Crítica Cinéfila: Mission: Impossible - The Final Reckoning

El agente Ethan Hunt continúa su misión de impedir que Gabriel controle el tecnológicamente omnipotente programa de IA conocido como "the Entity". Octava entrega de la franquicia 'Misión Imposible', continuación de 'Dead Reckoning Part One'.

En el clímax imperdible de " Mission: Impossible: Dead Reckoning Part One", el último capítulo de la serie "M:I", cargado de terror y desenlace fatal, Tom Cruise hace algo que esperas —aparece en la elaborada secuencia de acrobacias que se ha convertido en el sello distintivo de esta serie de 30 años— pero también hace algo inesperado. Se supera a sí mismo de la forma más escandalosa. Vuela, literalmente, más allá de todas las acrobacias que ha hecho antes, dejándonos en un estado de asombro eufórico.

Cruise, como el imparable agente del FMI Ethan Hunt, intenta alcanzar a Gabriel (Esai Morales), el villano siniestro de la película, quien quiere controlar la Entidad, la proyección apocalíptica de la inteligencia artificial y todo lo que es capaz de hacer, como iniciar una guerra nuclear global, simplemente porque puede. Del cuello de Gabriel cuelga la "píldora venenosa" digital creada por Luther, el mago tecnológico interpretado por Ving Rhameas. Si Ethan logra hacerse con ese dispositivo e introducirlo en el Podkova (un dispositivo del tamaño de un teléfono móvil que contiene el código fuente de la Entidad), puede provocar el fin de su poder. 

Los dos hombres viajan en avionetas de hélice primitivas. Gabriel pilota una amarilla y negro, y Ethan... bueno, se ha subido a una roja con otro piloto antagónico, y mientras los aviones atraviesan un cañón soleado y luego salen al aire libre, intenta controlarlo. Esto significa caminar sobre el ala, colgando de una barra delgada y serpenteando desde el asiento del pasajero hasta la cabina, todo mientras el avión avanza a toda velocidad. Cuando he visto secuencias de aviones temerarios y alucinantes, como en "The Great Waldo Pepper", los especialistas allí arriba tienden a ser bastante serios. Pero Tom Cruise, filmado en un primerísimo plano, corretea alrededor de ese avión como si fuera un juego de barras de mono, con la cara aplastada por la fuerza G del viento, la pradera extendiéndose una milla debajo de él. Después de lanzar al piloto, se desliza hacia el avión amarillo de Gabriel, y es entonces cuando la acción se vuelve demasiado vertiginosa para describirla con palabras. Cruise se arrastra sobre el avión, y ahora está inclinado hacia un lado, casi boca abajo, así que está colgando de él, y yo estaba literalmente boquiabierto mirando la pantalla pensando: "¿Cómo demonios hizo esto?" Porque lo que estamos viendo parece imposible de hacer, (sobre todo - e irónicamente - en medio del boom de la inteligencia artificial).

Y esto es lo que lo fusiona todo. Hace dos años, cuando Cruise hizo ese salto en paracaídas en motocicleta desde un acantilado en "Dead Reckoning Part One", fue impresionante, sin duda, pero todo lo que recuerdo experimentar fue la audacia física abstracta de ello. En "The Final Reckoning", Cruise está haciendo algo en ese avión que ningún especialista podría hacer tan bien: está actuando. Dobla sus extremidades alrededor del metal con cada fibra de su miedo y deseo, mostrándonos la ferocidad de la voluntad de Ethan para derrotar al mal, que coincide con la propia voluntad de Cruise no solo de entretenernos, sino de dejarnos en un estado de asombro absorto. En "The Final Reckoning", Tom Cruise está dispuesto a salvar películas tanto como Ethan Hunt está dispuesto a salvar el mundo. Está haciendo lo que hace en ese avión para que nosotros no tengamos que hacerlo.

Hasta entonces, "The Final Reckoning" es más bien una película que va danzando constantemente entre ritmos lentos y agitados. Sin embargo, la película es lo suficientemente buena como para recordarte lo divertido que es cuando algo realmente está en juego en una película comercial de alto nivel, con una trama enrevesada y. Nadie diría que esta es la película más despreocupada de "M:I". Las secuencias que recuerdo con más cariño de la serie tienen un ágil sentido del juego: Cruise colgado de un cable en ese atraco vertiginoso en la primera "Misión: Imposible", su vertiginoso ascenso con ventosa al Burj Khalifa en "Ghost Protocol", todas las decepciones de las fiestas de esmoquin con trampilla. “The Final Reckoning” tiene una duración de dos horas y 49 minutos y avanza con una profunda ansiedad ante la precariedad de la civilización en la era de la tecnología omnipotente.

Sin embargo, esa seriedad le funciona a la película. La IA era solo una amenaza sigilosa en "Dead Reckoning". Aquí es un espectro cuyo momento ha llegado, y eso es parte de lo que hace de esta aventura una experiencia aún más impactante. Una frase que los miembros del equipo del FMI repiten constantemente (y se convierte en un chiste recurrente) es "Ya lo resolveremos". Y eso significa: cuando el mundo pende de un hilo, la necesidad siempre será la madre de la invención del espionaje instantáneo. "The Final Reckoning" es una oda a la improvisación.     

A estas alturas, hemos visto más que suficientes películas que giran en torno a la perspectiva de la destrucción del planeta, y eso no significa automáticamente que haya algo en juego en ellas. Pero en "The Final Reckoning", Cruise y su socio y director de "M:I", Christopher McQuarrie, intensifican el fervor apocalíptico con suficiente convicción y obsesión para llevarte por giros de suspense. La película recuerda, en varios montajes rápidos, las siete películas anteriores de la serie, tomando el rasgo distintivo de Ethan: su propensión a volverse rebelde, que por supuesto es lo que hace cuando no puede cumplir su misión de otra manera, y doblándolo a la sinfónica sensación de peligro de la película. La Entidad, que se presenta como la culminación lógica de la IA (es decir, una fuerza que no necesariamente estará de nuestro lado), busca controlarlo todo, acceder a los sistemas de armas nucleares del mundo y destruir a la raza humana. El poder absoluto es el resultado de su inteligencia. Pero Ethan es casi un primo de la IA: una y otra vez, ha estado dispuesto a arriesgar el destino del mundo.

“The Final Reckoning” tiene algunos momentos irregulares, pero creo que es la entrega más envolvente de la serie desde “Ghost Protocol”, porque encuentra una nueva forma de hacer que lo imposible sea emocionante. En lugar de engañarnos con máscaras de goma e ilusión digital, la película se centra en llevar situaciones descabelladas hasta el límite, donde Ethan tiene que actuar en un instante. Al principio, es capturado, junto con la elegante Grace (Hayley Atwell), y mientras están sentados en un calabozo esposados, se saca una muela falsa que lo intoxicará si la muerde; esa resulta ser la salida. Después de un tiempo, Ethan sale del atolladero, apareciendo en una reunión dirigida por la presidenta de Estados Unidos, Erika Sloane (Angela Bassett), mientras Eugene Kittridge (Henry Czerny), un ejecutivo de la CIA convertido en jefe del FMI, y otros jefes severos observan con desaprobación. Ethan pide que le den el control de un portaaviones (llamado así en honor a George H. W. Bush, un poco de nostalgia de "no sabíamos lo bien que lo teníamos" adaptada a la era de Trump), y el presidente le da la aprobación... a escondidas.

Es aquí donde la película se transforma en una misión muy diferente, una intensa aventura de acción ambientada en el mar helado. William Donloe (Rolf Saxon), un analista de la CIA destituido que fue exiliado tras el atraco de Ethan en la primera película, regresa. Él es quien conoce la ubicación exacta del submarino ruso que la Entidad engañó para que se autodestruyera al comienzo de "Dead Reckoning", y allí es donde encontrarán el código fuente de la Entidad.

La secuencia en la que Ethan se sumerge en las profundidades del mar de Bering para excavar en los restos de ese submarino tiene una majestuosidad logística flotante y silenciosa. El submarino, impulsado por el peso de Ethan, sigue crujiendo, cayendo y girando, derramando agua en su interior, lo que le da a la secuencia, lenta como es, un encanto espectral. Pero la película también tiene mucha tensión en el último momento, como cuando Benji (Simon Pegg) dirige la desfusión de una bomba a través de la niebla de su pulmón colapsado. Y es la sinceridad obstinada de la actuación de Cruise lo que hace que todo signifique algo. La lealtad de Ethan se ha convertido en un tema principal, pero a pesar de las contribuciones al juego de Atwell y Rhames, cuyo Luther ofrece la conmovedora despedida de la serie, Ethan rara vez ha estado solo como lo está aquí.

¿Es este realmente el ajuste de cuentas final de la serie? Ahora estamos en una era en la que John Wick puede volver a la vida, y donde incluso la muerte de James Bond, en "No Time to Die" (una película que se siente como una prima de esta). "The Final Reckoning" demuestra ser una de las películas imperdibles del verano, y al final, Ethan Hunt está muy vivo. Un elemento del poder de la película es que genuinamente se despide de estos personajes, de esa reconfigurada artimaña de los años 60, del encanto de Ethan. En "The Final Reckoning", Tom Cruise ha demostrado ser más que solo el mejor de los adictos al peligro. Ha convertido el espectáculo de hacer sus propias acrobacias en una forma de arte comercial.

Crítica Cinéfila: Zero Day

Tras un ciberataque devastador, encomiendan a George Mullen, aclamado expresidente de los Estados Unidos, la misión de encabezar un comité para intentar descubrir a los autores y sacar la verdad a la luz antes de que ataquen de nuevo, pero, entonces, surge la duda: ¿La amenaza proviene de una potencia extranjera o de un enemigo interno?

Después de décadas de ser un actor de cine, Robert De Niro se ha abierto camino en el mundo de las series por primera vez con "Zero Day" de Netflix, que lamentablemente desperdicia el trabajo sólido del dos veces ganador del Oscar y su impresionante elenco de reparto. En los últimos años, De Niro se ha abierto gradualmente a proyectos de pantalla chica, comenzando con la película de HBO centrada en Bernie Madoff, "The Wizard of Lies", y el drama argentino "Nada", aunque el thriller político es su primer papel protagónico en una serie.

Dado su odio hacia Donald Trump, no sorprenderá saber que el personaje de De Niro, George Mullen, no es un presidente al estilo de Trump. Mullen es un veterano de Vietnam, firme como una roca. Reconocido por todos como un buen tipo, que regresa a la política a regañadientes como jefe de una comisión que investiga un ciberataque que ha dejado miles de estadounidenses muertos. Todas las señales apuntan a Moscú, pero Mullen recomienda cautela: “¿queremos a alguien a quien culpar o queremos la verdad?”, pregunta.

El thriller está coescrito por Michael S. Schmidt, un periodista político del New York Times, y explora temas de seguridad nacional versus libertad individual. La comisión de Mullen ha recibido poderes extraordinarios de vigilancia, búsqueda e incautación, y la suspensión del habeas corpus si es necesario. Mientras tanto, los teóricos de la conspiración están haciendo de las suyas, un magnate tecnológico multimillonario se entromete en asuntos y un fanfarrón influencer en línea incita a sus seguidores a la rebelión. Todo parece dolorosamente actual.

Por desgracia, tiene un guión pésimo. “George, si nos equivocamos, el mundo entero se irá al infierno”, gruñe un personaje. Cuando Mullen reprende a los manifestantes por creer en “tonterías conspirativas, no se están comportando como estadounidenses ni como patriotas”, inmediatamente se callan. Bassett, que tiene dos nominaciones al Oscar en su haber, dice sus líneas de una forma vergonzosamente cursi. Tras ver los seis episodios, uno solo llega a la conclusión que el planteamiento es mucho mejor que el desenlace. La razón principal para seguir viéndolo es De Niro, cuyo poder estelar impulsa la serie.

Si bien un mayor enfoque en el efecto de los ataques ciberterroristas sobre los personajes podría haber ayudado a diferenciar la serie de un género abarrotado, los personajes de Zero Day conforman sus aspectos más decepcionantes. Al tener dos de sus creadores y escritores que son ex periodistas políticos, a menudo se esfuerza por lograr una sensación de realismo con sus personajes, ya sea el comentarista político abrasivo de Dan Stevens o el multimillonario tecnológico de Gaby Hoffman que intenta abrirse camino a codazos para involucrarse en el gobierno.

Está claro que Newman, Oppenheim y Schmidt están desatando cierta rabia relacionada con el panorama político actual a través de los personajes de Zero Day y, en cierto sentido, es un enfoque que debería funcionar. Hay infinitas oportunidades para explotar estas personalidades para la narración ficticia y, sin embargo, muchas series como esta se conforman con las representaciones más simplistas de ellas.

El Evan Green de Stevens recibe una pizca de dimensión extra con un breve vistazo a su familia y a su personalidad fuera de cámara con su equipo, todo lo cual es mucho más reflexivo de lo que su personaje en pantalla sumamente crítico esconde. De manera similar, Monica Kidder de Hoffman es ciertamente mucho más reservada que el infame gigante tecnológico en el que claramente está basada, y sin embargo, ya sea que intente promocionar frases históricas para impulsar su agenda o alardear de su riqueza y de que sus diversas empresas supervisan la vida de las personas, Kidder nunca se siente tan lejos de su inspiración del mundo real.

A pesar de que el guión no es del todo convincente, durante la mayor parte de la serie, De Niro hace lo que mejor sabe hacer: hacer muecas frente a la cámara y fruncir el ceño a los demás personajes. Sin embargo, hay momentos en los que infunde una sensación de empatía y vulnerabilidad en Mullen, ya sea en medio de su estado mental en deterioro o de sus dolorosas reflexiones sobre la muerte de su hijo.

Mientras tanto, Caplan demuestra ser una especie de comodín interesante a lo largo de la serie "Zero Day". En el papel de Alexandra Mullen, su personaje es otra figura desafortunadamente rutinaria, interpretando a la hija distanciada de su prominente padre que entierra la nariz en su trabajo y otras cosas para evitar hablar con él. Y, sin embargo, incluso antes de que avance la serie y podamos ver nuevos aspectos intrigantes de ella, Caplan desbloquea capas más profundas de Alex que nos mantienen interesados ​​en su evolución, incluso si termina sintiéndose desafortunadamente apresurada en los sobrecargados dos episodios finales.

Pero a pesar de los mejores esfuerzos de De Niro, Caplan y el resto del elenco sorprendentemente completo, "Zero Day" nunca puede escapar del hecho de que no es lo suficientemente completa como para justificar la duración de la serie. Los dos episodios intermedios optan por reducir su enfoque en el misterio principal de la serie para introducir uno secundario y centrarse en sus personajes, dos decisiones que son malas. Para cuando volvemos al detonante, de repente estamos en el final y nos quedamos con la mayoría de nuestras preguntas sin respuesta y con la sensación de tiempo desperdiciado.

Crítica Cinéfila: Damsel

Una obediente damisela acepta casarse con un apuesto príncipe. Pronto descubre que lo que en realidad quiere de ella la familia del novio es sacrificarla y, de este modo, saldar una antigua deuda. 

Cuando las jóvenes se miran a los ojos, florece una tranquila intimidad. Elodie ( Millie Bobby Brown ) no conoce a la chica anónima que se encuentra con su mirada desde un balcón a cierta distancia, pero se siente conectada con ella. Sus sonrisas despiertan destellos de mutuo reconocimiento. Pero esta extraña es más que el espejo de Elodie; ella es un inquietante presagio del destino de la joven princesa.  

En "Damsel", Elodie intenta escapar de las convenciones de su propia historia. Atrapada en un mundo de modales y expectativas, la princesa busca aventuras y anhela demostrar su independencia. La presunción es familiar: un puñado de películas (y series de televisión) recientes han presentado al público mujeres de la realeza que subvierten con entusiasmo los arquetipos de los romances medievales. "Brave" de Disney presentó a Mérida, una rebelde arquera que aportó un feminismo contemporáneo más abierto a la marca del conglomerado de entretenimiento. "The Princess" protagonizó a Joey King como la realeza titular que se abre paso a patadas para salir de un desafortunado compromiso. Y en "Cenicienta" de Kay Cannon  la protagonista con exceso de trabajo (Camilla Cabello) se preocupa más por abrir una tienda de ropa que por encontrar un príncipe. Estas historias presentan heroínas activas que entienden que deben liberarse de la angustia más allá que encontrar a un príncipe que las salve.

Al igual que sus predecesores, "Damsel" se organiza sin rodeos en torno a esta poderosa noción. La película, dirigida por Juan Carlos Fresnadillo y escrita por Dan Mazeau, trata sobre una joven mujer fuerte de un reino vagamente esbozado cuyo compromiso (con un príncipe más rico) toma un giro inesperado y casi fatal. La película de Fresnadillo da menos aires de disrupción que otras versiones de esta historia, por lo que la narrativa parece menos satisfecha de sí misma. Y le cuesta mantener un tenor inspirador.

La película comienza con una declaración de intenciones. “Hay muchas historias de caballería, donde el heroico caballero salva a la damisela en apuros”, dice Elodie, a través de voz en off. "Esta no es una de esas". Conocemos el rostro detrás de la voz y a su hermana menor Floria (Brooke Carter) mientras cortan leña y discuten formas de ayudar a su empobrecido reino. Un invierno particularmente duro ha dejado a la gente del pueblo con frío y hambre. Elodie, con un gran sentido de responsabilidad, sugiere a la familia que done sus pertenencias. Floria, menos proclive al sacrificio, no está de acuerdo. Debe haber otra manera. 

En esos tiempos, el matrimonio se convierte en la única otra opción. Cuando Elodie y Floria regresan al castillo, su reservado padre (Ray Winstone) y su esforzada madrastra (Angela Bassett) anuncian que la hija mayor se casará con el príncipe Harry de Aurea (Nick Robinson), sin importar que Elodie nunca haya oído hablar de este reino ni de su realeza. La familia prepara un barco y navega hacia el castillo más próspero. Aquí y en otros lugares, el guión de Mazeau adolece de una falta de detalles que reforzarían la historia. Es posible que "Damsel" haya comenzado con una proclamación confiada, pero falla tan pronto como comienza la acción. 

Cuando Elodie y su familia llegan a Aurea, la diferencia entre esta tierra y la de ellos es evidente. El director de fotografía Larry Fong utiliza tomas aéreas para observar el paisaje, un terreno verde decorado con una flora sorprendente y texturizada por sus montañas escarpadas. Nos adentramos en el castillo, donde la familia real vive una vida de lujoso encanto. El diseño de vestuario de Amanda Monk diferencia hábilmente el estatus de las dos familias. La reina Isabelle (Robin Wright, apropiadamente furtiva en una inteligente elección de reparto) corteja a Elodie y a su padre, Lord Bayford, con halagos y sonrisas fáciles, pero la malevolencia acecha en las sombras. La política de esta tierra ficticia se reduce a una vieja historia y una antigua maldición. Hace siglos, una violenta transgresión obligó al entonces rey de Aurea a hacer un pacto con un dragón. La expiación requeriría el sacrificio de tres hijas al mítico reptil por la eternidad. 

Así que la unión entre Elodie y el príncipe Harry es una trampa, un siniestro complot para sacrificar a la princesa al dragón. Un destino similar corrió la joven mujer anónima que Elodie vio desde su ventana el día de su llegada. Su interacción plantea algunas preguntas, y uno se pregunta si Elodie, a pesar de toda su inteligencia sugerida, alguna vez preguntó sobre la existencia de otra princesa en el castillo.

"Damsel" se encuentra en un terreno más sólido cuando puede abandonar la lógica de la narrativa por el músculo de la acción. La familia real deposita a Elodie, cada vez más escéptica, en una cueva, dejándola enfrentar una muerte feroz. Pero la joven rechaza este destino y se esfuerza por encontrar una vía de escape. El diseño de vestuario de Monk impresiona, ya que Elodie debe usar partes de su vestuario de boda para salir de los terribles encuentros con el dragón (con la voz de Shohreh Aghdashloo) y el laberinto de su guarida subterránea. 

Mientras intenta salir, Elodie se encuentra con los espíritus de otras damiselas sacrificadas. Brown aporta aquí la misma energía que en su papel en la saga "Enola Holmes". Elodie, como la detective de la época victoriana, aborda los acertijos con determinación. Apoyarla no es complicado. Como siempre, la fuerza de la actriz de Stranger Things como intérprete radica en su expresividad: los ojos muy abiertos por el miedo y las muecas de dolor. Su interpretación, que tiene matices de Daenerys Targaryen de Emilia Clarke, sostiene una película que se habría beneficiado de una mayor profundidad, especialmente porque su penúltima batalla ofrece un momento de inteligencia. En esa escena, Elodie reúne fuerzas para enfrentar al monstruo que la persigue. Su encuentro, un encuentro en el umbral de la vida y la muerte, es tenso, pero en su contacto visual hay algo familiar: un escalofriante destello de reconocimiento mutuo. 

Con esto no promuevo descartar esta película en su totalidad; tiene sus momentos de satisfacción y otros de conexión, pero es el tipo de historia que solo motivaría para un sábado por la tarde con entretenimiento superficial, y sin búsqueda de historias profundas que cuestionen las decisiones y traiciones que una joven damisela puede enfrentar en pocas horas después de casarse.

Crítica Cinéfila: Black Panther, Wakanda Forever

La reina Ramonda y Shuri luchan para proteger su nación de la injerencia de potencias mundiales a raíz de la muerte del rey T’Challa. Mientras los wakandianos se esfuerzan por adaptarse a su nueva etapa, los héroes deben actuar unidos, con la ayuda de Nakia y Everett Ross, y forzar un nuevo destino para el reino de Wakanda.

Frente a la desafiante perspectiva de seguir su éxito de taquilla pese a la ausencia del carismático actor principal que proporcionó el noble corazón de la primera película, Ryan Coogler entrega un homenaje emocionalmente resonante a Chadwick Boseman en las primeras escenas de Black Panther: Wakanda Forever que no dejará a ningún fan sin una lágrima brotada. Extendiéndose a través del logotipo de Marvel en los créditos de apertura, rediseñado para incluir imágenes conmovedoras del difunto actor, toda la introducción invita al público a compartir el dolor que sienten los cineastas y el elenco, así como los personajes que interpretan, plantando una vena de tristeza exquisita que se agita a través de esta secuela épica.

Las simples palabras en los créditos finales, "Dedicado a nuestro amigo Chadwick Boseman", definen el espíritu predominante de la película, con su melancólico reconocimiento de la pérdida y el legado. Lo que no quiere decir que sea corto de emoción, acción o incluso humor. Solo pensar en el arrogante guerrero de montaña de Wakanda de Winston Duke, M'Baku, mordisqueando una zanahoria mientras gruñe "Demonio calvo" a Okoye de Danai Gurira, su general rival de la unidad de fuerzas especiales de Dora Milaje, hace reír a cualquiera.

Más que cualquier otra entrada en el canon del MCU, "Black Panther" se convirtió en un fenómeno cultural genuino en términos de representación orgullosa, una aventura de acción futurista que abrazó la historia y la tradición. Fue una representación implícitamente política de una nación africana firmemente independiente que se resistía a la comprensión de los colonizadores hambrientos por obtener sus recursos naturales, una respuesta audazmente imaginativa a generaciones de traumas del mundo real. Envolver todo eso en un compendio de superhéroes fue un logro considerable.

Coogler y su coguionista Joe Robert Cole mantienen y podría decirse que incluso fortalecen esa vena aquí. Introducen otra antigua civilización de pueblos indígenas que han escapado de una brutal historia de esclavitud y genocidio, viviendo en una reclusión fantástica y listos para desatar todas sus considerables fuerzas contra cualquier saqueador global que pesca que se quiera aprovechar de su recurso natural más preciado. Eso, por supuesto, es vibranium, el mismo elemento metálico derivado de meteoritos del que Wakanda extrae su poder.

Ya sea que esos descendientes mayas escondidos bajo el agua, liderados por el formidable gobernante de Talokan, Namor (Tenoch Huerta Mejia), se conviertan en valiosos aliados o enemigos peligrosos de los Wakandianos, es la principal intriga que impulsa la trama de la secuela, y posiblemente en futuras entregas.

Coogler se resiste al incansable impulso de la polinización cruzada de tantas películas del MCU al concluir con dos claros indicios separados de conflicto en curso. Los personajes de "Black Panther" podrían seguir echando un poco en esas otras hazañas de Marvel pobladas por personajes que hablan como adolescentes alegres, pero cada semilla plantada aquí es de una saga más sombría contenida predominantemente dentro de su propio universo complejo. Si la narración de vez en cuando se desordena con sus interminables cambios de ubicación y el tiempo de ejecución (un expansivo 2 horas 41 minutos) se siente definitivamente, particularmente en la sección media, esta secuela tan esperada es tan emocionante como debe ser.

La presencia de dos personajes principales, Letitia Wright como Shuri, y Angela Bassett como su madre, la reina Ramonda, se ha visto aliviada en formas a las que ambas actrices responden con una autoridad estimulante. Eso es el resultado directo de la muerte del rey T'Challa y la consiguiente pérdida de la Pantera Negra, protector de Wakanda, un golpe devastador representado en la escena inicial. 

Las películas del MCU generalmente no se han distinguido por su peso emocional, pero puede que no haya un momento más destrozante en el canon que una Ramonda afectada que le diga a Shuri: "Tu hermano está con los antepasados". Esto sienta las bases para los incómodos conflictos madre-hija, una que se reconforta con el mundo espiritual, la otra intensifica su dedicación a la ciencia, pero también puntos de vista divergentes sobre cómo mantener el país seguro. Incluso la necesidad de encontrar una nueva Pantera Negra para la supervivencia de Wakanda se convierte en un asunto de disputa, inicialmente descartada por Shuri como una reliquia de otro tiempo.

Sin embargo, es gratificante que Coogler y Cole no se limiten a seguir adelante. En cambio, se detienen conmovedoramente sobre la elaborada ceremonia funeraria, un equilibrio de solemnidad y danza cinéticamente cargada con batería y percusión, con el ataúd llevado por Okoye y las Dora Milaje. Esta impresionante secuencia también ofrece una oportunidad temprana para estar asombrado por la increíble belleza y detalle de los trajes de Ruth Carter, posiblemente incluso superando su trabajo ganador del Oscar en la película anterior con prendas que combinan la elegante sofisticación del mundo del futuro con la simbología africana.

Los aficionados a la historia de los cómics que han estado esperando impacientemente la aparición de Namor, introducido por primera vez en 1939, no se sentirán decepcionados por el comportamiento brillante y la corpulenta fisicalidad del actor mexicano Huerta en el papel. Los pies alados pueden ser un poco demasiado, pero el atuendo real es espectacular, su torso desnudo de cuerpo duro adornado con conchas y cuentas y oro y túnicas de algas. Namor y sus guerreros Talokanil emergen por primera vez como una respuesta hostil a una nave estadounidense operada por la CIA en el medio del Atlántico en una secuencia de acción. Demuestra la fuerza y la coordinación estratégica del Talokanil, pero también su capacidad similar a la de las sirenas para hipnotizar a los adversarios, atrayéndolos a sumergirse en las profundidades del océano.

Después de haber frustrado ese intento de aprovechar sus depósitos de vibranio, Namor va a Wakanda, que no tenía conocimiento previo de la existencia de la civilización Talokanil, y mucho menos del recurso invaluable que tienen en común. Namor exige una alianza contra los intrusos, atrapando a Ramonda y Shuri en un momento íntimo de dolor, y les advierte que la nueva tecnología hace que su vibranio sea vulnerable. La Reina ya ha expresado su descontento con los territorios extranjeros que intentan conseguirlo en un momento electrizante que ve a Bassett, asistiendo a la ONU. Nomar se retira con la promesa de que no será fácil la próxima vez. Pero ni Ramonda ni su hija están inspiradas en confiar en Namor.

Con Okoye como su principal facilitadora, para gran disgusto eterno de M'Baku, se ponen en contacto con el antiguo aliado de la CIA Everett Ross (Martin Freeman) y Nakia (Lupita Nyong'o), la maestra espía en autoexilio que dirige una escuela en Haití. Provocando otro enfrentamiento explosivo entre diferentes facciones que intentan secuestrar al inventor del rastreador de vibranio, también reclutan a Riri Williams (Dominique Thorne) de 19 años de ciencia del MIT. 

Riri es una gran nueva incorporación y Thorne aporta un humor brillante a la mezcla, aunque en una película que dura tres horas, podrían haber encontrado unos minutos para un montaje de entrenamiento rápido para hacer que su transición a una luchadora de patadas sea más creíble. Aún así, el ingenio tecnológico de Riri le da un inmediato parentesco de hermandad con su compañera genio Shuri, lo que disminuye el aislamiento de esta última, particularmente después de que otra tragedia golpee Wakanda.

También refuerza aún más el hilo consistente con las películas de Pantera Negra de mujeres como buques de inestimable poder, ingenio e inteligencia. Hay un eco correspondiente de eso incluso entre los Talokanil, donde Namor no confía menos en su feroz prima Namora (Mabel Cadona) que en el poderoso Attuma (Alex Livinalli), sus dos principales tenientes guerreros. El look de Carter para Namora es asombroso, con piezas de hombro de estilo glamrock sujetadas por garras de langosta y un tocado masivo inspirado en el pez león; sus túnicas diáfanos flotantes la hacen parecer un fantasma del mar.

Por supuesto, cualquier fanático de Marvel medio atento sabrá que debe surgir una nueva Pantera Negra a medida que se intensifique la apuesta y la amenaza se intensifique, y a pesar de que Disney insta a las primeras audiencias a evitar los spoilers, la identidad de ese nuevo protector se filtró rápidamente. No es que fuera tan difícil de adivinar. Pero el proceso de descubrimiento que ocurre a través de una visita al plano ancestral, completado con un cameo de alguien del pasado de este universo, sigue siendo emocionante y estimulante, especialmente una vez que el nuevo traje mejorado de la pantera se pone en acción.

Si bien la mayoría de las batallas de la película tienen lugar en el mundo de la superficie, es la capacidad del Talokanil para aprovechar el poder del agua lo que le da más exaltación; estas personas pueden montar ballenas, lo que da lugar al set más sensacional, en el que Coogler orquesta hábilmente la destrucción para reflejar las catástrofes del mundo real de las inundaciones y los tsunamis. Un gran choque en el mar, en un enorme barco de Wakanda y en los cielos de arriba, es otro punto culminante. Pero Coogler equilibra la acción con el drama humano impulsado por los personajes, manteniendo las apuestas tanto personales como globales.

Esa dualidad da a los actores más que masticar que la tarifa habitual del MCU. Wright y Bassett son las destacadas de la secuela, sus personajes se niegan a dejar que su dolor disminuya su dignidad, ya que ambas llevan con orgullo la antorcha para T'Challa. Nyong'o tiene un papel menos central, pero como siempre es una presencia convincente. Lo mismo ocurre con Gurira, con la siempre vigilante Okoye marginada hasta el final de la película cuando demuestra su lealtad inquebrantable en el combate.

Últimamente se ha escrito mucho sobre demasiados directores de fotografía que no saben cómo iluminar a los actores de color. Pero el nuevo director de fotografía, Autumn Durald Arkapaw continúa donde Rachel Morrison lo dejó en Black Panther al darnos actores negros y latinos sorprendentemente hermosos y físicamente poderosos como resplandecientes estrellas de cine. La impresionante construcción del mundo de la diseñadora de producción Hannah Beachler se extiende desde el deslumbrante afrofuturismo de Wakanda hasta las majestuosas salas submarinas de Talokan, lo que significa no una sino dos civilizaciones avanzadas resistentes a los acosadores blancos.

Incluso si la duración se siente extendida, Coogler y sus editores merecen crédito por permitir el espacio entre las escenas de acción para el desarrollo del personaje y la relación, con la partitura de Ludwig Göransson en la que aumenta el estilo africano en mejoría tanto en esos momentos más tranquilos como en las grandes batallas. Es imposible que Wakanda Forever coincida con el impacto revolucionario de su predecesor, pero en términos de continuar la saga mientras allana el camino para futuras entregas, es ampliamente satisfactorio.

Crítica Cinéfila: Wendell and Wild

Dos malévolos demonios hacen un trato con una adolescente fanática del punk para escapar del Inframundo y hacer realidad sus sueños en la Tierra de los Vivos.

Henry Selick, cuyo último largometraje fue la obra maestra en stop motion "Coraline" (2009), está de vuelta con otro stop motion titulado "Wendell & Wild". Es un delicioso regreso a la forma para volver a poner esta técnica en su mayor altura, y una colaboración encantadoramente tortuosa con el dúo de comedia Keegan-Michael Key y Jordan Peele, reunidos después de que terminara su innovadora serie de comedia.

Después de ver a sus padres morir en un trágico accidente automovilístico, la problemática joven Kat (Lyric Ross) pasó su adolescencia desviándose de casa a casa, metiéndose en problemas y odiando al mundo. Cuando regresa a su ciudad natal de la infancia, Rust Bank, para unirse al programa de rehabilitación de adolescentes de una escuela católica local, lo encuentra como un pueblo fantasma donde una vez hubo una comunidad próspera. Los burócratas ricos han invadido la ciudad y ahora esperan arrasar el último de los recursos de la comunidad para construir una prisión privada.

Mientras tanto, en una dimensión demoníaca technicolor, los hermanos Wendell (Key) y Wild (Peele) están viviendo su castigo eterno como peluqueros que viven en el cuero cabelludo y dentro de las fosas nasales del señor de la dimensión, Buffalo Belzer (Ving Rhames), quien atrapa a las almas de los muertos en un parque temático infernal atado a su vientre gigante. Wendell y Wild sueñan con escapar, haciendo planos de papel cortado de su propio parque temático, la Dream Fair. Poniéndose en contacto con Kat a través de una problemática secuencia de sueños, hacen un trato con ella: jurar lealtad y liberarlos en el mundo mortal convirtiéndose en sus sirenas del infierno, siempre y cuando le devuelva la vida a sus padres fallecidos.

Hay muchos detalles arquetípicos que Key, Peele y Selick buscan encajar en esta película: está el retorcido director de la escuela, que intriga para traer a la corrupta Junta Directiva de la ciudad de vuelta al mundo de los vivos; el conserje que vive en el sótano de la escuela, que tiene una obsesión secreta con los demonios; y una ex dama del infierno que trata de proteger a Kat de no cometer el mismo error que ella cometió a su edad.

Esta compulsión hace que "Wendell & Wild" se sienta un poco sobrecargado al final, con 20 minutos finales que ata cada hilo de la trama. La película podría haber sido mejor servida eligiendo uno o dos temas entre los peligros de la necromancia, enfrentar a los demonios, la importancia de apoyar a las empresas locales, las promesas vacías del sistema de rehabilitación juvenil y aprender a aceptar la muerte, pero la película nunca permite que nada se quede en el camino.

Pero dejando esto a un lado, la película es una alegría vertiginosa, hilarantemente asquerosa y sincera, con el tipo de atención al detalle que hace que las películas de Selick sean una experiencia tan visceral. Wendell y Wild usan la crema de rejuvenecimiento del cabello de Belzer para "revivir" los cadáveres prometidos, y las garrapatas de piernas largas gigantes rebotan y explotan. Los personajes morados de Wendell y Wild incluso parecen versiones exageradas de Key y Peele: Wendell demacrado y inclinado, mientras que Wild es un barbudo y redondo.

"Wendell & Wild" es una película con un reparto gratificantemente multicultural, rara para una película de stop-motion occidental, cuyos personajes suelen ser de código blanco o blanco. La mayoría del elenco de voces y sus homólogos animados son negros, y un estudiante de la escuela, Raúl (Sam Zelaya), es un chico trans. La animación en sí es una de las más llamativas y fluidas de la carrera de Selick, con secuencias de sueños 2D de color dorado y resurrecciones de no-muertos iluminadas de neón. Una banda sonora con The Specials, TV on the Radio y similares deja claro que esta es una película para los góticos y los raros. "Wendell & Wild" se siente como un regreso en muchos sentidos, al tiempo que evoca algo totalmente nuevo.