Crítica Cinéfila: Wonka

Basada en el personaje que protagoniza 'Charlie y la fábrica de chocolate', el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, 'Wonka' cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.

A todo fan de “Willy Wonka y la fábrica de chocolate” del 1971 le encanta la escena en la que Gene Wilder, como el místico fabricante de dulces, lleva a sus invitados a un viaje psicodélico por un túnel, recorriendo las entrañas de la fábrica de chocolate mientras canta un pequeño verso “No hay forma terrenal de saber en qué dirección vamos…”, volviéndose más enojado y más histérico a cada segundo durante la películ. El Wonka de Wilder era un amor, pero tenía un lado maníaco oculto. Y en “Charlie y la fábrica de chocolate”, la majestuosamente loca versión de Tim Burton de 2005, Johnny Depp, entonces en la cúspide de su estrellato cinematográfico, se volvió completamente Depp, interpretando a Wonka como un cruce vampírico entre Anna Wintour y Michael Jackson.

Pero en “Wonka”, la precuela musical divertida, conmovedora, impecablemente escenificada y asombrosamente estelizada del legendario cuento de Roald Dahl, Timothée Chalamet interpreta al personaje principal como el alma radiante de bondad efervescente. Su pasión por el chocolate está ahí (está prácticamente definido por eso), pero los problemas han desaparecido; también lo es cualquier rastro de un lado oscuro. Willy, un joven de unos 25 años, llega a Londres después de siete años de navegar alrededor del mundo, durante los cuales recorrió tierras oscuras en busca de las raras delicias que le darán a sus dulces su trascendente sabor. Tiene sus recetas de dulces (como el hoverchoc, un huevo de chocolate con un insecto en su interior que te hace levitar) y tiene su estilo (abrigo largo morado, chaleco, pañuelo, sombrero de copa arrugado). Pero, sobre todo, tiene su sueño: levantar el mundo llevando la maravilla de sus dulces a todos los que lo habitan.

Para Willy, el chocolate no es un simple dulce. Es una religión, algo que te elevará y cambiará tu día, tu estado de ánimo, tu vida. Y esa creencia se encarna en la actuación delirantemente contagiosa de Chalamet. Es un truco interpretar a alguien tan entusiasta, inocente y ansioso y hacerlo magnéticamente encantador y creíble, y Chalamet tiene el carisma de estrella para lograrlo. Como Willy, es el alma de la dulzura juvenil, aunque con un toque de tristeza (extraña a su difunta madre, interpretada en un flashback por Sally Hawkins), quien le inculcó su amor por la fabricación de chocolate y que se expresa en el delgado y la pensativa mirada de cejas oscuras que nos sigue indicando lo que está pensando. Es como PT Barnum interpretado por el hijo de Daniel Day-Lewis. Chalamet canta con un tono de barítono puro y sincero, comprometiéndose con líneas como "¡Pon tu mano dentro de tu bolsillo, consigue un poco de chocolate Wonka!" Y no es sólo el personaje el que está sano hasta un centímetro de su vida. Como película, “Wonka” puede ser el musical de Hollywood de mayor escala en décadas.

¿Qué tan cuadrado es? En una era que nos ha brindado musicales visionarios de siguiente nivel como “La La Land”, “Moulin Rouge!” y la sorprendentemente subestimada “The Greatest Showman”, así como adaptaciones de Broadway tan modernas y vibrantes como “Chicago”, “Hairspray”, “In the Heights”, “Mamma Mia!”, “Les Misérables” y “Rent”, “Wonka”, dirigida y coescrita por Paul King (quien hizo las películas de “Paddington”), interpretan como una versión visualmente más ágil de alguna reliquia de canto y baile de la era tardía del sistema de estudio de “Oliver!” (1968) y “Scrooge” (1970). Es tan cuadrado que hace que “Mary Poppins Returns” parezca vanguardista.

Willy ha venido a Londres para montar su primera tienda de chocolates, algo que planea hacer en las Galleries Gourmet, un vasto y ornamentado centro comercial que alberga las tiendas de los tres chocolateros reinantes (y corruptos) de la ciudad: Slugworth (Paterson Joseph), el untuoso cabecilla con sonrisa de serpiente; el snob Fickelgruber (Matthew Baynton), a quien literalmente le dan arcadas cada vez que escucha las palabras "los pobres"; y el pomposo Prodnose (Matt Lucas), quien no sabe filtrar información. Willy tiene 12 soberanos de plata a su nombre, que utiliza en un solo día. Sabe que tan pronto como la gente pruebe su chocolate, tendrá el dinero para abrir la tienda de sus sueños. Pero cuando nuestro trío de villanos lo prueba, saben que tendrán que acabar con él utilizando al Jefe de Policía (Keegan-Michael Key), un tonto adicto al chocolate que cumple sus órdenes para obtener una gran recompensa clandestina de dulces.

Como si este sindicato del chocolate no fuera impedimento suficiente, el destino de Willy es aterrizar en una pension dirigida por la Sra. Scrubbit (Olivia Colman), un ogro dickensiano que atrapa a sus clientes con un contrato de por vida, encarcelándolos en el sótano como esclavos trabajadores. Colman y Tom Davis, como el corpulento secuaz de la señora Scrubbit (que se convierte en su ridículo novio vestido con un kimono de seda), se burlan y gruñen como si salieran de una producción itinerante suburbana de "Sweeney Todd". Quizás tengas que volver al Child Catcher en “Chitty Chitty Bang Bang” (1968) para encontrar villanos musicales en este nivel de cobardía.

Da la casualidad de que Willy puede entrar y salir del cautiverio escondiéndose en un carrito de lavandería. Organiza a las otras víctimas de Scrubbit, como la triste huérfana Noodle (Calah Lane) y el contable Abacus (Jim Carter), en un equipo para ayudarlo a derrotar las fuerzas de la maldad al estilo de la vieja escuela. También se enfrenta a un ladrón que se convierte en su comodín: un Oompa-Loompa de piel naranja y pelo de paje verde, interpretado por Hugh Grant con un irresistible toque aristocrático y hosco. Todo esto es absolutamente disfrutable, al igual que el lujoso estilo victoriano del backlot de la película, y “Wonka”, con un poco de suerte, se convertirá en el éxito navideño que los dueños de salas de cine ahora están desesperados.

Sin embargo, apuesto a que podría haber sido un éxito aún mayor si hubiera sido un poco menos pulido para los niños y se hubiese aprovechado más la esencia de Roald Dahl (que estuvo presente en la animada adaptación del año pasado de “Matilda” de Dahl). Las canciones de la película, escritas por Neil Hannon, te llevan, aunque con más energía bulliciosa que éxtasis, al menos hasta que llegas a la canción icónica retomada de “Willy Wonka and the Chocolate Factory”, “Pure Imagination”, que hace un hermoso trabajo de hacernos cosquillas en nuestro gusto por lo dulce de la nostalgia. 

Crítica Cinéfila: The Super Mario Bros. Movie

Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Mario ha sido uno de los personajes más queridos en la historia de los videojuegos desde que se le vio por primera vez saltando barriles y subiendo vigas en Donkey Kong en 1981. Pero incluso si nunca has jugado un solo videojuego, no hay una razón por la que no valga la pena ver una película de Mario. Cierto, Super Mario Bros de 1993, con Bob Hoskins y John Leguizamo, fue un fracaso notorio, pero The Lego Movie estaba ligado a una línea de juegos de construcción de plástico, y eso fue maravilloso. Wreck-It Ralph demostró cuán inteligente podría ser una caricatura ambientada en un entorno de videojuegos. Y otro lanzamiento reciente Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves demostró que las películas adaptadas de los juegos pueden ser muy divertidas, estés o no familiarizado con los juegos en cuestión. Desafortunadamente, The Super Mario Bros Movie no es una de esas películas.

La parte decepcionante es que la nueva caricatura imperdible está dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic, los creadores de la brillantemente alocada Teen Titans Go!, pero cada episodio de 10 minutos de esa serie tenía más ideas que toda su película. Mario (Chris Pratt) y su nervioso hermano menor Luigi (Charlie Day) se establecen como jóvenes de buen corazón y tupidos bigotes que están tratando de construir su propio negocio de plomería independiente. Hay algunos guiños astutos al juego y algunas explicaciones ingeniosas para las cualidades más cuestionables de los personajes: sus guantes blancos son un truco de marketing, le dice Mario a su escéptica familia, y sus acentos italianos exagerados se ponen para un anuncio de televisión. Hay una divertida y caótica escena en la que un perro amargado sabotea un trabajo de arreglo de grifos. 

La animación por computadora es impresionantemente avanzada, el único inconveniente es que las superficies texturizadas de cada objeto son casi fotorrealistas, lo que hace que los simplificados y redondeados Mario y Luigi parezcan juguetes de peluche andantes en comparación al juego. La película no solo tiene referencias rápidas, tiene largas secuencias extraídas de ellos. 

Los hermanos investigan una inundación, que nunca se explica, y encuentran una tubería mágica, que tampoco se explica. La tubería los envía a ambos a otro planeta, o posiblemente a otro universo. Eso tampoco se explica nunca. Mario es depositado en el Reino Champiñón de cuento de hadas, donde los alegres hongos parlantes son dirigidos por una rubia parecida a Barbie llamada Princesa Peach (Anya Taylor-Joy). Pero el pobre Luigi es capturado por el monstruoso Bowser (Jack Black), que tiene un nombre que sugiere que es un perro y un físico que sugiere que es un dragón, pero que en realidad es el líder de una raza de tortugas llamada Koopas. Por una notable coincidencia, los hermanos llegan a este planeta surrealista (o, posiblemente, a este universo surrealista) justo después de que Bowser acaba de conseguir una estrella brillante que le permitirá conquistar el Reino Champiñón.

Para el ojo inexperto, parece que él y su ejército son tan fuertes que podrían haberlo conquistado, pero no importa. La película Super Mario Bros tiene el tipo de mitología desconcertante y sin sentido que podrías esperar cuando una compañía de juegos japonesa crea un plomero ítalo-estadounidense de Brooklyn y luego sigue desarrollando las aventuras de ese personaje durante 40 años. Siempre y cuando no te preocupes por eso y aceptes la aleatoriedad psicodélica, puedes aceptarlo como una ciencia ficción tonta y ya. Pero después de algunas escenas, este esquema argumental engañoso es el menor de los problemas de la película.

El problema comienza cuando Mario se ve repentinamente rodeado de ladrillos flotantes, monedas de oro gigantes, cubos "Power Up" y efectos de sonido electrónicos burbujeantes, que solo tienen sentido en el contexto de un videojuego. Llegado a este punto, queda claro que los directores han renunciado a hacer una caricatura que cualquiera pueda disfrutar y, en cambio, se han concentrado en acumular referencias en beneficio de los fanáticos devotos de los juegos.

Lo que es peor es que la película no solo tiene referencias rápidas a estos juegos, sino que tiene largas secuencias extraídas de ellos. En lugar de moverse a lo largo de la trama, los directores siguen haciendo que los personajes corran por pistas de asalto aéreo que desafían la gravedad, o conduzcan autos de carreras a lo largo de un arcoíris, solo porque eso es lo que sucede en los juegos. Disminuyen la velocidad de la película hasta detenerla cada vez más. Se supone que Mario y Peach se apresuran a defender su reino del ejército invasor de Bowser, pero estas secuencias sin sentido nos recuerdan que nadie tiene prisa por llegar a ningún lado. Tenga en cuenta la falta de lógica que rige si es posible lesionarse o morir, y podrá ver por qué la película se siente tan lenta y acolchada, a pesar de que faltan unos 80 minutos para que comiencen los créditos finales.

Matthew Fogel, el guionista, ha hecho un trabajo eficiente al vincular las diversas referencias, pero la película tiene una asombrosa falta de bromas, giros, líneas memorables, acrobacias emocionantes, momentos conmovedores y cualquier otra cosa que pueda atraer a cualquier espectador que no esté jugando Paper Mario. Tan ingeniosa y corporativa como The Super Mario Bros Movie es, tiene una pereza de primer borrador que es raro en la animación de pantalla grande. 

Obviamente, los cineastas están tan seguros de que tienen una franquicia infalible en sus manos que ni siquiera se han molestado en construir el mundo. Hay grandes misterios que no se aclaran ni se vuelven a mencionar, presumiblemente porque los productores lo están reservando para una de las muchas secuelas que están planeando. Sin duda su confianza está justificada. La película Super Mario Bros probablemente hará una fortuna, porque es lo suficientemente inofensiva y colorida como para ser casi adecuada como un pasatiempo de vacaciones de Pascua para niños pequeños, aunque eso signifique que cualquier adulto que acompañe a esos niños puede desear estar viendo la película de Hoskins y Leguizamo.

Crítica Cinéfila: Wendell and Wild

Dos malévolos demonios hacen un trato con una adolescente fanática del punk para escapar del Inframundo y hacer realidad sus sueños en la Tierra de los Vivos.

Henry Selick, cuyo último largometraje fue la obra maestra en stop motion "Coraline" (2009), está de vuelta con otro stop motion titulado "Wendell & Wild". Es un delicioso regreso a la forma para volver a poner esta técnica en su mayor altura, y una colaboración encantadoramente tortuosa con el dúo de comedia Keegan-Michael Key y Jordan Peele, reunidos después de que terminara su innovadora serie de comedia.

Después de ver a sus padres morir en un trágico accidente automovilístico, la problemática joven Kat (Lyric Ross) pasó su adolescencia desviándose de casa a casa, metiéndose en problemas y odiando al mundo. Cuando regresa a su ciudad natal de la infancia, Rust Bank, para unirse al programa de rehabilitación de adolescentes de una escuela católica local, lo encuentra como un pueblo fantasma donde una vez hubo una comunidad próspera. Los burócratas ricos han invadido la ciudad y ahora esperan arrasar el último de los recursos de la comunidad para construir una prisión privada.

Mientras tanto, en una dimensión demoníaca technicolor, los hermanos Wendell (Key) y Wild (Peele) están viviendo su castigo eterno como peluqueros que viven en el cuero cabelludo y dentro de las fosas nasales del señor de la dimensión, Buffalo Belzer (Ving Rhames), quien atrapa a las almas de los muertos en un parque temático infernal atado a su vientre gigante. Wendell y Wild sueñan con escapar, haciendo planos de papel cortado de su propio parque temático, la Dream Fair. Poniéndose en contacto con Kat a través de una problemática secuencia de sueños, hacen un trato con ella: jurar lealtad y liberarlos en el mundo mortal convirtiéndose en sus sirenas del infierno, siempre y cuando le devuelva la vida a sus padres fallecidos.

Hay muchos detalles arquetípicos que Key, Peele y Selick buscan encajar en esta película: está el retorcido director de la escuela, que intriga para traer a la corrupta Junta Directiva de la ciudad de vuelta al mundo de los vivos; el conserje que vive en el sótano de la escuela, que tiene una obsesión secreta con los demonios; y una ex dama del infierno que trata de proteger a Kat de no cometer el mismo error que ella cometió a su edad.

Esta compulsión hace que "Wendell & Wild" se sienta un poco sobrecargado al final, con 20 minutos finales que ata cada hilo de la trama. La película podría haber sido mejor servida eligiendo uno o dos temas entre los peligros de la necromancia, enfrentar a los demonios, la importancia de apoyar a las empresas locales, las promesas vacías del sistema de rehabilitación juvenil y aprender a aceptar la muerte, pero la película nunca permite que nada se quede en el camino.

Pero dejando esto a un lado, la película es una alegría vertiginosa, hilarantemente asquerosa y sincera, con el tipo de atención al detalle que hace que las películas de Selick sean una experiencia tan visceral. Wendell y Wild usan la crema de rejuvenecimiento del cabello de Belzer para "revivir" los cadáveres prometidos, y las garrapatas de piernas largas gigantes rebotan y explotan. Los personajes morados de Wendell y Wild incluso parecen versiones exageradas de Key y Peele: Wendell demacrado y inclinado, mientras que Wild es un barbudo y redondo.

"Wendell & Wild" es una película con un reparto gratificantemente multicultural, rara para una película de stop-motion occidental, cuyos personajes suelen ser de código blanco o blanco. La mayoría del elenco de voces y sus homólogos animados son negros, y un estudiante de la escuela, Raúl (Sam Zelaya), es un chico trans. La animación en sí es una de las más llamativas y fluidas de la carrera de Selick, con secuencias de sueños 2D de color dorado y resurrecciones de no-muertos iluminadas de neón. Una banda sonora con The Specials, TV on the Radio y similares deja claro que esta es una película para los góticos y los raros. "Wendell & Wild" se siente como un regreso en muchos sentidos, al tiempo que evoca algo totalmente nuevo.

Crítica Cinéfila: The Prom

Un grupo de estrellas de teatro hilarantemente obsesionadas con sí mismas se adentra en un pequeño pueblo conservador de Indiana en apoyo de una chica de secundaria que quiere llevar a su novia al baile de graduación.

Meryl Streep está en un estilo interesante en The Prom como Dee Dee Allen, una diva del escenario ganadora de dos Tony Awards que debe olvidar años de ensimismamiento de celebridades y dar el paso desconocido de anteponer las necesidades de otras personas. Siempre que está en la pantalla central, esta adaptación de Netflix del desarmante musical de Broadway de 2018 brilla con un humor cursi. En otros lugares, el reparto estrellado y la mano dura del director Ryan Murphy le hacen pocos favores al material de peso pluma, con escenas dramáticas inertes y números musicales exagerados que contribuyen a la temática general. El valor más innegable de la película está en la representación que brinda a los adolescentes LGBTQ a través de un baile de la escuela secundaria que es el sueño arcoíris de todo niño queer emocionalmente aislado.

El musical presenta una partitura de Matthew Sklar y un guión coescrito por Bob Martin y Chad Beguelin, lleno de canciones que son pegadizas en el momento, incluso si rara vez permanecen mucho tiempo en la cabeza. La modesta producción de Broadway tuvo un atractivo considerable en su elenco de queridos veteranos del teatro de Nueva York que interpretan caricaturas de sí mismos mientras descienden a la pequeña ciudad de Indiana con un plan egoísta para rehabilitar su reputación poco comprensiva. Incluso si el lado sentimental era menos cautivador que la sátira, el mero hecho de ser un musical original en un panorama de películas readaptadaas y compilaciones de máquinas de discos, les valió mucha buena voluntad.

Al adaptar el musical a la pantalla, Martin y Beguelin rellenan los interludios entre las canciones de manera que desinflen el humor al tiempo que exponen la fragilidad del drama central. No ayuda que Murphy, cuyo credo puede que sea "cuanto más ocupado, mejor", tenga con frecuencia la cámara del director de fotografía Matthew Libatique girando a toda velocidad alrededor de los personajes sin ninguna razón discernible.

También ha habido un cambio en las actitudes nacionales que va en contra de la comedia. En 2018, todavía era posible reírse del enconado abismo entre los estados rojo y azul. Después de cuatro años de maquinaria de Trump que promueve el odio, a nadie le divierte. Eso hace que la controladora reina del PTA, la Sra. Greene (Kerry Washington) sea una furiosa colapsante, ya que decide cancelar el baile de graduación de la escuela secundaria en lugar de permitir que Emma (Jo Ellen Pellman) traiga una cita del mismo sexo. Cuando el director de la escuela progresista Tom Hawkins (Keegan-Michael Key) obtiene el respaldo de la oficina del Fiscal del Estado para realizar una fiesta de graduación inclusiva, la Sra. Greene usa medios más deshonestos para eludir ese mandato, infligiendo la máxima crueldad a Emma.

"Esto no es Estados Unidos, esto es Indiana", dice la cruzada conservadora moralista. "Se trata de que un gran gobierno nos quite la libertad de elección". Dado que las mujeres negras han sido la columna vertebral del Partido Demócrata durante generaciones, el papel de Washington, cuyo fuerte no es la comedia, es lo más asombroso de la película. Nuestra antipatía por el personaje está prácticamente sellada una vez que se revela desde el principio que la hija de la Sra. Greene, Alyssa (Ariana DeBose), es la novia secreta de Emma, ​​que planea salir del closet en el baile de graduación. De modo que el inevitable cambio de actitud de la Sra. Greene, cuando finalmente antepone sus sentimientos maternos a su política, juega como un final feliz mecánico más que como un desarrollo basado en el personaje.

El toque de Murphy es evidente desde el principio cuando W45th Street en el distrito de los teatros de Manhattan se convierte en un deslumbrante tumulto de letreros LED que ponen a Las Vegas a la sombra. Dee Dee y su coprotagonista Barry Glickman (James Corden) están celebrando la noche de apertura de su bio-musical ¡Eleanor Roosevelt, Eleanor! cuando una crítica fulminante en The New York Times convierte el afterparty en un velorio. Su publicista, Sheldon (Kevin Chamberlin), les informa que el crítico tiene un punto: "No es la obra. Son ustedes dos. Simplemente no son agradables. A nadie le gustan los narcisistas".

Dee Dee y Barry, que pensaron que tenían que idear una causa que les ayudara a reformar su imagen empañada, se pusieron de acuerdo con Trent (Andrew Rannells), un actor desempleado obligado a atender un bar, y Angie (Nicole Kidman). una bailarina de coro que ha estado esperando 20 años para continuar como Roxie en Chicago. Con la difícil situación de Emma en el baile de graduación en Twitter, abordan un autobús turístico Godspell no sindicalizado y se dirigen al estado de Indiana decididos a cambiar vidas.

El mejor número de la película encapsula el choque cultural de los condescendientes liberales de la Costa Este que emergen de su burbuja para iluminar los caminos ciegos de los pandilleros del corazón, mientras Dee Dee aplasta una acalorada reunión cantando "It's Not About Me". La broma es que, por supuesto, de eso se trata exactamente. El showtopper con temática de tango contiene algunas de las letras más divertidas de Beguelin, con Dee Dee ilustrando cómo la cosmovisión del teatro está completamente formada por su experiencia en el escenario. Streep es constantemente hilarante.

Las primeras chispas de un interés amoroso poco probable entre Dee Dee y el devoto fanático de Broadway, Tom, surgen en este punto, junto con la tímida inquietud de Emma por ser empujada a la primera línea del activismo LGBTQ. Pellman es encantadora en el papel, formando una pareja adorable con DeBose. Pero entre el diseñador de producción Jamie Walker McCall que bombardeó la escuela secundaria en brillantes tonos de colores dulces y Lou Eyrich que le dio a Emma una serie de opciones de estilo andrógino y moderno en la vestimenta, difícilmente parece una extraña. El personaje fue expulsado de su casa a los 16 años cuando se lo contó a sus padres, pero la incorporación de una abuela solidaria y de mente abierta (Mary Kay Place) contribuye a reducir las apuestas de que Emma encuentre su voz.

La trama está más o menos inactiva con una tensión mínima a través de la sección media distendida de la película. Además de que hay muchas subtramas que seguir, es difícil reconocer la verdadera trama principal. Barry y Angie se turnan para asesorar a Emma, ​​y ​​Trent hace alarde de sus credenciales de Juilliard con un horrendo himno de aceptación que se derrumba como un pedazo de plomo en un rally de camiones monstruo. También hay una pequeña fricción entre Dee Dee y Tom cuando descubre que la principal motivación de los oportunistas neoyorquinos era la publicidad.

Ver a estos actores ejercitar sus habilidades musicales brinda un disfrute esporádico, incluso si el elenco nunca es coherente como conjunto. Corden, cuyo rango limitado se vuelve más evidente con cada papel en la pantalla, se debate entre esforzarse demasiado y no lo suficiente como Barry. Quizás consciente del potencial para un actor heterosexual que interpreta un gay estereotipado en llamas, Corden canaliza los gestos sin la alegría. Es una actuación plana sin mucho corazón, incluso cuando aparece Tracey Ullman para reparar puentes como la madre separada de Barry. Y Corden es demasiado joven para ser contemporáneo de Dee Dee. Este es un papel que clama por Nathan Lane.

Rannells lo hace mejor a pesar de que su personaje desaparece durante gran parte de la acción. Él reaparece con "Love Thy Neighbor", uno de los dos números optimistas consecutivos en un centro comercial que parece más un centro comercial de una gran ciudad que parte de una ciudad de provincias donde Kmart es la mejor opción de moda. Key es simpático como siempre, en la medida en que lo permite jugar al hombre heterosexual literal. Y Kidman aporta una dulzura y un humor chiflado discreto a la corista que lucha por mantenerse en el juego y mantener su bebida diurna bajo control. Sin embargo, su gran canción, "Zazz", está diseñada para un motor más consumado de la escuela Fosse, algo que ningún efecto visual puede disfrazar.

Murphy está de regreso en el territorio de Glee aquí, para bien o para mal, lo que significa que los números a menudo se esfuerzan por la exuberancia: la coreografía del director de escena Casey Nicholaw se vuelve grande y atlética cada vez que surge la oportunidad, y las voces tienden a la uniformidad. Solo cerca del final, cuando Emma toma el control de su narrativa en la canción "Unruly Heart", a la que se le da un tratamiento relativamente íntimo si ignoras su cama levitando y girando, la sinceridad detrás del esfuerzo lo hace realmente conmovedor.

A diferencia de Everybody's Talking About Jamie, un éxito en el escenario de Londres con una trama similar que también se proyectó en la pantalla, los personajes jóvenes aquí juegan un papel secundario frente a los intrusos que buscan el centro de atención. En cualquier caso, hay algo que decir sobre el amplio alcance de una función de Netflix que defiende los derechos de los adolescentes LGBTQ, compartiendo un mensaje que es fácil de respaldar incluso si la entrega tiende a ser desagradable por largos momentos.

Crítica Cinéfila: Dolemite is my Name

Cuenta la historia de Rudy Ray Moore (Eddie Murphy), un artista que interpretó el rol de un "chulo" de prostitutas muy conocido en la década de los años 70 llamado Dolemite.

Es seguro asumir que Eddie Murphy siempre ha tenido en un altar a "Dolemite" Rudy Ray Moore, ya que el ícono de Blaxploitation lascivo, descarado e infeccioso abría el camino que Murphy luego siguió a su propia fama. Por lo menos, los registros de comedia de Moore y su total desprecio por el público blanco ayudaron a iluminar el camino a seguir. Pero Murphy, quien era una estrella de Hollywood para cuando tenía 25 años, probablemente nunca pensó que se relacionaría tanto con la dura carrera de Moore como en los últimos años. Una vez que le pagan $15 millones para protagonizar "Beverly Hills Cop III", solo puede tener mucho en común con un pionero que autofinancia su película más famosa, la llena de strippers que encontró en un club local, y la filma en un solo teatro de Indianápolis.

Pero Murphy está en un lugar diferente en estos días. Ha pasado un minuto desde que recibió un golpe, pero, en algún nivel, Murphy debe haber sabido que tendría que trabajar si alguna vez quisiera sentirse como antes. ¿Y qué mejor manera para que Murphy vuelva a lo básico que exhumar la leyenda de Moore y ponerse su traje de chulo verde lima?

Una película biográfica alegre sobre la realización de la obra maestra de Moore, "Dolemite Is My Name" no puede detonar con la misma fuerza que la película que la inspiró, pero es exactamente el tipo de película que Moore siempre tuvo en mente a su público objetivo: crudo, sin disculpas, negro y lleno hasta el borde con todas las vulgaridades que le fascinaban. Más concretamente, es una película que obliga a Murphy a luchar por convertirse en Moore; una película que está ansiosa por evocar el genio maníaco que lo convirtió en una estrella, la comedia física que lo hizo rico y la vulnerabilidad herida que lo hizo insustituible. Cuando termina, Dolemite is My Name se siente como un homenaje tanto a Eddie Murphy como a Rudy Ray Moore. Pero hay mucho amor para todos.

Desplegando como un cruce entre Baadasssss! y Bowfinger, Dolemite Is My Name puede no ser tan enérgico o hilarante como cualquiera de sus puntos de referencia más obvios, pero su flotabilidad de gran corazón lo mantiene a flote, y el la película no se ralentiza lo suficiente como para que realmente te importe que siga una fórmula atemporal. Nos encontramos con Moore en algún momento a mediados de los años 70, y el guión bien engrasado de Scott Alexander y Larry Karaszewski no pierde un minuto en decirnos de qué se trata este tipo. Casi 50 años y aún trabajando duro como gerente asistente de una tienda de discos de Los Ángeles, Moore es una gran personalidad atrapada en una vida opresivamente pequeña, y todos están hartos de escucharlo. "A veces nuestros sueños simplemente no se hacen realidad", dice el DJ de la tienda (Snoop Dogg). "Todavía pueden", responde Moore. Es u n promotor incansable con toda la ambición y la confianza necesarias para salir adelante, el único problema de Moore es que no tiene la primera idea de qué hacer con él. Y en un momento en que Hollywood solo estaba abriendo la puerta a actores negros que se parecen a Billy Dee Williams, el charco de mediana edad de Moore no lo llevará a ninguna parte.

Pero todo lo que se necesita es un hombre sin hogar, alcohólico y sin bañar para darle la vuelta. Moore escucha el indigente más inoportuno de su esquina, que ofrece una conferencia rítmica y borracha sobre una leyenda urbana negra, y no puede negar la idea de que otras personas que conoce están hambrientas por el tipo de humor puro y sin sanear que no se ha diluido para las personas blancas. Nunca llegó a ninguna parte lanzando sus bromas a Mayfield, entonces, ¿por qué no tratar de hacer reír a su propio bloque?

Moore aprovecha las historias que han surgido a través de la comunidad negra, las limpia un poco y las entrega con un bastón en la mano. Ha encontrado su marca, y está jugando con un estereotipo urbano mientras habla de una mujer cuya... ¿sabes qué? No hay que entrar en detalles. Lo único importante a saber es que Murphy sabe cómo hacerlo cantar como si las líneas de golpe no hubieran envejecido ni un día.

Pero los registros de comedia son solo el comienzo para Moore. Después de que él y sus amigos (un grupo atractivo que incluye a Mike Epps, Tituss Burgess y Craig Robinson) se encuentran a sí mismos como los únicos negros en una proyección de "The Front Page" de Billy Wilder, Moore se da cuenta de que las películas son su futuro. ¿Y qué si no puede ser el próximo Shaft? Él puede ser el primer Dolemite. Le costará todo lo que tiene, pero Deep Throat acaba de demostrar que los grandes masticables a veces valen la pena, y Moore está perfectamente cómodo apostando por sí mismo.

Inevitablemente, esto es cuando Dolemite realmente despierta; por muy predecibles que sean sus altibajos, las excentricidades particulares de esta filmación ultra independiente son una maravilla para descubrir, y el director Craig Brewer dirige a Moore a través de ellas con mano firme. Ayuda que "Dolemite" sea una película realmente ridícula, y que incluso el EPK más básico sobre su creación sería muy divertido de ver. Moore no solo filma todo el asunto en un den condenado de drogas, sino que acompaña el programa con jóvenes cineastas de la universidad local, e instruye a su guionista socialmente consciente (Keegan-Michael Key como Jerry Jones) a escribir una historia urgente y edificante que dé cabida a un escuadrón de kung-fu para chicas.

Lo mejor de todo es que Moore contrata al gran D'Urville Martin, famoso entre los personajes de la película por haber interpretado al operador del ascensor en "Rosemary's Baby", para coprotagonizar como el malo. ¿La única trampa? Martin quiere dirigir. Y así, durante aproximadamente 45 gloriosos minutos de su tiempo de ejecución, este vehículo de regreso de Eddie Murphy se aparta generosamente para invitar a Wesley Snipes a volver a ser el centro de atención. Interpretando a Martin como un borracho con cuernos que divide la diferencia entre Simon Phoenix y Phoenix Buchanan, Snipes casi se cae encima mientras se va con la película. Es volátil e hilarante, y rezuma una pretensión que refleja perfectamente la sinceridad de Moore. Siempre divertido pero rara vez trascendente, Dolemite is My Name se eleva a otra dimensión cada vez que Snipes está en la pantalla. Si toda la película estuviera tan inspirada como la escena en la que Martin sale corriendo con un par de intestinos falsos saliendo de su estómago, sería lo mejor que Murphy haya hecho.

Tal como está, la película es un recordatorio ridículamente sólido de lo que puede hacer su estrella; Murphy no ha perdido ni un ápice de su momento cómico, y el pequeño puñado de escenas en las que se le pide que profundice demuestran que se dirige a sus 60 años con cañones de interioridad personal aún inexploradas. Y si Dolemite is My Name parece contentarse con permanecer en la superficie de las cosas y simplemente darle a la gente un buen momento, tal vez eso sea un testimonio de cuán perfectamente se entrelaza en una mayor resonancia con sus personajes reales. Aquí hay una historia sobre personas negras que se levantan, retoman donde las generaciones anteriores lo dejaron y explotan en el techo de una industria que solo sabía cómo ver blanco y verde. Algunas cosas no han cambiado, pero esta película, desde su elenco hasta su concepto básico, es una ilustración satisfactoria de cómo lo hacen.