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lunes, 22 de enero de 2024

Crítica Cinéfila: Poor Things

Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.



Emma Stone es una mujer que comienza de cero en la nueva y sorprendente película de Yorgos Lanthimos, “ Poor Things”. Para la mayoría de nosotros, la vida se compone de conocimientos y circunstancias que tardamos décadas en acumular hasta que morimos. Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en dos horas y media, gracias a un procedimiento de reanimación después que la encuentran una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo no nacido dentro de su cabeza.

Bella, de soltera Victoria, es una tabula viva que respira, libre de presiones sociales, decoro o sutilezas. Y Stone, en su interpretación más descaradamente extraña hasta la fecha, la interpreta como una niña pequeña que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de “Poor Things” ella habla francés con fluidez y estudia anatomía, con los ojos y los oídos llenos de emoción y mundanería.

Realizado audazmente con un diseño de producción de color caramelizado, decorados alucinantes repletos de suficientes irrealidades de huevos de Pascua como para llenar el rompecabezas más difícil de 5,000 piezas, y trajes victorianos tremendamente exagerados que también parecen hechos por una costurera esquizoide. Y con la suficiente sobredosis de azucar, también es histéricamente divertida y la película más atrevida que probablemente verás en todo el año.

Lanthimos nos sitúa en lo que parece un Londres victoriano del siglo XIX, pero las sutilezas surrealistas que sólo aumentan en su extrañeza sugieren un mundo abierto y agrietado fuera de lugar y tiempo: los carruajes tirados por caballos son literalmente mitad caballo, mitad carruaje, los pájaros tienen caras de tiburón y una quimera mitad cerdo, mitad gallina camina por las calles sin que nadie se lo piense. Estas anomalías médicas experimentales se le atribuyen al funerario y científico enloquecido Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe, sombríamente tranquilizador).

Está marcado, literal y psíquicamente, por los tormentos de su padre, cirujano, y ahora tiene un rostro que parece un cuadro de Picasso, como si lo hubieran cortado, desarmado, reorganizado al azar y vuelto a coser. También es un eunuco que tiene que “hacer mis propios jugos gástricos”. Uno de sus protegidos en el quirófano es el médico novato del pueblo, Max McCandles (Ramy Youssef, adorablemente inepto y perpetuamente atónito), y juntos le devuelven la vida a Bella Baxter, y Max espera casarse con ella.

"Qué adorable retardada", le dice McCandles a Godwin (a quien Bella acabará llamando simplemente "Dios") sobre su creación nacida de nuevo mientras Bella se pone a golpear superficies, orinarse y balbucear tonterías en un inglés entrecortado que poco a poco empieza a tomar una forma lingüística más reconocible. Ahora sobre esa obscenidad antes mencionada: parte de la curva de aprendizaje existencial de Bella, por supuesto, viene con el descubrimiento de la masturbación y, finalmente, el sexo, del cual “Poor Things” está lleno de una cantidad escandalosa. Bella hace algo con una manzana que hará que todos olviden a Elio y el durazno de “Call Me by Your Name” y, todavía en un estado pueril y lascivo, llama al sexo “saltos furiosos”, sugiriendo a McCandles que tal vez “se tocan las partes genitales del otro”.

“Poor Things” en última instancia trata sobre el viaje erótico de Bella desde fuera del escenario del espejo freudiano hacia el mundo como un ser sexual despierto. Lanthimos y el guionista de “The Favourite”, Tony McNamara, a partir de una novela epistolar de 1992 de Alasdair Gray, están fascinados por las formas en que el deseo gobierna toda nuestra toma de decisiones. Al conocer al pícaro y decadente abogado Duncan Wedderburn (un petulante Mark Ruffalo), Bella decide que debe "aventurarse" en lugar de atarse a Dios y McCandles, con quienes está comprometida.

Y esas aventuras incluyen muchos saltos furiosos, como en un viaje a Lisboa (una creación alucinante de los diseñadores de producción Shona Heath y James Price), Duncan y Bella lo practican en todas las posiciones imaginables. Pero a medida que Bella se vuelve más inteligente y sabia cada día, y sus mechones de pelo negro siguen creciendo a una velocidad sobrenatural, Wedderburn comienza a preguntarse si ella es realmente "el diablo envuelto en un cuerpo seductor y un cerebro que separa a las personas".


“Poor Things” está llena de comentarios nocivos, descarados y agrios como estos, como lo es, por supuesto, el oficio de Tony McNamara, cuyo viperoso triángulo erótico lésbico en “The Favourite” arrojó infinitas máximas citables que seguramente se abrirán paso en El panteón del diálogo. “Poor Things” no es diferente. "Te miro y no siento nada más que la persistente pregunta de ¿cómo te quise?", le dice Bella a Wedderburn, cansada de sus celos de que ella se convierta en su propia persona.

Mientras está en un crucero por el Mediterráneo, un pasajero cínico interpretado por Jerrod Carmichael (cuyas lecturas de líneas son demasiado inexpresivas) le dice a Bella que la degradación, el horror y la tristeza son lo que nos hace personas sustanciales. Como cualquier fan de Lanthimos sabe, esas son piedras de toque de todas sus películas anteriores, incluida “Dogtooth”, de temática similar, que también se centró en los encuentros fenomenológicos de las personas y la comprensión del mundo que las rodea. Y, por lo general, para Lanthimos, la humanidad existe dentro de una bola de nieve que le gusta agitar para su propia diversión macabra; literalmente, mientras el director de fotografía Robbie Ryan encuadra el mundo con bastante frecuencia con una lente de ojo de pez, un dispositivo que ocasionalmente lo hizo tropezar en “The Favourite”, aquí se adapta al material visto desde el punto de vista asombrado del yo inquisitivo de Bella.

Pero la degradación, el horror y la tristeza rara vez entran en juego en “Poor Things”, una comedia sexual llena de empatía y esperanza sobre las posibilidades de una vida iniciada desde cero. Tomemos como ejemplo el colapso emocional de Bella cuando se encuentra, por primera vez, con las clases bajas mientras visita Atenas, un grupo de cuerpos disipados al estilo de Hieronymus Bosch en la base de un pintoresco acantilado. “¿Quién soy yo para acostarme en una cama de plumas mientras los bebés muertos yacen en una zanja?” Bella quiere ser una buena persona tanto como “Poor Things” demuestra el deseo de Lanthimos de extender algo más que un simple encogimiento de hombros hacia la humanidad y sus crueldades innatas.

Al ver esta belleza maximalista de una película en una sala de cine, es difícil resistir el impulso de hacer una pausa y detectar cualquier siguiente locura que se les ocurrió a estos cineastas para poblar los fondos. Más allá de las imágenes orgiásticas, “Poor Things” también está repleta de fabulosos personajes secundarios que van y vienen de la forma picaresca de la educación sentimental y erótica de Bella: Kathryn Hunter, con tatuajes en todo el cuerpo, interpreta a una madame del burdel parisino, ronca y que se muerde el lóbulo de la oreja; Christopher Abbott como un siniestro recién llegado cuyas intenciones no se estropearán en esta crítica; Hanna Schygulla como un pájaro de las nieves que viaja en un crucero y que “no ha tenido sexo en 20 años”; y Suzy Bemba como una prostituta con quien Bella tiene un encuentro sexual queer y un vínculo quizás más especial. En el centro hay un giro deliciosamente fuera de lo común de Emma Stone, prueba de que, sea cual sea la frecuencia agrietada en la que ella y Lanthimos viajan, su alquimia es la verdadera.

“Poor Things” es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordazmente divertido, caprichoso y excéntrico, modesto y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar que tratar de analizarlo todo en esta publicación resulta casi complicado a las ambiciones que la película posee.


jueves, 26 de septiembre de 2019

Crítica Cinéfila: Downton Abbey

1927. La familia Crawley y su carismática servidumbre se preparan para el momento más crucial de sus vidas. Una visita del rey y la reina de Inglaterra desatará una situación de escándalo, romance e intriga que pondrá en peligro el futuro de Downton.



La conocida serie de televisión británica, Downton Abbey, fue espectacular en sus tiempos, con múltiples nominaciones en premios tan importantes como los Emmy Awards, seis temporadas en total y un elenco reconocido a nivel internacional. No era de dudar que, si la serie obtenía una película, la masa respondería a su llamado. Sin embargo, y debe quedar bien claro: independientemente de que proviene de una muy reconocida serie de televisión, esto es exclusivamente para fanáticos de la serie.

La película gira en torno a un evento importante en el que la ficticia ciudad Downton Abbey serviría de escenario: la visita de los Reyes de Inglaterra al condado de Yorkshire, avisando que se estarían hospedando en el hogar de la familia aristocrática Crawley.

Si no has visto al menos algunas de las seis series de televisión publicadas sobre la familia de Crawley y los sirvientes de la planta baja, no sacas nada de esta secuela de la película, pues como dice uno de los sirvientes, "Downton Abbey es el corazón de la comunidad". Y siendo bien honesta, a pesar de que la película no es muy larga, se siente como un episodio extendido del programa de televisión.

La película utiliza la visita real como el punto focal de todo el drama, y ​​cada subtrama se deriva de ella. Ahora es el año 1927, dos años después de la última vez que dejamos los personajes: Mary (Michelle Dockery) y Tom (Allan Leech) todavía están ayudando a administrar la finca mientras Robert (Hugh Bonneville) y Cora (Elizabeth McGovern) continúan como la "cabeza de la familia". Edith (Laura Carmichael) y Bertie (Harry Hadden-Paton) están felizmente casados, aunque Edith está aburrida de entretener constantemente a las personas a las que no les puede molestar. Violet (Maggie Smith) e Isobel (Penélope Wilton) todavía se pelean verbalmente pero, obviamente, se aprecian muy claramente la una a la otra con todo ese desagradable negocio de hace 15 años bien resuelto.


En el área de los sirvientes, Daisy (Sophie McShera) sigue posponiendo fijar una fecha para su boda con Andy (Michael C. Fox), mientras que el resto de los personajes: Anna (Joanne Froggatt), Bates (Brendan Coyle), la Sra. Carson (Phyllis Logan), la Sra. Patmore ( Lesley Nicol), Barrow (Rob James-Collier) y el Sr. Carson (Jim Carter) retirado, están casi exactamente como la última vez que se vieron en pantalla.

Hay poco tiempo para establecer escenas o ponerse al día porque la película asume que si estás aquí, eres un devoto y quién necesita perder el tiempo para reintroducir a este masivo elenco. Así que la historia va directo al grano: el Rey George V (Simon Jones) y la Reina María de Teck (Geraldine James) pasarán la noche en Downton durante su próxima gira real por Yorkshire. Esto pone a todos en un patín, sobretodo a Mary, quien siente la gran responsabilidad de hacerlo. Hay mucho por organizar: una cena, un desfile militar de la aldea, pero la emoción definitivamente está en el aire, incluso entre los republicanos.

Pero mientras más se organiza el evento, comienza una guerra entre el personal de Downton y el personal real por el dominio quienes andarán de gira con la realeza, un ladrón de dedos ligeros en medio de ellos, una cuestión de la herencia de Robert de la prima Lady Maud Bagshaw (Imelda Staunton) y un extraño misterioso que está demasiado interesado en la herencia irlandesa de Tom.


Se trata de todo lo habitual de Downton que no tiene ningún sentido real de peligro: es demasiado complaciente para generar ansiedad real. Aunque ahora hay 40 caballos en una escena en lugar de dos, y en realidad ves el viejo tren que se mueve a lo largo de las vías en lugar de simplemente estar parado en la estación. Pero las escenas adicionales que ofrece el presupuesto de una película pueden no parecer mucho más grandiosos porque Downton siempre fue una gran serie de televisión.

Eso fue parte de su atractivo durante tantos años, esta vívida evocación de otro tiempo y lugar, ya sea olvidado por algunos o nunca accesible para otros. Y todo mezclado con sensibilidades modernas más sabrosas y el drama requerido que te hace decir: "¡Oh, no, ella no solo dijo eso!"

Lo que la película hace bien es enfocar el núcleo emocional principalmente en sus personajes femeninos, incluida Mary y su pregunta sobre si seguir luchando por el futuro de Downton o venderlo y mudarse a una casa señorial, el deseo de Edith de vivir una vida más moderna, y la Violet de lengua ácida que, a pesar de su intriga y admiración, está tratando de asegurar un futuro para los Crawley, por supuesto está última de la mano de la gran Maggie Smith quien fue varias veces nominada y premiada por este personaje, con mucha razón de ser.


En su mayor parte, se deja que los personajes masculinos languidecen en el fondo, apenas contribuyendo al motor narrativo, a excepción de Tom y Barrow, ambos extraños al establecimiento a su manera, ambos son arcos significativos dotados que mueven sus historias.

Tal vez sea apropiado para una película que se proyecta para el público de 2019 sugerir que incluso en 1927, son las mujeres las que siempre han estado a cargo, incluso si es en formas pequeñas y apenas discernibles. Pero la gran riqueza de la película es su arte visual, desde un detallado diseño de producción donde se destacan las bellezas de la época donde toma lugar, hasta sus grandes tomas cinematográficas, que se enfocan en rescatar la arquitectura de los años 20.

¿Fue necesaria la película Downton Abbey? Por supuesto que no. No se destaca como una pieza de cine, y algunas de las opciones de la historia son muy extrañas, sobretodo el hecho de querer hablar sobre un posible asesino del Rey de Inglaterra o la relación infeliz de la princesa Mary y su esposo, y no abordar más el tema; sin embargo, es un interesante regreso de todos sus personajes, y un buen recuerdo de por qué la serie fue tan buena. Y sin lugar a dudas, es una de las mejores producciones visuales de este año.



jueves, 8 de febrero de 2018

Film Stars don't die in Liverpool

El 29 de septiembre de 1981, el actor británico Peter Turner recibe una llamada que cambiará su vida. Su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame, ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que hacer un viaje para llevársela a su caótica y excéntrica casa familiar en Liverpool. 



La actriz Gloria Grahame fue una de las actrices más peculiares de los años 40 y 50. Esto no solo se debe por su distintiva belleza o por su capacidad ingeniosa de trascender tanto en cine como en televisión y en teatro, y como cantante; sino por sus escándalos. A sus 50 años ya se había casado cuatro veces y uno de sus ex-maridos era su hijastro. Sin embargo, el amor era un disfrute que ella no dejaba de aprovechar en ninguna oportunidad, mucho menos por aspectos de edad o cultura. Así fue que su amor por Peter Turner cobró vida, quien era un joven actor de Liverpool (Inglaterra), 30 años más joven que Gloria. Se conocieron de repente y su relación fue creciendo al punto de que no importaba mostrar sus afecciones frente a otras personas: era algo puro y honesto... hasta que Gloria decidió esconderle que el cáncer de mama la estaba consumiendo.

La historia de amor de Gloria y Peter es narrada en esta película desde dos puntos de vista: cómo inició y cómo terminó; la trama se va intercalando entre ambas subtramas, dando oportunidad a entender cuáles fueron los momentos más importantes de su relación, mientras que por el otro lado desarrolla la enfermedad de Gloria y cómo Peter la acogió en la casa de su familia en sus últimos días de vida. 

El guión se enfoca en dar cobertura única y exclusiva a su relación, sin extenderse a lo que opinaba la familia de Peter o los hijos de Gloria. La trama funciona con esta estructura y tonalidad; sin embargo, le hace falta un mayor contenido externo de lo que ocurría alrededor de ellos. Nunca conocemos la posición de sus familiares en torno a esta relación (con excepción de la hermana de Gloria, que no tuvo pelos en la lengua). Por otro lado, la historia y sus personajes son muy activos y entretienen con facilidad. 


La actuación de Annette Bening y Jamie Bell como los personajes principales de este romance termina siendo una intimidad tierna que no se deja caer por la diferencia de edades. La química en pantalla es agradable y convence en su máxima expresión. De igual modo, es increíble como estos personajes se roban la atención de su audiencia, no únicamente por ser papeles protagónicos, sino también porque saben mantenerse a lo largo de la trama sin aburrir. 

Del mismo modo, al ser una historia que se desarrolla entre el año 1979 y el 1981, tiempo en que nuestros protagonistas tuvieron su relación, cuenta con una composición visual y musical capaz de teletransportar a la audiencia a esta época, gracias a la especificidad de los diseños de vestuario y escenarios.

Film Stars don't die in Liverpool es una adaptación de las memorias de Peter Turner sobre su relación con Gloria Grahame que podrá dividir a la audiencia. Algunos la amarán, otros la odiarán. Pero no podrán evitar caer en la originalidad y profundidad de esta relación amorosa, a cargo de dos actores que encantan con las acciones más sutiles, pero creíbles posibles, complementados por la carga emocional de la trama, el potencial del ambiente donde se desarrolla y los retos que cada personaje debe vivir para poder seguir adelante en sus vidas.


domingo, 29 de noviembre de 2015

¿Por qué tantas películas sobre demonios?

Tantos personajes de terror, pero el demonio sigue siendo el preferido



"Bonito día para un exorcismo..."

Desde hace 42 años, esta frase sigue siendo célebre y sigue motivando a cientos de directores de cine a incursionar por el cine "demoníaco". Pero... ¿por qué?

Tres razones: realidad, body horror y el efecto de la pantalla grande.

Escena de El Exorcismo de Emily Rose (2005)
Realidad, porque estas películas hacen énfasis en las creencias religiosas: no importa la religión, existen demonios en todas. Por lo que, aunque no hayamos tenido una cercanía con algún demonio, las religiones siempre le recuerdan al ser humano que "si tu Dios existe, también existe un Diablo". Otro detalle: la frase "basado en hechos reales" no solo hacen que te creas más lo que sucedió, sino también a alucinar de que lo estás viviendo. ¿Te levantas a las 3:00am todos los días después de ver El exorcismo de Emily Rose? O tu mente juega contigo, o ya tienes un demonio dentro.  

Body Horror, porque el poseído se transforma, causando más asco y terror al espectador. Si no has visto El Exorcista, La Posesión, El Conjuro o Posesión Infernal no entenderás a que me refiero. Los rasguños, el vómito nauseabundo y los ojos del personaje provocan la sensación de que, simplemente, no está pasando nada normal en él. Un dato sobre esto es que la mayoría de las películas enfocan que el poseído es una mujer. ¿Cuántas películas demoníacas has visto de que el demonio está dentro de un hombre? 
Escena de Posesión Infernal (2013)
Premiere de Paranormal Activity (2007)
La pantalla grande siempre da un sabor distinto a la pantalla de un computador, pero en el caso de este tipo de cine (al igual que el cine de acción) es una sensación del cielo a la tierra: el efecto de sonido más el hecho de que cada detalle se puede visualizar mejor. Las escenas de 'salto' son más inesperadas y terroríficas. Uno de los casos más célebres es el de la saga Paranormal Activity (2007-2015) que grabó el momento en que la audiencia presente quedaba impactada por las escenas de la primera película.  

Día a día, las razones de 'por qué mejor una película de demonios' aumentan. En el año 2015, se estrenaron 31 películas de terror y 16 de ellas eran sobre demonios o refiriéndose a la existencia y/o presencia de seres paranormales. 

La primera película sobre demoníos se tituló "La semilla del diablo" (1968), mejor conocida como Rosemary's Baby y trata sobre una pareja neoyorquina que se muda a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Cuando la esposa, Rosemary, queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el tiempo Rosemary se da cuenta que su hijo es también el hijo del diablo.

Entre las películas sobre demonios más esperadas de este año es importante mencionar:

Lazarus Effect

 Un grupo de estudiantes realizan un experimento para intentar devolver la vida a un perro tras su muerte, logrando resucitarlo. Pero cuando Zoe muere en un accidente, Frank decidirá traerla de vuelta. Pero sin embargo, con la resurrección viene el terror, el fuego y la muerte.


Insidious 3


Elise Rainier acepta a regañadientes utilizar su capacidad de ponerse en contacto con los muertos a fin de ayudar a una adolescente que se ha convertido en el blanco de una peligrosa entidad sobrenatural.



The Vatican Tapes

Angela Holmes, una joven de 27 años, accidentalmente se corta su dedo y acaba en un hospital el día de su cumpleaños. Cuando la herida se le infecta, comienza a tener un extraño comportamiento con cualquiera que esté cerca suyo, causándole graves heridas e incluso la muerte. Un grupo de sacedortes examinan a Angela y llegan a la conclusión de que está poseída. Pero cuando El Vaticano decide realizar un exorcismos, ven como se enfrentan a una antigua fuerza satánica más poderosa de lo que pueden imaginar. 


Amityville, The Awakening

Joan se muda con sus tres hijos a su nueva casa en Amityville. Pronto descubrirán la oscura y terrorífica historia que esconde la casa.



Poltergeist

Cuenta la historia de una familia que, tras mudarse a una nueva casa, se ve azotada por los espíritus de los que la habitaron en el pasado. El foco del ataque sobrenatural se centra en la hija más pequeña del matrimonio.


Paranormal Activity: Dimensión fantasma

La familia Fleege acaba de mudarse de casa. Entre las cosas que dejaron los anteriores inquilinos, encuentran una cámara de vídeo y unos viejos vídeos. El contenido de las cintas muestran imágenes extrañas, de dos niñas que habitaban la casa antiguamente: Kristi y Katie (Actividad paranormal 3). Muy pronto se darán cuenta que los antiguos dueños del local dejaron abandonada una cámara de vídeo HD que tiene la predicción de ver fantasmas por medio del lente de la cámara, cosa que ningún humano puede ver.



Sinister 2

Después de que Ashley Oswalt descuartizara a su familia y desapareciera con Mr. Boggie, una madre y sus hijos mellizos se mudan a la casa donde unos niños poseídos cometieron los asesinatos. Mr. Boogie ha vuelto y acecha a uno de ellos. 

domingo, 23 de agosto de 2015

Cine que inspira: Historias de la Segunda Guerra Mundial

Hace unos días se conmemoró el 70 aniversario de la finalización de la Segunda Guerra Mundial, hecho que marcó a la humanidad que la vivió y a sus descendientes. Con un aproximado de 14 millones de militares y civiles fallecidos, Hiroshima y Nagasaki destruidas y Japón rendida a la Unión Soviética, la guerra había terminado; pero, además de los desastres ambientales y demográficos que dejó este acontecimiento histórico a su paso, su impacto fue notorio para la industria del entreteminiento. 

La sociedad comenzaba a recuperarse de lo que había ocurrido días atrás; no obstante, los artistas observaban lo acontecido como un medio de inspiración para nuevas historias, principalmente en el ámbito cinematográfico.
Rodaje de “Muerte en Venecia”, de L. Visconti (1971).
Los creativos eran recolectores de historias, contando tragicomedias de las distintas experiencias que ocultaron los muros caídos y las bombas explotadas de la Segunda Guerra Mundial.
Los avances tecnológicos permitieron que la industria fílmica avanzara, tanto en ideología como en los aspectos económicos y sociales. 

Por otro lado, y gracias a las facilidades de las nuevas tecnologías de la época, los cineastas no se salieron de la realidad, y utilizaron los escenarios destruidos para recrear los guiones producidos, logrando contar temas de la transformación social de ese tiempo, con su propio toque natural.

Una idea cinematográfica que continúa

Años después de la guerra, el cine seguía inspirándose de estas historias. Parecía que aún existían historias tras las cenizas sin contar. 

Los cineastas de hoy en día demuestran que no es necesario haber estado allí para poder contar una buena historia sobre la Guerra que dividió naciones y territorios.


Todavía en el siglo XXI, se tratan temas que reviven aquellos sentimientos de aquella época. Actualmente se pudo observar The Imitation Game (2014), pero también ya hace unos años se pudo apreciar esta realidad en películas como Diario de una pasión (2004), El niño del Pijama de Rayas  (2008) y Malditos Bastardos (2009).

Cada país lo asimila a su manera


Lo más interesante en el cine no es tanto la tecnología empleada o los actores involucrados (aunque influye), es la forma en que se cuentan cada historia. Grandes potencias se vieron afectadas, positiva o negativamente, de este suceso. He aquí cinco historias de la época en base a la visión de cinco países protagonistas del acontecimiento.


Dirigida y escrita por Isao Takahata, cuenta la historia de Seita y Setsuko, hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia.


En 1939, a punto de estallar la Segunda Guerra Mundial, Guido llega a Toscana con la intención de abrir una librería. Allí conoce a Dora y, a pesar de que es la prometida de Ferruccio, se casa con ella y tiene un hijo. Al estallar la guerra, los tres son internados en un campo de exterminio, donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que está padeciendo es sólo un juego. Dirigida y escrita por Roberto Benigni.


Dirigida por Roman Polanski. Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros.

La Caída - 2004 (Alemania)

En las calles de Berlín se libra una encarnizada batalla. Hitler y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre ellos se encuentra Traudl Junge, la secretaria personal del Führer. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, Hitler se niega a abandonar la ciudad y, acompañado de Eva Braun, prepara su despedida. Dirigida por Oliver Hirschbiegel.

La ladrona de libros - 2013 (Estados Unidos)

Narra la historia de una animosa y valerosa jovencita llamada Liesel, que transforma las vidas de todas las personas de su entorno cuando la envían a vivir con una familia de acogida en la Alemania de la II Guerra Mundial. Para Liesel, el poder de las palabras y de la imaginación se convierte en una forma de escapar de los tumultuosos eventos que la rodean, tanto a ella como a toda la gente que conoce y quiere. Dirigida por Brian Percival.


Hay muchas más películas, desde Ladrones de Bicicleta a Memorias de una Geisha, que aunque no hagan mención de la guerra, reflejan la realidad de la época en sus personajes, los sentimientos y el escenario adaptado u original.