Crítica Cinéfila: The Garfield movie

El mundialmente famoso Garfield, el gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre –el desaliñado gato callejero Vic– Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco.

Si creciste en el tiempo que Garfield salía en las tiras cómicas de los periódicos y las revistas infantiles de fines de semana, también debes de saber que nuestro amado tabby favorito, el anaranjado gato salido de la pluma de Jim Davis, está a punto de cumplir 46 años desde su creación, de los cuales no ha parado de evolucionar y adaptarse a cada generación. Su primera tira cómica se publicó en 1978 y, por aquel entonces, era ya un minino rechoncho pero con un gran mundo interior, algo que su dueño Jon nunca llegaba a saber, dado que sus bocadillos eran siempre en forma de pensamientos.

Las adaptaciones previas del personaje han sido muchas: tres series de televisión (Garfield y sus amigos, El show de Garfield, y Garfield Originals), dos películas de live action (Garfield: La película y Garfield 2), y 13 programas especiales. Cuenta además con hasta nueve videojuegos para PS5, Xbox Series X/S, PS4, Switch, Xbox One, Nintendo 3DS, Android, iPhone, NDS, Game Boy Advance, PS2 y PC, a los que se unirá pronto uno basado en esta nueva película. Y a todo este volumen de negocio se suma además el lucrativo merchandising comercializado en 69 países.

Ahora, con "The Garfield movie" nos encontramos una aventura animada en CGI en la cual hay algunos aspectos del personaje que se respetan (su pasión por la pizza y la lasagna, el tira y afloja con el solitario Jon y el desdén hacia Odie) y otros que no (su humor irónico y cínico, su personalidad nihilista y su natural abulia). Los guionistas Paul A. Kaplan, David Reynolds y Mark Torgove han compuesto una aventura supuestamente para toda la familia que envestirá sin problema a un público infantil y se convertirá en la película más entretenida hasta la fecha basada en el personaje... pero exclusivamente será así para el público más joven, porque aquí Garfield no es a quien conocemos al cien por cien.

La vida de Garfield no puede ser más cómoda al cuidado de su dueño Jon: disfruta de su tarjeta de crédito para asegurarse el suministro de comida italiana que le da la felicidad, se ha apropiado de su casa y tiene a Odie como fiel escudero. Sin embargo uno de esos lunes que tanto odia es sucuestrado de su agradable hogar para obligarlo a cometer un atraco muy arriesgado en compañía de su padre, Vic, al que llevaba sin ver desde que lo abandonó en un basurero. Para su desgracia, su padre está en deuda con Jinx, una excéntrica gata que cuenta con un grupo de matones que les van a poner las cosas muy difíciles mientras el pobre Jon sufre buscando a sus mascotas.

La película comete dos errores terribles: convertir a nuestro protagonista en un gato adorable en una historia de origen ya vista mil veces por los más adultos y sacarlo de su hogar durante la mayor parte de la película, cuando en realidad el corazón de la historia siempre ha sido la relación con Jon. El humano queda relegado a un segundo plano, a pesar de que la película crece cada vez que interaccionan. En cambio, entran en escena un grupo de nuevos personajes creados para la película como el padre de Garfield o la villana Jinx. Se echa de menos a los que ya conocemos, la verdad, pero quizás podamos reencontrarnos con ellos en una secuela, ahora que han planteado la historia del personaje. 

Si de por sí cuesta reconocer la personalidad de Garfield en una película que, como vemos, ha simplificado mucho su tono, más cuesta arriba se vuelve esta misión si nos atenemos a seguirle el rastro a la selección de voces. La selección de Chris Pratt fue un tema polémico, aunque no tan controvertido como el momento en el que se anunció que se haría cargo del doblaje de Mario. Se entiende que su elección ha sido motivada por temas comerciales, es decir, que tener su nombre en el cartel debería ser una razón para atraer al público a las salas, pero la pésima reacción en las redes sociales y la crisis de popularidad del productor, director y actor, entre otras cosas, augura casi todo lo contrario.

Ahora, como producto de animación es impecable. Cuenta con un atractivo diseño de personajes, entra por los ojos y el nivel de la animación es muy estimable. Lástima que se haya optado por una historia tan sumisa en lugar de explotar las fortalezas de las historias originales y por recortar el espectro de su humor.

Aunque el diseño de los personajes y la calidad de la animación están bien trabajados, y el tono de la relación entre Garfield y Jon está bien puntualizado, Garfield es una correcta película de animación que no sabe aprovechar las cualidades de las tiras cómicas de Jim Davis: le arrebata al nihilista gato todo lo que lo hace especial, diferente y distinto que es, por supuesto, su relación con Jon.

Crítica Cinéfila: Guardians of the Galaxy Vol. 3

La querida banda de los Guardianes se instala en Knowhere. Pero sus vidas no tardan en verse alteradas por los ecos del turbulento pasado de Rocket. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo en una peligrosa misión para salvar la vida de Rocket, una misión que, si no se completa con éxito, podría muy posiblemente conducir al final de los Guardianes tal y como los conocemos. 

En el transcurso de 23 películas, tres "fases" y una "saga" en general, Marvel Cinematic Universe pasó su primera década antes de una historia básicamente diseñada para una respuesta emocional máxima: "el chasquido" (o “el Blip” como se le conoce en el universo), en el que la mitad de los seres vivos del universo fueron desaparecidos por el nefasto Thanos durante cinco años. Y aunque la cuestión de cómo el MCU pretende construir otra saga centrada en la inevitable batalla entre el bien (superhéroes) y el mal (algún villano aterrador) en la que el destino de todo el universo está en juego es grande, son los cabos sueltos de esa primera saga que aún duelen.

Si bien cada película de Marvel que siguió a “Avengers: Endgame”, en la que se restableció la mitad de la población que faltaba, el cuidado de los Vengadores, que habían sufrido sus propias pérdidas dolorosas, se refirió brevemente a cuán emocionalmente devastador sería realmente un evento de este tipo, ninguno ha contado plenamente con él. Incluso "Spider-Man: Far from home", la primera película en llegar después de "Endgame" y en sí misma la conclusión real de "The Infinity Saga", pasó por alto el sentimiento del mundo posterior a Blip con un puñado de bromas (¿quizás hacer que estos niños reciban terapia es una mejor alternativa?).

Pero ocho películas desde el final de esa saga, solo una película ha intentado realmente aprovechar la gran y desordenada angustia que debería haber guiado esta franquicia durante al menos los últimos cuatro años: "Guardianes de la Galaxia vol. 3". Incluso la película de James Gunn, su última entrada en Marvel y un cierre de la trilogía que ha dirigido durante casi una década, no aborda directamente "el Blip" (¿alguien recuerda que los Guardianes perdieron a más de la mitad de sus miembros durante cinco años? ¿no? OK…); apunta directamente al tipo de honestidad emocional que el MCU necesita tan desesperadamente. Si la mayoría de las películas de Marvel hacen que el público se ponga de pie a aplaudir o gritarle a la pantalla, Gunn hace algo aún más significativo: hacerlos ponerse de pie y llorar. La marca especial de sinceridad, humor y violencia de Gunn siempre ha sido una buena combinación para el equipo de “GOTG”: no hay otros personajes en la alineación actual de MCU que sea tan experta en hacer bromas mientras destroza absolutamente una habitación llena de villanos, y lleva esa alquimia a extremos locos para su capítulo final.

No siempre aterriza del todo, pero dice algo sobre Marvel: estos personajes y este cineasta que esta tercera película de una serie que encaja en una franquicia de 32 películas en total es una de las más audaces, emotivas y originales entradas que la MCU haya visto alguna vez. Todavía hay vida en este universo cinematográfico, si solo se permite que otras películas dentro de él tomen el tipo de cambios que Gunn y compañía han obtado por probar algo que tal vez todos conocemos: esta banda intergaláctica de raros es realmente el corazón de la MCU.

Ambientada en lo que sea que pase en la actualidad en el UCM, encontramos a nuestra excéntrica banda de héroes inverosímiles pasando el rato en su actual base de operaciones intergalácticas: el pobre Knowhere, también conocido como la cabeza cortada de un Celestial (para cualquiera que necesite ponerse al día, solo imagina una súper raza de dioses masivos, ahora imagina una de sus cabezas gigantes como una estación espacial improvisada llena de una variedad de habitantes coloridos). Mientras Nebula (Karen Gillan), Drax (Dave Bautista, hilarante como siempre), Mantis (Pom Klementieff), Groot (Vin Diesel) y Kraglin (Sean Gunn) están tratando de mantener las cosas tan normales como posiblemente pueden estar en Knowhere, otros miembros de los Guardianes no lo están haciendo tan bien.

Rocket (Bradley Cooper) está abatido. Como siempre, Gunn ofrece una amplia banda sonora de éxitos y jams en la nariz, dando inicio a la película con Rocket escuchando, de manera hilarante y desgarradora, "Creep" de Radiohead y continúa preocupándose por su lugar en el universo; mientras que el líder de los Guardianes, Peter Quill (Chris Pratt), está empeñado en beber hasta el estupor y se tambalea por la muy complicada pérdida de su  novia, Gamora (Zoe Saldaña). Esta paz increíblemente frágil pronto se ve interrumpida por la llegada de Adam Warlock (Will Poulter), veloz, chapado en oro, que literalmente choca contra Knowhere e intenta, al más puro estilo Mike Dexter, acabar con todo el que se le tope de por medio.

Gunn, quien también escribió el guión de la película, no pierde el tiempo en llegar al meollo del asunto: mientras que Adam Warlock causa estragos en los Guardianes en general, realmente está buscando a Rocket. Y cuando le da una herida terrible al súper mapache del tamaño de una pinta, genéticamente modificado, se pone en marcha un plan para la tripulación. La historia de fondo de Rocket ha sido objeto de burlas durante mucho tiempo en las películas de "GOTG"; realmente, ¿de dónde vino una criatura como esta? – y Gunn no ha tenido reparos en centrar su película final en su estrella más peluda y enojada. Mientras Rocket entra y sale de la conciencia, y los Guardianes se apresuran hacia el lugar que lo creó en un intento de recoger lo único que podría salvarlo, su trágico pasado se desarrolla a través de una serie de flashbacks verdaderamente desgarradores. Por lo menos, la película de Gunn parece estar lista para radicalizar a una nueva generación de activistas por los derechos de los animales, una audiencia entera irrevocablemente cambiada por escenas en las que un pequeño bebé Rocket es arrancado de una pila temblorosa de sus hermanos, solo para experimentarlo por el nefasto Alto Evolucionador (Chukwudi Iwuji).

Como todos los malos de Marvel, es un hombre con un plan: un científico aparentemente eterno, el Alto Evolucionador no quiere nada menos que crear una "especie perfecta" que luego pueda liderar su "sociedad perfecta". ¿Qué significa eso en la práctica? Ha pasado décadas experimentando con una gama completa de seres "menores" en un intento de construir un ser iluminado. Y si bien las ideas e ideales del Alto Evolucionador tienen un impacto en el universo más amplio, es refrescante enfrentarse a un villano de Marvel cuya existencia no amenaza literalmente a todos los demás seres en el UCM. 

¿Pero su impacto en Rocket? Eso es lo suficientemente grande. Y aunque sabemos que Rocket eventualmente escapó de sus garras, el camino es mucho más oscuro y doloroso de lo que la mayoría de la audiencia podría imaginar. Pero Gunn no abusa de esa emoción, la usa para impulsar a sus otros personajes a la acción. Los Guardianes atraen porque sus lazos ganados con tanto esfuerzo se sienten reales, incluso dentro de los límites de la MCU descomunal y los entornos particulares en los que se encuentran. Cuidar unos de otros siempre ha sido su principal motivación, e incluso si la última aventura de Gunn no está impulsada precisamente por los efectos secundarios de Blip, conlleva una sensación de ira y confusión que toda la franquicia ha estado perdiendo. 

Cuando Peter y la pandilla se dirigen al Alto Evolucionador, saben que es una especie de trampa, del tipo que inevitablemente conducirá a todo tipo de grandes batallas. Agregue a Adam Warlock (y, en cantidades lamentablemente limitadas, a su madre, interpretada por la divina Elizabeth Debicki), una pizca seria de problemas con los padres y mucho humor guiñando un ojo, y tendrá una aventura clásica de "GOTG", uno hecho de muchas partes dispares que en su mayoría se unen.

Ciertamente no duele que esta loca aventura se vea tan bien. Las películas recientes de Marvel han tenido problemas para ofrecer mucho más que efectos especiales cuando se trata de sus lugares y ubicaciones, pero Gunn y su equipo brindan un sentido real de lugar a sus diversos entornos, una hazaña más impresionante teniendo en cuenta cuánto tiempo han estado pasando el rato en el espacio. Todo, desde Knowhere hasta el cuartel general súper malvado del Alto Evolucionador (el Orgoscopio, que es pegajoso en una forma claramente teñida de horror corporal) e incluso una Tierra falsa inclinada (equipada con una variedad de híbridos animal-humanos espeluznantes) se siente fresco y nuevo, ofreciendo tanta variedad.

Gunn siempre se las ha arreglado para traer su propio sabor a la MCU, un valor atípico en una franquicia que continúa aplanando sus historias y personajes con la esperanza de encajarlos a todos en una gran caja, una y otra vez, y su entrada final en este espacio ofrece el tipo de despedida que solo él podría crear. Y si bien, inevitablemente, abre la puerta a más aventuras para esta banda salvaje de héroes inverosímiles (el apetito del mundo de las franquicias, por supuesto, nunca se sacia por completo), lo hace en sus propios términos. Y, realmente, hace algo salvaje, algo cada vez más raro en el camino: te hace sentir tan desordenado, extraño e inesperado como podría ser. Ahora que es una super historia.

Crítica Cinéfila: The Super Mario Bros. Movie

Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Mario ha sido uno de los personajes más queridos en la historia de los videojuegos desde que se le vio por primera vez saltando barriles y subiendo vigas en Donkey Kong en 1981. Pero incluso si nunca has jugado un solo videojuego, no hay una razón por la que no valga la pena ver una película de Mario. Cierto, Super Mario Bros de 1993, con Bob Hoskins y John Leguizamo, fue un fracaso notorio, pero The Lego Movie estaba ligado a una línea de juegos de construcción de plástico, y eso fue maravilloso. Wreck-It Ralph demostró cuán inteligente podría ser una caricatura ambientada en un entorno de videojuegos. Y otro lanzamiento reciente Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves demostró que las películas adaptadas de los juegos pueden ser muy divertidas, estés o no familiarizado con los juegos en cuestión. Desafortunadamente, The Super Mario Bros Movie no es una de esas películas.

La parte decepcionante es que la nueva caricatura imperdible está dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, los creadores de la brillantemente alocada Teen Titans Go!, pero cada episodio de 10 minutos de esa serie tenía más ideas que toda su película. Mario (Chris Pratt) y su nervioso hermano menor Luigi (Charlie Day) se establecen como jóvenes de buen corazón y tupidos bigotes que están tratando de construir su propio negocio de plomería independiente. Hay algunos guiños astutos al juego y algunas explicaciones ingeniosas para las cualidades más cuestionables de los personajes: sus guantes blancos son un truco de marketing, le dice Mario a su escéptica familia, y sus acentos italianos exagerados se ponen para un anuncio de televisión. Hay una divertida y caótica escena en la que un perro amargado sabotea un trabajo de arreglo de grifos. 

La animación por computadora es impresionantemente avanzada, el único inconveniente es que las superficies texturizadas de cada objeto son casi fotorrealistas, lo que hace que los simplificados y redondeados Mario y Luigi parezcan juguetes de peluche andantes en comparación al juego. La película no solo tiene referencias rápidas, tiene largas secuencias extraídas de ellos. 

Los hermanos investigan una inundación, que nunca se explica, y encuentran una tubería mágica, que tampoco se explica. La tubería los envía a ambos a otro planeta, o posiblemente a otro universo. Eso tampoco se explica nunca. Mario es depositado en el Reino Champiñón de cuento de hadas, donde los alegres hongos parlantes son dirigidos por una rubia parecida a Barbie llamada Princesa Peach (Anya Taylor-Joy). Pero el pobre Luigi es capturado por el monstruoso Bowser (Jack Black), que tiene un nombre que sugiere que es un perro y un físico que sugiere que es un dragón, pero que en realidad es el líder de una raza de tortugas llamada Koopas. Por una notable coincidencia, los hermanos llegan a este planeta surrealista (o, posiblemente, a este universo surrealista) justo después de que Bowser acaba de conseguir una estrella brillante que le permitirá conquistar el Reino Champiñón.

Para el ojo inexperto, parece que él y su ejército son tan fuertes que podrían haberlo conquistado, pero no importa. La película Super Mario Bros tiene el tipo de mitología desconcertante y sin sentido que podrías esperar cuando una compañía de juegos japonesa crea un plomero ítalo-estadounidense de Brooklyn y luego sigue desarrollando las aventuras de ese personaje durante 40 años. Siempre y cuando no te preocupes por eso y aceptes la aleatoriedad psicodélica, puedes aceptarlo como una ciencia ficción tonta y ya. Pero después de algunas escenas, este esquema argumental engañoso es el menor de los problemas de la película.

El problema comienza cuando Mario se ve repentinamente rodeado de ladrillos flotantes, monedas de oro gigantes, cubos "Power Up" y efectos de sonido electrónicos burbujeantes, que solo tienen sentido en el contexto de un videojuego. Llegado a este punto, queda claro que los directores han renunciado a hacer una caricatura que cualquiera pueda disfrutar y, en cambio, se han concentrado en acumular referencias en beneficio de los fanáticos devotos de los juegos.

Lo que es peor es que la película no solo tiene referencias rápidas a estos juegos, sino que tiene largas secuencias extraídas de ellos. En lugar de moverse a lo largo de la trama, los directores siguen haciendo que los personajes corran por pistas de asalto aéreo que desafían la gravedad, o conduzcan autos de carreras a lo largo de un arcoíris, solo porque eso es lo que sucede en los juegos. Disminuyen la velocidad de la película hasta detenerla cada vez más. Se supone que Mario y Peach se apresuran a defender su reino del ejército invasor de Bowser, pero estas secuencias sin sentido nos recuerdan que nadie tiene prisa por llegar a ningún lado. Tenga en cuenta la falta de lógica que rige si es posible lesionarse o morir, y podrá ver por qué la película se siente tan lenta y acolchada, a pesar de que faltan unos 80 minutos para que comiencen los créditos finales.

Matthew Fogel, el guionista, ha hecho un trabajo eficiente al vincular las diversas referencias, pero la película tiene una asombrosa falta de bromas, giros, líneas memorables, acrobacias emocionantes, momentos conmovedores y cualquier otra cosa que pueda atraer a cualquier espectador que no esté jugando Paper Mario. Tan ingeniosa y corporativa como The Super Mario Bros Movie es, tiene una pereza de primer borrador que es raro en la animación de pantalla grande. 

Obviamente, los cineastas están tan seguros de que tienen una franquicia infalible en sus manos que ni siquiera se han molestado en construir el mundo. Hay grandes misterios que no se aclaran ni se vuelven a mencionar, presumiblemente porque los productores lo están reservando para una de las muchas secuelas que están planeando. Sin duda su confianza está justificada. La película Super Mario Bros probablemente hará una fortuna, porque es lo suficientemente inofensiva y colorida como para ser casi adecuada como un pasatiempo de vacaciones de Pascua para niños pequeños, aunque eso signifique que cualquier adulto que acompañe a esos niños puede desear estar viendo la película de Hoskins y Leguizamo.

Crítica Cinéfila: Jurassic World Dominion

Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, los dinosaurios ahora viven y cazan junto a los humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio remodelará el futuro y determinará, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán siendo los depredadores máximos en un planeta que ahora comparten con las criaturas más temibles de la historia.

Jurassic World Dominion es una secuela que lanza momentos nostálgicos referenciales al thriller de Steven Spielberg de 1993 donde inició la franquicia de dinosaurios, sin embargo, pierde completamente de vista el corazón y la humanidad de su original, y el asombro entusiasta que la hizo tan inolvidable. Sea lo que sea que se planteara el director Colin Trevorrow con la interesante secuela de 2015, Jurassic World, aquí se convierte en un caos exagerado, logrando de alguna manera reunir a los personajes de las trilogías nuevas y originales, así como a las criaturas prehistóricas a las que se enfrentan, en un desafío rutinario de "la evolución ha pasado por alto a este monstruo". Lo peor de todo es que se siente como la misma historia contada por tercera vez.

La sexta entrega de Universal sin dudas tiene record en taquillas; los adictos a la franquicia desde hace mucho tiempo ciertamente no están buscando reseñas para obtener orientación. Pero se merecen algo mejor; al menos un mínimo de respeto por parte de los cineastas convencidos de que todos los que ven tienen la capacidad de atención de un mosquito atrapado en un ámbar. El arquetipo establecido por Steven Spielberg de construir pacientemente el suspenso al mantener a las criaturas mortales fuera de la vista durante el mayor tiempo posible (lo inició con Jaws) ha caído en el olvido con esta película. No hay misterio ni temor, solo una sucesión de destrucción desenfrenada provocado por el aparentemente inevitable deseo de hacer mal las cosas.

En un momento temprano, Maisie Lockwood (Isabella Sermon), que fue revelada en "Jurassic World: Fallen Kingdom" como un clon genético, da a un grupo de madereros de las Montañas de Nevada un consejo para atraer a un par de braquiosaurios fuera de su lugar de trabajo. El asombro en los rostros humanos mientras estos majestuosos gigantes se lanzan en su camino recuerda el poder poético del original de Spielberg. Pero la nueva película está diseñada en otros lugares para apenas dejar respirar a su audiencia.

Como uno de los peligrosos experimentos que inclue la modificación genética del científico Dr. Henry Wu (BD Wong), el guion de Emily Carmichael y Trevorrow une el ADN de diferentes películas, pero resulta una mezcla de género sin identidad propia. Además de los elementos centrales del Parque Jurásico, los escritores dejan caer los arquetipos de las series Indiana Jones, Bourne y Alien, y en su lugar atraen referencias fuera del híbrido aventura-terror como el mercado negro maltés directamente de la cantina de Star Wars o la plaga de langostas mutantes.

Esas langostas mestizas comienzan a diezmar los cultivos en todo el corazón de Estados Unidos, multiplicándose rápidamente hasta el punto de que el Dr. Wu, que desarrolló la especie, advierte de una inminente escasez de alimentos. Pero para Lewis Dodgson (Campbell Scott), su peculiar jefe en el conglomerado tecnológico Biosyn, la hambruna global es solo un efecto secundario desafortunado. Los cultivos a partir de semillas de Biosyn no son tocados por las langostas, como estaba previsto, allanando el camino para que la empresa controle el suministro mundial de alimentos.

Ellie Sattler (Laura Dern), vista por última vez en el Jurassic World III de 2001, aprende del fenómeno de la langosta mientras estudia la ciencia del suelo y la agricultura sostenible. Cuando rastrea los genes de los insectos hasta el período cretácico, se vuelve a conectar con su antiguo interés romántico, el paleontólogo Alan Grant (Sam Neill), y vuelan a la sede de Biosyn en las montañas Dolomitas de Italia. Su antiguo asociado, Ian Malcolm (Jeff Goldblum), está trabajando como consultor allí,  con una serie de conferencias para los jóvenes científicos de la empresa. Pero también ha estado deslizándole información  sobre la amenaza de la escasez de alimentos a Ellie.

Junto con las gigantescas instalaciones de laboratorio, el complejo Biosyn incluye un vasto santuario, un valle de exuberante vegetación rodeado de montañas nevadas, donde los gobiernos internacionales han acordado reubicar las innumerables especies prehistóricas que se han estado reproduciendo como conejos desde que fueron liberadas de la mansión Lockwood al final de Fallen Kingdom. Exactamente cómo esos dinosaurios se han multiplicado y extendido por todo el planeta en cuatro años sigue siendo un detalle brumoso, aunque el velociraptor superviviente conocido como Blue se ha reproducido sin pareja gracias a su hebra de ADN de lagarto monitor.

Es a través del bebé de Blue, llamado Beta, y Maisie que entra en juego la segunda historia. Ambos son secuestrados cerca de la cabaña donde Maisie ha estado viviendo bajo la tutela de la ex gerente del parque Jurassic World, Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) y el domador de velociraptors, Owen Grady (Chris Pratt).

Antes de que toda la pandilla se reúna en los laberínticos túneles y bosques del santuario Biosyn, hay una serie de preámbulos argumentales mínimamente atractivos que involucran la necesidad rebelde de libertad de la adolescente Maisie, hasta que esta es secuestrada y trasladada a Malta para luego dirigirse al santuario de Biosyn.

Al mismo tiempo, el mercado mundial de cazadores furtivos de especies exóticas prehistóricas, de las cuales ahora parece haber docenas. Eso requiere un desvío a Malta para Owen y Claire, donde entran en modo héroe de acción defendiéndose de los ataques de depredadores humanos y animales, incluido una contrabandista despiadada llamada Santos (Dichen Lachman), confusamente vestido con atuendo de cóctel mientras ella está marcando con láser a la gente de izquierda a derecha para convertirlos en objetivos de los raptors. El decorado más grande de la película es una doble persecución por las antiguas calles de la capital maltesa Valeta, con Claire en la parte trasera de una camioneta y Owen en una motocicleta.

Hay cierta emoción mordaz en la voluntad, ellos o no lo harán, escena en la que corren para abordar un avión de carga con destino a los Dolomitas, capitaneado por la piloto de alquiler Kayla Watts (DeWanda Wise). Los escritores cuentan con un afecto preexistente por los personajes secundarios, en lugar de darles algo interesante que hacer. Eso permite a los carismáticos recién llegados Wise y Mamoudou Athie como el inteligente jefe de comunicaciones de Dodgson, Ramsay Cole, se vaya con la película, simplemente en virtud de traer algo diferente a la mesa.

Francamente, aparte del humor gracioso que Goldblum trae al hábil y descaradamente vanidoso Dr. Malcolm, podría haber abandonado a la antigua tripulación y haber tomado todo un spin-off . El otro recién llegado, Dodgson de Scott, es un villano pálido que hemos visto con demasiada frecuencia últimamente, el CEO socialmente rígido y egoísta en el molde de Bill Gates/Jeff Bezos/Elon Musk, que medio se convence de que la capacidad de descubrimiento científico y médico en su trabajo justifica la codicia y el complejo de Dios.

Las historias son memorizadas, tanto por separado como cuando convergen; ya sean Ellie, Alan y Maisie en una mina de ámbar abandonada u Owen, Claire y Kayla en el santuario salvaje, son situaciones que se han visto antes. Trevorrow sigue lanzando diferentes dinosaurios, incluidos algunos viejos favoritos que no se han visto desde la primera película, y nuevas entradas como el temible giganotosaurus, que tiene la distinción de ser el carnívoro terrestre más grande de la historia. En el salón de la fama de los depredadores terrestre, podría ser más grande y mezquino, pero no termina siendo más aterrador que el viejo T-Rex. Esto se debe a que la narración carece de imaginación. Escena tras escena sigue una plantilla familiar de escape estrecho, sin que la amenaza persista más de unos minutos.

A pesar de todo el pánico sin aliento, la mayoría de las soluciones parecen demasiado fáciles, como Claire mirando a un banco de monitores de ordenador y exclamando convenientemente que es el mismo sistema del parque Jurásico.  Los dinosaurios son ciertamente variados en tipo y el trabajo de CGI es lo suficientemente sólido en su mayor parte, aunque algunas de las especies más pequeñas y lindas como los nasutoceratops bebés parecen más juguetes para el marketing que a criaturas reales. Había un ingenio en todo esto cuando Spielberg lo hizo, con una tecnología mucho menos avanzada. Ahora todo parece pintura digital. No hay magia.

El editor Mark Sanger y el compositor Michael Giacchino mantienen la historia arrasándose, posiblemente con la esperanza de que si se mueve lo suficientemente rápido, a nadie le importe la trama colosalmente tonta. Al menos hay una delicada distracción cuando el tema musical original de John Williams se canaliza sobre la detenida reconexión romántica de Ellie y Alan, que sirve como recordatorio de una película real. En cuanto a este, la extinción se oficializa.

Crítica Cinéfila: Onward

Ambientado en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo. 

Erase una vez, Disney jugaba con los sentimientos de su audiencia. Pero aún así la gente sentía poca originalidad. Dedicó sus últimos dos años a revivir viejas historias, trayendo Toy Story 4 , Increíbles 2 y Buscando a Dory, y de vez en cuando creando historias originales, como Coco. De repente, llegó el 2020 y consigo trajo a Onward, reviviendo la vieja pregunta confiable: ¿todavía se mantiene la magia? La respuesta es muy satisfactoria.

El escenario de Onward es un reino de criaturas míticas que viven tanto como los humanos de hoy en día: la magia se ha ido prácticamente. Los unicornios se alimentan a través de contenedores de basura suburbanos, y aunque pueden galopar a 70 mph, el policía centauro conduce un automóvil, por poco práctico que sea.

De momento ya se sabe que va a ser una película de misiones. Incluso señala cómo no está tomando la ruta directa sino el "camino del peligro". Al igual que con lo mejor de la producción de Pixar, el viaje es tanto hacia adentro como hacia afuera (o hacia adelante). Nuestros héroes son dos elfos de piel azul: Ian, inseguro y maltrecho (con la voz de Tom Holland) y su hermano mayor, el ingenio lento Barley (Chris Pratt), cuyo conocimiento enciclopédico del saber mágico arcano podría ser útil. Su padre murió antes de que Ian naciera, pero dejó a los hermanos un extraño regalo para abrir en el cumpleaños número 16 de Ian: un hechizo para traerlo de vuelta por un día. Como cualquiera que haya visto el avance lo sabrá, el hechizo solo funciona a medias: solo trae la mitad inferior de su cuerpo. Y así los hermanos deciden salir con las piernas de su padre en busca de completar el hechizo y poder pasar las siguientes 24 horas con un padre que no los vio crecer.

Así, salieron a la carretera en la furgoneta de Barley, en una carrera contra el tiempo para encontrar lo que necesitaban: arrastrando las piernas de papá detrás de ellos como una mascota torpe. Inicialmente, lo de las piernas es desagradable; pero en el punto medio de la historia, el padre proporciona un alivio cómico novedoso, especialmente cuando los hermanos crean la mitad superior improvisada. Hay sorpresas y placeres en el camino: algunos surrealmente cómicos, algunos modestamente espectaculares, otros que podrían haber sido engañados de una antigua campaña de Dungeons & Dragons. Pero Onward se revela como algo más que una simple aventura para niños.

La historia se extravía astutamente en asuntos de relaciones masculinas, tanto fraternales como paternales. Los personajes de los hermanos se profundizan considerablemente a medida que descubren y revelan fortalezas y vulnerabilidades. En medio de la inevitable acción climática, la reunión con el padre se resuelve de una manera delicada, inesperada y silenciosa. En lugar de ofrecer lecciones clichosas, Onward se siente sincera y específica, y mucho mejor por ello, Por supuesto, el escritor y director Dan Scanlon perdió a su padre cuando tenía un año y no lo recuerda, y de ahí surge suficiente inspiración para hacer esta historia aún más real y cercana.

Se podría argumentar que aquí hay poco para las niñas y las mujeres, aunque hay papeles secundarios para la madre de los niños (Julia Louis-Dreyfus) y la mantícora afectada por la crisis de Octavia Spencer (una criatura león / dragón / escorpión alada). Pero si bien este tipo de relaciones a menudo se tratan en cuentos de hadas dirigidos por mujeres, para los personajes masculinos esto todavía es un territorio relativamente poco explorado. 

Debajo de los adornos de arte de fantasía amigables con los hermanos, Onward encuentra esa vieja magia de Pixar. El fin.

Crítica Cinéfila: The LEGO Movie 2

Después de cinco años de tranquilidad aparece una nueva amenaza: invasores de LEGO DUPLO del espacio exterior que lo destrozan todo antes de que dé tiempo a reconstruirlo. Emmet, Lucy, Batman y sus amigos unirán fuerzas para librar una batalla que les llevará a mundos inexplorados.

La tan esperada segunda película de The Lego Movie sigue siendo una opción que supera en muchos sentidos las otras historias animadas que Hollywood ofrece a los jóvenes espectadores (y sus acompañantes que miran el reloj constantemente). Aún así, y esto era algo inevitable lo que la primera película logró: esa sensación inagotable de chistes bien contados y referencias satirizadas que repletas de miniaturas de bloques desechables que la primera película de Lego tenía no lo logra en su totalidad aquí. Y tal vez no podría.

Cinco años después, Emmett (Chris Pratt), Lucy (Elizabeth Banks), Batman (Will Arnett) y el resto de la pandilla de Bricksburg finalmente regresaron. Pero esta vez ya no es tan impresionante. Cinco años después de los eventos de la primera película, el eternamente soleado Emmet y sus amigos se enfrentan a una nueva amenaza mucho mayor (pero menos graciosa) que Lord Business de Will Ferrell y su tubo de Krazy Glue. Su mundo se ha convertido en un páramo apocalíptico de Mad Max, lleno de cyborgs y alcantarillas bebés. 

Y justo cuando parece que las cosas no pueden empeorar, aparece una nueva amenaza en forma de figuras españolas de Lego Duplo color Starburst que invaden desde el espacio exterior, armadas con voces de hermanitas y el deseo de destruir todo lo que intentan nuestros héroes para reconstruir. Ni siquiera las versiones de Lego del establo de superhéroes de DC (y sus bromas internas en Marvel, rival de Crosstown) pueden salvar el día. Mientras la melancólica y meditante Lucy y el narcisista Batman son raptados por esta nueva amenaza, Emmet obtiene un nuevo y sorprendente modelo de conducta en la forma de Rex Dangervest (también Pratt), quien le enseña cómo crecer, dejar de ser ingenuo y comenzar a convertirse heroico a tiempo de salvar todo lo que él cree que puede ser increíble y explorar universos inexplorados. Naturalmente, habrá una lección adjunta a todo esto al final.

Esta es una secuela entretenida y disfrutable que muchos momentos dirigidos exclusivamente para el público adulto como mensajes para los más pequeños. Pero, por desgracia, al compararla con la original pierde muchas buenas técnicas únicas. El humor metarreferencial sigue funcionando, pero es menos eficiente porque ya se conoce. Así que ver las partículas líquidas como fichas redonditas o escuchar los disparos como los diría un niño ya no es tan divertido.

La trama enfrenta a los rebeldes oprimidos de Bricksburg contra una reina extraterrestre Duplo (Tiffany Haddish) y sus secuaces de color sorbete, que, como la primera película, terminan reflejando una película del mundo real fuera de los bloques. El choque de la película es el mensaje realista de  un niño y su hermana pequeña que parece que no pueden jugar muy bien juntos. Pero ese dispositivo no tiene la misma resonancia de cambio de dimensión la segunda vez que lo han logrado. 

También hay menos cameos de personajes conocidos: sí sigue estando Batman, La Liga de la Justicia (con alguna broma ingeniosa sobre Aquaman y Linterna Verde) y al personaje de Rex Dangervest basado en el personaje de Chris Pratt en Jurassic World, pero hay menos personajes off-topic que vengan a hacernos reir. Sin embargo, hay mucha una cierta madurez cuestionable en los cameos de la figura de Ruth Bader Ginsburg Lego y un Bruce Willis con orificios de ventilación en la mordaza de devolución de Die Hard. 

En cuanto al trabajo en stop-motion, la animación de la reina Duplo es increíble: darle vida y buscar la expresividad en sus transformaciones es muy meritorio dado el tamaño de las piezas y el trabajo vocal de Tiffany Haddish.

En el resto de la película, hay decisiones creativas más cuestionables, puesto que existen más fisuras y menos cohesión entre el mundo infantil en el que se desarrolla la historia y la realidad de los bloques esparcidos por el desván (algo que se pone de relieve en las transiciones). En todo caso, es una película familiar lo suficientemente bien graciosa y agradable como para pasar un buen rato y por supuesto para funcionar como reclamo publicitario, que es a fin de cuentas otra de sus metas.

Todo lo que probablemente te encantó de la primera película de Lego esta aquí. Pero ¿tan entretenido como The Lego Movie? Seamos honestos, todavía es mejor que el 99 por ciento de su competencia,  pero falta algo: esa chispa candente de creatividad insana y una novedad fuera de la caja que hizo La primera película una sorpresa tan inesperada y revolucionaria. Todo sigue siendo increíble. Solo un poco menos.

Jurassic World: Fallen Kingdom

Una erupción volcánica amenaza a los dinosaurios restantes en la Isla Nublar, donde las criaturas han vagado libremente durante años tras de la desaparición del parque temático "Jurassic World". Claire Dearing, ex gerente del parque, ahora fundó el Grupo de Protección de Dinosaurios, una organización dedicada a intentar preservarlos. Cuando a Claire le ofrecen la oportunidad de rescatar algunos ejemplares de la isla, acude a Owen Grady, el ex entrenador de dinosaurios que trabajó en el parque, para que la ayude a evitar la extinción de los dinosaurios... Secuela de "Jurassic World". (FILMAFFINITY)

¿Qué pasó con la regla de "la gente mala es la que muere de manera cruel en las películas de aventuras"? Y si no es una regla oficial, es la que Jurassic Park (1995) nos dejó. Esa deshumanización por matar todo el que esté en el camino es lo que decepciona de muchas franquicias de aventura, y lamentablemente Jurassic World: Fallen Kingdom entra en ese grupo.

La historia inicia con la interrogante de si deberían salvar o no a los dinosaurios de la Isla Nublar. A pesar de ser un experimento científico, ya son parte de la humanidad otra vez y sería injusto dejarlos que se mueran (como hace millones de años también murieron). Así que otra vez trasladan a la audiencia a la Isla Nublar, no con la intención de que opaque toda la película, pero sí con demostrar cómo es que realmente salvarán a los dinosaurios y cuáles son las amenazas de este plan.

Sí, hay muchos dinosaurios. Sí, los efectos son geniales, y la fotografía es bestial, y la música te traslada a esa primera película de Jurassic Park cuando por primera vez vimos dinosaurios en la pantalla grande y en live action... pero ¿valió la pena hacer esta película? ¿Valió la pena la idea de querer mezclar los dinosaurios con la raza humana y que ahora los humanos sean los que tengan que adaptarse/sobrevivir con estas criaturas?

El mayor problema lo tiene el guión, y no solo en cuanto a las situaciones ilógicas que fue desencadenando, sino también a los diálogos tan "de telenovela" que tuvieron estos personajes. Confundieron géneros, tratando de agregar comedia a lo que sucedía, lo cual no es el género clásico que tiene Jurassic Park. Que nadie me quiera convencer de que una persona puede sobrevivir estando a centimetros de la lava, o que se enconderá en su cama de un dinosaurio...

Los nuevos personajes, incluyendo los malos son muy obvios: ya desde el principio se sabe que terminarán diciendo "muajaja"; y los buenos, eran muy cliché, pues no solo se sorprendían por igual al ver un dinosaurio, sino también que se dedicaban a carreras (como veterinaria de dinosaurios) sin siquiera haber visto un dinosaurio en toda su vida... ¡¿en qué estaban pensando los guionistas?! Y no hablemos de las decisiones que tomaron: ilógicas e insensibles en cada minuto que pasaba.

Es verdad que Bayona es un director impecable, pero esta no es su mejor película, y en realidad no es su culpa, porque el trabajo de dirección, más el montaje y el diseño de producción, son aspectos que hay que resaltar, PERO cuando un guión no es bueno, daña toda la película.

Los dinosaurios son en realidad la parte más entretenida y dramática: Blue y su personalidad enamora a cualquiera; el nuevo dinosaurio y su ingenio es lo más creativo; la escena cuando muestran el Diplodocus que queda en la isla abandonado es tán dramática y triste.

Además, hay algunos twists de la historia que no hunden por completo la película, (SPOILER ALERT: La niña también es una creación científica).

Si usted está pensando ir a ver Jurassic World por los dinosaurios: adelante, y aproveche el 4D. Pero no vaya pensando de que será el magnífico TBT de la versión original de Steven Spielberg. No deja ni frío ni calor, más bien una sensación de pérdida de tiempo.

Y todavía me molesta la frase final de "Welcome to Jurassic World"...

Jurassic World: Fallen Kingdom

Título en español: Jurassic World, El reino caído

Ficha técnica

Dirección: J. A. Bayona

Producción: Belén Atienza, Frank Marshall y Patrick Crowley

Guion: Colin Trevorrow y Derek Connolly

Basada en Personajes de Michael Crichton

Música: Michael Giacchino (Temas de Jurassic Park compuestos por John Williams)

Fotografía: Óscar Faura

Montaje: Bernat Vilaplana

Reparto: Chris Pratt, Jeff Goldblum, Bryce Dallas Howard, B. D. Wong, Toby Jones, Ángel Peraza, Francisco Guardia, Rafe Spall, Justice Smith, Daniella Pineda, Ted Levine, Geraldine Chaplin, James Cromwell, Ivan Altamirano