Crítica Cinéfila: Number 24

Durante la II Guerra Mundial, el joven noruego Gunnar Sønsteby decide unirse a la resistencia noruega tras la invasión de su país por la Alemania nazi, comenzando una lucha que le llevó a convertirse más tarde en el líder de la "banda de Oslo", llevando a cabo innumerables y audaces actos de sabotaje que le convirtieron en el mayor héroe de guerra de la historia de Noruega.

Basada en la historia real de Gunnar Sønsteby, un combatiente de la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, la película “Number 24” del director noruego John Andreas Andersen es una pieza de época sólida y elegante que describe el costo emocional que requiere la libertad. Comienza con un anciano Sønsteby (Erik Hivju) preparándose para hablar ante un grupo de jóvenes estudiantes en Rjukan. La cámara de Andersen adopta un enfoque documental, apoyándose en zooms evocadores para capturar a un nervioso Sønsteby mordiendo ansiosamente un palo antes de aparecer en el escenario. Ha dado este discurso muchas veces, pero está claro que el acceso a estos recuerdos difíciles —“el quinto cajón de su mente”, como él lo llama— todavía le causa una angustia inconmensurable. 

El recurso que utiliza Sønsteby para enmarcar la película es obvio, pero no por ello menos eficaz: durante la conferencia de Sønsteby saltamos de su presentación a sus recuerdos y retrocedemos hasta Rjukan en 1937. Sønsteby (Sjur Vatne Brean) está de excursión por las montañas con su mejor amigo Erling Solheim (Jakob Maanum Trulsen). En otro lugar, los nazis están quemando libros, pero sólo uno de estos hombres está asustado. Solheim cree que los nazis no son tan malos; sólo tienen como objetivo a los comunistas. Sønsteby, como se puede suponer, tiene otros pensamientos al respecto. La división ideológica entre amigos pasará a un segundo plano, pero se sentirá en cada escena de este drama angustioso.

A pesar del tono intenso de la película y de su escena inicial, el joven Sønsteby rara vez se pone nervioso. Es un planificador meticuloso y de mente cerrada cuya tenacidad silenciosa lo convierte en un recluta atractivo para la resistencia heterogénea de Noruega. Sønsteby se convierte en parte del ejército, luego en editor de panfletos antinazis, antes de finalmente encontrar su lugar como espía con el nombre en código "Número 24". Pronto, las misiones de alto perfil de Sønsteby lo ponen en la mira de los nazis. Pero Sønsteby es demasiado ágil para ser atrapado; posee múltiples nombres, múltiples pasaportes y documentos de identificación e innumerables apartamentos. Es un bonito juego del gato y el ratón que Andersen no exagera. Sønsteby no es una figura carismática cuyas escapadas apuradas nos deleitan. De hecho, se burla de sus camaradas por sucumbir a distracciones como las mujeres y la bebida. En pocas palabras: la naturaleza aparentemente anodino de Sønsteby le permite realizar actos notables. 

A primera vista, el tema de un taciturno combatiente rebelde puede parecer extraño para Andersen. El director es más conocido por dirigir extravagantes películas de catástrofes como “El mar en llamas” y “El terremoto”. Pero el noruego Roland Emmerich sabe cómo generar tensión a través de escenas magistralmente elaboradas que ponen a prueba la voluntad de sus personajes. En este caso, hay varias secuencias de espionaje en las que Sønsteby y sus camaradas tienen la tarea de colocar explosivos en objetivos de alto riesgo, como fábricas de armas. En estas escenas, el montaje rápido empuja al espectador entre las múltiples piezas que deben unirse para completar estas misiones. 

Un tipo diferente de aprensión afecta las escenas ambientadas en la época moderna. La relación de Sønsteby con estos estudiantes no es una calle de un solo sentido en la que él les habla. También le hacen preguntas, sondeando la moralidad de sus operaciones en tiempos de guerra, especialmente los abundantes asesinatos en los que participó. Sønsteby no se echa atrás. Para él, la situación es blanco o negro: es libertad u opresión. Pero una joven mujer pone a prueba su determinación, haciéndole una pregunta que casi abre todos los compartimentos mentales y emocionales que ha encerrado durante décadas. Andersen recurre a una audaz canción de Radiohead, “Exit Music (For a Film)”, que en cierto modo funciona (es emocionalmente apasionante), pero también parece tonalmente inadecuada (la música anacrónica está fuera de lugar en una pieza de época tan detallada). 

En otras partes de la película, Andersen logra equilibrar la naturaleza metódica de esta figura histórica (el pausado Trulsen es indispensable) con la carga temática. Hay momentos sombríos de tortura y traiciones, y algo de humor sorprendente. Cuando un estudiante le pregunta a Sønsteby por qué él y sus compañeros no siguieron las enseñanzas no violentas de Gandhi en lugar de recurrir al asesinato, Sønsteby responde con franqueza: "Gandhi no se enfrentó a los nazis". Eso es lo más cerca que Andersen llega a cuestionar las acciones de Sønsteby o su personalidad. En cambio, el director crea una imagen principalmente patriótica de un hombre dedicado exclusivamente al deber. Es un enfoque inflexible que a menudo hace que la película sea emocionante incluso a través de una lente estrecha.

Crítica Cinéfila: The Tattooist of Auschwitz

Basada en la novela homónima, esta es la historia de la vida real de Lali Sokolov, un prisionero judío al que se le encargó tatuar números de identificación en los brazos de los prisioneros en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau durante la Segunda Guerra Mundial. Un día, conoce a Gita mientras le tatúa el número de prisionera en el brazo, lo que da lugar a un amor que desafía al horror que les rodea.

Imágenes específicas del Holocausto han salpicado el panorama cinematográfico y televisivo sin cesar: el alambre de púas de un campo de concentración, cuerpos desnudos reducidos a piel y huesos, tirados en montones de desechos, abusos inhumanos y asesinatos al azar por parte de malvados nazis. Hollywood ha inculcado repetidamente esas imágenes al presentar este horrible momento de la historia, por lo que seguir evocándolas aumenta el trauma colectivo de todo un pueblo (algo inconscientemente necesario para evitar que vuelva a suceder). Sin embargo, todas estas historias y más son la coproducción de Sky Studios y Peacock “ The Tatooist of Auschwitz”. Eso hace que sea una serie difícil de ver, pero la historia y la melancolía hacen que cualquiera caiga en la tentación.

La serie se inspira en el controversial y exitoso libro homónimo de Heather Morris, de 2018. Morris escribió su primera novela después de pasar tiempo con un sobreviviente del Holocausto eslovaco llamado Lali Sokolov, que era tatuador judío en Auschwitz II-Birkenau. El libro, y ahora la serie, cuenta la historia de Lali desde su llegada al campo en 1942 hasta su escape en 1945. Mientras estaba allí, conoció a una mujer llamada Gita Furman mientras le tatuaba un número de identificación en la piel. Fue amor a primera vista, y la pareja encontró formas de comunicarse y conocerse mientras estaban en el campo. Finalmente, después de muchos encuentros espantosos y situaciones al límite, Furman también escapó. Los dos se reencontraron, se casaron, se mudaron a Australia y tuvieron un hijo. 

La esencia de la historia ocurrió en la vida real, pero el libro fue publicado como ficción. Aun así, los historiadores y académicos cuestionaron los detalles, alegando que el libro contiene tergiversaciones y errores. Algunos de los más importantes fueron la descripción del campo y su distribución, la ruta del tren que tomaron los personajes y el número que Sokolov tatuó en el brazo de su futura esposa. Por su parte, Morris sostiene que escribió una obra de ficción y contó la versión de los hechos de Sokolov, no la versión de los hechos que realmente sucedieron.

El argumento en contra de contar una historia como esta —inspirada en personas reales, basada en la realidad, pero que luego se toma libertades creativas— es que quienes no están familiarizados con el Holocausto o las discrepancias podrían tomar el libro (y ahora la serie) como puramente factual. Ninguno de los proyectos se guarda detalles desgarradores de muerte y tortura, pero ambos romantizan la historia de amor ambientada en estas circunstancias.

Incluso con las mejores intenciones de mostrar la perseverancia del espíritu humano y cómo el amor encuentra un camino, estos fueron eventos muy perturbadores que llevaron a un trauma generacional masivo. Es esencial conocer la historia y escuchar las historias, pero al recrear esos eventos para una audiencia, debes descubrir qué estás agregando al paisaje que sea útil y no dañino. A lo largo de seis episodios, “El tatuador de Auschwitz” logra ambas cosas.

La directora y coproductora ejecutiva Tali Shalom-Ezer y el resto del equipo intentaron abordar las críticas del libro con el mayor cuidado posible, contratando consultores y asegurándose de que todos tuvieran acceso a asesoramiento. También cambiaron el número de Gita de 34902 (el que Lali recordaba en el libro) a 4562, que Gita confirmó antes de su muerte. En cuanto a la historia, “El tatuador de Auschwitz” reconoce que se trata de un relato al contarle sus experiencias a un Lali mayor (Harvey Keitel) que escribe por primera vez.

A través de ese relato y de los flashbacks, los espectadores conocen a Lali, de 25 años, interpretado por Jonah Hauer-King. Lali es un personaje complejo y atormentado, y Hauer-King se entrega al papel con aplomo. Se trata de un hombre que, en última instancia, hace lo que sea necesario para sobrevivir, e internaliza el dolor que su participación y complicidad le provocan con un efecto desgarrador. Como tatuador, Lali imprime números de identificación en los brazos de los prisioneros para aprovechar que le den mejores condiciones para dormir y más comida. Pero se disculpa con cada pinchazo y luego comparte esas raciones adicionales con sus compañeros de prisión. De pequeñas maneras, él contribuye a la sociedad, tratando de equilibrar la balanza.

Es comprensible que la posición de Lali le otorgue ciertas ventajas, pero la tolerancia general que recibe es inconsistente en comparación con el trato de quienes lo rodean. Es capaz de defenderse y cuestionar a los guardias sin repercusiones significativas, todo mientras esos mismos guardias se apresuran a disparar a otros en la cabeza por tropezar o usar la letrina por la noche. 

La habilidad de Lali para moverse por el campo también lo distingue de los demás. Esquiva a los guardias y soborna a otros para que pueda visitar a la eterna optimista Gita (interpretada por Anna Próchniak). En una escena, Lali interactúa en Auschwitz con el Dr. Schumann, y vende una parte de su alma a cambio de un antibacteriano que salvará la vida de Gita.

El amor de Lali por Gita le da un propósito y le permite mantener la esperanza mientras soporta horrores cada vez mayores. Muchas de las escenas de los campos de concentración ponen de manifiesto la crueldad de esos lugares y, sin duda, ponen al público en el lugar de quienes estuvieron allí. Se calcula que 1,1 millones de personas murieron en Auschwitz y, a diferencia de Lali, nunca tuvieron la oportunidad de contar su historia. La serie enfatiza ese punto con primeros planos de rostros que miran fijamente a la cámara después de que los personajes son asesinados o enviados a las cámaras de gas. Es un recurso inquietante que humaniza a estas víctimas y recuerda a los espectadores que eran más que un número.

Lo que es más difícil de ver son los actos de violencia aleatorios que se muestran con todo detalle: hombres abatidos frente a un pelotón de fusilamiento; una mujer con un disparo en la cabeza después de pedir ayuda; Lali fue llevado a la cámara de gas para identificar dos cuerpos y los guardias bromeaban diciendo que era el único judío que había salido con vida de ahí; mujeres enfermas y desnudas empujadas afuera para que se congelaran durante la noche y dejaran libres las camas. “The Tattooist of Auschwitz” está llena de momentos necesariamente angustiosos.

Son suficientes para hacer que las pausas narrativas actuales sean un respiro necesario. Esa carga mental se refleja en la pantalla cuando Heather lidia con el trauma secundario de lo que está aprendiendo. Mientras tanto, la serie también usa esos momentos para abordar las inexactitudes históricas y la capacidad de Lali para recordar correctamente. Lali está atormentado por los fantasmas de su pasado y con frecuencia interactúa con ellos, a veces en presencia de Heather. También hay indicios de que a veces puede estar exagerando para perdonarse a sí mismo por participar en todo eso.

La idea es que la verdad se encuentra en algún punto entre el recuerdo y la realidad, y que la experiencia de un hombre no es necesariamente universal. Conocer y compartir su historia es importante, pero con el contexto adecuado. Al final, “The Tattooist of Auschwitz” pone de manifiesto la dicotomía del espíritu humano, mostrando la posibilidad del amor y la inimaginable monstruosidad que puede traer consigo el odio.

Crítica Cinéfila: The Zone of Interest

El comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca del campo.

A estas alturas no parece exagerado decir que Jonathan Glazer es incapaz de hacer una película que no sea vigorosamente original. Su primer largometraje de 2000, "Sexy Beast", elevó el thriller de gánsters británico. Cuatro años más tarde, su thriller de reencarnación, "Birth", obtuvo una respuesta fría de la mayoría de los críticos. Casi una década después, regresó con el hipnóticamente austero thriller de ciencia ficción "Under the Skin", sobre una súcubo alienígena que se aprovecha de hombres escoceses y descubre la empatía durante su ola de asesinatos.

La nueva película en alemán de Glazer, "The Zone of Interest", que llega después de otra ausencia de 10 años en las películas, es un devastador drama sobre el Holocausto como ningún otro, que demuestra con sorprendente eficacia el infalible control de la narración tonal y visual del formalista británico. Lo peor que se puede decir sobre el director es que, para tener un talento tan singular, es frustrantemente poco frecuente en sus producciones. Pero, por eso sus películas son tan singulares.

Adaptando la novela de Martin Amis de 2014 podando y remodelando radicalmente toda la trama, y estrechando su mirada a solo uno de los tres narradores, Glazer transforma al protagonista ficticio del libro en el oficial de las SS de la vida real en el que se inspiró, Rudolf Höss. Höss, el comandante con más años de servicio en el campo de concentración de Auschwitz, fue una fuerza líder en el perfeccionamiento de las técnicas de exterminio masivo implementadas durante la aceleración de la "Solución Final" de Hitler.

El otro elemento clave que se conserva es el escenario que da título tanto al libro como a la película. El área en cuestión son las aproximadamente 25 millas cuadradas que rodean Auschwitz en el oeste de Polonia.

El carácter eufemístico del término encaja con los temas de compartimentación y negación de la película de Glazer, explorados a través de la idílica vida de Höss (Christian Friedel), su esposa Hedwig (Sandra Hüller, la revelación de Toni Erdmann ) y sus cinco hijos en su hogar justo al otro lado del muro, desde el campo, a poca distancia del lugar donde se estaban cometiendo atrocidades indescriptibles. Esa yuxtaposición parece la esencia misma de lo que Hannah Arendt llamó “la banalidad del mal”, perfectamente capturada en las interpretaciones naturalistas del elenco. La película hace tácitamente la importante distinción entre el olvido y la simple negativa a reconocer el respaldo al asesinato en masa como algo más que una adhesión patriótica a la línea del partido. Los ecos de ese tipo de flexibilidad ética en muchos paisajes políticos modernos a nivel mundial son evidentes.

Trabajando con el director de fotografía polaco Łukasz Żal, quien filmó las hermosas piezas en blanco y negro "Ida" y "Cold War" de Pawel Pawlikowski, Glazer incorporó cámaras operadas remotamente en la reconstrucción de la residencia Höss realizada por el diseñador de producción Chris Oddy. Filmaron simultáneamente con hasta 10 cámaras en diferentes salas, sin luces de película y permitiendo que los actores se movieran sin obstáculos. Esto encaja con el esquema visual del exterior en el extenso jardín: el orgullo y la alegría de Hedwig con su invernadero, árboles frutales y huertos, todo ello cuidadosamente diseñado según los registros históricos. La película se desarrolla predominantemente en planos generales fijos bajo luz natural, estableciendo un estilo de observación imparcial que de alguna manera hace que su escrutinio sea más escalofriante.

Del mismo modo, el inquietante uso de la música de Mica Levi, que sigue el estresante trabajo del compositor experimental en "Under the Skin" al fusionar la partitura con el sonido ambiental, está pensado con la búsqueda de ofrecer nuevas maneras para que la composición musical en el cine traspase los límites. El prólogo de la película se presenta unos minutos de pantalla negra, interrumpidos sólo por las palabras del título al principio y acompañados por la partitura de Levi, turbia y malévola al principio, que luego explota en una aterradora cacofonía al final. La película está interrumpida intermitentemente por violentos sonidos de cuernos que suenan como los gritos heridos de animales de otro mundo.  

La familia Höss aparece por primera vez haciendo un picnic junto al río con amigos en un día soleado, y la cámara a menudo los capta en el jardín, celebrando un cumpleaños o disfrutando en la piscina durante una fiesta. La clara visibilidad (y presumiblemente el olor) del humo que sale de los crematorios del campo y el sonido de los gritos de los prisioneros, los ladridos de los perros guardianes o los oficiales ordenando ejecuciones parecen ni siquiera registrarse. Todo el horror se vuelve casi como el ruido de fondo de un televisor encendido en otra habitación de una casa. Pero en lugar de normalizar la aparente inmunidad de la familia a las atrocidades, la decisión de permanecer enteramente en el lado civil del muro hace que la pesadilla sea más desgarradora. Lo que no se ve a menudo es más aterrador. Incluso el hecho de que apenas se pronuncie una palabra de retórica hitleriana hace que la fría realidad de todo ello sea más dura.

El guión de Glazer se mueve hábilmente entre instantáneas ordinarias de la vida doméstica de la familia Höss: Hedwig riéndose con las esposas de otros oficiales en la mesa de la cocina acerca de sus criadas judías no remuneradas como si no estuvieran allí; Rudolf cerraba y trababa cada puerta de forma rutinaria por la noche; uno de sus hijos pequeños jugando solo en su habitación, sin siquiera inmutarse ante el ruido del disparo de un guardia a un prisionero, y las responsabilidades profesionales del patriarca, como una reunión de negocios informal en la que él y sus colegas discuten métodos óptimos para la incineración de alto volumen.

Sólo en raras ocasiones la realidad del campo de exterminio invade con fuerza su conciencia, especialmente durante una tarde que Rudolf pasa pescando y paseando en canoa por el río con sus hijos. Horrorizado al darse cuenta de que la superficie del agua está salpicada de cenizas de cuerpos quemados, apresura a los niños a entrar para que los limpien. Pero esta urgencia quizás es más por el contacto con esa raza que buscaban exterminar, y no por la toxicidad con los residuos incinerados.

Los interludios más extraños e inquietantes de la película se desarrollan con el sonido de Rudolf leyendo cuentos antes de dormir. Las imágenes cambian a imágenes térmicas, mostrando a una joven aportando su granito de arena al movimiento partidista judío, escabulléndose por la noche para recoger manzanas y peras, y dejarlas donde los prisioneros puedan encontrarlas.

El conflicto que rompe la alegría de la familia se produce cuando Rudolf se entera de que lo van a trasladar a la oficina central, cerca de Berlín, medida que protesta en vano. Hedwig se enfurece porque espera para decírselo hasta que desaparezca cualquier esperanza de revertir la decisión, recordándole que vivir lejos de la ciudad, en campo abierto, ha sido su sueño desde que tenían 17 años. Su enojo se derrama durante una molestia momentánea con una criada, escupiendo que podría hacer que su marido esparciera las cenizas de la mujer en un campo.

En las reuniones de alto nivel que siguen, Rudolf encabeza el procedimiento para manejar una afluencia masiva de judíos húngaros, como si estuviera manejando cualquier envío de fábrica ordinario. Al informar más tarde a Hedwig de la noticia de la aprobación de Himmler, dice: "¡Estoy muy contento!" Estos destellos de burocracia e infraestructura estándar aplicadas sin un atisbo de emoción al exterminio genocida le hielan la sangre a cualquiera.

Glazer deja para el final la exposición exclusiva a lo que hay más allá del muro en Auschwitz, con un cambio de tiempo y un breve desvío hacia el documental que recuerda la mirada sin pestañear del histórico cortometraje de 1956 de Alain Resnais, "Noche y niebla". El repugnante impacto contundente se ve realzado por la naturaleza cotidiana de todo lo que sucede en torno a lo que estamos viendo, y la erupción de la música de Levi que sigue es como una alarma que suena, recordándonos que debemos permanecer alerta a los bucles cíclicos de la historia.

Crítica Cinéfila: The Life Ahead

En la costa de Italia, una superviviente del Holocausto que regenta un centro de día (Sophia Loren), acoge a un chico senegalés musulmán que le robó y vive en la calle.

Sobre el papel, "The Life Ahead" suena como una trama sentimental: un niño inmigrante huérfano es rescatado de una tortuosa vida de crimen por una sobreviviente del Holocausto y una ex prostituta que lo acogen. Y no se equivoquen: el director Edoardo Ponti, quien dirige a su madre Sophia Loren, ciertamente ha hecho ese tipo de película. Pero con su formidable y extraña pareja en el centro y la dirección alternativamente hábil y sensible de Ponti, "The Life Ahead" se las arregla para defender una configuración habitual en tiempo real.

Mientras que "The Life Ahead" se basa en la misma novela de Romain Gary que inspiró a la ganadora del Oscar en 1977 "Madame Rosa", Ponti y el coguionista Ugo Chiti trasplantaron el escenario de Francia al centro de la ciudad de Italia y situaron el drama en el presente. Eso significa que la gran dama Loren, que regresa a la pantalla por primera vez en una década, puede interpretar un papel que se adapte a su rostro de 86 años, y aporta una calidad robusta y dominante al papel. Sin embargo, Gueye, como el traficante de drogas de 12 años obligado a vivir bajo el cuidado de una anciana, termina siendo la verdadera pieza central. “The Life Ahead” puede dar espacio a un icono de pantalla para brillar, pero es aún más efectivo para presentar una estrella recién estrenándose.

Gueye interpreta a Momo, abreviatura de Mohammad, un refugiado senegalés cuya familia se vino abajo en su infancia. Al principio, al crecer bajo el cuidado del amable médico del vecindario (Renato Carpentieri), lo llevaron a Madame Rosa (Loren) después de ser arrestado por intentar robarla en el mercado. Cuando el médico obliga a Momo a disculparse con la mujer, se da cuenta del mayor potencial que tiene a mano. Las experiencias de Momo con una familia desplazada tienen más en común con esta excéntrica mujer mayor de lo que inicialmente se da cuenta, y su vínculo en desarrollo proporciona un conducto natural para explorar paralelos históricos que traspasan los límites culturales y generacionales entre ellos.

Incluso sin los parámetros existentes para esta historia, el arco de "The Life Ahead" sería predecible dentro de sus primeros 10 minutos. Pero Ponti y el director de fotografía Angus Hudson mantienen un naturalismo ansioso construido alrededor de las desventuras de Momo en la ciudad, mientras pasa de los señores del crimen a las fiestas de baile en medio de una ciudad que da la bienvenida u obstaculiza su ambición imprudente. Con una vibrante banda sonora de hip-hop italiano a su lado, Momo a menudo trasciende las limitaciones de una trama fija en una trayectoria convencional con la energía inquieta de una película más ambiciosa.

Pero eso no es realmente hacia donde se dirige "The Life Ahead", ya que el drama encuentra al niño adaptándose al enfoque de amor duro de Madame Rosa justo a tiempo para que su vejez se active, y él lucha por encontrarle el cuidado que se merece. A medida que la película traza un conjunto de personajes secundarios para ayudar a Momo en su viaje, incluida Lola (Abril Zamora), la intrigante mujer trans que vive en su edificio, y el Sr. Hamil (Asghar Farhadi), un comerciante musulmán que contrata a Momo y le brinda orientación parental adicional, nos perdemos un poco en el viaje de Momo. Y no se puede comprender lo que realmente combatían aquí; si sus propios miedos y recuerdos, o ayudar a Momo a superar los suyos. Para cuando la desgarradora experiencia de vida de Madame Rosa produce un monólogo fundamental, es casi como si estuviera poniendo la música para que se hinche, y así es hace. Ninguna medida de narración artificial puede arruinar el atractivo de ver a Madame Rosa y Momo formar su conexión única.

Loren se las arregla para inyectar a la anciana hastiada una mezcla entrañable de sabiduría, fatiga y delicadeza que hace que su atractivo para el adolescente pícaro sea completamente creíble, mientras que Gueye promete una larga carrera por delante con su interpretación como el joven senegalés. Como narrador de la historia, Momo demuestra ser un protagonista combustible cuyas lealtades cambiantes empujan el drama hacia adelante, lo que le permite a la película evadir algunas de las trampas intencionales de revivir el trauma del Holocausto al reposicionarlo hacia una mirada de evolución.

“The Life Ahead” nunca logra luchar contra la naturaleza sofisticada de la crisis de inmigración detrás de la vida de Momo, cambiando el neorrealismo de “Mediterranea” y “A Ciambra” de Jonas Carpignano a favor de arquetipos más familiares. Su final agridulce se tambalea, concluyendo la estructura de flashback establecida en sus primeros minutos con un encogimiento de hombros. Sin embargo, antes de que llegue allí, “The Life Ahead” es lo suficientemente convincente como para hacer que la narrativa valga la pena contarla, aunque solo sea porque con actuaciones tan afinadas en el centro, merece ser contada.

La casa de la Esperanza (The Zookeeper's Wife)

Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, ayudaron a salvar a cientos de personas (y también a muchos animales del Zoo) de los nazis tras la invasión de Polonia por las tropas alemanas en septiembre de 1939. (FILMAFFINITY)

El Holocausto es uno de los hechos que ha marcado más la humanidad y que siempre tendrá nuevas historias para ser explotadas en el cine. Se han publicado novelas y aperturado museos en honor a personajes que fueron los encargados de salvar cientos de vidas cuando todo se creía perdido. La historia de Jan y Antonina no era solo para ser narrada a través de las páginas de un libro... ni tampoco para mostrarla con una sutileza que ninguna trama sobre esta época ha podido plasmar.

The Zookeeper's Wife nos traslada a Varsovia, una de las principales ciudades que fue atacada por el ejército alemán en pleno Gueto. El principal escenario de los bombardeos es el Zoológico de Varsovia, donde los esposos Jan y Antonina tienen una villa y conviven junto a sus animales. Ambos son testigos de las primeras explosiones de la guerra dentro de la ciudad, viendo como sus animales más preciados eran víctimas de este hecho. Después de tratar de ayudar a unos amigos, deciden convertir su zoológico en un refugio de judíos: un zoológico humano.

El cine de Niki Caro se ha caracterizado por presentar personajes con personalidades fuertes y complejas, lo cual logra captar la atención del público sin necesidad de tener una trama muy llamativa, como en Mulán, Whale Rider y North Country; sin embargo, y a pesar de los grandes esfuerzos de preparación de Jessica Chastain, a Antonina le faltó fuerza, empoderamiento y sentimientos más pronunciados, para hacernos creer cómo estaba afectando todo este acontecimiento en su vida y la de su familia. Por momentos se ve forzada por el acento que maneja y en otros se le ve muy debilitada ante las situaciones que afrontaba. Después del segundo acto, en vez de reflejar cómo pudo salir adelante a pesar de que desconocía el paradero de su esposo, hundieron aún más a su personaje y lo disminuyeron al punto de que pudo haberse eliminado y la película hubiese salido adelante sin ella. Esto no es culpa de Jessica, sino de la guionista que no supo darle fuerza al tratamiento de su personaje.

Los aspectos técnicos no decepcionan. La fotografía y la colorización recrean una tonalidad que da la sensación de estar viendo un filme viejo, complementado por la dirección de arte, el vestuario y el peinado de cada personaje. Por igual, los efectos especiales del bombardeo, los enfrentamientos y la cremación fueron los que visualmente resaltaron, tratando de ocultar algunos errores de continuidad en muchas de las escenas a lo largo de la película.

Este filme tiene todas las buenas intenciones que su guionista y su directora se propusieron, pero no golpearon al público con la crudeza y mal sabor de esta situación y el simple hecho de tener que trasladarnos al Holocausto.