mismo ocurre con una secuencia clave en la que Fiyero queda alterado para siempre, y que parece haber sido filmada a ocho kilómetros del Camino de Baldosas Amarillas. Si queremos ver más, no debería ser porque veamos mucho menos de lo absolutamente necesario. Otra toma de campos de tulipanes inmensos no constituye un verdadero viaje a Oz, ni a "Wicked".

Aun así, lo que une a estas dos películas es innegable: la fuerza y ​​el talento de las protagonistas Cynthia Erivo y Ariana Grande. Ambos personajes están firmemente encasillados en sus papeles en Oz, y aun así, Erivo y Grande nunca se sienten tan limitadas, ni en su conmovedora actuación ni en sus imponentes letras.

Al igual que "Wicked", "Wicked: For Good" se convierte en un dueto masivo entre ambos, tan emotivamente impactante que hasta el corazón más hueco derramará una lágrima durante "For Good". Es un momento culminante, sin embargo, también se siente solitario. ¿Vale la pena esperar un año completo y una segunda parte solo por eso? ¿De verdad era necesario extenderlo a una segunda parte?

Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: Jurassic World Dominion

Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, los dinosaurios ahora viven y cazan junto a los humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio remodelará el futuro y determinará, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán siendo los depredadores máximos en un planeta que ahora comparten con las criaturas más temibles de la historia.

Jurassic World Dominion es una secuela que lanza momentos nostálgicos referenciales al thriller de Steven Spielberg de 1993 donde inició la franquicia de dinosaurios, sin embargo, pierde completamente de vista el corazón y la humanidad de su original, y el asombro entusiasta que la hizo tan inolvidable. Sea lo que sea que se planteara el director Colin Trevorrow con la interesante secuela de 2015, Jurassic World, aquí se convierte en un caos exagerado, logrando de alguna manera reunir a los personajes de las trilogías nuevas y originales, así como a las criaturas prehistóricas a las que se enfrentan, en un desafío rutinario de "la evolución ha pasado por alto a este monstruo". Lo peor de todo es que se siente como la misma historia contada por tercera vez.

La sexta entrega de Universal sin dudas tiene record en taquillas; los adictos a la franquicia desde hace mucho tiempo ciertamente no están buscando reseñas para obtener orientación. Pero se merecen algo mejor; al menos un mínimo de respeto por parte de los cineastas convencidos de que todos los que ven tienen la capacidad de atención de un mosquito atrapado en un ámbar. El arquetipo establecido por Steven Spielberg de construir pacientemente el suspenso al mantener a las criaturas mortales fuera de la vista durante el mayor tiempo posible (lo inició con Jaws) ha caído en el olvido con esta película. No hay misterio ni temor, solo una sucesión de destrucción desenfrenada provocado por el aparentemente inevitable deseo de hacer mal las cosas.

En un momento temprano, Maisie Lockwood (Isabella Sermon), que fue revelada en "Jurassic World: Fallen Kingdom" como un clon genético, da a un grupo de madereros de las Montañas de Nevada un consejo para atraer a un par de braquiosaurios fuera de su lugar de trabajo. El asombro en los rostros humanos mientras estos majestuosos gigantes se lanzan en su camino recuerda el poder poético del original de Spielberg. Pero la nueva película está diseñada en otros lugares para apenas dejar respirar a su audiencia.

Como uno de los peligrosos experimentos que inclue la modificación genética del científico Dr. Henry Wu (BD Wong), el guion de Emily Carmichael y Trevorrow une el ADN de diferentes películas, pero resulta una mezcla de género sin identidad propia. Además de los elementos centrales del Parque Jurásico, los escritores dejan caer los arquetipos de las series Indiana Jones, Bourne y Alien, y en su lugar atraen referencias fuera del híbrido aventura-terror como el mercado negro maltés directamente de la cantina de Star Wars o la plaga de langostas mutantes.

Esas langostas mestizas comienzan a diezmar los cultivos en todo el corazón de Estados Unidos, multiplicándose rápidamente hasta el punto de que el Dr. Wu, que desarrolló la especie, advierte de una inminente escasez de alimentos. Pero para Lewis Dodgson (Campbell Scott), su peculiar jefe en el conglomerado tecnológico Biosyn, la hambruna global es solo un efecto secundario desafortunado. Los cultivos a partir de semillas de Biosyn no son tocados por las langostas, como estaba previsto, allanando el camino para que la empresa controle el suministro mundial de alimentos.

Ellie Sattler (Laura Dern), vista por última vez en el Jurassic World III de 2001, aprende del fenómeno de la langosta mientras estudia la ciencia del suelo y la agricultura sostenible. Cuando rastrea los genes de los insectos hasta el período cretácico, se vuelve a conectar con su antiguo interés romántico, el paleontólogo Alan Grant (Sam Neill), y vuelan a la sede de Biosyn en las montañas Dolomitas de Italia. Su antiguo asociado, Ian Malcolm (Jeff Goldblum), está trabajando como consultor allí,  con una serie de conferencias para los jóvenes científicos de la empresa. Pero también ha estado deslizándole información  sobre la amenaza de la escasez de alimentos a Ellie.

Junto con las gigantescas instalaciones de laboratorio, el complejo Biosyn incluye un vasto santuario, un valle de exuberante vegetación rodeado de montañas nevadas, donde los gobiernos internacionales han acordado reubicar las innumerables especies prehistóricas que se han estado reproduciendo como conejos desde que fueron liberadas de la mansión Lockwood al final de Fallen Kingdom. Exactamente cómo esos dinosaurios se han multiplicado y extendido por todo el planeta en cuatro años sigue siendo un detalle brumoso, aunque el velociraptor superviviente conocido como Blue se ha reproducido sin pareja gracias a su hebra de ADN de lagarto monitor.

Es a través del bebé de Blue, llamado Beta, y Maisie que entra en juego la segunda historia. Ambos son secuestrados cerca de la cabaña donde Maisie ha estado viviendo bajo la tutela de la ex gerente del parque Jurassic World, Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) y el domador de velociraptors, Owen Grady (Chris Pratt).

Antes de que toda la pandilla se reúna en los laberínticos túneles y bosques del santuario Biosyn, hay una serie de preámbulos argumentales mínimamente atractivos que involucran la necesidad rebelde de libertad de la adolescente Maisie, hasta que esta es secuestrada y trasladada a Malta para luego dirigirse al santuario de Biosyn.

Al mismo tiempo, el mercado mundial de cazadores furtivos de especies exóticas prehistóricas, de las cuales ahora parece haber docenas. Eso requiere un desvío a Malta para Owen y Claire, donde entran en modo héroe de acción defendiéndose de los ataques de depredadores humanos y animales, incluido una contrabandista despiadada llamada Santos (Dichen Lachman), confusamente vestido con atuendo de cóctel mientras ella está marcando con láser a la gente de izquierda a derecha para convertirlos en objetivos de los raptors. El decorado más grande de la película es una doble persecución por las antiguas calles de la capital maltesa Valeta, con Claire en la parte trasera de una camioneta y Owen en una motocicleta.

Hay cierta emoción mordaz en la voluntad, ellos o no lo harán, escena en la que corren para abordar un avión de carga con destino a los Dolomitas, capitaneado por la piloto de alquiler Kayla Watts (DeWanda Wise). Los escritores cuentan con un afecto preexistente por los personajes secundarios, en lugar de darles algo interesante que hacer. Eso permite a los carismáticos recién llegados Wise y Mamoudou Athie como el inteligente jefe de comunicaciones de Dodgson, Ramsay Cole, se vaya con la película, simplemente en virtud de traer algo diferente a la mesa.

Francamente, aparte del humor gracioso que Goldblum trae al hábil y descaradamente vanidoso Dr. Malcolm, podría haber abandonado a la antigua tripulación y haber tomado todo un spin-off . El otro recién llegado, Dodgson de Scott, es un villano pálido que hemos visto con demasiada frecuencia últimamente, el CEO socialmente rígido y egoísta en el molde de Bill Gates/Jeff Bezos/Elon Musk, que medio se convence de que la capacidad de descubrimiento científico y médico en su trabajo justifica la codicia y el complejo de Dios.

Las historias son memorizadas, tanto por separado como cuando convergen; ya sean Ellie, Alan y Maisie en una mina de ámbar abandonada u Owen, Claire y Kayla en el santuario salvaje, son situaciones que se han visto antes. Trevorrow sigue lanzando diferentes dinosaurios, incluidos algunos viejos favoritos que no se han visto desde la primera película, y nuevas entradas como el temible giganotosaurus, que tiene la distinción de ser el carnívoro terrestre más grande de la historia. En el salón de la fama de los depredadores terrestre, podría ser más grande y mezquino, pero no termina siendo más aterrador que el viejo T-Rex. Esto se debe a que la narración carece de imaginación. Escena tras escena sigue una plantilla familiar de escape estrecho, sin que la amenaza persista más de unos minutos.

A pesar de todo el pánico sin aliento, la mayoría de las soluciones parecen demasiado fáciles, como Claire mirando a un banco de monitores de ordenador y exclamando convenientemente que es el mismo sistema del parque Jurásico.  Los dinosaurios son ciertamente variados en tipo y el trabajo de CGI es lo suficientemente sólido en su mayor parte, aunque algunas de las especies más pequeñas y lindas como los nasutoceratops bebés parecen más juguetes para el marketing que a criaturas reales. Había un ingenio en todo esto cuando Spielberg lo hizo, con una tecnología mucho menos avanzada. Ahora todo parece pintura digital. No hay magia.

El editor Mark Sanger y el compositor Michael Giacchino mantienen la historia arrasándose, posiblemente con la esperanza de que si se mueve lo suficientemente rápido, a nadie le importe la trama colosalmente tonta. Al menos hay una delicada distracción cuando el tema musical original de John Williams se canaliza sobre la detenida reconexión romántica de Ellie y Alan, que sirve como recordatorio de una película real. En cuanto a este, la extinción se oficializa.