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martes, 26 de marzo de 2024

Crítica Cinéfila: Damsel

Una obediente damisela acepta casarse con un apuesto príncipe. Pronto descubre que lo que en realidad quiere de ella la familia del novio es sacrificarla y, de este modo, saldar una antigua deuda. 



Cuando las jóvenes se miran a los ojos, florece una tranquila intimidad. Elodie ( Millie Bobby Brown ) no conoce a la chica anónima que se encuentra con su mirada desde un balcón a cierta distancia, pero se siente conectada con ella. Sus sonrisas despiertan destellos de mutuo reconocimiento. Pero esta extraña es más que el espejo de Elodie; ella es un inquietante presagio del destino de la joven princesa.  

En "Damsel", Elodie intenta escapar de las convenciones de su propia historia. Atrapada en un mundo de modales y expectativas, la princesa busca aventuras y anhela demostrar su independencia. La presunción es familiar: un puñado de películas (y series de televisión) recientes han presentado al público mujeres de la realeza que subvierten con entusiasmo los arquetipos de los romances medievales. "Brave" de Disney presentó a Mérida, una rebelde arquera que aportó un feminismo contemporáneo más abierto a la marca del conglomerado de entretenimiento. "The Princess" protagonizó a Joey King como la realeza titular que se abre paso a patadas para salir de un desafortunado compromiso. Y en "Cenicienta" de Kay Cannon  la protagonista con exceso de trabajo (Camilla Cabello) se preocupa más por abrir una tienda de ropa que por encontrar un príncipe. Estas historias presentan heroínas activas que entienden que deben liberarse de la angustia más allá que encontrar a un príncipe que las salve.

Al igual que sus predecesores, "Damsel" se organiza sin rodeos en torno a esta poderosa noción. La película, dirigida por Juan Carlos Fresnadillo y escrita por Dan Mazeau, trata sobre una joven mujer fuerte de un reino vagamente esbozado cuyo compromiso (con un príncipe más rico) toma un giro inesperado y casi fatal. La película de Fresnadillo da menos aires de disrupción que otras versiones de esta historia, por lo que la narrativa parece menos satisfecha de sí misma. Y le cuesta mantener un tenor inspirador.

La película comienza con una declaración de intenciones. “Hay muchas historias de caballería, donde el heroico caballero salva a la damisela en apuros”, dice Elodie, a través de voz en off. "Esta no es una de esas". Conocemos el rostro detrás de la voz y a su hermana menor Floria (Brooke Carter) mientras cortan leña y discuten formas de ayudar a su empobrecido reino. Un invierno particularmente duro ha dejado a la gente del pueblo con frío y hambre. Elodie, con un gran sentido de responsabilidad, sugiere a la familia que done sus pertenencias. Floria, menos proclive al sacrificio, no está de acuerdo. Debe haber otra manera. 

En esos tiempos, el matrimonio se convierte en la única otra opción. Cuando Elodie y Floria regresan al castillo, su reservado padre (Ray Winstone) y su esforzada madrastra (Angela Bassett) anuncian que la hija mayor se casará con el príncipe Harry de Aurea (Nick Robinson), sin importar que Elodie nunca haya oído hablar de este reino ni de su realeza. La familia prepara un barco y navega hacia el castillo más próspero. Aquí y en otros lugares, el guión de Mazeau adolece de una falta de detalles que reforzarían la historia. Es posible que "Damsel" haya comenzado con una proclamación confiada, pero falla tan pronto como comienza la acción. 

Cuando Elodie y su familia llegan a Aurea, la diferencia entre esta tierra y la de ellos es evidente. El director de fotografía Larry Fong utiliza tomas aéreas para observar el paisaje, un terreno verde decorado con una flora sorprendente y texturizada por sus montañas escarpadas. Nos adentramos en el castillo, donde la familia real vive una vida de lujoso encanto. El diseño de vestuario de Amanda Monk diferencia hábilmente el estatus de las dos familias. La reina Isabelle (Robin Wright, apropiadamente furtiva en una inteligente elección de reparto) corteja a Elodie y a su padre, Lord Bayford, con halagos y sonrisas fáciles, pero la malevolencia acecha en las sombras. La política de esta tierra ficticia se reduce a una vieja historia y una antigua maldición. Hace siglos, una violenta transgresión obligó al entonces rey de Aurea a hacer un pacto con un dragón. La expiación requeriría el sacrificio de tres hijas al mítico reptil por la eternidad. 

Así que la unión entre Elodie y el príncipe Harry es una trampa, un siniestro complot para sacrificar a la princesa al dragón. Un destino similar corrió la joven mujer anónima que Elodie vio desde su ventana el día de su llegada. Su interacción plantea algunas preguntas, y uno se pregunta si Elodie, a pesar de toda su inteligencia sugerida, alguna vez preguntó sobre la existencia de otra princesa en el castillo.

"Damsel" se encuentra en un terreno más sólido cuando puede abandonar la lógica de la narrativa por el músculo de la acción. La familia real deposita a Elodie, cada vez más escéptica, en una cueva, dejándola enfrentar una muerte feroz. Pero la joven rechaza este destino y se esfuerza por encontrar una vía de escape. El diseño de vestuario de Monk impresiona, ya que Elodie debe usar partes de su vestuario de boda para salir de los terribles encuentros con el dragón (con la voz de Shohreh Aghdashloo) y el laberinto de su guarida subterránea. 

Mientras intenta salir, Elodie se encuentra con los espíritus de otras damiselas sacrificadas. Brown aporta aquí la misma energía que en su papel en la saga "Enola Holmes". Elodie, como la detective de la época victoriana, aborda los acertijos con determinación. Apoyarla no es complicado. Como siempre, la fuerza de la actriz de Stranger Things como intérprete radica en su expresividad: los ojos muy abiertos por el miedo y las muecas de dolor. Su interpretación, que tiene matices de Daenerys Targaryen de Emilia Clarke, sostiene una película que se habría beneficiado de una mayor profundidad, especialmente porque su penúltima batalla ofrece un momento de inteligencia. En esa escena, Elodie reúne fuerzas para enfrentar al monstruo que la persigue. Su encuentro, un encuentro en el umbral de la vida y la muerte, es tenso, pero en su contacto visual hay algo familiar: un escalofriante destello de reconocimiento mutuo. 

Con esto no promuevo descartar esta película en su totalidad; tiene sus momentos de satisfacción y otros de conexión, pero es el tipo de historia que solo motivaría para un sábado por la tarde con entretenimiento superficial, y sin búsqueda de historias profundas que cuestionen las decisiones y traiciones que una joven damisela puede enfrentar en pocas horas después de casarse.



martes, 2 de noviembre de 2021

Crítica Cinéfila: Maid

Una madre soltera hace trabajos domésticos para llegar a fin de mes mientras lucha contra la indigencia y la burocracia.



Hay muchos momentos en la serie limitada de Netflix "Maid" en los que solo dije "Wow". No fueron estrictamente las actuaciones conmovedoras de un reparto talentoso, ni tampoco las relaciones empáticas y complejas que se desarrollan y cambian a lo largo de 10 episodios. Era simplemente el paquete completo y perfecto, uno que floreció en un espectáculo que me dejó riendo y llorando por días.

Inspirada en las memorias de Stephanie Land del mismo nombre, "Maid" cuenta la historia de Alex (Margaret Qualley), una joven que vive en el estado de Washington y está criando a su hija de dos años y medio. El público conoce a Alex mientras se embarca en una transición que muchos tienen que hacer: huir en medio de la noche, tratando de no despertar a su novio, Sean (Nick Robinson), para proteger a su hija (y a ella misma) del alcohólico emocionalmente abusivo. Alex y su hija lo logran, pero ese es solo el comienzo de donde la creadora de la serie Molly Smith Metzler nos lleva a lo largo de la serie.

Alex se convierte en sirvienta para poder recibir ayuda del gobierno. Uno de sus primeros clientes es una mujer rica llamada Regina (maravillosamente interpretada por Anika Noni Rose). La trama obvia de los que tienen y los que no tienen comienza con Regina tratando a Alex como si fuera tierra en su zapato. Pero al igual que la serie en general, su relación se convierte en algo diferente. Regina tiene dinero, pero quiere una familia y el horror de criar a un hijo sin su marido le aterra. Finalmente, la pareja entabla una amistad genuina, y cada mujer se da cuenta de que la otra escuchó su grito interior pidiendo ayuda.

Metzler utiliza las memorias de Land como catalizador para contar historias sobre mujeres presentadas con demasiada frecuencia en términos estereotipados y negativos. “Maid” nos obliga a confrontar nuestras propias actitudes sociales sobre todo, desde la violencia doméstica hasta aquellos que dependen de la ayuda del gobierno. De inmediato, Alex siente que no cae en los parámetros estereotipados de su situación. Víctima de abuso emocional, Alex no cree que necesite una vivienda para casos de violencia doméstica porque le quitaría un lugar a una mujer que “realmente ha sido” abusada. La descripción del estado mental de Alex nos muestra cómo se siente inútil; sin valor para la ayuda, sin valor para el amor y, en última instancia, sin valor al contar su historia para ayudar a otros.

Alex no es poco inteligente, pero está rodeada de situaciones y personas que la subestiman crónicamente debido a las suposiciones sociales. La serie tampoco teme a enfatizar su perspectiva emocional sobre la realidad estricta, como un procedimiento de custodia donde la única palabra que escucha es "legal" una y otra vez, o cuando Alex usa su tarjeta EBT para comprar comida e imagina al verificador subirse al altavoz para gritar su estado de pobreza. Qualley captura la mentalidad de Alex en constante cambio, desde la depresión que siente debido al control de Sean, hasta sus humorísticos intentos de agradar a la gente. Es obvio por qué Qualley es considerada una de las nuevas actrices más emocionantes que existen porque te hace ver la experiencia vivida de Alex, ya sea que hayas sido ella o tengas miedo de convertirte en ella.

Cada episodio se nutre de tantas emociones clave: es notable que la joven actriz sea capaz de manejar todo sobre sus hombros. Alex no solo está lidiando con sus problemas crónicos de desamparo y custodia, también está lidiando con su madre bipolar Paula (interpretada por la propia madre de Qualley, Andie MacDowell) y una relación contenciosa con su padre ausente, Hank (Billy Burke). Alex desea desesperadamente arreglar y salvar todo en su vida y se siente más difícil aquí, mientras lidia con los recuerdos reprimidos de la vida de su propia madre.

No es de extrañar que MacDowell y Qualley sean fantásticas juntas, que tengan una facilidad natural y que transmitan una sensación de historia oscura entre ellas. Alex ha recorrido este camino con su madre, uno que involucra dinero mal administrado y hombres malos durante años, y a medida que avanza la serie, la pregunta más importante de Alex es: "¿Qué haría si dejara de intentar salvar a mi familia que se está ahogando?" Alex quiere ser una salvadora y lo más difícil para ella de aceptar es que la gente tiene que estar abierta a su ayuda. Una joven madre, a quien Alex conoce en el refugio de violencia doméstica, regresa con su esposo abusivo, y Alex no puede entender por qué.

Ha habido artículos en las últimas semanas sobre cómo "Maid" muestra la pobreza bajo una nueva luz y, si bien eso es cierto, es una exploración básica del programa. La serie habla sobre quién es digno de nuestra supuesta caridad (y cuánto de esa caridad viene con esperanzas ridículas que indican un sistema roto). Más importante aún, habla de cómo la ayuda generalmente solo se brinda si una persona presuntamente ha sufrido lo suficiente. Hay numerosos personajes que Alex encuentra que necesitan ayuda, pero tienen demasiado miedo o vergüenza para pedirla.

Hay tantos momentos dentro de la serie que me encantaría discutir, solo por su cuenta, pero contar demasiado de la historia de Alex disminuye su impacto general. Ni siquiera he mencionado la capacidad de MacDowell para aportar ligereza y corazón a su personaje en apuros, o la mezcla de encanto, fragilidad y dominio machista de Robinson como Sean. Necesitamos más historias como esta y, sin duda, "Maid" merece todos los elogios que recibe.


jueves, 15 de marzo de 2018

Love, Simon

Simon Spier es un joven de 16 años que no se atreve a revelar su homosexualidad, ya que prefiere esperar al musical que se celebra en secundaria. Pero un día, uno de sus correos electrónicos llega a manos equivocadas y las cosas se complican extraordinariamente. (FILMAFFINITY)



Simon es todo lo que decía en el trailer: familia perfecta, amigos perfectos, vida perfecta. Lo único que lo complicaba de por medio era su preferencia sexual, y viendo como personas de su colegio reaccionan a la homosexualidad, él ha impedido que su secreto salga a la luz pública... hasta que conoce a Blue, una persona anónima que confiesa en el portal de la escuela que es gay. Simon decide contactarle con el pseudónimo de Jacques y entre ellos comienza a surgir un romance online. No obstante, ninguno sabe quién es en realidad el otro, y Simon tratará de averiguarlo con todas las cosas que irá descubriendo de Blue a través de sus mensajes.

Sí. Es una película para adolescentes y está basada en una novela que tuvo una buena recepción, lo cual significa que tiene aspectos que quizás se han visto antes en su categoría. Pero esta historia tiene algo que la hace especial: no es el clásico teen drama, de los adolescentes que se enamoran, pelean y se reconcilian.


Desarrolla temas que los adolescentes homosexuales agonizan a esa edad: el significado de "salir del closet" tanto para la persona como para los que le rodean, la inseguridad al tratar de iniciar una relación, las diferencias sociales y todos los obstáculos emocionales que los adolescentes deben afrontar, que quizás para muchos les parecerán tonterías, pero para cualquier persona a esa edad parece el fin del mundo, y muchos lo consideran como el fin de su vida.

El personaje de Simon está lleno de conflictos internos: es igual de inseguro que cualquier adolescente, pero a su vez sabe como fingir sus realidades con mentiras que parecen sencillas. Y la forma en que se van dando las situaciones ayudan a entender quién es realmente este joven y si tomaría las mismas decisiones que otras personas eligen cuando le dicen al mundo su preferencia sexual, lo cual lo hace aún más interesante: no es un personaje que propone el suicidio como una opción en ningún momento de la trama, sino que decide afrontar sus demonios aunque al final se vuelva muy doloroso.


De igual modo, los conflictos que lo rodean son creíbles y conmovedores. En ningún momento te dan esa sensación de "eso no pasaría en la vida real", lo cual crea mayor empatía con los demás personajes de la trama y con la historia. Es importante destacar que el principal antagonista de la historia es el mismo Simon, quien lucha contra sus demonios internos.

A su vez, cada personaje le da una lección de vida a Simon, y de todos sus consejos es que él saca la valentía y decide decir sus verdades al mundo. No sirven como el mismo mentor, sino como un acompañante en su trayecto que le va diciendo que es lo mejor. Estructuralmente, parecería como una típica comedia romántica de adolescentes, pero se destaca por la calidez de sus personajes y la intensidad de los conflictos que rodean al protagonista, y que le dan una historia más interesante de contar, con el apoyo de una banda sonora que seguro todos los adolescentes amarán.

"Love, Simon" decide contar una historia en un mundo donde el tema de la desigualdad continua siendo una problemática, por lo que su producción eleva los ideales de la trama con el objetivo de entretener pero a la vez educar a su audiencia con verdades que muchos no se atreven a aceptar. Tiene un relato sincero y particular que, aunque no se alejan de los aspectos narrativos asociados a su género, sí trata de encontrar su propia voz.



domingo, 27 de agosto de 2017

Everything everything: 7 diferencias entre el libro y la película

Madeline es una joven con grandes deseos de conocer el mundo: su único impedimento es una enfermedad llamada SCID que la ata a estar encerrada en su casa, bajo la protección de su madre y una enfermera. Todo cambia cuando conoce a Olly y sus deseos por salir aumentan.



Cada año, la industria del cine decide llevar novelas románticas populares a la pantalla grande, con las expectativas de atraer al público joven a las salas. Pero lo más impresionante de este dato es que todos los años, una novela romántica tiene el mismo patrón: un personaje enfermo se enamora de otro (que puede estar enfermo o no) y decide romper con la conducta que ya había establecido por su salud, para lograr la pizca de felicidad que le hacía falta a su vida. 

En este 2017, le tocó a Everything Everything, una novela de Nicola Yoon, que se centra en la vida de Maddy, quien debido a su enfermedad no conoce el mundo exterior, y parece no querer conocerlo hasta que Olly se muda en la casa de al lado. El amor a primera vista que nace entre ambos la motiva a querer salir, conocer el mundo y estar junto a él.

Como siempre sucede, la adaptación se maneja a un ritmo y un estilo distinto al que plantea el libro. Pero en esta ocasión, las diferencias no solo están en la historia: aunque mantiene el mismo hilo secuencial de la trama original, hay varios aspectos que no terminarán de convencer a la audiencia, si leyó el libro.

Vienen spoilers en 3, 2, 1...

Maddy



Maddy toma clases virtuales de arquitectura, que son supervisadas por un tutor; pero, nunca lo vimos en la película. A parte, según el libro, Maddy no tiene contacto con más nadie, a parte de su madre, su enfermera y su tutor; mientras que en la película, ella está en un grupo de apoyo con personas que tienen la misma enfermedad e incluso es "super amiga" de la hija de su enfermera.

Olly



Nuestro Olly, que vive haciendo volteretas y handstands, es una persona mucho más tranquila en la película. Incluso, las peleas que tiene con su padre (planteadas en el libro), solo ocurren una vez, que es cuando Maddy sale al exterior por primera vez. También, la película nunca presenta el escondite en el techo de Olly que el libro cuenta.

La química entre Maddy y Olly



Mientras que la relación entre Maddy y Olly era auténtica y natural en el libro, la película presenta dos protagonistas con una química nula, que en ocasiones parecían forzadas y sincronizadas con los diálogos más emblemáticos que nos dieron en el libro. Por otro lado, mientras que en el libro se comunicaban a través de un chat parecido a Messenger, en la película se comunican por mensajes de texto a través de los celulares, que eran complementados con la imaginación de Maddy, pues los llevaba a la realidad como si estuviesen uno frente al otro en algunas de sus maquetas. A pesar de que no había tanta química, en la película interactuaban y se encontraban más.

El viaje a Hawaii



Como todo "libro llevado a la película que no toma todas las escenas más importantes", la adaptación cortó momentos del viaje a Hawaii que el libro cuenta, como el reencuentro de Carla y Maddy que sucedía minutos antes de tomar el avión, o el amigo con quien Olly se encuentra en Hawaii. Al parecer la escapada era más corta de lo que el libro planteaba.

La escena de sexo



Según el libro, Maddy parece que estaba preparada para este momento, pues hasta una caja de condones tenía; muy distinto a la película, donde no tienen diálogos, y todo transcurre rápido sin entrar en detalles y sin condones.

Como Maddy se entera de que no tiene SCID (y nunca lo ha tenido)



Uno de los puntos de giro más inesperados de la película es el hecho de que Maddy nunca había estado enferma y que su madre se lo hizo creer porque seguía sufriendo la muerte de su esposo y otro hijo, de modo que (para "proteger a su única hija") le hizo creer que estaba enferma. El libro explica que Maddy recibió un correo electrónico de la doctora que la había atendido en Hawaii, con unos resultados de análisis donde no se veía la existencia de su enfermedad; al enseñárselo a su mamá, ella dijo que la doctora se equivocaba, y todo quedó ahí hasta unos días después que Maddy decidió entrar a la oficina de su mamá y buscar su expediente. No obstante, la película lo plantea todo mucho más rápido: Maddy recibió una llamada de esta doctora y de inmediato fue a la oficina de su mamá, descubriendo que nunca ha sido diagnosticada con SCID. 

El reencuentro de Maddy y Olly



A todos los que leyeron el libro seguro les dolió la separación forzosa de los protagonistas, por voluntad propia de Maddy, quien después de la experiencia en Hawaii sacó su propia conclusión de que no debían estar juntos y dejó de responder los mensajes de Olly. Su reencuentro sucedió semanas después de ella enterarse que no tenía SCID, en una librería de New York. El libro lo simplifica con que Maddy se escondió entre los estantes, en espera de la llegada de Olly y dejó su libro de The Little Prince con una nota; Olly lo encuentra y termina diciendo: "encontré tu libro". Mientras que en la película, Olly ya estaba en la librería cuando Maddy llegó, y el reencuentro fue mucho más intenso (y romántico). Creo que el final de la película es mucho mejor.


Mientras que el libro estaba diseñado con dibujos supuestamente realizados por Maddy, la película parecía un video musical, principalmente por los movimientos de cámara y la constante música que tenían todas las escenas. 

Puntos a favor del libro
-Estaba ilustrado de una manera divertida
-La interacción de Olly y Maddy es más pura
-El blog de Maddy siempre fue parte de la historia

Puntos a favor de la película
-La musicalización es totalmente adecuada con lo que iba ocurriendo a lo largo de la historia
-Llevar las maquetas de Maddy a gran escala fue una buena idea
-El final