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martes, 21 de mayo de 2024

Crítica Cinéfila: El Secuestro del Papa

Bolonia. Año 1858. Los soldados del Papa irrumpen en la casa de los Mortara para secuestrar a su hijo de siete años, Edgardo. La película sigue la lucha de la familia para tratar de recuperar a su hijo ante esta acción de la Iglesia Católica.



Sé que esta afirmación va a causar cierto revuelo, pero hasta la iglesia católica tiene ciertos actos que deberían considerarse crímenes. En 1857, Edgardo Mortara, de 6 años, fue robado de su familia judía para criarlo en un seminario católico con el argumento falso de que una criada lo había bautizado en secreto. Como lo documenta con extravagancia teatral el director italiano Marco Bellocchio en "El Secuestro del Papa" (o "Rapito" en su idioma original), es una historia de tal maldad absoluta que inicialmente sería difícil de creer si no estuviera meticulosamente referenciada con horas, fechas y lugares que nos recuerdan que aunque esta película no tiene la sensación de ser un documental, Bellocchio puede verificar cada giro del suceso, capítulo y verso. En última instancia, esto sirve a su propósito más amplio, que es convertir los juicios de la familia Mortara en la sangrienta historia de la unificación de Italia como estado secular.

Los Mortara son judíos burgueses que viven en una agradable calle de Bolonia. La vida familiar incluye oraciones nocturnas con sus ocho hijos y la observancia ritual de las cenas de Shabat, pero a la comunidad local no parece importarle. Momolo Mortara (Fausto Russo Alesi) rezuma sólida decencia. Su esposa Marianna (Barbara Ronchi) es una mujer precavida cuyos hijos son un mérito de su amor y cuidado. Cuando se llevan a su hijo, los vecinos salen de sus casas para insultar a los emisarios enviados por el inquisidor principal (Fabrizio Gifuni), un fanático engreído con toda la amenaza silenciosa de Voldemort.

Sin embargo, una vez que Edgardo (Leonardo Maltese) es llevado a Roma, toda la villanía de la jerarquía eclesiástica queda resumida en la persona del Papa Pío IX (Paolo Pierobon), cuyo placer en su propia infalibilidad es el de un tirano nato. El caso es retomado por políticos y periódicos de toda Europa; sus propios asesores sugieren que podría ganarse el favor de su banco si devolviera al niño a sus angustiados padres. Semejante tontería liberal sólo hace que Su Santidad esté aún más decidido a agarrar al niño y convertirlo de por vida, porque ¿desde cuándo un Papa tiene que complacer a alguien más?

Bellocchio tiene el vigorizante anticlericalismo que sólo alcanza su máximo esplendor en aquellos criados como católicos, pero también transmite cuán seductores pueden ser las campanas y los olores, la poesía y la música de la iglesia. El niño de corazón abierto añora a su madre, pero queda visiblemente transportado por la novedosa visión del Redentor clavado en la Cruz detrás del altar de su iglesia. Quiere hacerlo bien, inicialmente porque le dicen que volverá a casa antes si parece haber aprendido todas las lecciones, y luego simplemente porque puede. Es un favorito papal. 

Esa sensación de espectacularidad impregna toda la película, no sólo en los grandes interiores y los rituales de los servicios religiosos. Incluso en el apartamento de los Mortara, el director da a su espacio pictórico la profundidad, los ángulos dramáticos y la iluminación de claroscuros de la pintura barroca. Los interiores marrones están iluminados con lámparas doradas, mientras que las vistas de la plaza de Bolonia o de los tejados de Roma parecen telones de fondo escénicos pintados, como presumiblemente son. Estamos inmersos en un mundo construido para generar efecto e impresión. Una partitura orquestal se abalanza y surge, a veces a un volumen abrumador, y no tanto como acompañamiento que como material dramático en sí mismo.

La política ruge detrás de la historia de Edgardo, como ocurre en todas las películas de Bellocchio; en particular, los halagos de los representantes oficiales judíos ante las autoridades de la Iglesia ponen la piel de gallina a cualquiera. Sin embargo, cuando se abre a escenas de guerra y la retirada del papado, la historia se extiende para cubrirlo todo, en todas partes, de manera demasiado superficial. El enfoque minucioso en la espantosa historia de Edgardo da paso a un amplio recorrido por los movimientos de tropas y el cambio administrativo que pierde la urgencia de la historia de la infancia del niño.

Cuando lo vemos por primera vez como adulto, lleva un collar que lo apresa a su presente: Edgardo es sacerdote, algo que sucedió entre bastidores, por así decirlo, entre capítulos. Un encuentro casual con su hermano mayor, ahora un soldado revolucionario, fija este presente en el pasado, pero el impulso del secuestro y sus consecuencias se desvanecen. Es como si los acontecimientos se hubieran apoderado de todos, desde el cada vez más acorralado Papa Pío hasta el propio Bellocchio. Esa es, por supuesto, la dificultad de las vidas reales y de las historias verdaderas: suceden demasiadas cosas y es muy complejo cubrirlo todo. No es ninguna sorpresa –y por lo tanto no es un spoiler– leer una nota al final que nos dice que Edgardo murió, a los 90 años, en un monasterio.


sábado, 24 de julio de 2021

Crítica Cinéfila: A Classic Horror Story

Unos viajeros quedan atrapados en un bosque del sur de Italia, donde deben luchar desesperadamente para salir con vida de allí.



A Classic Horror Story es una nueva película de terror de Netflix de Italia... aunque fácilmente también podría ser Suecia o Texas. Dos de las principales inspiraciones son Midsommar con un toque de locura de Texas Chainsaw Massacre; sin embargo, tal vez no de la forma que cabría esperar. Además, algunos eventos se desarrollan en un campamento.

Realmente, el título lo dice todo porque esta película de terror está repleta de referencias a películas de terror. Y es más o menos el punto de sus cineastas. Sin embargo, esto no es de ninguna manera una parodia o una comedia de terror. Es una película de terror pura y simple. Y el final es muy meta que honestamente me encantó.

He estado esperando una nueva película de género protagonizada por Matilda Lutz desde que la vi en la  increíble película de venganza y supervivencia Revenge (2017). Y desde que la vi en su primera escena la reconocí, pero obviamente, se me había olvidado que ella es en realidad italiana. Hasta tuve que volver a ver Revenge para simplemente aceptar que es tan tremenda actriz que ni acento tiene.

Para aquellos que disfrutaron como yo viéndola vengándose de manera violenta (y casi morir) en Revenge, ya saben lo que les espera en esta ocasión. Matilda Lutz es (una vez más) tan increíblemente brillante en esta película de género. Y aunque de una manera muy diferente, acaba igual de ensangrentada. 

Interpreta a Elisa, una joven muy recatada y responsable. Ella está acompañada por dos viajeros enamorados que van hacia una boda, y un doctor deprimido que huye involuntariamente de un pasado tormentoso, más su conductor, un italiano sureño que sirve servicios parecidos a un uber hotelero en su casa rodante. Todo parece su tradicional viaje en carretera cuando tienen un accidente donde la casa rodante choca contra un árbol en medio de la noche, y al día siguiente están LITERAL en medio de un campo abierto cerca de una casa parecida a una choza de brujas. 

Desesperadamente por sus fracturas físicas y la total descomunicación, buscan ayuda hasta darse cuenta que están atrapados en lo que parece la propiedad de una comunidad ocultista donde sus seguidores torturan con extirpar ojos, oídos o lenguas para llamar a sus dioses... y luego pasa el final menos esperado de todos.

Los directores Roberto De Feo y Paolo Strippoli fueron muy inteligentes mientras escribían esta historia. Parecería que se sentaron con tres escritores más (quienes quiero pensar son fanáticos empedernidos del género del terror) e hicieron una lluvia de ideas de todo lo que funcionó en los clásicos terroríficos y lo incorporaron en una historia completamente original, con personajes que presentan propósitos muy distintos a los clichés del género, más una atmósfera que por más que se trate de comparar, simplemente se vuelve muy única en su propia esencia.

El horror comienza lenta y misteriosamente. Aunque, de ninguna manera eso significa que sea aburrido. Muy por el contrario, ese crescendo hace que la tensión narrativa eleve el resto de la película, el cuál se complementa de una manera visual aspera en cada una de las tonalidades rojizas que utiliza tanto en su cinematografía como la escenografía que refleja referencias de Midsommar, con el apoyo de una banda sonora que solo aumenta la tensión dentro. Pero la salida impactante debería mantener a la audiencia completamente entretenida. 

Me encantó el final, siéndoles muy honesta. Hizo que la película funcionara mucho mejor para mí en todos los sentidos. Créame, cuando digo que cuanto menos sepa sobre A Classic Horror Story, mejor. No querrás todos los spoilers ni leer ningún "final de una clásica historia de terror explicado" antes de verla. Puedes buscarlos después. El objetivo de la película, que es un punto muy real en el final, es ver y disfrutar las películas que elijas ver.

Para los fanáticos del género de terror desde hace mucho tiempo, esta película tiene éxito en hacer referencia a viejos clásicos. El comienzo de la película es similar a películas de slasher como Friday the 13th, mientras que una escena en particular en la primera mitad hace mucho énfasis en la franquicia Saw. La conclusión de la película tiene comparaciones con el éxito de terror The Cabin In The Woods. Con todo, A Classic Horror Story hace lo que algunas películas de terror no pueden, y es valerse por sí mismo mientras rinde homenaje a los clásicos queridos.

Hay un objetivo importante detrás A Classic Horror Story que va más allá de las historias que se han reciclado de alguna manera a lo largo de décadas. El final de esta película de terror comenta cómo algunas personas odian las películas de terror y luego se comen todas las noticias sobre muerte y asesinato. Como si eso fuera de alguna manera más legítimo, incluso si también lo tratan como entretenimiento.


sábado, 10 de abril de 2021

Crítica Cinéfila: The Life Ahead

En la costa de Italia, una superviviente del Holocausto que regenta un centro de día (Sophia Loren), acoge a un chico senegalés musulmán que le robó y vive en la calle.



Sobre el papel, "The Life Ahead" suena como una trama sentimental: un niño inmigrante huérfano es rescatado de una tortuosa vida de crimen por una sobreviviente del Holocausto y una ex prostituta que lo acogen. Y no se equivoquen: el director Edoardo Ponti, quien dirige a su madre Sophia Loren, ciertamente ha hecho ese tipo de película. Pero con su formidable y extraña pareja en el centro y la dirección alternativamente hábil y sensible de Ponti, "The Life Ahead" se las arregla para defender una configuración habitual en tiempo real.

Mientras que "The Life Ahead" se basa en la misma novela de Romain Gary que inspiró a la ganadora del Oscar en 1977 "Madame Rosa", Ponti y el coguionista Ugo Chiti trasplantaron el escenario de Francia al centro de la ciudad de Italia y situaron el drama en el presente. Eso significa que la gran dama Loren, que regresa a la pantalla por primera vez en una década, puede interpretar un papel que se adapte a su rostro de 86 años, y aporta una calidad robusta y dominante al papel. Sin embargo, Gueye, como el traficante de drogas de 12 años obligado a vivir bajo el cuidado de una anciana, termina siendo la verdadera pieza central. “The Life Ahead” puede dar espacio a un icono de pantalla para brillar, pero es aún más efectivo para presentar una estrella recién estrenándose.

Gueye interpreta a Momo, abreviatura de Mohammad, un refugiado senegalés cuya familia se vino abajo en su infancia. Al principio, al crecer bajo el cuidado del amable médico del vecindario (Renato Carpentieri), lo llevaron a Madame Rosa (Loren) después de ser arrestado por intentar robarla en el mercado. Cuando el médico obliga a Momo a disculparse con la mujer, se da cuenta del mayor potencial que tiene a mano. Las experiencias de Momo con una familia desplazada tienen más en común con esta excéntrica mujer mayor de lo que inicialmente se da cuenta, y su vínculo en desarrollo proporciona un conducto natural para explorar paralelos históricos que traspasan los límites culturales y generacionales entre ellos.

Incluso sin los parámetros existentes para esta historia, el arco de "The Life Ahead" sería predecible dentro de sus primeros 10 minutos. Pero Ponti y el director de fotografía Angus Hudson mantienen un naturalismo ansioso construido alrededor de las desventuras de Momo en la ciudad, mientras pasa de los señores del crimen a las fiestas de baile en medio de una ciudad que da la bienvenida u obstaculiza su ambición imprudente. Con una vibrante banda sonora de hip-hop italiano a su lado, Momo a menudo trasciende las limitaciones de una trama fija en una trayectoria convencional con la energía inquieta de una película más ambiciosa.

Pero eso no es realmente hacia donde se dirige "The Life Ahead", ya que el drama encuentra al niño adaptándose al enfoque de amor duro de Madame Rosa justo a tiempo para que su vejez se active, y él lucha por encontrarle el cuidado que se merece. A medida que la película traza un conjunto de personajes secundarios para ayudar a Momo en su viaje, incluida Lola (Abril Zamora), la intrigante mujer trans que vive en su edificio, y el Sr. Hamil (Asghar Farhadi), un comerciante musulmán que contrata a Momo y le brinda orientación parental adicional, nos perdemos un poco en el viaje de Momo. Y no se puede comprender lo que realmente combatían aquí; si sus propios miedos y recuerdos, o ayudar a Momo a superar los suyos. Para cuando la desgarradora experiencia de vida de Madame Rosa produce un monólogo fundamental, es casi como si estuviera poniendo la música para que se hinche, y así es hace. Ninguna medida de narración artificial puede arruinar el atractivo de ver a Madame Rosa y Momo formar su conexión única.

Loren se las arregla para inyectar a la anciana hastiada una mezcla entrañable de sabiduría, fatiga y delicadeza que hace que su atractivo para el adolescente pícaro sea completamente creíble, mientras que Gueye promete una larga carrera por delante con su interpretación como el joven senegalés. Como narrador de la historia, Momo demuestra ser un protagonista combustible cuyas lealtades cambiantes empujan el drama hacia adelante, lo que le permite a la película evadir algunas de las trampas intencionales de revivir el trauma del Holocausto al reposicionarlo hacia una mirada de evolución.

“The Life Ahead” nunca logra luchar contra la naturaleza sofisticada de la crisis de inmigración detrás de la vida de Momo, cambiando el neorrealismo de “Mediterranea” y “A Ciambra” de Jonas Carpignano a favor de arquetipos más familiares. Su final agridulce se tambalea, concluyendo la estructura de flashback establecida en sus primeros minutos con un encogimiento de hombros. Sin embargo, antes de que llegue allí, “The Life Ahead” es lo suficientemente convincente como para hacer que la narrativa valga la pena contarla, aunque solo sea porque con actuaciones tan afinadas en el centro, merece ser contada.

jueves, 17 de enero de 2019

Crítica Cinéfila: Perfectos Desconocidos

Varios amigos de toda la vida se reúnen para cenar. Cuando deciden compartir entre ellos el contenido de cada mensaje de texto, correo electrónico y llamada telefónica que reciben, muchos secretos comienzan a develarse y el equilibrio se rompe.



Perfectos desconocidos es una película que ya ha tenido cuatro remakes, basándose en la historia de la exitosa película italiana 'Perfetti sconosciuti' (2016), dirigida por Paolo Genovese. Ya habían sido estrenadas la adaptación española de Álex de la Iglesia; y la francesa de Fred Cavayé (Nothing to Hide) con Bérénice Béjo. Por ello, resulta difícil sorprender con una trama tan masticada en menos de cinco años. ¿Había necesidad de hacer una nueva versión?

La mexicana sigue la misma idea narrativa: tres parejas, amigos desde la infancia (salvo por una de las chicas que es nueva en el grupo) se reúnen para cenar con un amigo divorciado. La expectativa de conocer a su nueva novia es el tema principal de la noche hasta que él llega sin su pareja. Y cuando todos comienzan a argumentar sobre el uso de los celulares y los misterios que se guardan en este aparato, se proponen a colocar los celulares sobre la mesa para leer cualquier mensaje y compartir las llamadas que reciban durante toda la noche. Sin embargo, los secretos que se guardan entre ellos pueden significar el final de sus relaciones y la destrucción de familias.

Toda la historia transcurre en una sola noche, durante una cena que parecía una simple reunión de amigos. Así, mientras observamos todo, también te sentirás parte de la mesa entre copas de vino, discusiones acaloradas y secretos que están a punto de reventar. A través del personaje de Eva, verán una gran crítica a cómo nos hemos herido nosotros mismos y nuestras inconformidades. Por otra parte en Flora verán el personaje más catártico, comete errores por tratar de salvar a todos, pero no se da cuenta de que le ven la cara.


Perfectos desconocidos habla sobre infidelidades, mentiras y decepciones dentro de la relación de parejas. A través de diversas parejas se enfoca sobre el desgaste del amor cuando se abandona el trabajo en la relación, y como muchas parejas solo saben quejarse de su compañero/a en vez de hablar los temas, y mientras más se quejan, más cosas hacen a sus espaldas, aun con hijos de por medio. También se enfoca mucho en la privacidad de las personas y lo que se esconden para sí mismos en sus teléfonos celulares, dando suficientes razones al hecho de tener el aparato con contraseña o siempre apagado.

Con actores de su entera confianza: Talancón, Mariana Treviño y Cecilia Suárez; por el otro Manuel García-Rulfo, Bruno Bichir y Miguel Rodarte, así como el español Franky Martín, Caro se mantiene un poco al margen de su tono trágico y trata de mantener la comedia en su máxima expresión, claramente para evitar salirse de ese ritmo que sus antecesoraas han logrado. No obstante, la química de los actores sustenta la larga y entrañable relación entre los protagonistas. En algún punto uno de ellos atisba que los conoce perfectamente y no hay nada que podría sorprenderlo y parecería cierto, hasta que el conflicto toca a la puerta en la historia. No obstante, son tres nombres los que lucen por encima de todos: Mariana Treviño, Bruno Bichir y Franky Martín.

Es importante por igual destacar el desarrollo de este guión que va en crescendo a la hora de sacar a la luz las verdades que se ocultan muchos, como mandarse mensajes con una persona a través de facebook, recibir fotos provocativas de parte de otra, mantener una relación en secreto con alguien de tu mismo sexo, o tener más de una pareja en secreto. Es increíble pensar que muchas de estas situaciones están basadas en la realidad, pero ver las consecuencias de estos actos son una buena bofetada para caer en cuenta si es o no correcto mantener la privacidad del celular. Pero es aún más doloroso ver cómo, a pesar de que muchas verdades salen a la luz, otros secretos siguen encubriéndose.

Algo que no tiene la versión española es la música que tanto caracteriza la obra de Manolo Caro. Para acompañar los momentos de histeria a la perfección, el director agregó canciones de Timbiriche que intensifican el caos. Por ejemplo el momento con “Besos de Ceniza”, pero no te adelantamos más para no dar spoilers.


Por su parte, la cinematografía juega un papel muy importante para crear tensión aún en momentos donde los chistes quieren predominar pero la situación se ha tornado sombría. El director de fotografía Pedro Gómez Millán se ha influenciado de los remakes anteriores, donde las tomas circulares y los primerísimos planos son parte importante de la narrativa cinematográfica. Por otro lado, y aún siendo muy cercana a la original, el diseño de producción para mantener la película completa dentro de una sola locación es muy inteligente, sintiendo la claustrofobia y desesperación constante, pero evitando encacillarlo hasta llegar a un nivel que parecería más teatro que cine. 

Lo que me parece una opción pobre y complaciente es el hecho de que (spoiler alert) toda la guerra que se desata es simplemente un "qué pasaría si..." al final. Es decir, todas las guerras, las verdades qeu salieron y las lágrimas derramadas no pasaron en realidad, pues cuando uno de los personajes dijo que no quería jugar el juego, aparentemente no lo jugaron, y todo lo que se ve en la película es lo que pasaría si se hubiese jugado. Es un final muy fácil que lo hacen con la moraleja de que es mejor guardarse los secretos para evitar que las relaciones se destruyan. Pero es un final que llega y es confuso, no tiene muchas explicaciones, y aún peor lo hace simplemente para no darle ningún problema final a ninguno de los personajes, y todas las guerras que vimos fueron solo una buena pesadilla.

Esta versión de Perfectos desconocidos se mantiene demasiado cerca de sus antecesoras, a pesar de agregarle aspectos culturales y sociales de la nacionalidad donde se desarrolla. Incluso trata de ser incisiva al coquetear con temas como la creencia en Dios o mediante diálogos provocadores para el sector conservador; sin embargo, no importa en cuantos idiomas, dialectos o culturas la quieran narrar, la fórmula es la misma y, por ende, la están desgastando de manera innecesaria. Lo bueno a destacarle es que se pasa un buen rato antes de que llegue el final.



jueves, 25 de enero de 2018

All the Money in the World

Film sobre el secuestro en Italia en 1973 de John Paul Getty III y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. (FILMAFFINITY)



Ridley Scott trae a la pantalla grande un segmento de la vida de Getty, quien no solo fue conocido como uno de los hombres más ricos del mundo, sino también por su personalidad que se caracterizaba por su mezquindad, que casi provoca la muerte de a quien él consideraba, uno de sus nietos favoritos.

La historia inicia directamente con el momento en que Getty III fue secuestrado mientras andaba paseando por las calles de Italia. Los secuestradores llamaron a Abigail Getty, su madre, e indicaron que debían pagar 17 millones de dólares por la liberación de su hijo. En medio de su desesperación, ella acude a Getty Sr., con el fin de que el magnate pague el rescate; sin embargo, él se negó a "regalar ese dinero": en principio decía que su nieto no valía esa cantidad y que si fuese a pagar el mismo monto por cada uno de sus nietos (tuvo 14 nietos), estaría en la quiebra; después consideró que el secuestro fuese una farsa; finalmente accedió a pagar solo lo que su nieto heredaría de su fortuna, incluyendo los impuestos de envío. Durante la trama, la historia se va intercambiando entre el secuestro, cómo era la vida de Abigail antes y después de su divorcio con el hijo de Getty, y las ambiciones del magnate con piezas de artes, que después de su muerte fueron trasladadas al que se convertiría en el Museo de Getty.

Christopher Plummer interpreta al Getty, y no es de extrañarse que sus nominaciones en las distintas premiaciones del cine se deban a la exquisitez de su actuación como este personaje. No solo le dio vida al magnate, sino también que transmitió esas razones que hicieron de este hombre una de las personas más ricas del mundo, con un adherido adicional de su arrogancia, tacañez (hasta en palabras y presencia) y personalidad sarcástica. Del mismo modo, Michelle Williams encarna a la nuera de Getty y otorga una de sus mejores actuaciones, donde hay un obvio trabajo de personalización, tanto en el acento como en las acciones "reactivas" frente a las situaciones que vivió; demostró la fuerza y empoderamiento que tuvo Abigail y cómo logró mover cielo y tierra para salvar a su hijo. Mark Wahlberg es Fletcher Chase, el consejero personal de Getty, más tarde asignado al servicio de Abigail, y ex-agente de la CIA; él era un hombre de mucha confianza de Getty.


Una gran sorpresa de la película es Charlie Plummer, quien interpreta al nieto del magnate en la pantalla grande, pero no tiene ningún parentesco con el actor Christopher Plummer. Sin embargo, si así lo fuese, heredaría la entrega a este personaje, en donde tuvo que pasar todas las torturas y malestares que sus secuestradores le sometieron para poder sacarle dinero; Charlie se apodera de su personaje y lo hace creíble, sin exageraciones.

La película posee un guión dividido en tres subtramas: Charlie y los secuestradores, Abigail y Chase, y el Getty y su pasión por el arte. Cada subtrama se introduce, desarrolla y concluye de una manera apropiada y sutil, sin dejar nada al aire, y permitiendo comprender cada uno de los detalles que convirtieron este suceso en una historia importante de contar.

Por otro lado, la trama, desarrollada en los años 70, cuenta con un trabajo de producción, donde el diseño de producción de los escenarios y el diseño de vestuario jugaron un papel importante para la credibilidad de esta película, complementados por la musicalización inspirada en esa época y un manejo de cámara en mano que permite mayor cercanía e intimidad con los personajes y sus situaciones.

All the Money in the World es una película necesaria de ver pues cumple con todas las características adecuadas para una trama interesante: excelente elenco, guion bien contado y un final que mantiene el tono establecido desde el principio de la historia.



jueves, 28 de diciembre de 2017

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983, cuando un nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa: Oliver. Pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. (FILMAFFINITY)



Es el verano de 1983 en el norte de Italia y Elio Perlman (Timothée Chamalet), un chico ítalo-estadounidense precoz de 17 años, pasa los días en la villa familiar del s. XVII transcribiendo y tocando música clásica, leyendo y enamorando a su amiga Marzia (Esther Garrel).

Elio tiene una estrecha relación con su padre (Michael Stuhlbarg), un ilustre profesor especializado en cultura grecorromana, y su madre Annella (Amira Casar), una traductora, y entre ambos le han dotado de una amplia cultura en un entorno que rebosa de encantos naturales. Aunque la sofisticación y don intelectual de Elio podrían sugerir que es un adulto hecho y derecho, todavía tiene cierta inocencia y temas en los que desarrollarse, especialmente cuando se tratan de los sentimientos.

Un día, Oliver (Armie Hammer), un cautivador investigador americano que trabaja en su doctorado, llega para ayudar al padre de Elio como becario durante el verano. En medio del soleado esplendor de este marco, Elio y Oliver descubrirán la embriagadora belleza del despertar sexual a lo largo de un verano que cambiará sus vidas para siempre.


Esta película no es únicamente una trama enfocada en la sexualidad homosexual, sino también en el descubrimiento de las atracciones humanas y el desarrollo de las relaciones amorosas, desde su inicio hasta su climax. La sutileza y ritmo con la que cuentan la trama provoca un entendimiento completo de las intenciones de su director Luca Guadagnino, principalmente por la mezcla de vulnerabilidad y sensualidad como cuenta esta historia.

El reparto, protagonizado por Armie Hammer y Timothée Chalamet, es totalmente explosivo, principalmente en las escenas de este duo que muestra una química envidiable y anhelada en cada minuto de la película. No obstante, esto no resta al valor actoral que cada uno le da a sus roles, aún en las escenas individuales, por la carga emotiva que conllevan y la evolución de los mismos a lo largo de la trama. A su vez, los discursos están cargados de ironía y verdades subliminales que cada uno de sus narradores irán delatando a medida que avance la historia, sin ningún doble sentido, sino dejando todo exactamente donde quieren.


La fotografía está enfocada principalmente en retratar los distintos escenarios de la ciudad italiana donde ocurre esta historia, y cómo está va evolucionando junto con los sucesos de la historia. Los personajes saben sacarle provecho a cada escenografía empleada y aportarla como un elemento cultural que demuestra los propósitos de cada uno. Por otro lado, la musicalización es un espejo del tono romántico y dramático que va narrando la historia. Esa última canción es el clímax más inesperado que la audiencia espera para el protagonista, un grito de desahogo que muy pocos entenderan, pero que se dejarán llevar por su ritmo sutil y melancólico.

Además de ser una película completamente transparente y emotiva, el romance que crece entre sus protagonistas, más las interacciones de estos con el elenco de reparto, hacen que sea una trama respetable, aun por el más escéptico, y esto se debe al tono adecuado que tiene, a la naturalidad de cómo van surgiendo las situaciones y cómo los personajes saben dar un final totalmente inesperado pero aceptable, con el objetivo de dejar a su público con los sentimientos a flor de piel.

Call me by your name es, sin lugar a dudas, una película perfecta y digna de ser reconocida.