Crítica Cinéfila: En el Barro

Cinco presas forjan un vínculo único tras un accidente mortal, pero la corrupción y las luchas de poder de la cárcel amenazan con separarlas. Spin-off de 'El marginal'.

La prisión ha sido un ambiente utilizado con frecuencia para servir de universo de una serie. Pero una de las prisiones más desoladoras está en la serie argentina "En el Barro".

La serie inicia con siete mujeres subiendo a la parte trasera de una camioneta de alta seguridad. Cada una está presa por una razón muy particular, pero todas tienen en común que es su primera vez enfrentándose al sistema de justicia penal argentino. Durante el traslado a la penitenciaría de mujeres de La Quebrada, la camioneta y su convoy de protección sufren una emboscada, adentrándose en un río y hundiéndose rápidamente cuando la parte trasera explota y una de las siete mujeres es rescatada por sus cómplices. Una de las detenidas, Gladys Guerra (Ana Garibaldi), logra encontrar la llave y quitarles las esposas a otras cuatro mujeres, pero una se queda atrás y se ahoga. Las cinco sobrevivientes se arrastran hasta tierra, cubiertas de barro. De ahí va el nombre de la serie, pero se pudiese conectar también a muchas de las acciones internas de la prisión que tendrán que sobrellevar.

Gladys y las otras mujeres —Olga Giuliani (Erika de Sautu Riestra), Marina Delorsi (Valentina Zenere), Yael Rubial (Carolina Ramírez) y Solita Rodríguez (Camila Peralta)— son enviadas a La Quebrada tras recibir el alta médica, pero el incidente ha sido noticia en todos los medios, y las reclusas se enteran al llegar. La directora de la prisión, Cecilia Moranzón (Rita Cortese), también es llamada a trabajar, quien en ese momento, está invitando a cenar a una reclusa embarazada. Las mujeres se integran a la población carcelaria tras el examen médico; Yael va a la sección de Familias, donde hay reclusas embarazadas y niños de otras reclusas correteando. Gladys y Marina son enviadas al pabellón central. Olga y Solita son enviadas al pabellón dirigido por una mujer llamada La Zurda (Lorena Vega); ella está a cargo de un centro de pornografía allí, y cuenta con recursos como teléfonos y wifi. Le pregunta específicamente a Olga, cirujana plástica, si puede realizar cirugías de rejuvenecimiento vaginal a sus "hijas".

Cecilia informa a María (Cecilia Rossetto), una de las reclusas más veteranas y poderosas, que su sobrina fue la prisionera que se ahogó durante la emboscada. Claro que ahora María jura vengarse de las cinco supervivientes que ahora forman parte de la población. También se ha ganado la enemistad de La Zurda, quien se irrita por el acuerdo que María ha cerrado con Cecilia sobre suministros y medicamentos, básicamente porque no reciben una compensación proporcional a lo que aportan al fondo. Mientras tanto, Gladys no se deja intimidar por María ni por nadie más, dada su posición en la familia Borges, la cual niega abiertamente. Cecilia, sin embargo, sabe exactamente quién es.

La idea es que estas cinco mujeres se unan gracias a su experiencia colectiva en el río y descubran cómo operar el sistema, dividido entre varias "tribus" con intereses contrapuestos. Gladys, obviamente, será el centro de atención, dado que es básicamente una de las líderes de la familia Borges, y su poder externo le permitirá ejercerlo internamente. Parte de esa fuerza de voluntad se usará para proteger a las otras cuatro mujeres, pero eso sin duda chocará con otras personas con poder en la prisión, como María y Cecilia.

En su superficie, "En el Barro" me recuerda mucho a "Orange Is The New Black" y "Vis a vis", pero mucho más sombrío. Sin embargo, en la medida que uno se adentra a la cárcel de mujeres, pero más allá de eso y de las escenas de las reclusas en la ducha, no se parece en nada a esas series. En La Quebrada ocurren cosas realmente turbias, y no todas tienen que ver con las reclusas. 

"En el Barro" es una serie bastante oscura, y puede que no sea para todos, pero ha logrado presentar a los personajes principales y cómo se desenvolverán en una de las prisiones más desoladoras que se han visto en televisión en mucho tiempo.

Crítica Cinéfila: Downton Abbey

1927. La familia Crawley y su carismática servidumbre se preparan para el momento más crucial de sus vidas. Una visita del rey y la reina de Inglaterra desatará una situación de escándalo, romance e intriga que pondrá en peligro el futuro de Downton.

La conocida serie de televisión británica, Downton Abbey, fue espectacular en sus tiempos, con múltiples nominaciones en premios tan importantes como los Emmy Awards, seis temporadas en total y un elenco reconocido a nivel internacional. No era de dudar que, si la serie obtenía una película, la masa respondería a su llamado. Sin embargo, y debe quedar bien claro: independientemente de que proviene de una muy reconocida serie de televisión, esto es exclusivamente para fanáticos de la serie.

La película gira en torno a un evento importante en el que la ficticia ciudad Downton Abbey serviría de escenario: la visita de los Reyes de Inglaterra al condado de Yorkshire, avisando que se estarían hospedando en el hogar de la familia aristocrática Crawley.

Si no has visto al menos algunas de las seis series de televisión publicadas sobre la familia de Crawley y los sirvientes de la planta baja, no sacas nada de esta secuela de la película, pues como dice uno de los sirvientes, "Downton Abbey es el corazón de la comunidad". Y siendo bien honesta, a pesar de que la película no es muy larga, se siente como un episodio extendido del programa de televisión.

La película utiliza la visita real como el punto focal de todo el drama, y ​​cada subtrama se deriva de ella. Ahora es el año 1927, dos años después de la última vez que dejamos los personajes: Mary (Michelle Dockery) y Tom (Allan Leech) todavía están ayudando a administrar la finca mientras Robert (Hugh Bonneville) y Cora (Elizabeth McGovern) continúan como la "cabeza de la familia". Edith (Laura Carmichael) y Bertie (Harry Hadden-Paton) están felizmente casados, aunque Edith está aburrida de entretener constantemente a las personas a las que no les puede molestar. Violet (Maggie Smith) e Isobel (Penélope Wilton) todavía se pelean verbalmente pero, obviamente, se aprecian muy claramente la una a la otra con todo ese desagradable negocio de hace 15 años bien resuelto.

En el área de los sirvientes, Daisy (Sophie McShera) sigue posponiendo fijar una fecha para su boda con Andy (Michael C. Fox), mientras que el resto de los personajes: Anna (Joanne Froggatt), Bates (Brendan Coyle), la Sra. Carson (Phyllis Logan), la Sra. Patmore ( Lesley Nicol), Barrow (Rob James-Collier) y el Sr. Carson (Jim Carter) retirado, están casi exactamente como la última vez que se vieron en pantalla.

Hay poco tiempo para establecer escenas o ponerse al día porque la película asume que si estás aquí, eres un devoto y quién necesita perder el tiempo para reintroducir a este masivo elenco. Así que la historia va directo al grano: el Rey George V (Simon Jones) y la Reina María de Teck (Geraldine James) pasarán la noche en Downton durante su próxima gira real por Yorkshire. Esto pone a todos en un patín, sobretodo a Mary, quien siente la gran responsabilidad de hacerlo. Hay mucho por organizar: una cena, un desfile militar de la aldea, pero la emoción definitivamente está en el aire, incluso entre los republicanos.

Pero mientras más se organiza el evento, comienza una guerra entre el personal de Downton y el personal real por el dominio quienes andarán de gira con la realeza, un ladrón de dedos ligeros en medio de ellos, una cuestión de la herencia de Robert de la prima Lady Maud Bagshaw (Imelda Staunton) y un extraño misterioso que está demasiado interesado en la herencia irlandesa de Tom.

Se trata de todo lo habitual de Downton que no tiene ningún sentido real de peligro: es demasiado complaciente para generar ansiedad real. Aunque ahora hay 40 caballos en una escena en lugar de dos, y en realidad ves el viejo tren que se mueve a lo largo de las vías en lugar de simplemente estar parado en la estación. Pero las escenas adicionales que ofrece el presupuesto de una película pueden no parecer mucho más grandiosos porque Downton siempre fue una gran serie de televisión.

Eso fue parte de su atractivo durante tantos años, esta vívida evocación de otro tiempo y lugar, ya sea olvidado por algunos o nunca accesible para otros. Y todo mezclado con sensibilidades modernas más sabrosas y el drama requerido que te hace decir: "¡Oh, no, ella no solo dijo eso!"

Lo que la película hace bien es enfocar el núcleo emocional principalmente en sus personajes femeninos, incluida Mary y su pregunta sobre si seguir luchando por el futuro de Downton o venderlo y mudarse a una casa señorial, el deseo de Edith de vivir una vida más moderna, y la Violet de lengua ácida que, a pesar de su intriga y admiración, está tratando de asegurar un futuro para los Crawley, por supuesto está última de la mano de la gran Maggie Smith quien fue varias veces nominada y premiada por este personaje, con mucha razón de ser.

En su mayor parte, se deja que los personajes masculinos languidecen en el fondo, apenas contribuyendo al motor narrativo, a excepción de Tom y Barrow, ambos extraños al establecimiento a su manera, ambos son arcos significativos dotados que mueven sus historias.

Tal vez sea apropiado para una película que se proyecta para el público de 2019 sugerir que incluso en 1927, son las mujeres las que siempre han estado a cargo, incluso si es en formas pequeñas y apenas discernibles. Pero la gran riqueza de la película es su arte visual, desde un detallado diseño de producción donde se destacan las bellezas de la época donde toma lugar, hasta sus grandes tomas cinematográficas, que se enfocan en rescatar la arquitectura de los años 20.

¿Fue necesaria la película Downton Abbey? Por supuesto que no. No se destaca como una pieza de cine, y algunas de las opciones de la historia son muy extrañas, sobretodo el hecho de querer hablar sobre un posible asesino del Rey de Inglaterra o la relación infeliz de la princesa Mary y su esposo, y no abordar más el tema; sin embargo, es un interesante regreso de todos sus personajes, y un buen recuerdo de por qué la serie fue tan buena. Y sin lugar a dudas, es una de las mejores producciones visuales de este año.

Bumblebee

Tratando de escapar, en el año 1987, Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal.

Cuando se discutió por primera vez la noción de un spin-off de Bumblebee, seguro que los fanáticos asumieron que sería más de lo mismo. Pero después del estreno del primer trailer, las expectativas cambiaron. La idea de una película sobre los Transformers en la década de los 80 que mostraba breves visiones de los diseños de la 1ra Generación y el conmovedor trabajo de los personajes, comenzó a generar la esperanza de que la película finalmente podría ser la que los fanáticos siempre han estado esperando.

Así que es un alivio increíble decir que Bumblebee supera todas las expectativas y ofrece una película fantástica y emocionante que se ubica como la mejor película de Transformers de live action hasta la fecha.

Bumblebee toma lugar 30 años antes de los eventos de la primera película de Transformers, cuando Bumblebee llega al planeta Tierra refugiándose de los Decepticons. Allí termina en la forma de un carro Beetle. Unos meses después, termina en el garage de Charlie una chica que vive desconectada de su familia debido a los nuevos integrantes, y que con el tiempo sufre el tormento de la pandilla habitual de niñas malas en la escuela, pero lo que agrega tanta conmoción es que está sufriendo todas estas cosas debido al fallecimiento de su padre. Cuando Charlie descubre la verdadera forma de Bumblebee, la amistad que forman entre ellos se ve en peligro cuando los Decepticons le siguen el rastro y llegan a la tierra con planes de una posible invasión extraterrestre.

Si creciste con Transformers, los primeros cinco minutos te harán querer saltar del asiento y saltar con alegría. El director Travis Knight esencialmente levanta las imágenes desde el inicio del piloto de dibujos animados para mostrar la guerra en Cybertron, y de inmediato elimina cualquier temor. Es una declaración que deja en claro el amor de Knight por la tradición, pero también que está poniendo su propio sello en la película desde un punto de vista visual y en la forma en que se dispara la acción.

Se acabaron los diseños borrosos e indiscriminados de Bay y, en cambio, tenemos los colores atrevidos y las caras reconocibles al instante de esos personajes tan queridos desde la infancia. Vemos que Soundwave y Shockwave lideran la carga de Decepticon como se ve en el tráiler, por lo que revelar más podría arruinar la sorpresa. Sin embargo, un momento destacado es poder ver a Optimus Prime en acción.

Los eventos pronto se desploman en la tierra, donde nos presentan los Burns de John Cena, cuyo ejercicio de entrenamiento se ve interrumpido bruscamente por un rumor robótico, dejándolo marcado de más maneras que uno. Agrega un poco más de profundidad al estereotipo militarista habitual y Cena (quien construyó una carrera de actuación con papeles de apoyo sólidos) interpreta bien los matices y la ira del personaje, generando simpatía en lugar de ser simplemente "el chico malo" a la raíz.

Sin embargo, el corazón de la película se centra en la relación entre Bumblebee y Charlie (Hailee Steinfeld), y es aquí donde sobresale la película. Poner la película en los años 80 le da más espacio para respirar en términos de la narrativa y el desarrollo del personaje. La acción tiene lugar en un suburbio de una ciudad pequeña, un escenario básico para algunas de las mejores películas de esa década, y la película tiene sus numerosas influencias con orgullo en la manga, siendo ET el más destacado.

Al igual que Travis Knight hizo con su hermoso trabajo de animación en Kubo And The Two Strings, aquí deconstruye y reconstruye la idea de familia y las relaciones con un poder desgarrador. El vínculo que Charlie forma con 'Bee' se vuelve tan fuerte que es casi imposible no derramar una lágrima (o varias), incluso por la forma en que ella toca su cara puede hacerle a cualquiera un nudo en la garganta. Es un testimonio tanto de la actuación de Steinfeld como de la dirección de Knight que pueden darle nueva vida al adorable bot amarillo.

Por su parte, Bumblebee es uno de los personajes más comletos de esta pelicula. No solo responde a muchas cuestionantes de su participación en las películas de Transformers (como la razón por la que termina en la forma de un Camaro, y por qué no habla), también cautiva a la audiencia con su personalidad y sus intenciones de proteger a los suyos sin importar si esto significa su propia muerte.

Por supuesto, también hay mucha acción y espectáculo, pero la decisión de mantener el número de Transformers y personajes humanos en un puñado agrega esa inversión tan necesaria a las emociones de la película. Y, como se mencionó anteriormente, los flashbacks a Cybertron, que ocurren en un lienzo mucho más grande de lo que hemos visto antes, son impulsados ​​por la alegría de ver (y escuchar) a los robots originales como siempre han querido los fanáticos.

Por razones narrativas, hay dos nuevos Decepticons añadidos a la refriega, que pasan la duración de la película a la altura de ese mismo nombre. La pareja representa una amenaza real para la búsqueda del gato y el ratón de Bee, sin caer en algunos de los estereotipos anteriores (y desafortunados) que han obstaculizado las películas anteriores de Transformers. Ayuda que su introducción vea un encuentro bastante brutal con un Autobot icónico, un guiño al trauma de fuerza contundente que la película de 1986 infligió a muchos de nosotros cuando éramos niños, cuando la mayor parte de la alineación original fue aniquilada para dejar espacio a nuevos juguetes. 

Sin embargo, los huevos de Pascua no se detienen allí, ya que la película está repleta de referencias, pero dado que todos han terminado con afecto, no se sienten forzados o discordantes. También hay una calidad muy real dada a la configuración de los años 80, que es casi subestimada en Bumblebee en comparación con la mayoría de las representaciones.

Por supuesto, la banda sonora es un regalo de la época, pero todavía hay adolescentes en todo el mundo que encuentran consuelo al escuchar a The Smiths para lidiar con la angustia y la soledad, y es genial pensar que toda una nueva generación podría encontrar su camino con gran parte del playlist de esta película. Mientras tanto, el puntaje de Dario Marianelli agrega una pequeña fusión del sintetizador de estilo John Carpenter a los procedimientos, lo que se suma a la riqueza de la película de una manera sutil.

Bumblebee es un éxito en muchos niveles, con contenido que pueden disfrutar las audiencias jóvenes, aquellos que han crecido con las películas de Michael Bay, así como los fanáticos originales. Es sin duda un alto empuje para la franquicia, equilibrando la acción con el drama con gran efecto. Y mientras que algunas de las comedias no llegan a aterrizar, lo más probable es que estés demasiado ocupado con las escenas de acción para preocuparte por un par de chistes.