Crítica Cinéfila: The Zone of Interest

El comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca del campo.

A estas alturas no parece exagerado decir que Jonathan Glazer es incapaz de hacer una película que no sea vigorosamente original. Su primer largometraje de 2000, "Sexy Beast", elevó el thriller de gánsters británico. Cuatro años más tarde, su thriller de reencarnación, "Birth", obtuvo una respuesta fría de la mayoría de los críticos. Casi una década después, regresó con el hipnóticamente austero thriller de ciencia ficción "Under the Skin", sobre una súcubo alienígena que se aprovecha de hombres escoceses y descubre la empatía durante su ola de asesinatos.

La nueva película en alemán de Glazer, "The Zone of Interest", que llega después de otra ausencia de 10 años en las películas, es un devastador drama sobre el Holocausto como ningún otro, que demuestra con sorprendente eficacia el infalible control de la narración tonal y visual del formalista británico. Lo peor que se puede decir sobre el director es que, para tener un talento tan singular, es frustrantemente poco frecuente en sus producciones. Pero, por eso sus películas son tan singulares.

Adaptando la novela de Martin Amis de 2014 podando y remodelando radicalmente toda la trama, y estrechando su mirada a solo uno de los tres narradores, Glazer transforma al protagonista ficticio del libro en el oficial de las SS de la vida real en el que se inspiró, Rudolf Höss. Höss, el comandante con más años de servicio en el campo de concentración de Auschwitz, fue una fuerza líder en el perfeccionamiento de las técnicas de exterminio masivo implementadas durante la aceleración de la "Solución Final" de Hitler.

El otro elemento clave que se conserva es el escenario que da título tanto al libro como a la película. El área en cuestión son las aproximadamente 25 millas cuadradas que rodean Auschwitz en el oeste de Polonia.

El carácter eufemístico del término encaja con los temas de compartimentación y negación de la película de Glazer, explorados a través de la idílica vida de Höss (Christian Friedel), su esposa Hedwig (Sandra Hüller, la revelación de Toni Erdmann ) y sus cinco hijos en su hogar justo al otro lado del muro, desde el campo, a poca distancia del lugar donde se estaban cometiendo atrocidades indescriptibles. Esa yuxtaposición parece la esencia misma de lo que Hannah Arendt llamó “la banalidad del mal”, perfectamente capturada en las interpretaciones naturalistas del elenco. La película hace tácitamente la importante distinción entre el olvido y la simple negativa a reconocer el respaldo al asesinato en masa como algo más que una adhesión patriótica a la línea del partido. Los ecos de ese tipo de flexibilidad ética en muchos paisajes políticos modernos a nivel mundial son evidentes.

Trabajando con el director de fotografía polaco Łukasz Żal, quien filmó las hermosas piezas en blanco y negro "Ida" y "Cold War" de Pawel Pawlikowski, Glazer incorporó cámaras operadas remotamente en la reconstrucción de la residencia Höss realizada por el diseñador de producción Chris Oddy. Filmaron simultáneamente con hasta 10 cámaras en diferentes salas, sin luces de película y permitiendo que los actores se movieran sin obstáculos. Esto encaja con el esquema visual del exterior en el extenso jardín: el orgullo y la alegría de Hedwig con su invernadero, árboles frutales y huertos, todo ello cuidadosamente diseñado según los registros históricos. La película se desarrolla predominantemente en planos generales fijos bajo luz natural, estableciendo un estilo de observación imparcial que de alguna manera hace que su escrutinio sea más escalofriante.

Del mismo modo, el inquietante uso de la música de Mica Levi, que sigue el estresante trabajo del compositor experimental en "Under the Skin" al fusionar la partitura con el sonido ambiental, está pensado con la búsqueda de ofrecer nuevas maneras para que la composición musical en el cine traspase los límites. El prólogo de la película se presenta unos minutos de pantalla negra, interrumpidos sólo por las palabras del título al principio y acompañados por la partitura de Levi, turbia y malévola al principio, que luego explota en una aterradora cacofonía al final. La película está interrumpida intermitentemente por violentos sonidos de cuernos que suenan como los gritos heridos de animales de otro mundo.  

La familia Höss aparece por primera vez haciendo un picnic junto al río con amigos en un día soleado, y la cámara a menudo los capta en el jardín, celebrando un cumpleaños o disfrutando en la piscina durante una fiesta. La clara visibilidad (y presumiblemente el olor) del humo que sale de los crematorios del campo y el sonido de los gritos de los prisioneros, los ladridos de los perros guardianes o los oficiales ordenando ejecuciones parecen ni siquiera registrarse. Todo el horror se vuelve casi como el ruido de fondo de un televisor encendido en otra habitación de una casa. Pero en lugar de normalizar la aparente inmunidad de la familia a las atrocidades, la decisión de permanecer enteramente en el lado civil del muro hace que la pesadilla sea más desgarradora. Lo que no se ve a menudo es más aterrador. Incluso el hecho de que apenas se pronuncie una palabra de retórica hitleriana hace que la fría realidad de todo ello sea más dura.

El guión de Glazer se mueve hábilmente entre instantáneas ordinarias de la vida doméstica de la familia Höss: Hedwig riéndose con las esposas de otros oficiales en la mesa de la cocina acerca de sus criadas judías no remuneradas como si no estuvieran allí; Rudolf cerraba y trababa cada puerta de forma rutinaria por la noche; uno de sus hijos pequeños jugando solo en su habitación, sin siquiera inmutarse ante el ruido del disparo de un guardia a un prisionero, y las responsabilidades profesionales del patriarca, como una reunión de negocios informal en la que él y sus colegas discuten métodos óptimos para la incineración de alto volumen.

Sólo en raras ocasiones la realidad del campo de exterminio invade con fuerza su conciencia, especialmente durante una tarde que Rudolf pasa pescando y paseando en canoa por el río con sus hijos. Horrorizado al darse cuenta de que la superficie del agua está salpicada de cenizas de cuerpos quemados, apresura a los niños a entrar para que los limpien. Pero esta urgencia quizás es más por el contacto con esa raza que buscaban exterminar, y no por la toxicidad con los residuos incinerados.

Los interludios más extraños e inquietantes de la película se desarrollan con el sonido de Rudolf leyendo cuentos antes de dormir. Las imágenes cambian a imágenes térmicas, mostrando a una joven aportando su granito de arena al movimiento partidista judío, escabulléndose por la noche para recoger manzanas y peras, y dejarlas donde los prisioneros puedan encontrarlas.

El conflicto que rompe la alegría de la familia se produce cuando Rudolf se entera de que lo van a trasladar a la oficina central, cerca de Berlín, medida que protesta en vano. Hedwig se enfurece porque espera para decírselo hasta que desaparezca cualquier esperanza de revertir la decisión, recordándole que vivir lejos de la ciudad, en campo abierto, ha sido su sueño desde que tenían 17 años. Su enojo se derrama durante una molestia momentánea con una criada, escupiendo que podría hacer que su marido esparciera las cenizas de la mujer en un campo.

En las reuniones de alto nivel que siguen, Rudolf encabeza el procedimiento para manejar una afluencia masiva de judíos húngaros, como si estuviera manejando cualquier envío de fábrica ordinario. Al informar más tarde a Hedwig de la noticia de la aprobación de Himmler, dice: "¡Estoy muy contento!" Estos destellos de burocracia e infraestructura estándar aplicadas sin un atisbo de emoción al exterminio genocida le hielan la sangre a cualquiera.

Glazer deja para el final la exposición exclusiva a lo que hay más allá del muro en Auschwitz, con un cambio de tiempo y un breve desvío hacia el documental que recuerda la mirada sin pestañear del histórico cortometraje de 1956 de Alain Resnais, "Noche y niebla". El repugnante impacto contundente se ve realzado por la naturaleza cotidiana de todo lo que sucede en torno a lo que estamos viendo, y la erupción de la música de Levi que sigue es como una alarma que suena, recordándonos que debemos permanecer alerta a los bucles cíclicos de la historia.

Crítica Cinéfila: All Quiet on the Western Front

Relato de las terribles experiencias y la angustia de un joven soldado alemán en el frente occidental durante la Primera Guerra Mundial.

Los jóvenes patrióticos, amantes de su nación, son tan desechables como las cáscaras de papas en All Quiet on the Western Front, la nueva adaptación de Edward Berger de la novela que le dio la película de Lewis Milestone de 1930 del mismo nombre. Para algunos, ver este libro alemán interpretado por un alemán será motivo suficiente para una nueva versión; para muchos otros que solo ven lo que Netflix estrena, el original podría no existir.

El mejor caso para una nueva versión, por supuesto, es que la fotografía y los efectos han avanzado tanto desde los días de Milestone, pues no necesita depender principalmente del guión y las actuaciones para demostrar sus puntos: una película hábilmente hecha con una alta tolerancia a la guerra, es una experiencia visceral, aunque su tolerancia dura menos que otras películas de guerra modernas, como "1917" de Sam Mendes. Al igual que esa película, esta encuentra ocasiones para momentos de inquietante belleza visual, satisfaciendo una necesidad casi universal de imponer un sentido estético a los horrores sin sentido. Es una de las tendencias que lleva a algunos a sentir que simplemente no existe una película contra la guerra, incluso si se visualiza desde el punto de vista de personajes que usualmente son vistos como los que han provocado el desarrollo de la guerra.

Un prólogo resume el mensaje de la historia de manera bastante conciso. Atrapado en una batalla que su lado está perdiendo, un joven soldado alemán llamado Heinrich se arma de valor, arroja su rifle gastado a un lado y carga heroicamente contra el enemigo con una pala. Una escena después, el héroe yace en un camión lleno de cadáveres, cuyos uniformes son rescatados, lavados y remendados. El agujero de bala reparado, la chaqueta de Henrich se pasa a un nuevo recluta que no tiene idea de que alguna vez se usó.

Ese recluta es Paul, que está tan ansioso por alistarse en la Gran Guerra con un puñado de amigos que falsifica una hoja de permiso que se supone que uno de sus padres la firme. Los niños son recibidos con fanfarronería: oficiales al mando que los llaman la "generación más grande" y los instan a luchar por "el Kaiser, Dios y la Patria", en ese peculiar orden. Pronto son arrojados a un páramo donde, durante meses, los oponentes se han matado entre sí para ganar y perder algunos metros de tierra.

La adaptación de Berger invierte el tiempo suficiente en las personalidades de los tres amigos de Paul para que a la audiencia le duela lo que seguirá minutos después. También presenta a un soldado más experimentado (Katczinsky), que pronto se convertirá en su mentor de guerra. Pero luego queda claro que lo más importante que uno gana al sobrevivir un tiempo en estas trincheras es comprender que prácticamente todos tienen un final violento, independientemente del lado en donde se encuentren.

Pero así como se sigue la travesía de Paul en medio de la guerra, se sigue la historia de Matthias Erzberger (Daniel Brühl) quien luchaba por ponerle fin a la guerra y así detener la masacre que se desataba en el campo de batalla con cada minuto de desacuerdo que tenían ambos bandos. Y a partir de ahí, la película deambula en dos paralelos: la guerra en papel y la guerra a armas blancas y fusiles, cambiando del fango y el fuego armado a los trenes lujosos y las mansiones requisadas donde las autoridades francesas y alemanas toman decisiones. Mientras que los comandantes del ejército alemán están preparados para arrojar al fuego tantos cuerpos jóvenes como sea necesario, los políticos entienden que ya han perdido, y la facción liderada por Erzberger finalmente asegura un alto el fuego. Pero el general Friedrich (Devid Striesow) decide lanzar una ofensiva condenada al fracaso en los minutos finales de la guerra, ignorando el costo humano.

Los sintetizadores intimidatoriamente difusos y las trampas con forma de rifle agregan una puntuación discordante a la banda sonora de Volker Bertelmann: un toque de modernidad en una película que, por lo demás, está en sintonía con la era que describe. Las tácticas de lucha de esa época son tan distantes que uno cuestiona el valor de volver a contar historias de la Primera Guerra Mundial como esta, sin importar cuán pulidas sean las películas resultantes. Sin embargo... aquí hay una visión que no se ve todos los días: ¿es en serio que existen bandos tan desiguales en la guerra que ignoran la inutilidad de la guerra como tal? ¿Quién necesita más convencimiento? ¿O son películas como esta, principalmente para el grupo demográfico en que se enfoca, necesarias para entender que, independientemente de la devoción patriótica, las guerras surgen, se desarrollan y terminan divorciadas del verdadero pensamiento de quienes se dedican a esta áspera disciplina militar? Después de todo, este país tiene su propia mitología egoísta sobre una “gran generación”, y algunos claramente sienten nostalgia por ella. Es casi seguro que se sentirán diferente después de este regreso al frente occidental, sobre todo cuando se exponen dos visiones de generaciones diferentes sobre un mismo aspecto completamente innecesario, desarrollado por el mismo egoismo del ser humano.

Crítica Cinéfila: Blood Red Sky

Una mujer con una misteriosa enfermedad sanguínea se ve obligada a entrar en acción cuando un grupo de terroristas secuestra un vuelo transatlántico nocturno. Con el fin de proteger a su hijo, tendrá que revelar su oscuro secreto y dar rienda suelta al monstruo interior que siempre ha intentado ocultar.

En la gran tradición de "Deep Rising" y "From Dusk Till Dawn", "Blood Red Sky" de Peter Thorwarth es un thriller de secuestro que, en el momento justo, es secuestrado de su propia historia cuando los malos se dan cuenta de que están en una película muy diferente a la que se inscribieron. Excepto que "Blood Red Sky" no encuentra el momento adecuado; esta trama ​​alemán que difumina el género y se balancea entre subgéneros apenas parece buscarlo. Al contrario, esta película de verano deja caer su gran giro con todo el estilo de un detalle incidental, uno que requiere demasiada historia de fondo y ofrece muy poca emoción a cambio. Y entonces, lo que podría haber sido una quimera divertida y un híbrido de dos películas tremendamente diferentes se convierte en un trabajo de bajo calibre que no logra mezclar bien sus partes desiguales para poder lograr un monstruo con personalidad propia.

"Blood Red Sky" estuvo en modo de emergencia desde el momento en que inició; sabemos que algo salió mal a bordo de un avión de pasajeros en ruta de Alemania a Nueva York, y la película comienza con un piloto aficionado que aterriza el avión en una base aérea de la RAF en Escocia (donde los francotiradores están listos con sus rifles entrenados en la cabina del piloto). Un niño llamado Elias (Carl Anton Koch) desciende de la cabina con un osito de peluche bajo el brazo, y el resto de la película retrocede para mostrarnos lo que sucedió con todos los demás pasajeros.

Lo primero que aprendemos es que la madre soltera de Elías, Nadja, probablemente tuvo algo que ver con eso. Interpretada por una Peri Baumeister ferozmente comprometida, cuya aguda actuación ayuda a compensar la falta de mordida en el guión, Nadja entra en la película luciendo una peluca negra, y la intensidad cincelada en su rostro es similar a la de una mujer preparándose para un viaje a bordo del Prometheus en lugar de JFK.

Elias le dice a un extraño bondadoso en la puerta que su madre se dirige a los EE.UU. para un tratamiento de médula ósea. Y aunque la palabra "cáncer" nunca se menciona, el cóctel de drogas líquidas con el que Nadja se apuñala en el baño del aeropuerto sugiere que su condición no es tan sencilla. Para cuando un grupo de violentos terroristas asume el control del avión en algún lugar sobre el Atlántico, sabemos lo suficiente como para sospechar que Nadja no es la única que eligió el vuelo equivocado.

Por lo general, una película como esta esperaría hasta el comienzo del tercer acto (o al menos el punto medio) para lanzar su trampa, pero "Blood Red Sky" no está muy interesado en el elemento sorpresa. Invirtiendo las expectativas de los espectadores, incluso aquellos a los que les ha estropeado el gran giro en el avance de la película, Thorwarth y el coguionista Stefan Holtz están menos preocupados por cómo Nadja complica el secuestro; en vez, se preocupan más en cómo el secuestro complica la relación de Nadja con Elias.

¿Qué quieren los terroristas? Aunque tres personas musulmanes son obligadas a leer un mensaje yihadista, no se entiende bien la razón. ¿Por qué no muere Nadja cuando el más bulloso de los antagonistas (un Alexander Scheer anormalmente extravagante) le dispara en el pecho mientras los demás si son ultimados? Otra buena pregunta sin respuesta. 

En lugar de mostrarnos las peculiaridades de la enfermedad de Nadja y disfrutar de la repentina transformación paso a paso que parecería incrustado en la premisa mash-up de esta película, "Blood Red Sky" pausa la acción incluso antes de que comience para guiarnos a través del historia de origen de la heroína pero de una manera muy precaria. En el precipicio del giro potencialmente más satisfactorio de su película, Thorwarth nos lleva a un flashback (dentro de un flashback) que succiona el aire de la historia con toda la fuerza de una ventana rota en una cabina. ¿Por qué compartir la conmoción que se apodera de los rostros de los terroristas cuando Nadja comienza a beber de sus venas yugulares como fuentes de agua cuando podemos aprender sobre la fatídica noche en que se convirtió en una chupasangre con un pulso más lento?

Hablando de manera abstracta, hay una razón clara para eso: "Blood Red Sky" pudiese alcanzar su altitud de viaje con la fuerza de los arquetipos de suspenso convencionales, pero en el fondo esta película no es "Passenger 57" con vampiros, sino un drama sobre una madre que intenta no convertirse en un monstruo frente a su hijo. Nadja está volando a Estados Unidos en busca de una cura, pero ¿de qué sirve una cura si su único hijo siempre la verá por el demonio dentro que no pudo disfrazar? Es un dilema intrigante, uno que una mejor película hubiera hecho más para contrastar con la inhumanidad cobarde de los secuestradores, pero "Blood Red Sky" no logra coagular ese conflicto en acción.

La tensa dinámica entre Nadja y Elias se desvanece a medida que el enfrentamiento da paso a una serie interminable de secuencias de lucha poco iluminadas, fragmentos de mitología que hacen poco por profundizar la situación a bordo del avión e intentos extremadamente torpes de fusionar el sentimiento antiislámico con la vaga idea de que los vampiros no deben ser juzgados solo por su reputación.

Solo una vez que "Blood Red Sky" abandona cualquier aspiración singular y desciende a una confusa estafa de "Train to Busan" (sus vampiros actúan como zombis, lo cual hace que las criaturas sean aún más confusas), Thorwarth puede posicionar significativamente la maternidad de Nadja a la sombra de su monstruosidad. Sin embargo, en ese momento, tanto la película como todos los que aparecen en ella solo buscan un lugar seguro para aterrizar.

Crítica Cinéfila: 7500

Tobias es el joven copiloto de un avión que es secuestrado por unos terroristas, quedando él como único negociador con los atacantes desde dentro de la cabina sellada. 

7500 es el código europeo de control de tráfico aéreo asignado para los atentos de secuestros aéreos por una o varias personas de la tripulación. Su creación no está asociada con la película Flight 7500 (2014), pues cada región del mundo tiene un código distinto. Y a diferencia de esa ocasión, la nueva película de Vollrath realmente se centraliza en el significado de esos números.

El director Patrick Vollrath, nominado al Oscar por su cortometraje Everything Will Be Okay (2015), se lanza a la aventura de los largometrajes con este thriller claustrofóbico enfocado en Tobias (Joseph Gordon-Levitt), un co-piloto de un avión alemán. A pesar de su rostro joven e inocente, es un veterano americano de la aviación con 10 años de experiencia. Una vez el avión sube al aire, un grupo de secuestradores pretenden tomar la cabina de mando, sin imaginarse que Tobias lo detendría a toda costa, quedando completamente atrapado ahí, con el piloto principal gravemente herido y la consciencia intranquila ya que los secuestradores están decididos a matar a todos los tripulantes con tan solo tomar control de la cabina. Mientras se aventura a encontrar la manera de aterrizar antes de que sangre inocente se derrame, Tobias comienza a conectar con uno de los secuestradores, quien claramente no se imaginaba el peligro que correría tras cometer el plan de asaltar un avión.

Hace 4 años no veíamos a Joseph Gordon Levitt en alguna película. Su voz estuvo presente en Knives Out (2019) y en The Last Jedi (2017), pero su rostro hacía falta en su presencia actoral. Antes de él, Paul Dano había sido considerado para este personaje; pero aunque ambos actores tienen rasgos muy parecidos, el papel le asienta muy bien a Gordon-Levitt, por esa inocencia y suplicio que sabe transmitir con sus ojos. Su Tobias es admirable y respetable, pues hace lo que sea para mantenerse enfocado en la meta de aterrizar el avión a toda costa. 

Vollrath se toma su tiempo a principio para establecer las reglas de la historia, entender los personajes e incluso empatizar con ellos. Se da a conocer mucho más en los primeros 30 minutos que en el resto de la película. Lo que ocurre en el tiempo después solo continúa el sentimiento de desesperación y claustrofobía a un nivel más bajo. Al revelarse la razón por la que los secuestradores realmente han tomado el avión, la historia se desploma por millas. Cae en una serie de clichés y aventuras ya visitadas que lo hacen sentir anticuado y reductor, y que desanima continuar viéndola. Finalmente aterriza en un final más emocional y nuevamente empático, no solo en el caso del rol protagónico, sino más bien en el caso del antagonista llamado Vedat (Omid Memar) quien adquiere un rol de antihéroe después del punto medio de la trama. Su historia personal se vuelve más interesante, y solo nos preguntamos una y otra vez qué fue lo que realmente lo llevó a unirse a esta locura. Gracias a él, la película se salva de casualidad.

Ya el resto se vuelve repetitivo por enfocarse en un solo espacio. Hay otras películas que han salido victoriosas a pesar de esta cualidad (Buried - 2010; Phonebooth - 2002; Rear Window - 1954), pero la clave del éxito de estas historias se debe a la inteligencia de sus actos y al desarrollo del suspenso, con la inclusión de obstáculos que afectan tanto a la localización donde se encuentran como la emoción claustrofóbica de sus personajes. En el caso de 7500, su problema está ahí, porque aunque da complicaciones, no son lo suficientemente grande para evitar alcanzar la meta de Tobias.

El concepto de 7500 es tan fuerte que realmente no se necesita que los terroristas sean de ninguna religión o preferencia, ya que la idea funciona por sí sola. Al final, es una película de clase B: entretiene por momentos, tensa por momentos, pero no pasa a nada memorable. Los personajes quedan casi olvidados al final, y la situación se hace pequeña cuando se ve que tan fácil se puede resolver. Para el género en que quiere aterrizar, el viaje le queda corta de historia.

Cine que inspira: Historias de la Segunda Guerra Mundial

Hace unos días se conmemoró el 70 aniversario de la finalización de la Segunda Guerra Mundial, hecho que marcó a la humanidad que la vivió y a sus descendientes. Con un aproximado de 14 millones de militares y civiles fallecidos, Hiroshima y Nagasaki destruidas y Japón rendida a la Unión Soviética, la guerra había terminado; pero, además de los desastres ambientales y demográficos que dejó este acontecimiento histórico a su paso, su impacto fue notorio para la industria del entreteminiento. 

La sociedad comenzaba a recuperarse de lo que había ocurrido días atrás; no obstante, los artistas observaban lo acontecido como un medio de inspiración para nuevas historias, principalmente en el ámbito cinematográfico.

Rodaje de “Muerte en Venecia”, de L. Visconti (1971).

Los creativos eran recolectores de historias, contando tragicomedias de las distintas experiencias que ocultaron los muros caídos y las bombas explotadas de la Segunda Guerra Mundial.

Los avances tecnológicos permitieron que la industria fílmica avanzara, tanto en ideología como en los aspectos económicos y sociales. 

Por otro lado, y gracias a las facilidades de las nuevas tecnologías de la época, los cineastas no se salieron de la realidad, y utilizaron los escenarios destruidos para recrear los guiones producidos, logrando contar temas de la transformación social de ese tiempo, con su propio toque natural.

Una idea cinematográfica que continúa

Años después de la guerra, el cine seguía inspirándose de estas historias. Parecía que aún existían historias tras las cenizas sin contar. 

Los cineastas de hoy en día demuestran que no es necesario haber estado allí para poder contar una buena historia sobre la Guerra que dividió naciones y territorios.

Todavía en el siglo XXI, se tratan temas que reviven aquellos sentimientos de aquella época. Actualmente se pudo observar The Imitation Game (2014), pero también ya hace unos años se pudo apreciar esta realidad en películas como Diario de una pasión (2004), El niño del Pijama de Rayas  (2008) y Malditos Bastardos (2009).

Cada país lo asimila a su manera

Lo más interesante en el cine no es tanto la tecnología empleada o los actores involucrados (aunque influye), es la forma en que se cuentan cada historia. Grandes potencias se vieron afectadas, positiva o negativamente, de este suceso. He aquí cinco historias de la época en base a la visión de cinco países protagonistas del acontecimiento.

La tumba de las luciérnagas - 1988 (Japón)

Dirigida y escrita por Isao Takahata, cuenta la historia de Seita y Setsuko, hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia.

La vida es bella - 1997 (Italia)

En 1939, a punto de estallar la Segunda Guerra Mundial, Guido llega a Toscana con la intención de abrir una librería. Allí conoce a Dora y, a pesar de que es la prometida de Ferruccio, se casa con ella y tiene un hijo. Al estallar la guerra, los tres son internados en un campo de exterminio, donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que está padeciendo es sólo un juego. Dirigida y escrita por Roberto Benigni.

El pianista - 2002 (Inglaterra)

Dirigida por Roman Polanski. Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros.

La Caída - 2004 (Alemania)

En las calles de Berlín se libra una encarnizada batalla. Hitler y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre ellos se encuentra Traudl Junge, la secretaria personal del Führer. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, Hitler se niega a abandonar la ciudad y, acompañado de Eva Braun, prepara su despedida. Dirigida por Oliver Hirschbiegel.

La ladrona de libros - 2013 (Estados Unidos)

Narra la historia de una animosa y valerosa jovencita llamada Liesel, que transforma las vidas de todas las personas de su entorno cuando la envían a vivir con una familia de acogida en la Alemania de la II Guerra Mundial. Para Liesel, el poder de las palabras y de la imaginación se convierte en una forma de escapar de los tumultuosos eventos que la rodean, tanto a ella como a toda la gente que conoce y quiere. Dirigida por Brian Percival.

Hay muchas más películas, desde Ladrones de Bicicleta a Memorias de una Geisha, que aunque no hagan mención de la guerra, reflejan la realidad de la época en sus personajes, los sentimientos y el escenario adaptado u original.