Crítica Cinéfila: The Tattooist of Auschwitz

Basada en la novela homónima, esta es la historia de la vida real de Lali Sokolov, un prisionero judío al que se le encargó tatuar números de identificación en los brazos de los prisioneros en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau durante la Segunda Guerra Mundial. Un día, conoce a Gita mientras le tatúa el número de prisionera en el brazo, lo que da lugar a un amor que desafía al horror que les rodea.

Imágenes específicas del Holocausto han salpicado el panorama cinematográfico y televisivo sin cesar: el alambre de púas de un campo de concentración, cuerpos desnudos reducidos a piel y huesos, tirados en montones de desechos, abusos inhumanos y asesinatos al azar por parte de malvados nazis. Hollywood ha inculcado repetidamente esas imágenes al presentar este horrible momento de la historia, por lo que seguir evocándolas aumenta el trauma colectivo de todo un pueblo (algo inconscientemente necesario para evitar que vuelva a suceder). Sin embargo, todas estas historias y más son la coproducción de Sky Studios y Peacock “ The Tatooist of Auschwitz”. Eso hace que sea una serie difícil de ver, pero la historia y la melancolía hacen que cualquiera caiga en la tentación.

La serie se inspira en el controversial y exitoso libro homónimo de Heather Morris, de 2018. Morris escribió su primera novela después de pasar tiempo con un sobreviviente del Holocausto eslovaco llamado Lali Sokolov, que era tatuador judío en Auschwitz II-Birkenau. El libro, y ahora la serie, cuenta la historia de Lali desde su llegada al campo en 1942 hasta su escape en 1945. Mientras estaba allí, conoció a una mujer llamada Gita Furman mientras le tatuaba un número de identificación en la piel. Fue amor a primera vista, y la pareja encontró formas de comunicarse y conocerse mientras estaban en el campo. Finalmente, después de muchos encuentros espantosos y situaciones al límite, Furman también escapó. Los dos se reencontraron, se casaron, se mudaron a Australia y tuvieron un hijo. 

La esencia de la historia ocurrió en la vida real, pero el libro fue publicado como ficción. Aun así, los historiadores y académicos cuestionaron los detalles, alegando que el libro contiene tergiversaciones y errores. Algunos de los más importantes fueron la descripción del campo y su distribución, la ruta del tren que tomaron los personajes y el número que Sokolov tatuó en el brazo de su futura esposa. Por su parte, Morris sostiene que escribió una obra de ficción y contó la versión de los hechos de Sokolov, no la versión de los hechos que realmente sucedieron.

El argumento en contra de contar una historia como esta —inspirada en personas reales, basada en la realidad, pero que luego se toma libertades creativas— es que quienes no están familiarizados con el Holocausto o las discrepancias podrían tomar el libro (y ahora la serie) como puramente factual. Ninguno de los proyectos se guarda detalles desgarradores de muerte y tortura, pero ambos romantizan la historia de amor ambientada en estas circunstancias.

Incluso con las mejores intenciones de mostrar la perseverancia del espíritu humano y cómo el amor encuentra un camino, estos fueron eventos muy perturbadores que llevaron a un trauma generacional masivo. Es esencial conocer la historia y escuchar las historias, pero al recrear esos eventos para una audiencia, debes descubrir qué estás agregando al paisaje que sea útil y no dañino. A lo largo de seis episodios, “El tatuador de Auschwitz” logra ambas cosas.

La directora y coproductora ejecutiva Tali Shalom-Ezer y el resto del equipo intentaron abordar las críticas del libro con el mayor cuidado posible, contratando consultores y asegurándose de que todos tuvieran acceso a asesoramiento. También cambiaron el número de Gita de 34902 (el que Lali recordaba en el libro) a 4562, que Gita confirmó antes de su muerte. En cuanto a la historia, “El tatuador de Auschwitz” reconoce que se trata de un relato al contarle sus experiencias a un Lali mayor (Harvey Keitel) que escribe por primera vez.

A través de ese relato y de los flashbacks, los espectadores conocen a Lali, de 25 años, interpretado por Jonah Hauer-King. Lali es un personaje complejo y atormentado, y Hauer-King se entrega al papel con aplomo. Se trata de un hombre que, en última instancia, hace lo que sea necesario para sobrevivir, e internaliza el dolor que su participación y complicidad le provocan con un efecto desgarrador. Como tatuador, Lali imprime números de identificación en los brazos de los prisioneros para aprovechar que le den mejores condiciones para dormir y más comida. Pero se disculpa con cada pinchazo y luego comparte esas raciones adicionales con sus compañeros de prisión. De pequeñas maneras, él contribuye a la sociedad, tratando de equilibrar la balanza.

Es comprensible que la posición de Lali le otorgue ciertas ventajas, pero la tolerancia general que recibe es inconsistente en comparación con el trato de quienes lo rodean. Es capaz de defenderse y cuestionar a los guardias sin repercusiones significativas, todo mientras esos mismos guardias se apresuran a disparar a otros en la cabeza por tropezar o usar la letrina por la noche. 

La habilidad de Lali para moverse por el campo también lo distingue de los demás. Esquiva a los guardias y soborna a otros para que pueda visitar a la eterna optimista Gita (interpretada por Anna Próchniak). En una escena, Lali interactúa en Auschwitz con el Dr. Schumann, y vende una parte de su alma a cambio de un antibacteriano que salvará la vida de Gita.

El amor de Lali por Gita le da un propósito y le permite mantener la esperanza mientras soporta horrores cada vez mayores. Muchas de las escenas de los campos de concentración ponen de manifiesto la crueldad de esos lugares y, sin duda, ponen al público en el lugar de quienes estuvieron allí. Se calcula que 1,1 millones de personas murieron en Auschwitz y, a diferencia de Lali, nunca tuvieron la oportunidad de contar su historia. La serie enfatiza ese punto con primeros planos de rostros que miran fijamente a la cámara después de que los personajes son asesinados o enviados a las cámaras de gas. Es un recurso inquietante que humaniza a estas víctimas y recuerda a los espectadores que eran más que un número.

Lo que es más difícil de ver son los actos de violencia aleatorios que se muestran con todo detalle: hombres abatidos frente a un pelotón de fusilamiento; una mujer con un disparo en la cabeza después de pedir ayuda; Lali fue llevado a la cámara de gas para identificar dos cuerpos y los guardias bromeaban diciendo que era el único judío que había salido con vida de ahí; mujeres enfermas y desnudas empujadas afuera para que se congelaran durante la noche y dejaran libres las camas. “The Tattooist of Auschwitz” está llena de momentos necesariamente angustiosos.

Son suficientes para hacer que las pausas narrativas actuales sean un respiro necesario. Esa carga mental se refleja en la pantalla cuando Heather lidia con el trauma secundario de lo que está aprendiendo. Mientras tanto, la serie también usa esos momentos para abordar las inexactitudes históricas y la capacidad de Lali para recordar correctamente. Lali está atormentado por los fantasmas de su pasado y con frecuencia interactúa con ellos, a veces en presencia de Heather. También hay indicios de que a veces puede estar exagerando para perdonarse a sí mismo por participar en todo eso.

La idea es que la verdad se encuentra en algún punto entre el recuerdo y la realidad, y que la experiencia de un hombre no es necesariamente universal. Conocer y compartir su historia es importante, pero con el contexto adecuado. Al final, “The Tattooist of Auschwitz” pone de manifiesto la dicotomía del espíritu humano, mostrando la posibilidad del amor y la inimaginable monstruosidad que puede traer consigo el odio.

Crítica Cinéfila: Maid

Una madre soltera hace trabajos domésticos para llegar a fin de mes mientras lucha contra la indigencia y la burocracia.

Hay muchos momentos en la serie limitada de Netflix "Maid" en los que solo dije "Wow". No fueron estrictamente las actuaciones conmovedoras de un reparto talentoso, ni tampoco las relaciones empáticas y complejas que se desarrollan y cambian a lo largo de 10 episodios. Era simplemente el paquete completo y perfecto, uno que floreció en un espectáculo que me dejó riendo y llorando por días.

Inspirada en las memorias de Stephanie Land del mismo nombre, "Maid" cuenta la historia de Alex (Margaret Qualley), una joven que vive en el estado de Washington y está criando a su hija de dos años y medio. El público conoce a Alex mientras se embarca en una transición que muchos tienen que hacer: huir en medio de la noche, tratando de no despertar a su novio, Sean (Nick Robinson), para proteger a su hija (y a ella misma) del alcohólico emocionalmente abusivo. Alex y su hija lo logran, pero ese es solo el comienzo de donde la creadora de la serie Molly Smith Metzler nos lleva a lo largo de la serie.

Alex se convierte en sirvienta para poder recibir ayuda del gobierno. Uno de sus primeros clientes es una mujer rica llamada Regina (maravillosamente interpretada por Anika Noni Rose). La trama obvia de los que tienen y los que no tienen comienza con Regina tratando a Alex como si fuera tierra en su zapato. Pero al igual que la serie en general, su relación se convierte en algo diferente. Regina tiene dinero, pero quiere una familia y el horror de criar a un hijo sin su marido le aterra. Finalmente, la pareja entabla una amistad genuina, y cada mujer se da cuenta de que la otra escuchó su grito interior pidiendo ayuda.

Metzler utiliza las memorias de Land como catalizador para contar historias sobre mujeres presentadas con demasiada frecuencia en términos estereotipados y negativos. “Maid” nos obliga a confrontar nuestras propias actitudes sociales sobre todo, desde la violencia doméstica hasta aquellos que dependen de la ayuda del gobierno. De inmediato, Alex siente que no cae en los parámetros estereotipados de su situación. Víctima de abuso emocional, Alex no cree que necesite una vivienda para casos de violencia doméstica porque le quitaría un lugar a una mujer que “realmente ha sido” abusada. La descripción del estado mental de Alex nos muestra cómo se siente inútil; sin valor para la ayuda, sin valor para el amor y, en última instancia, sin valor al contar su historia para ayudar a otros.

Alex no es poco inteligente, pero está rodeada de situaciones y personas que la subestiman crónicamente debido a las suposiciones sociales. La serie tampoco teme a enfatizar su perspectiva emocional sobre la realidad estricta, como un procedimiento de custodia donde la única palabra que escucha es "legal" una y otra vez, o cuando Alex usa su tarjeta EBT para comprar comida e imagina al verificador subirse al altavoz para gritar su estado de pobreza. Qualley captura la mentalidad de Alex en constante cambio, desde la depresión que siente debido al control de Sean, hasta sus humorísticos intentos de agradar a la gente. Es obvio por qué Qualley es considerada una de las nuevas actrices más emocionantes que existen porque te hace ver la experiencia vivida de Alex, ya sea que hayas sido ella o tengas miedo de convertirte en ella.

Cada episodio se nutre de tantas emociones clave: es notable que la joven actriz sea capaz de manejar todo sobre sus hombros. Alex no solo está lidiando con sus problemas crónicos de desamparo y custodia, también está lidiando con su madre bipolar Paula (interpretada por la propia madre de Qualley, Andie MacDowell) y una relación contenciosa con su padre ausente, Hank (Billy Burke). Alex desea desesperadamente arreglar y salvar todo en su vida y se siente más difícil aquí, mientras lidia con los recuerdos reprimidos de la vida de su propia madre.

No es de extrañar que MacDowell y Qualley sean fantásticas juntas, que tengan una facilidad natural y que transmitan una sensación de historia oscura entre ellas. Alex ha recorrido este camino con su madre, uno que involucra dinero mal administrado y hombres malos durante años, y a medida que avanza la serie, la pregunta más importante de Alex es: "¿Qué haría si dejara de intentar salvar a mi familia que se está ahogando?" Alex quiere ser una salvadora y lo más difícil para ella de aceptar es que la gente tiene que estar abierta a su ayuda. Una joven madre, a quien Alex conoce en el refugio de violencia doméstica, regresa con su esposo abusivo, y Alex no puede entender por qué.

Ha habido artículos en las últimas semanas sobre cómo "Maid" muestra la pobreza bajo una nueva luz y, si bien eso es cierto, es una exploración básica del programa. La serie habla sobre quién es digno de nuestra supuesta caridad (y cuánto de esa caridad viene con esperanzas ridículas que indican un sistema roto). Más importante aún, habla de cómo la ayuda generalmente solo se brinda si una persona presuntamente ha sufrido lo suficiente. Hay numerosos personajes que Alex encuentra que necesitan ayuda, pero tienen demasiado miedo o vergüenza para pedirla.

Hay tantos momentos dentro de la serie que me encantaría discutir, solo por su cuenta, pero contar demasiado de la historia de Alex disminuye su impacto general. Ni siquiera he mencionado la capacidad de MacDowell para aportar ligereza y corazón a su personaje en apuros, o la mezcla de encanto, fragilidad y dominio machista de Robinson como Sean. Necesitamos más historias como esta y, sin duda, "Maid" merece todos los elogios que recibe.

Crítica Cinéfila: Midnight Mass

Una comunidad al borde de la extinción y ávida de fe recibe la llegada de un carismático sacerdote, que trae consigo milagros, misterios y un renovado fervor religioso. 

Midnight Mass, de Mike Flanagan, ve al talentoso escritor/director pasar de adaptar Stephen King a crear un proyecto que se siente tan claramente como una de las obras del maestro del terror que incluso los fanáticos se preguntarán cómo se perdieron el lanzamiento del libro. Con elementos de The Stand, The Shining y Salem's Lot, el estudio de Flanagan sobre la religión y la inmortalidad a veces reaviva recuerdos de misas de medianoche reales. Si bien hay algunas actuaciones excelentes y temas atractivos, también resulta que Flanagan, cuando se libera de la trama del material original como The Haunting o Doctor Sleep, ya tiene un estilo muy bien marcado.

Como muchos de los sermones de mi juventud, Midnight Mass abunda en temas relacionados y simbolismo en manifiesto. Flanagan está jugando con el lado más oscuro de las escrituras religiosas, conectando cosas como la resurrección y beber sangre con un tipo diferente de mitología. Después de todo, el horror y la religión tienen mucho en común, a menudo presentan temas similares de moralidad y derrota del mal, solo que con un paño diferente. Algunos de los elementos más ambiciosos de Flanagan aquí juegan con la idea de que La Biblia es realmente una historia de terror, mientras que también entrelaza temas muy parecidos a los de un Rey en la tela, principalmente el conflicto entre la responsabilidad humana y el pensamiento de que la fe puede lavar todo pecado.

La gran mayoría de "Midnight Mass" tiene lugar en una comunidad de pescadores insular llamada Crockett Island. En realidad, la mayor parte tiene lugar en la decrépita iglesia de Saint Patrick, que recientemente está dirigida por un joven encantador llamado Padre Paul (un Hamish Linklater verdaderamente fantástico, cuyo trabajo aquí casi justifica una mirada por sí solo), un líder carismático que ha sido enviado para reemplazar al Monseñor Pruitt. Coincidiendo con la llegada del padre Paul está el regreso del hijo pródigo de la isla, Riley ( Zach Gilford), quien ha estado en prisión durante cuatro años luego de un accidente por conducir ebrio en donde resultó la muerte de una mujer. De una manera muy "The Haunting of Hill House", Riley incluso es perseguido directamente por su víctima, lo que amplifica su necesidad de algún tipo de redención. El pecador y el salvador que llegan a Crockett Island al mismo tiempo se sienten como elementos del destino.

Si bien Riley y Paul son el centro de "Midnight Mass", Flanagan llena la comunidad con personajes memorables, la mayoría de los cuales han sufrido el tipo de pérdida que los lleva a una iglesia en busca de orientación, incluido el dolor que los empuja a buscar un propósito más elevado. en el mundo. Los padres de Riley, Annie (Kristin Lehman) y Ed (Henry Thomas), son los habituales de Saint Patrick, pero su vieja amiga Erin (Kate Siegel) tiene algunas preguntas más sobre el propósito de la fé dado su oscuro pasado. La estridente Bev Keane (Samantha Sloyan) es el tipo de alma comprometida que seguirá a las figuras religiosas por cualquier camino oscuro en el nombre de Dios, mientras que un pequeño grupo de no creyentes que miran con escepticismo lo que está pasando debajo de la cruz en medio de la noche, incluido la doctora (Annabeth Gish) con una madre enferma (Alex Essoe), el nuevo sheriff (Rahul Kohli) en la ciudad y un borracho local (Robert Longstreet) con un pasado oscuro.

Si te estás preguntando cómo Essoe, de 29 años, interpreta a la madre de Annabeth Gish, debes ser advertido sobre un maquillaje de anciana verdaderamente arriesgado pero increíblemente bien trabajado. Sin estropear nada, estará claro muy pronto por qué los artistas más jóvenes como Thomas y Essoe están interpretando papeles más allá de sus años, pero nunca es menos que una distracción. Y eso que los efectos de "Midnight Mass" son generalmente inferiores a los dos proyectos de "Haunting". 

También, lo crea o no, es más hablador que los dos proyectos de “Haunting”. Riley puede ser relativamente estoico, hasta que conecta con el padre Paul y Erin, con quienes recibe largos discursos sobre religión, Dios, alcoholismo, adicción, la vida después de la muerte y mucho más. Este es un espectáculo lleno de monólogos, que podría hacer que las personas que buscan escalofríos se asusten. Ese no es el juego de Flanagan aquí; está más interesado en la filosofía y la fe que antes, y hace preguntas directamente sobre la moralidad y el pecado. La mayoría de las largas conversaciones están bien escritas, lo suficientemente interesantes en su diálogo, especialmente después de una gran revelación a mitad de temporada que luego conduce a un par de episodios de intensa discusión cuando los espectadores están buscando los momentos sangrientas.

¿Qué es lo opuesto a un milagro? ¿Por qué algunos fieles reciben bendiciones en su vida mientras que otros solo enfrentan tormento? Estos son temas profundos y complejos para una serie original de Netflix, y es un crédito para su trato con Flanagan que exista algo tan complejo. Es un artesano tan entretenido que los fanáticos pueden perdonar fácilmente su tendencia a la abundancia y la sobrecocción. 

Crítica Cinéfila: The Stranger (Miniseries)

Una joven que gana algo de dinero como taxi personalizado descubre su peor pesadilla cuando un misterioso pasajero se sube con ella en Hollywood Hills, y resulta ser un psicópata asesino. 

El miedo eterno de todo conductor de Uber o Lyft es que un loco/a sea su pasajero. "The Stranger" de Veena Sud es un excelente ejemplo de la ansiedad que esto puede dar. En tan solo 13 episodios, la cineasta nos otorga una noche completa de terror a la que una conductora de taxi personalizado es sometida cuando su siguiente pasajero es un psicópata que quiere matarla.

Maika Monroe interpreta a Clare, conductora de viajes compartidos y aspirante a escritora, quien recientemente se mudó a Los Ángeles desde Kansas para poder alcanzar su sueño. El piloto inicia con ella recogiendo a un hombre (Dane DeHaan) con una maleta en un condominio privado ubicado en el tope de una colina de Hollywood. El hombre, quien se hace llamar Carl E., rápidamente pasa de ser encantador a espeluznante cuando le revela que es un asesino y un sexista furioso.

No es necesario una historia de trasfondo profunda en Carl E., pues el formato de Quibi de menos de 10 minutos ayuda a que la audiencia interprete por sí sola con la información limitada que nos da: es un psicópata que asesina friamente a cualquiera que se le cruce por su camino, no es la primera vez que hace esto, y para él sus asesinatos son experimentos. Todo esto se va interpretando poco a poco a lo largo de los 13 episodios, al igual que muchos detalles del pasado de Clare, aspectos que son importantes conocer para darle la importancia que merece a su ansiedad y sus acciones.

No es la primera vez que pasa por un trauma de acoso, pero sí es la primera vez que las circunstancias del pasado afectan los terrores del presente, a un punto que muchos dudan de su palabra. ¿Será verdad que un tal Carl E. la está tratando de asesinar? Nadie lo ha visto, ni siquiera JJ (Avan Jogia), un cajero de una gasolinera quien desde el momento en que Clare apareció por primera vez después del primer susto con el psicópata, ha tratado de ayudarla, no solo para salir de la ciudad, sino para rastrear a su asesino; un poco de coincidencia que el cajero también sea programador, pero él mismo admite que esto es un cliché típico de Los Angeles.

Las calles de Hollywood nunca aterraron tanto con esta historia de menos de 12 horas, donde cada episodio tenía un escenario distinto, desde la estación de Union Station, hasta el Hollywood Hills y las taquerías de media noche en SoHo. El aspecto más interesante y aplaudible de la historia es lograr menos de 8 minutos de historias en un mismo lugar, y terminar el episodio con la salida del personaje a un nuevo escape. La cámara en mano de Paul Yee le agrega ansiedad a cada espacio, casi creando un efecto de claustrofobía entre las cuatro paredes episódicas que encerraban a Clare en una tortura constante, sin importar si era una estación de policía, un baño público o un carro en movimiento.

Quibi ya ha experimentado con el formato de suspenso, pero no ha producido nada tan memorable. The Stranger de Veena Sud se beneficia de su trabajo televisivo anterior (The Killing, Seven Seconds) y un ojo hacia la narración visual, además que no se siente innecesario dividir la tortura en 13 episodios. A pesar de tener una estructura narrativa de una película de 120 minutos (pueden tomar cada episodio y convertirlo en una película de thriller), cada episodio funciona como su historia independiente, manteniendo la continuidad entre ellos, pero con un conflicto particular.

The Stranger pasa acertadamente del thriller al horror, utilizando elementos básicos de género (recoger a un extraño, invasión de casa, asesino suelto) para mantener el impulso. También juega con la perspectiva de maneras interesantes: una toma posterior de Clare en su apartamento se pone en primer plano por lo que estamos anticipando, un salto, pero se vuelve aún más intrigante por lo que no vemos de cerca. Es una ilustración más tradicional de It Follows (resultando irónico que es la misma actriz sufriendo la misma circunstancia), pero ya en un plano más realista y con una conclusión más cerrada.

Si Quibi continúa creando contenido de este calibre, que Netflix y Amazon Prime se preparen.