Crítica Cinéfila: The Fabelmans

Película semiautobiográfica de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 60, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre artista (Michelle Williams) y su pragmático padre ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad.

Ningún director ha hecho más por deconstruir el mito de la familia americana suburbana que Steven Spielberg. Se han escrito disertaciones y se han realizado documentales sobre el tema. Y ahora, a sus 75 años, el propio Spielberg opina sobre el origen de sus preocupaciones en "The Fabelmans", un relato personal de su crianza que se siente como escuchar dos horas y media de una lista de anécdotas de fiestas, sólo que mejorado, ya que se ha tomado la molestia de escenificarlas todas para nuestro beneficio. Spielberg es un narrador nato, y estas son posiblemente sus historias más preciadas.

Desde la primera película que vio ("The Greatest Show on Earth") hasta los recuerdos de su encuentro con el cineasta John Ford en el lote de Paramount, este relato entrañable y ampliamente atractivo de cómo Spielberg quedó amarrado a la industria del cine y por qué el prodigio casi abandonó la industria antes de que comenzara su carrera, contiene las claves de gran parte de la filmografía del maestro. Más similar a la autobiográfica "Radio Days" de Woody Allen que a películas de arte europeas como "The 400 Blows" y "Amarcord", "The Fabelmans" invita al público a la casa y el espacio mental del director vivo más querido del mundo, una zona extrañamente higienizada donde incluso el trauma, que incluye el antisemitismo, la desventaja financiera y el divorcio, parece mejorar si es visto como un entretenimiento.

Ahora, el que ha crecido con las películas de Spielberg, seguro se ha dado cuenta de ciertos temas recurrentes, especialmente en la forma en que los padres se relacionan con sus hijos. Ya sea que se trate de un padre emocionalmente distante que deja que su familia se desmorone en "Close Encounters of the Third Kind" o de un Peter Pan adulto que lucha por sus hijos en "Hook", esos lazos claramente importan en las ficciones en pantalla de Spielberg porque las mismas conexiones se rompieron en su realidad fuera de la pantalla. Aquí, el director comparte cómo era su propia familia, mientras deja espacio para una cierta cantidad de licencia creativa.

Papá es un ingeniero llamado Burt (Paul Dano) cuyo trabajo inicial en el campo de la informática obliga a los Fabelman a mudarse de casa varias veces durante unos años, desde Nueva Jersey hasta Arizona y el norte de California. Michelle Williams interpreta a su madre más emocionalmente sensible, Mitzi, que podría haber sido una concertista de piano, haciendo todo lo posible para fomentar los intereses creativos de su hijo Sam (Gabrielle LaBelle). 

Mamá tiene una capacidad similar para psicoanalizar a sus hijos, reconociendo cómo el pequeño Sammy (interpretado por Mateo Zoryon Francis-DeFord en las primeras escenas) parece no poder manejar un choque de trenes que presenció en "The Greatest Show on Earth". Todo es solo una película, por supuesto, pero antes de que pueda continuar, el niño se ve obligado a reconstruir cómo se logró el efecto utilizando un tren modelo, grabándolo con su cámara de 8 mm. Y así nace un cineasta, con una anécdota que relaciona los orígenes de Spielberg con la historia apócrifa de la “The Arrival of a Train” de los hermanos Lumière que asombró a las primeras audiencias del cine y las hizo saltar de sus asientos.

Qué divertido debe haber sido para el director recrear sus primeros experimentos frente a la cámara, desde envolver a sus hermanas en papel higiénico para una película de momias hasta "Escape to Nowhere", la película de guerra de 40 minutos que el Boy Scout hizo con sus amigos. Al verlo filmar este último, es difícil no pensar en "Super 8", producido por Spielberg, que presentaba a un grupo de cineastas aficionados menores de edad aprendiendo por sí mismos las cuerdas (o mejor aún, "Raiders!", el encantador documental de 2015 sobre niños que intentaron hacer una nueva versión toma por toma de la primera película de “Indiana Jones”).

Para cierto tipo de personalidad, el cine es una compulsión contagiosa, y es entretenido ver cómo le picó el gusanillo del interés a Spielberg, aunque una dosis de irreverencia podría haber sido más eficaz, apoyándose en lo adorablemente torpes que fueron esos esfuerzos. En cambio, Spielberg y el director de fotografía Janusz Kaminski dan la impresión de que estas primeras películas estaban mucho más pulidas. Aquellos que buscan huevos de Pascua probablemente se deleitarán con la forma en que algunas de las técnicas características de Spielberg (como mostrar una cara que reacciona ante algo increíble antes de cortar con lo que la persona está viendo) se remontan a estos experimentos. ¿Quién hubiera pensado que la apertura de Normandy Beach de "Saving Private Ryan" podría tener sus raíces en "Escape to Nowhere", por ejemplo?

La película toma un giro serio cuando Sam hace un descubrimiento alarmante entre las imágenes que tomó de un viaje de campamento familiar, como si el pequeño Spielberg hubiera entrado temporalmente en "Blow Up" de Antonioni o algo así. Este dilema moral surge al mismo tiempo que el tío abuelo de Sam, Boris (Judd Hirsch), llega para dar una charla sobre cómo el arte y la familia no se mezclan, una de esas maravillas de una sola escena, como Bradley Cooper en "Licorice Pizza", que deja una impresión imborrable. Lo siguiente que se sabe es que los Fabelman se están mudando de nuevo, abandonando al tío honorario Bennie (Seth Rogen) en Arizona, solo para volver a conectarse con la malhumorada abuela Hadassah (Jeannie Berlin) una vez que llegan a California.

Mudarse nunca es fácil para los niños, pero a menudo es más difícil cuando sucede durante el último año, como lo experimenta Sam. Hasta ahora, Spielberg no ha compartido gran parte de la vida escolar, pero durante la próxima hora, "The Fabelmans" sigue a Sam a clase. Imagine un cruce entre la nostálgica y fantástica “American Graffiti” de George Lucas y la ligeramente caricaturesca “Back to the Future”, producida por Spielberg. En su nueva escuela secundaria de California, Sam es acosado por deportistas que le hacen la vida complicada por ser judío; se enamora superficialmente de una chica cristiana rica llamada Monica (Chloe East), y se da cuenta de algo notable sobre el poder del cine para influir en el público, un superpoder que promete mantener en secreto, "a menos que haga una película sobre eso" algún día, dice Sam, ganándose la risa más grande de la película.

Durante años, Spielberg responsabilizó públicamente a su padre por la ruptura del matrimonio de sus padres, pero "The Fabelmans" pinta un cuadro muy diferente. El recién llegado LaBelle de diecinueve años está bien como Sam, aunque Spielberg ha tenido un historial tan bueno con actores jóvenes (Henry Thomas, Haley Joel Osment, Tye Sheridan) que esta elección se siente un poco plana. Claramente está más centrado en hacer lo correcto por sus padres, haciendo todo lo posible para darle a Williams las grandes oportunidades de actuación: un delirante baile nocturno, múltiples recitales de piano y una escena de reconciliación madre-hijo donde ella le dice al niño: “Haces lo que tu corazón dice que tienes que hacer para no deberle la vida a nadie”.

Al analizar las otras películas de Spielberg, uno tiene la sensación de que ha estado ocultando los hechos de su propia educación detrás de familias ficticias. Irónicamente, por la forma en que se presentan, los Fabelman en realidad se sienten bastante "normales", incluso al estilo de Norman Rockwell. Con ese fin, la forma conservadora y ligeramente artificial de Kaminski de filmar esta película, se inspira en los dramas domésticos de mediados de siglo. ¿Fueron Arthur y Leah Spielberg (a quienes está dedicada la película) realmente tan tradicionales como aparecen aquí, o al hacer “The Fabelmans”, no pudo resistirse a torcer la realidad más cerca del tipo de familia nuclear funcional que ha estado idealizando todo el tiempo?

Crítica Cinéfila: Venom - Let There Be Carnage

Eddie Brock (Tom Hardy) y su simbionte Venom todavía están intentando descubrir cómo vivir juntos cuando un preso que está en el corredor de la muerte (Woody Harrelson) se infecta con un simbionte propio.

¿Cómo se hace un lugar en un mundo de héroes para un monstruo que degusta cerebros humanos? En el caso de Venom, la respuesta de Marvel parece ser hacerlo divertido y dejarlo luchar contra monstruos que son incluso más homicidas que él. Por lo tanto Venom: Let there be carnage, la segunda característica de un personaje que podría haber sido un verdadero Deadpool como forastero, hace su mirada a un tema antiheroico que casi se siente como un proyecto hijastro del Universo Marvel; está condenado a habitar historias estructuradas como las de los Vengadores, hasta que las necesidades sinérgicas de Disney le exijan que entre en su saga.

Escrita por la estrella Tom Hardy y su colaboradora Kelly Marcel, la película desarrolla la química entre el alienígena titular y el humano donde se ve obligado a habitar mientras está dentro de la atmósfera de la Tierra. Pero el carácter distintivo de este vínculo entre amigos y películas a menudo se ve ahogado por piezas gigantes de caos que se sienten exactamente como las que se encuentran en las películas de los buenos. Aunque complacerá a la mayoría de los fanáticos de la primera entrega de 2018, Carnage demuestra que la fatiga de los superhéroes también se aplica a los antihéroes.

Eddie Brock de Hardy, reportero cruzado de San Francisco, está básicamente donde lo dejamos en la última película: su carrera se ha recuperado, su relación con su ex prometida Anne (Michelle Williams) todavía está muerta y tiene un asesino dentro de él. Su cuerpo alberga a un alienígena simbiótico, Venom, que puede acechar de manera invisible y gruñirle a Eddie con una voz que solo él puede oír, o convertir a Eddie en un gigante resbaladizo con tentáculos, colmillos y fuerza sobrehumana. De cualquier manera, el monstruo necesita alimento. Aunque su alimento preferido son los cerebros, puede sobrevivir con chocolate y pollos vivos; gran parte de la comedia del guión se deriva de los intentos de Eddie de mantener a Venom a dieta.

Cuando Brock tiene la oportunidad de entrevistar al asesino en serie convicto Cletus Kasady (Woody Harrelson), Eddie hace todo lo posible para evitar que Venom se coma al resentido detective Mulligan (Stephen Graham), quien acompaña su visita. Pero Venom es el que es mordido: Kasady muerde a Eddie, y de alguna manera un poco de ese material alienígena simbiótico entra en su torrente sanguíneo. Más tarde, cuando el preso condenado a muerte yace en la cámara de ejecución, ese material se mezcla con químicos de inyección letal para transformar a Kasady en Carnage, una bestia roja que sale de San Quentin luciendo como si un tornado lo golpeara.

Esta transformación ocurre mientras Eddie y Venom tienen otras cosas en mente, discutiendo sobre la incompatibilidad de sus estilos de vida, los dos se involucran en una pelea física que deja el lugar de Eddie totalmente destrozado. Venom huye del cuerpo de Eddie, saltando en la noche del cuerpo de un extraño desprevenido al siguiente, mientras Eddie simplemente reemplaza su televisor gigante - lo que aparentemente más le dolió y trata de disfrutar sus primeras horas de libertad sin Venom.

Mientras que Venom tiene una o dos desventuras cómicas, Carnage hace honor a su nombre. Kasady usa sus nuevos poderes para reunirse con su amor perdido hace mucho tiempo, una mutante que conoció cuando era un adolescente en el reformatorio: Frances Barrison (Naomie Harris), que será conocida como Shriek cuando algún día se cruce con Spider-Man, quien tiene el poder para destruir todo lo que le rodee con sus gritos agudos y ha estado encerrada durante años en una celda de prisión insonorizada. Cuando la liberan, está tan dispuesta a romper cosas como su novio (y hasta a él mismo).

La juerga de la pareja termina en Grace Cathedral, donde pretenden casarse. Pero el matrimonio es solo la excusa de la foto para el negocio habitual de la mujer en peligro: no habiendo salido del peligro al romper con Eddie, Anne es ahora el cebo que lo atrae a él y a Venom a una batalla gigante contra Carnage. Aunque Anne es un personaje necesario para justificar los impulsos y justificaciones de Eddie, Michelle Williams es demasiado talentosa para estar atrapada en este tipo de clichés.

Los defensores de Venom dirán que fue una película inigualable y entretenida, pero después de dos películas de Deadpool en este mismo tono, a esta le hace falta mayor profundidad en sus personajes y darle cierto grado de responsabilidad por sus actos. En cambio, Eddie parece importarle menos los peligros del mundo mientras Venom actua por naturaleza alienígena. Los chistes dejan de hacer efecto a partir de un punto de la historia, y esto, más que una película sobre unos de los personajes más emblemáticos de los antagonistas de Marvel, se siente como un película episódica para matar el tiempo.

Se reaviva casi al final con la confrontación a muerte entre Carnage y Venom, y aunque no hay nada de malo en la batalla culminante que nos dan, lo mejor que puedes decir sobre la acción en Carnage es que no alarga la película más allá de la marca de la hora y media. Eso sin contar los créditos y la inevitable lista de escenas ocultas, lo que sugiere un regreso a las raíces de Venom. La película anterior de Spider-Man con Venom (de 2007) es la peor de las salidas a la pantalla grande del webslinger hasta la fecha. Si esta se cruza con el spidey, ojalá que desarrollen una mejor historia, o a lo mejor salgan mal de una manera más entretenida, la próxima vez que se crucen.

Mientras tanto, esta entretiene pero nunca a la altura de su antecesora.

Venom

Tras haber perdido su trabajo y su relación, tratando tratando de revelar los experimentos de la poderosa Fundación Vica, Eddie Brock termina como el huesped de un extraño organismo alienígena llamado Venom. 

Marvel habrá colaborado, pero se le olvidó ser parte de la mesa de guionistas, y el resultado es un producto final que, sin importar cuantas taquillas ha vendido alrededor del mundo, es mediocre tanto en personajes como en narrativa.

Como periodista, Eddie Brock lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake, una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne. Al investigar uno de los experimentos de Drake, un ente alienígena  que se hace llamar Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más.

Lo peor no es que 'Venom' pueda hacer todo lo que dice poder hacer sin dejarse estorbar por obstáculos en escena (como la lógica, la lucidez, los personajes); es algo normal para su público potencial. Lo peor es que no resulta ser el espectáculo suficiente para compensar toda la estupidez narrativa que trata de ocultarse detrás de efectos especiales maquillaje digital y la cara bonita de Tom Hardy. De paso, el hecho de que la historia se relaciona a Life (2017) hace que pierda mucho más sentido del que no tiene.

El primer defecto de esta película es el miserable desarrollo de personajes, el cual pretendía darle libertad a los actores para hacer con ellos los que le plazca, pero dado a la poca información junto con las líneas llenas de clichés sobre superhéroes y villanos, desaprovecharon en su totalidad a un elenco que pudo haber salvado la historia completa, y que conste que la culpa no la tienen Tom Hardy y Michelle Williams.

Un problema importante en este desastre cinematográfico es que Eddie aparece como un tonto, un imbécil ansioso que no convence como un periodista que supera los límites o alguien que puede superar a un titán de la tecnología. Independientemente de sus defectos como periodista o compañero, el personaje necesitaba un depósito profundo de inteligencia e ingenio que no se puede detectar en ninguna parte.

Sin embargo, algunos actores tampoco parecen haber sido los más indicados para sus roles, como es el caso de Riz Ahmed en el papel de Carlton, quien (seamos bien honestos) no llenó los zapatos del villano, se sintió muy forzado, y de paso las líneas extremadamente clichés no le ayudaron. Pero la culpa la tienen los guionistas. Desafortunadamente, la fórmula de Marvel sigue siendo la misma que la habitual, e incluye la doble identidad de un genio emprendedor como hombre de ciencia y un monstruo secreto con planes grandiosos. El potencial de la trama de Drake parece claramente poco convincente, incluso para los estándares de Marvel.

El mayor esfuerzo cerebral lo hicieron con Venom, donde agotaron cada neurona existente y lo hicieron un antihéroe que, no solo resulta interesante, sino más completo que el resto del elenco estelar. Ni siquiera el personaje de Tom Hardy le llega al mismo nivel. Lo único que resulta extremadamente poco creíble es el cambio repentino a querer quedarse en el mundo y hacer "bien". No obstante, sí hay que reconocer que la química entre Eddy y Venom es donde la audiencia invierte más gozo, y es la que mejor funciona de toda la película.

En un momento en que el universo Marvel se está expandiendo de forma aventurera y envolviendo otras historias, Venom se siente como un retroceso. En parte, esto se debe al hecho de que, como historia de origen, esta carece de memoria y poca imaginación. Además de eso, la escritura del guión le mata los demás aspectos. La película parece un imitador y un aspirante a algo grande que no alcanzó a ser ni siquiera en los últimos minutos de la misma.

Entretiene, es verdad, pero no es una película del calibre de los grandes de Marvel debido a la poca inversión de tiempo en la historia, más un elenco que no conectó a profundidad con sus personajes. A Venom que le hagan otra película, donde él sea el único personaje de la historia. Creo que resultará mejor.

All the Money in the World

Film sobre el secuestro en Italia en 1973 de John Paul Getty III y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. (FILMAFFINITY)

Ridley Scott trae a la pantalla grande un segmento de la vida de Getty, quien no solo fue conocido como uno de los hombres más ricos del mundo, sino también por su personalidad que se caracterizaba por su mezquindad, que casi provoca la muerte de a quien él consideraba, uno de sus nietos favoritos.

La historia inicia directamente con el momento en que Getty III fue secuestrado mientras andaba paseando por las calles de Italia. Los secuestradores llamaron a Abigail Getty, su madre, e indicaron que debían pagar 17 millones de dólares por la liberación de su hijo. En medio de su desesperación, ella acude a Getty Sr., con el fin de que el magnate pague el rescate; sin embargo, él se negó a "regalar ese dinero": en principio decía que su nieto no valía esa cantidad y que si fuese a pagar el mismo monto por cada uno de sus nietos (tuvo 14 nietos), estaría en la quiebra; después consideró que el secuestro fuese una farsa; finalmente accedió a pagar solo lo que su nieto heredaría de su fortuna, incluyendo los impuestos de envío. Durante la trama, la historia se va intercambiando entre el secuestro, cómo era la vida de Abigail antes y después de su divorcio con el hijo de Getty, y las ambiciones del magnate con piezas de artes, que después de su muerte fueron trasladadas al que se convertiría en el Museo de Getty.

Christopher Plummer interpreta al Getty, y no es de extrañarse que sus nominaciones en las distintas premiaciones del cine se deban a la exquisitez de su actuación como este personaje. No solo le dio vida al magnate, sino también que transmitió esas razones que hicieron de este hombre una de las personas más ricas del mundo, con un adherido adicional de su arrogancia, tacañez (hasta en palabras y presencia) y personalidad sarcástica. Del mismo modo, Michelle Williams encarna a la nuera de Getty y otorga una de sus mejores actuaciones, donde hay un obvio trabajo de personalización, tanto en el acento como en las acciones "reactivas" frente a las situaciones que vivió; demostró la fuerza y empoderamiento que tuvo Abigail y cómo logró mover cielo y tierra para salvar a su hijo. Mark Wahlberg es Fletcher Chase, el consejero personal de Getty, más tarde asignado al servicio de Abigail, y ex-agente de la CIA; él era un hombre de mucha confianza de Getty.

Una gran sorpresa de la película es Charlie Plummer, quien interpreta al nieto del magnate en la pantalla grande, pero no tiene ningún parentesco con el actor Christopher Plummer. Sin embargo, si así lo fuese, heredaría la entrega a este personaje, en donde tuvo que pasar todas las torturas y malestares que sus secuestradores le sometieron para poder sacarle dinero; Charlie se apodera de su personaje y lo hace creíble, sin exageraciones.

La película posee un guión dividido en tres subtramas: Charlie y los secuestradores, Abigail y Chase, y el Getty y su pasión por el arte. Cada subtrama se introduce, desarrolla y concluye de una manera apropiada y sutil, sin dejar nada al aire, y permitiendo comprender cada uno de los detalles que convirtieron este suceso en una historia importante de contar.

Por otro lado, la trama, desarrollada en los años 70, cuenta con un trabajo de producción, donde el diseño de producción de los escenarios y el diseño de vestuario jugaron un papel importante para la credibilidad de esta película, complementados por la musicalización inspirada en esa época y un manejo de cámara en mano que permite mayor cercanía e intimidad con los personajes y sus situaciones.

All the Money in the World es una película necesaria de ver pues cumple con todas las características adecuadas para una trama interesante: excelente elenco, guion bien contado y un final que mantiene el tono establecido desde el principio de la historia.

El Gran Showman (The Greatest Showman)

Biopic sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense, fundador del "Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus" conocido como "el mayor espectáculo en la tierra". (FILMAFFINITY)

Hace cinco años, Hugh Jackman fue protagonista del musical dramático The Miserables. Era la primera vez que yo lo veía en un rol donde, a parte de actuar, debía cantar. Y me sorprendió su entrega al personaje. Una vez más, vuelve a ser protagonista en un musical mucho menos miserable pero con intenciones similares.

Jackman encarna a Barnum, un cirquero que, después de casarse con su amor de niñez y perder su trabajo, decidió abrir un museo de animales de cera. Sin embargo, las circunstancias de la vida y su curiosidad lo impulsaron a abrir un espacio donde las atracciones principales eran personas con características biológicas, distintivas del resto. Sin embargo, estas personas eran consideradas monstruos y el circo siempre corrió peligro de su destrucción, ya sea por los ataques de los escépticos o el descuido de Barnum.

La historia adapta la vida del cirquero, protagonizada exquisitamente por Hugh Jackman, donde los momentos más importantes fueron las interpretaciones de las canciones que representaban cada etapa superada en la vida del personaje. Gracias a su actuación, le permite a la audiencia conocer mejor a Barnum y todo lo que tuvo que pasar para poder llegar a considerarse un empresario conocido en Estados Unidos.

Del mismo modo, la película cuenta con la participación de otros actores como Michelle Williams (otra sorpresa, para mi, en el mundo del canto), Zac Efron (a quien siempre nos recordará a Troy Bolton de High School Musical) y Zendaya, quienes saben complementar la historia con diferentes números musicales particulares que sirven para desviar la atención fija del protagonista y crear subtramas a su alrededor que a su vez afectaron la vida del cirquero.

Los escritores Michael Arndt, Jenny Bicks y Bill Condon se tomaron su tiempo para construir esta historia y darle una forma completa en la que no hiciese falta preguntarse qué sucede en la vida de cada personaje, pues dejan todo lo suficientemente claro para dejarse envolver por las situaciones y dejarse llevar con las canciones.

Los mejores momentos de la película son recreados dentro del circo, donde la coreografía y la musicalización son elementos esenciales que proyectan la atmósfera perfecta para creerse que la misma audiencia está dentro de la película. La fotografía sirve de complemento para destacar las atracciones, bailes y números artísticos que, incluso fuera del circo, parecen como si fuese un cuento de hadas adaptado a la vida real.

Para los amantes de musicales, esta película es una manera entretenida de terminar el año, caracterizada por la combinación perfecta de historia y musica, y complementada por un elenco envidiable que lo entregan todo para otorgar un verdadero espectáculo a la audiencia.

Wonderstruck

Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría. (FILMAFFINITY)

Wonderstruck no es una película para verse una sola vez. Incluso, me atrevería a verla dos veces en una noche. 

Se enfoca en la historia de dos personajes, Rose está en el 1927 y Ben en el 1977. Sin embargo, tienen mucho en común: son niños con grandes deseos de una mejor vida, pero extraños para el resto del mundo por la condición física que tienen. Ella nació sordomuda; él quedó sordo cuando un rayo cayó en su casa. Los dos tienen la misma misión de encontrar a las personas que representan el origen de sus vidas en un New York muy alocado para sus cortas edades; y a pesar de estar en tiempos distintos, New York parece ser el mismo en términos de adrenalina. 

Ambas historias se narran de manera simétrica, en casi los mismos escenarios y conflictos similares, lo cual hace que uno no se sienta perdido mientras se van contando de manera simultánea. La audiencia se sentirá cautivada por los dos, deseará saber hacia dónde llegarán y si lograrán cumplir sus objetivos antes del final, momento en que de manera inesperada, ambos protagonistas se encuentran uno frente a otro e interactúan en un solo tiempo. Me gusta la idea de que las historias se conecten pues crea empatía con el público y un sentimiento más profundo con los personajes.

Esta producción tiene el lujo de contar con Julianne Moore y Michelle Williams, pero sus verdaderas estrellas son los más jóvenes en escena: Oakes Fegley, Millicent Simmonds y Jaden Michael, que le dan una tonalidad de inocencia, juventud y deseo de saber cuál será su próxima aventura. Son quienes le dan el verdadero conflicto a la trama y los que provocarán que uno se sienta motivado por la película a nivel general.

El guión y la forma en la que está desarrollado es muy interesante, pues tiene muy claro hacia donde quiere llegar con la historia, sus personajes y las situaciones que están viviendo, pero deja algunas interrogantes: ¿qué pasa con la tía de Ben: nunca vuelve a encontrarlo? ¿qué pasa con el papá y la mamá de Rose, después de que ella se encuentra con su hermano? ¿el papá de Jaime nunca se preocupa por él después de dos días andando por su cuenta? ¿Ben recuperará la audición? ¿Por qué Rose nunca intentó contactar a Ben antes? ¿por qué la mamá de Ben nunca le habló de su padre? Quizás para algunos no sean prioritarias para que la película siga su curso, pero es importante no dejar ninguna duda sobre la trama o quienes están en ella. 

Las ambientaciones de ambas épocas son uno de los puntos más fuertes de la trama, pues se enfocan en que la audiencia tenga bien claro que son de tiempos distintos. Por eso, cuando nos encontramos con Rose, la vemos en blanco y negro, sin audio en los diálogos, con movimientos sutiles de cámara, similar a las películas del cine mudo, por el hecho de está desarrollado a finales de los años 20, cuando el cine hacía su transición a sonoro. Mientras que a Ben lo conocemos en los años 70, con imágenes colorizadas en los tonos más brillantes, movimientos acelerados y musicalización más ruidosa. 

Todd Haynes (Carol, Far from Heaven, Velvet Goldmine) logra a través de Wonderstruck una historia llena de magia e inocencia, que logrará ablandar más de un corazón en una sola noche. El final es simplemente hermoso e inesperado.