Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: The Sandman

Adaptación del aclamado cómic de Neil Gaiman, que mezcla el mito moderno y la fantasía tenebrosa, y en el que la ficción contemporánea, el drama histórico y la leyenda se entrelazan. 'The Sandman' sigue a las personas y los lugares afectados por Morfeo (Tom Sturridge), el Rey del Sueño, mientras repara los errores cósmicos -y humanos- que ha cometido durante su vasta existencia.

En la era moderna, el streaming es una bestia con un apetito voraz. Debe alimentarse constantemente con series enteras, temporadas, universos cinematográficos a la vez, simplemente para ser saciado durante un fin de semana. La necesidad de atraer suscriptores es primordial, y solo hay tantas historias en el mundo para contarlas. Impulsados por esta necesidad orientada a los negocios de reducir el arte a un solo espacio o contenido, las adaptaciones de obras queridas en otros medios se han hecho a un ritmo vertiginoso últimamente, ya que los proyectos que anteriormente languidecían en el infierno del desarrollo de repente han encontrado todos los obstáculos retirados de su camino.

The Sandman, la aclamada serie de cómics de 1989-1996 creada por Neil Gaiman, Sam Kieth y Mike Dringenberg, fue uno de esos proyectos. Considerada en gran medida "infilmable" gracias a su naturaleza serial y sus imágenes surrealistas, la adaptación a la gran pantalla no se materializó constantemente a pesar de muchos esfuerzos a partir de la década de 1990. Décadas más tarde, The Sandman finalmente ha sido traducido a carne y hueso como una serie de Netflix desarrollada por el propio Gaiman junto a David S. Goyer (Batman Begins) y Allan Heinberg (The O.C.). Su llegada presenta inmediatamente una pregunta: ¿Demostrará que los que sostienen el cómic, una obra singular del medio, son correctos?

La respuesta es simple: lo lograron. The Sandman de Netflix es quizás la mejor versión televisiva imaginable del cómic. La serie es fiel al material de origen a nivel de Peter Jacksonian, al tiempo que hace algunos compromisos necesarios para su nuevo medio. Para los lectores de cómics, esos compromisos son notas discordantes que pueden ser difíciles de ignorar en un programa que, de lo contrario, es una agradable revisión de un material favorito. Para aquellos que vengan a ver la serie desconociendo el universo, encontrarán una serie extraña e apática que se mueve con ritmos extraños y evita los conflictos tradicionales. Es una historia que lleva tiempo defenderse por sí misma, pero fascinante si te quedas un tiempo.

La historia comienza con una abruptidad impactante. El rico ocultista aficionado Roderick Burgess (Charles Dance) reúne los últimos objetos con malas vibraciones que necesita para realizar un ritual que espera que le conceda la inmortalidad. En uno de los muchos momentos en los que The Sandman asume que está familiarizado con su historia, el plan de Roderick solo se detalla rápidamente: espera encarcelar la personificación de la Muerte y obligarlos a cumplir su orden. En su lugar, captura al hermano de la Muerte, Dream (Tom Sturridge), el rey de los sueños conocido por muchos nombres, incluido el Hombre de Arena, y lo encarcela, con la esperanza de que pueda manipular a Dream para darle lo que quiere.

Después de casi un siglo de encarcelamiento, con el hijo de Burgess tomando el relevo de su guardián cuando Roderick muere, Dream escapa durante un momento de descuido y el Hombre de Arena toma forma. La primera mitad de la temporada sigue a Dream mientras se reconstruye a sí mismo, sirviendo como introducción al universo. Mientras Dream recupera sus objetos de su poder, The Sandman muestra a los espectadores la amplitud del espectáculo. Está el pasado y el presente de Londres, el mundo del Sueño donde residen todo tipo de seres fantásticos y pesadillas, e incluso un viaje al infierno para conocer a Lucifer (Gwendoline Christie). Luego, en la segunda mitad de la temporada, se presenta a los espectadores a Rose Walker (Kyo Ra), una joven que representa un vortex, un ente que puede destruir inadvertidamente todo lo que Dream está trabajando para reconstruir.

The Sandman es una adaptación notablemente fiel, lo que significa que la serie comparte las debilidades de su material de origen: es decir, su arco de apertura no es el mejor caso para la historia en la que el espectador se está embarcando. Si bien es refrescante ver una serie de fantasía que no siente la necesidad de explicarse constantemente, cuando The Sandman se explica a sí mismo, está en un asunto contundente en desacuerdo con la naturaleza contemplativa de la historia, y se siente aún más disonante. Al igual que los cómics en los que se basa, no es evidente de inmediato por qué le están presentando a todos estos personajes y cómo encajan en el gran esquema de las cosas. También puede sorprenderle saber que hay un gran esquema en juego aquí, aunque la comprensión de eso depende por completo de que Netflix dé luz verde a las futuras temporadas.

Para los veteranos en el tema, el venerado estado del cómic puede hacer que muchas de las opciones de adaptación de la serie sean involuntariamente divertidas. Dream, por ejemplo, se retrata en el cómic como un hombre fantasmal con estrellas para los ojos, una presencia etérea que realmente no se puede retratar en la pantalla sin un maquillaje extenso y tal vez CGI. En la serie, es solo un chico; Tom Sturridge está notablemente comprometido a creer que encarna el ser que se puede ver en la página y que en realidad es solo un inglés melancólico y fantasmal, lo que no es necesariamente malo cuando se aprende que no es más que uno de los Endless, con hermanos mayores y menores que también personifican abstracciones como Death (Kirby Howell-Baptiste) o Desire (Mason Alexander Park). Esta personificación no la hace menos encantadora, siéndoles honesta, pues acerca aún más a este nuevo terreno, lo hace más realista y más empático.

Hay un montón de pequeños detalles como este que pueden o no aterrizar con un espectador determinado. La actuación de Patton Oswalt como un cuervo parlante llamado Matthew. El papel recurrente de Boyd Holbrook como el Corinthian, una pesadilla escapada que elude y trabaja contra Dream, también es extrañamente efusivo con una amenaza encantadora.

En última instancia, The Sandman es efectivo como un anuncio atractivo y extraño para el cómic, que suena como condenatorio, y en realidad es el resultado deseado. Parte de lo que hizo que los cómics de Sandman fueran tan queridos es la forma en que eran un refugio para marginados sociales, un lugar donde los personajes queer aparecían casualmente con regularidad en un momento en que eso era una rareza. Fue una obra de arte alternativo publicada junto con el corpus heteronormativo de DC Comics, creciendo en estimación hasta que sus inclinaciones de contracultura se convirtieron efectivamente en la cultura, una ambición que siempre estuvo ahí, ya que Sandman crecería hasta convertirse en una historia sobre todas las historias, desde el surgimiento de Shakespeare hasta la antigua Grecia y los cómics de superhéroes. Después de todo, los sueños son la base de lo que están hechas las historias.

A pesar de ser la mejor versión posible de una adaptación de Netflix, sigue siendo una adaptación de Netflix, un proyecto que debe aprovechar las limitaciones y aspiraciones de la plataforma, para crear una experiencia compulsiva con potencial para convertirse en un éxito monstruoso. Todas las formas en que esto podría comprometer el trabajo original ya están presentes en esta serie, visual, tonal y estructuralmente. The Sandman de Netflix, por fiel que sea, sigue siendo una adaptación con los bordes más ásperos suavizados, una fantasía oscura que nunca es tan oscura, una fábula que explica demasiado.

Ese es el problema de tratar de dar vida a los sueños. La razón por la que se quedan contigo no son las partes que ves claramente, sino las imágenes que permanecen fuera de tu alcance, tan reales pero imposibles de describir, un vapor que nadie más que tú conocías que estaba allí.

Crónica Cinéfila: De largometraje a...

En estos tiempos en los que el mundo está tan ocupado atendiendo la crisis del Coronavirus, hacer una película no es nada fácil. 

Así como muchos resaltan los retos financieros que viven muchas áreas laborales, la industria del cine ha sido una de las más afectadas. Las producciones cinematográficas se han detenido, los estrenos se han pospuesto y las salas de cine se mantienen cerradas con la esperanza de abrir con nuevas restricciones que cambiarán definitivamente la experiencia de ver películas en la pantalla grande. 

Pero detengámonos un momento en cómo afecta esto a quienes trabajamos en el "Development Department". Digamos que unos meses antes de que se desatara la pandemia, mi guión de largometraje había sido presentado a una productora que estaba en disposición de comenzar el proceso de pre-producción. Los contratos comenzaron a trabajarse y la euforia de ver mi guión en el cine se elevaba poco a poco. 

Cut to: COVID-19. 

La productora pospone todos los procesos con la promesa de volver a comenzar una vez todo se reestablezca. Pero la gran interrogante es: ¿cuándo todo volverá a la normalidad? Muchos expertos dicen que no hay garantía de que eso ocurra por un largo tiempo. Por lo que esto no significa que la película se ha pospuesto, sino que quizás nunca ocurra. Como guionista eso desanima bastante, pues uno no puede vivir de la promesa. Incluso nos recomiendan siempre que nos mantengamos escribiendo. Pero... ¿nos convertiremos en la biblioteca del WGA, acumulando guiones a la espera de que la industria se reestablezca?

No.

Definitivamente debemos seguir escribiendo porque la creatividad debe cultivarse con dedicación, pero que tu largometraje no se puede producir ahora mismo no quiere decir que no se pueda convertir en algo más.

Aquí les traigo cinco ideas de otras plataformas creativas que se pueden utilizar para traer a la vida tus guiones de películas:

• Una serie de cortometrajes

Si nos vamos por el librito, un guión debe tener 8 secuencias de 10 a 15 páginas (dependiendo el largo del guión), y cada secuencia tiene al protagonista tratando de alcanzar una meta específica que tiene como resultado el inicio de la siguiente secuencia. Si lo observamos desde ese punto de vista, usualmente un cortometraje es la 7ma secuencia de un largometraje, pues su confrontación final ocupa la mayor parte de la trama. Desde el punto de vista financiero, la producción de un cortometraje es más funcional y su resultado se traduce a mayores oportunidades de ser expuesto en la plataforma de festivales, pues estos son algunos eventos que no han dejado de ocurrir aún en la cuarentena. Por lo que, si tienes algún guión que quisieras producir ya, pero no tienes el presupuesto para hacerlo completo, haz uno o dos cortometrajes inspirados en este. De seguro que si es bueno y llega a festivales, atraerá algunos ojos de adquisición. Y ahí vendrá el largo.

• Una Serie Web

Si tu película tiene una estructura episódica, quizás la mejor opción sería crear una serie web. Usualmente es similar a una serie de TV, pero son más cortos (entre 10 a 15 minutos por episodio), y su transmisión es a través de plataformas digitales. El presupuesto será obviamente por episodios, pero si tienes un talento dispuesto, tendrás la oportunidad de crear algo que vaya a largo plazo mientras tengas contenido para seguir produciendo episodios. La mejor parte es que hay muchas plataformas gratis que te permitirán transmitirlo, como YouTube, Vimeo, Facebook e Instragram (IGTV), y con cada una puedes lograr ganancias dependiendo del crecimiento de tu serie web. Pronto hablaremos sobre cómo crear una serie web. Mientras tanto, puedes ir considerándolo.

• Una revista Comic

De pronto me dirán, "pero aún con un bajo presupuesto, no puedo hacer un buen cortometraje o serie web con el tipo de historia que tengo". La siguiente opción es convertirla en una serie de revistas comics. Actualmente existen comics de todo tipo de géneros y estilos por lo que, no importa la historia que tengas, te aseguro que si consigues un ilustrador o un artista gráfico, y lo adaptas a la estructura de un comic, lo podrías tener listo para publicación como una novela gráfica o como una saga de comics.

Algo interesante que debes saber si decides hacer un comic: puedes comenzar la distribución a través de Amazon Publishing. Solo debes enviarles el comic con su portada y contraportada, y dar las especificaciones que debe tener para impresión. Ellos lo publican en su página y una vez comience a venderse, recibes una comisión por venta. Lo sé... tentativo.

• Una novela escrita

Si tienes el tratamiento de tu guión a la mano, lo puedes publicar como un libro. Así como muchas películas salen de libros, podrías hacer lo mismo con tu guión; en esta ocasión, funciona a la inversa. Solo tienes que diagramar el texto en formato de libro, o simplemente dejarlo en un documento de Word y trabajar la diagramación con Amazon Publishing sin la necesidad de ir a una casa editora. Y es aún más fácil que publicar un comic pues el diseño no es tan complejo en términos de ilustración.

• Una radio novela

Concluyo con esta porque es para utilizarse en el último de los casos. Entiendo que escribiste un guión para verlo en la pantalla grande, pero a veces tenemos historias que no necesitan de la imagen para contarse sola a través de diálogos poderosos, por lo que una radio novela o un podcast episódico puede ser una buena opción para tu historia. El único presupuesto lo necesitarás en el talento que narre la trama, pues con las modernidades tecnológicas que tenemos a la mano, no es necesario ir a un estudio para hacerlo posible. 

Mi consejo final es que saques de la gaveta ese guión que querías producir o dirigir este año, y consideres realizarlo en otro formato. No abandones la historia porque no la pudiste llevar a la pantalla grande. Quizás el próximo año lo puedas hacer, pero mientras tanto, sácale provecho por otra vía.

Crítica Cinéfila: Birds of Prey

Después de separarse de Joker, Harley Quinn y otras tres heroínas (Canario Negro, Cazadora y Renée Montoya) unen sus fuerzas para salvar a una niña (Cassandra Cain) del malvado rey del crimen Máscara Negra.

Para una persona que no vio Suicide Squad, no le interesa ver películas de DC y no es fanática del género de la acción, Birds of Prey me entretuvo lo suficiente. El sacrificio no estuvo tan mal y los personajes me convencieron de que, independientemente de todo el mal karma que ha arrastrado esta franquicia de superhéroes en los últimos años, ellas no siguen los estereotipos tan al pie de la palabra... o no tanto como sus antecesoras, porque también tienen sus momentos exagerados.

Harley Quinn abre el telón narrando la historia, explicándonos que su relación con el Joker se acabó, pero que a ella le sigue yendo excelente. Mientras continúa embobando a la audiencia, vemos la realidad de una persona psicótica, dependiente del amor que necesita recibir de algún hombre, con daddy issues, y ahora temerosa de que, si alguien se entera de que su relación terminó, las venganzas que van en su contra comenzarán a caer como lluvia de verano. 

Pero a pesar de esto, cuando Harley Quinn (Margot Robbie), la vengativa villana "Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)", intenta romperle las piernas a alguien, lo hace con un cierto infierno que ni se puede explicar. Primero sucede en el club nocturno propiedad de Roman Sionis (Ewan McGregor), un señor del crimen de Gotham City, donde Harley, después de haber roto recientemente con el Joker, se está recuperando (no es que tenga un modo particularmente más restringido), probándola nueva identidad como un singleton desquiciado. El conductor de Roman intenta atraerla a un coqueteo vicioso llamándola "tonta" y "puta", y como cualquiera que conozca a Harley lo sabe muy bien, es la parte tonta lo que realmente le pica. Entonces ella salta de un escenario, chocando contra sus piernas extendidas. Eso no es solo un contraataque violento, es un momento feminista del siglo XXI.

Los movimientos de acción de rock and roll de Harley son rápidos, sueltos y fuera de control, ya sea que esté rompiendo extremidades entre disparos de bala o cargando a través de una estación de policía. Pero la mente de Harley tampoco deja de competir. Una ex psiquiatra que se cayó por un espejo roto cuando se enamoró del Joker y se unió a él en el inframundo, es un caso que parece ser en pleno control de su actual colapso mental. Al principio, ella cierra su relación fracasada con el Joker al enviar un camión de petróleo a una refinería química gigante y volarlo por las nubes.

La chispa inspirada de la actuación de Margot Robbie es un fenómeno total: con su cabello rubio platino dividido en coletas teñidas (una rosa, una azul), su cara adornada con tatuajes de un pequeño corazón negro y la palabra "ROTTEN", y esa sonrisa que ilumina la habitación con locura, es una sirena psicópata que se tambalea entre la venganza y el valor.

Harley, quien hizo su primera aparición en DC Comics en 1992, obviamente fue lo mejor de "Suicide Squad", el destartalado éxito de una travesura de la película de DC de 2016. Así que había muchas razones para esperar que construir una película completa a su alrededor valiera la pena a lo grande. "Birds of Prey" es una historia de origen de un equipo de superhéroes que rastrea cómo Harley, principalmente por pura casualidad, se une con una colección de inadaptados para formar un abigarrado equipo de superheroínas. Como película, es delgada, viva, ruidosa, descarada, divertida y olvidable. En todo caso, es una película más ajustada que "Suicide Squad", pero ha sido dirigida por Cathy Yan, con el mismo tipo de estética slapdash en la cara, intensificando los cómics en descarada sobremarcha. Harley eclipsó a sus camaradas infernales antes, y ella hace lo mismo aquí, aunque Mary Elizabeth Winstead, como la Cazadora que empuña una ballesta, tiene una implacabilidad feroz, fría y de gran tamaño que es lo suficientemente potente como para estar lista para spin-off.

"Birds of Prey" es la octava película del Universo Extendido de DC, así como la primera en ser clasificada como R, y después del fenómeno independiente de "Joker", es una película de cómics que no pretende ser, en un solo momento, lanzar un hechizo de asombro poético. Sin embargo, sigue siendo una gran novela de palomitas de maíz. "Wonder Woman" y "Captain Marvel" fueron películas de superhéroes femeninas que ofrecieron la potenciación de la fantasía sincera. "Birds of Prey" ofrece el poder de la irresponsabilidad absoluta. Las mujeres en esta película se ven más mal que las heroínas anteriores porque, en su mayor parte, simplemente no dan una... Pero sus actuaciones exageradas y líneas cuestionables no les quitan tantos puntos a su favor.

El guión, de Christina Hodson ("Bumblebee"), tiene actitud de sobra, pero de una manera bastante escueta. Se trata del desafío nihilista de "Deadpool", con un comentario de Harley que rompe la cuarta pared, y hay identificaciones de personajes descarados en la pantalla, como cuando Harley se descubre atacada por el conductor detrás de ella. Pero si el corazón (negro) de la película está en el lugar ácido correcto, "Birds of Prey" podría haber usado más de la intrincada inteligencia de "Deadpool". Las actrices que se unen para formar el grupo de Harley, como Jurnee Smollett-Bell como la cantante del club nocturno Black Canary, o Ella Jay Basco como la astuta Cassandra, tienen presencia de sobra, pero desearían que se les hubiera dado más para hacer.

Crítica Cinéfila: Spiderman Far From Home

Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones a Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda para frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker vuelve a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.

Todo el que se quedó con ganas de más después de Avengers Endgame, viene a Spiderman: Far From Home con expectativas bien altas. Y para mayores sorpresas, incluyendo las mías que no soy tan fanática de ninguna de estas películas, es una trama interesantemente bien construída, haciendo tres tipos de continuidades: la continuidad después del chasquido de Thanos y cómo estos jóvenes vuelven a seguir sus vidas; la continuidad interna para Spiderman, después de la muerte de Iron Man y cómo esto le ha afectado por la presión que muchos están poniendo en sus hombros; y la continuidad después de Homecoming, para algunos personajes que no veíamos desde aquel entonces.  Aquí se centra aún más en el protagonista Peter Parker.

Sin depender de sus películas anteriores, esta es un triunfo particular, una explosión de adrenalina y emociones que les hace honor y envía la historia de MCU de maneras memorables e incluso conmovedoras.

Far From Home retoma la historia donde Endgame la dejó, tanto abordando algunas de sus preocupaciones de la historia como procesando algunas de sus grandes emociones. La muerte de Tony Stark se está sintiendo en todo el mundo, ya que los recuerdos espontáneos surgen en forma de todo, desde murales estilizados y santuarios urbanos hasta videos cursis de YouTube. Peter Parker (Tom Holland) ha sido particularmente golpeado por la muerte de su mentor y por el sentimiento de que espera no solo continuar sin él, sino también estar a la altura de su legado e incluso reemplazarlo de alguna manera en los Avengers, claramente procesando un poco de trauma por lo que pasó. Pero él está listo para tomarse un descanso de la vida de superhéroes y volver a ser un adolescente por un tiempo.

Endgame restauró a la gente que Thanos chasqueó, pero el mundo tuvo que adaptarse a su abrupta reaparición después de cinco años. Far From Home aborda las ramificaciones solo de la manera más breve y cómica, pero es claramente un telón de fondo para el mundo que Peter vuelve a entrar, donde algunas de las personas en su escuela secundaria han envejecido cinco años, mientras que otras son exactamente como eran antes del "Blip", como se le hace llamar ahora a la brecha. Afortunadamente para Peter, al parecer, todos sus seres más cercanos y queridos, incluida su tía May (Marisa Tomei), su mejor amigo Ned (Jacob Batalon) y su crush MJ (Zendaya), fueron destruidos y permanecen intactos desde su regreso a casa. Tiene la oportunidad de continuar donde lo dejó, especialmente cuando su clase de ciencias se dirige a un viaje de estudios europeo donde espera poder pasar tiempo con MJ.

Desafortunadamente para sus planes, hay un nuevo héroe en el mundo: Quentin Beck (Jake Gyllenhaal), un viajero interdimensional cuya Tierra alternativa fue destruida por misteriosos elementos furiosos. Esas criaturas ahora están apareciendo en la Tierra de Peter, y Nick Fury (Samuel L. Jackson) quiere que él ayude a Quentin (inmediatamente apodado Mysterio por los compañeros de clase de Peter) a luchar contra ellos antes de que destruyan todo. Al igual que en Homecoming, donde Peter estaba dividido entre una aproximación de una vida normal y sus grandes responsabilidades percibidas como héroe, quiere que Quentin se encargue del problema para poder tener un poco de tiempo con MJ. Pero eso resulta poco práctico por varias razones, incluido el hecho de que los elementales y su viaje de clase siguen chocando por razones cada vez más divertidas.

Cualquiera que esté familiarizado con los personajes de Spiderman tendrá alguna idea de a dónde va todo esto, pero les será más difícil anticipar el puro entusiasmo en que se desarrolla. Los escritores Chris McKenna y Erik Sommers (Spiderman: Homecoming, Ant-Man and the Wasp y The Lego Batman Movie) se inspiran directamente en algunas ideas que presentaron en Homecoming, particularmente que Tony Stark, mientras que era un héroe para el mundo, sigue siendo un villano de los ojos de otras personas. Se basan en las primeras películas de MCU para desarrollar su historia de fondo de manera que los fanáticos de MCU se emocionen con cada segundo de la trama.

La historia parecerá lígera de digerir, pero las motivaciones de sus personajes son internas y constantes. Se mueve entre las bromas de cómics y los grandes escenarios de acción. Pero aquí, el momento cómico parece particularmente agudo, con la frustración abierta de Peter, la desdicha ocasional y la ingenuidad encantadora. Gyllenhaal, de manera similar, ofrece un rendimiento agudo y conocedor, la mitad de la modestia del alma, la mitad de algo completamente distinto. Parece que otro actor con gran talento lo considera como un héroe genérico, hasta que la película le pide más, momento en el que su versatilidad entra repentinamente en juego.

Pero los ritmos de acción de Far From Home también son impresionantes, aunque las habilidades de Spiderman para balancearse desde telarañas y su superfuerza no son muy útiles contra monstruos hechos de agua o fuego. Tiene que ser creativo para luchar contra ellos, y la creatividad de las peleas se convierte en uno de los activos más entretenidos de la película. En particular, el conjunto de poder específico de Mysterio permite algunas secuencias que realmente logran rivalizar con Spider-Verse para obtener un efecto vertiginoso y creatividad visual. Las películas de MCU generalmente se mueven rápido y desafían a los espectadores a mantenerse al día, pero el director Jon Watts (Homecoming) confía en la audiencia para procesar un mundo en constante cambio que pasa a la velocidad del rayo y capta lo que es importante en un paisaje en constante cambio. Los mismos elementos de la trama que le permitieron jugar con el espacio y el ritmo también le permitieron dibujar la historia de Spiderman en estas películas, convirtiendo la película en un sistema de recompensas para los fanáticos de ojos entusiastas que recogen referencias como si fuesen huevos de Pascua.

Pero incluso para las audiencias que no vienen de ese tipo de perspectiva de MCU nivel experto, Far From Home es una película sorprendentemente efectiva y emocional. El anhelo de Peter por MJ, por una vida normal y por una oportunidad de pasar unas vacaciones tranquilas a lo largo de la película permite muchas bromas y mucha presión emocional. Pero su dolor por perder su figura paterna y su temor de que no esté a la altura del desafío de llenar las botas robóticas de Tony Stark, le da a la película su verdadera espina emocional. Es como una sesión de terapia grupal gigantesca para los fanáticos de MCU, pidiéndoles que procesen la pérdida de su superhéroe favorito después de una década de verlo alegremente abrirse camino a través de una serie de películas ganadoras. La pérdida de Peter es más personal y más profunda, pero sigue siendo los ojos de la audiencia, y el momento inevitable en el que se presenta es como una promesa solemne de que MCU no depende de un único talento.

Hay un gran momento en Far From Home donde el asistente de Tony, Happy Hogan (Jon Favreau) mira en silencio mientras Peter se acerca a uno de los antiguos fabricantes de Tony y comienza a marcar a través de los elementos holográficos del traje, luciendo un nuevo atuendo. Happy no dice nada al respecto, solo sonríe con una sonrisa pequeña y melancólica, reconociendo claramente el comportamiento y recordando al último hombre que vio hacer lo mismo. 

En pocas palabras, esta película es un reconocimiento de las pequeñas emociones en medio de grandes momentos, un recordatorio de la continuidad cada vez mayor que ha hecho que estas historias sean tan memorables y tan satisfactorias para los fanáticos, y un momento para la pena entre los ritmos de acción. Es una pequeña pausa hermosa en una película bellamente grande. Es una película sin aliento y admirablemente bien ensamblada que prueba que la fórmula de Marvel todavía no está cansada, pero también es un nuevo inicio para más de una década de crear sentimientos poderosos en torno a héroes poderosos.

Crítica Cinéfila: MIB International

Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a su mayor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización MIB.

Aquí vienen los Hombres de Negro, pero no los que recuerdas. "Men in Black: International" de Gary Gray, una secuela de la exitosa franquicia sobre burócratas humanos que gestionan los servicios de inmigración interestelar en la Tierra, tiene un elenco y un estilo completamente nuevo, pero sin ninguna novedad en sus ideas.

La adaptación original de Barry Sonnenfeld en 1997 de la serie de Malibu Comics "Hombres de negro" fue uno de los éxitos de taquilla más inesperados de los años noventa. La mitad de la película fue una exposición directa pero divertida, por lo que a nadie le importó. Excéntrico e inteligente, negándose firmemente a participar en una secuencia de acción cada vez que una conversación extraña lo haría, la película era un raro faro de ingenio en un terreno baldío de espectáculos sin escrúpulos.

Pero después de dos secuelas, la franquicia "Men in Black" nunca evolucionó del todo. Lo que comenzó como una metáfora puntiaguda para Estados Unidos como un crisol de culturas dispares se convirtió en un vehículo estrella débil para Will Smith y Tommy Lee Jones, y luego un vehículo estrella mediocre para Will Smith y Josh Brolin (interpretando una versión más joven de Tommy Lee). El suministro aparentemente ilimitado de material atemporal y tópico que fue objeto de burlas en la película original se agotó. Casi inmediatamente.

Y así una vez más regresamos por "Men in Black: International", una nueva entrada más ligera que el aire en la serie. Tessa Thompson y Chris Hemsworth, reunidos después de "Thor: Ragnarok" y "Avengers: Endgame", son los Agentes M y H, y tendrán que superar sus personalidades en conflicto para encontrar un misterioso dispositivo alienígena que podría amenazar con el universo.

Se acabó el comentario social, ya sabes, "el punto", y en su lugar se encuentra la súper aventura de espionaje de ciencia ficción trotamundos, vacía pero entretenida, y transmitida casi exclusivamente por los encantos multimillonarios y atrayentes de sus estrellas.

Thompson interpreta a Molly, a quien los Hombres de Negro borraron los recuerdos de su familia después de un encuentro extraño con un alienígena, pero no de ella, por lo que ha pasado toda su vida tratando de encontrar al MIB. No para exponerlos, sino para alistarse. Después de burlar a la organización e impresionar a la Agente O (Emma Thompson), Molly es contratada en forma probatoria y estacionada en Inglaterra como Agente M. Su nuevo compañero es H (Hemsworth), quien salvó el mundo hace unos años y desde entonces ha estado aprovechando los caprichos de ese único éxito. H es irresponsable y un poco inepto, pero es un infierno de animales de fiesta, así que cuando un dignatario alienígena visitante viene a la Tierra en busca de pasar un buen rato, el MIB le da el puesto de chaperón.

Cuando unos asesinos matan al alienígena que debía proteger, y justo antes de morir le da a M una misteriosa caja de rompecabezas y una advertencia de que MIB podría estar en peligro, M y H se encuentran solos, viajando por el mundo y entrando en una secuencia de acción emocionante tras otra, en un lugar atractivo tras otro.

En caso de que no estuviera claro, Hemsworth interpreta la versión de James Bond de "Men in Black". Es apuesto y encantador, y bueno en un rasguño, pero es terrible con el protocolo, demasiado ansioso por recurrir a la violencia y un coqueteo sin esperanzas. Mientras tanto, M tiene su momento de novata, pero rápidamente se encuentra escalando caras escarpadas mientras se viste como Ethan Hunt, y luego se enfrenta a Rebecca Ferguson, jugando con una versión de realidad alternativa de Ilsa Faust.

La estética realmente encaja. "Men in Black" siempre parecía haber comprado sus sets de segunda mano en un Trift Shop de películas, y los héroes siempre eran demasiado geniales para tomar en serio la acción. "International" toma el diseño de producción del original "Men in Black" y lo lanza sobre un thriller de espías matinal de la vieja escuela. El director de fotografía Stuart Dryburgh ("Ben is Back") le da a la película una estética de viaje brillante y seductora, y el compositor Chris Bacon ("Sherlock Gnomes") le da a Danny Elfman la versión original de "Men in Black".

Una cosa es segura: Gary Gray sabe cómo hacer éxitos de taquilla afables y efectivos. Lo hizo antes con "The Italian Job" y "The Fate of the Furious", y lo está haciendo de nuevo ahora. "Men in Black: International" es casi un simpático enfrentamiento, como si el deslumbrante reparto y la ágil dirección te desafiaran a encontrar un defecto. Este es un entretenimiento de ciencia ficción sencillo y encantador para (casi) toda la familia. ¿Qué más podrías querer?

Sin embargo, y a pesar de que Gary Gray puede aportar aún más a una película cuando lo desee, y el director de "Straight Outta Compton" parece haberse resistido al impulso en esta ocasión. Thompson y Hemsworth son eléctricos, pero no tienen nada significativo que decirse, y la trama de la película sobre superarmas y topos en el MIB es bien anticuado, hasta el punto de que es casi totalmente irrelevante para el día de hoy.

En un mundo donde los problemas de inmigración están a la vanguardia del panorama político, lo que más se puede decir de MIB sobre el tema, que es, de nuevo, la premisa fundamental de toda la franquicia, es que a veces los extranjeros son buenos y algunas veces son malos. Y cuando son malos, es bueno que los buenos tengan armas de energía gigantes. Aparentemente. No parece haber sido pensado muy bien. La película carece de ambición o profundidad, pero es divertida y abundante, lo que demuestra que Tessa Thompson y Chris Hemsworth son dos de las estrellas de cine más agradables de la galaxia.

Puedes lanzar "Thompsworth" en una película educativa sobre el aserrín, y todavía encontrarán la manera de hacerlo fabuloso. Póngalos en una película con un diseño de producción elegante, acción divertida y un guión altamente convencional, y obtendrán un tratamiento de verano verdaderamente agradable, aunque superficial.

Crítica Cinéfila: Brightburn

El matrimonio formado por Tori (Elizabeth Banks) y Kyle Breyer (David Denman) siempre ha querido tener un hijo, cuando reciben un niño como milagro de las estrellas. El problema surgirá cuando el niño descubre sus habilidades especiales y el mal comienza a crecer dentro de él.

¿Qué pasaría si un niño de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad en realidad ha venido para destruirla? Aunque la premisa contrasta bastante con la de uno de los superhéroes más populares, lo que realmente mortifica/motiva a muchos es el hecho de ver el lado oscuro de lo que Superman pudo haber sido.

La historia gira en torno a los Breyer y su hijo Brandon, un niño que siempre ha sido aislado por los jóvenes de su edad, debido a su actitud tan solitaria y su inteligencia sobreexpuesta. Tori y Kyle, quienes dicen haber adoptado a Brandon cuando era un bebé, no le permiten entrar al granero, con miedo a que un día descubra el meteorito donde realmente lo encontraron. Una noche, una voz misteriosa le habla a Brandon, haciéndolo caminar entre sueños hasta el granero donde trata de forcejear la portilla que esconde el meteorito. Su madre lo encuentra justo a tiempo y lo regresa a su cama, pero a partir de esa noche, la misma voz lo sigue guiando a encontrar el meteorito y descubrir las habilidades increíbles que él posee. Es un niño brillante y hermoso, pero como suele ser el caso, incluso con los jóvenes humanos normales, es cuando llega a la pubertad que las cosas empiezan a ir terriblemente mal.

Al principio, los fenómenos extraños podrían atribuirse a algún tipo de trastorno mental, como cuando Brandon de 12 años, ahora cae en misteriosos trances. Pero cuando accidentalmente lanza un cortacésped de 100 yardas a través de un campo, Brandon se da cuenta de que es muy diferente. O, como él lo pone siniestramente, es "especial". En medio de su reciente descubrimiento, Brandon se ve aún más juzgado por quienes lo rodean y Brandon no está interesado en usar sus poderes para el bien, sino en causar estragos en cualquiera que lo "ataque" de manera incorrecta. Él sacrifica los pollos de la familia en su corral, aplasta la mano de una compañera de clase después de que ella reacciona mal a su aparición inesperada en su dormitorio, y cuando la madre de la niña amenaza con encerrarlo, las cosas no terminan bien para ella. En el camino, los padres cada vez más horrorizados de Brandon descubren un montón de dibujos inquietantemente espeluznantes debajo de su cama que prácticamente gritan "joven asesino en serie".

La película, escrita por Brian Gunn y Mark Gunn (el hermano y el primo de James, respectivamente), no ha perdido el tiempo en el desarrollo de personajes matizados o la textura narrativa. En lugar de eso, va bien con las jugosas cosas cuando Brandon comienza a arrasar con la población local en escenas horriblemente violentas que presentan, entre otras visiones repulsivas, un fragmento de vidrio que se retira lentamente del globo ocular de una persona y una mandíbula casi cortada. O, para hablar el idioma de los fanáticos del horror, lo bueno.

Si bien no es exactamente original, la premisa es ciertamente lo suficientemente efectiva. Pero Brightburn carece de la estilización visual o el ingenio para elevarlo del reino de la película B crudamente efectiva. Los cineastas no parecen tener control sobre los poderes de su personaje principal, que incluyen volar, fuerza sobrehumana y rayos láser letales disparándose de sus ojos. Cuando realmente se siente malvado, Brandon se pone una máscara, que aparentemente tiene la intención de dar miedo, pero en realidad lo terminan ridiculizando.

A medida que el alboroto de Brandon avanza, "Brightburn" se aleja de sus mejores ideas, como las personas que parecen saber que hay algo extraño en él, la gran incapacidad de su madre para llegar a un acuerdo con quién es realmente, o incluso las implicaciones globales de lo que Brandon cree que ha sido enviado a hacer, empujando aún más crímenes llamativos, crujidos de huesos, atados con fuego y una serie de alarmas cada vez más baratas.

Pero lo aún más decepcionante es el personaje de Brandon en sí. Que la imagen funcione en la medida en que lo hace es en gran parte gracias al excelente desempeño de Dunn, de 16 años, en lo que podría ser su papel destacado. El joven actor, que se parece a un adolescente Cillian Murphy, muestra una intensidad tan fascinante y espeluznante que logra vender incluso los momentos más extravagantes de la película. Sin embargo, es difícil determinar sus emociones o incluso sus reacciones a lo que acaba de hacer, por lo que es aún más difícil descifrar en qué momento él decidió usar estos poderes para hacer el mal. 

Y así como no se entiende a Brandon, no se entienden sus padres, que entre malos consejos sobre su sexualidad y una completa ceguera sobre la culpabilidad que tiene Brandon en cada uno de los ataques que van ocurriendo a lo largo de la historia. Banks realiza su sólido trabajo habitual cuando la madre decidida a proteger a su hijo incluso cuando la evidencia se acumula en su contra, pero es difícil no pensar que ya ella está por encima de este tipo de material.

El terror está generado, ¿y si un extraterrestre espacial súper fuerte se estrellara contra la Tierra y quisiera matar a todos? Ahora esa es una idea, pero "Brightburn" no se contenta con dejar que ese concepto perverso haga su magia. En conclusión, termina siendo otra película de terror con un antagonista bastante obvio que nadie quiere notar.

Crónicas de California: Escribir comics

Si creciste en Santo Domingo entre los años 90 e inicios del 2000, tu niñez se basó en novelas para niños, muñequitos de ciencia ficción y Al Compás. Este último era parte importante de mis sábados: una revista para niños con contenido educativo que incluía strips de comics en sus últimas páginas. Yo siempre iba directamente a los comics, que normalmente eran aventuras de Batman, Spiderman o Superman. Esta fue mi primera experiencia con los comics de acción.

Nunca he sido una gran fanática de las películas de Marvel o de DC, debido a que he leído los comics y siempre he reconocido que la experiencia nunca será igual, independientemente de que las adaptaciones siempre tienen cambios o que no es el mismo formato. Simplemente no será lo mismo para mi: siempre voy a preferir los comics. Pero a medida que pasan los años y leo más comics, me he alejado de los de acción y he encontrado cierto comfort en otros: fantasía, drama, comedia e incluso terror. Entre los libros y los comics han sido muchas las lágrimas que he derramado. 

Cuando comencé esta maestría, lo que menos esperaba es que mi niñez se convertiría en una de mis áreas de trabajo. ¡Los guionistas son también productores de comics! Y mucho campo que hay para este tipo de trabajo debido a que es bien "freelance". Pero lo que más me ha sorprendido es la cantidad de personas que siguen pensando que los comics son solo para niños... ¡Pues déjenme decirles que no! Están para todo público, desde los más infantiles hasta aquellos con gráficas de contenido para adultos. 

Los comics son un mercado seguro de producción porque siempre tendrá audiencia. Pero aún más importante, siempre tendrá escritores. Y aquí les comparto por qué:

1. No necesitas un programa en específico para escribir comics: Si tienes word, Pages e incluso las notas, puedes hacer un guion para comics. Sí tiene una estructura y estilo en específico, pero esto no es impedimento de programas, sino más un estilo preferencial por muchos guionistas. Lo más complicado siempre será encontrar un artista o ilustrador.

2. La gran variedad de géneros: Al igual que las series de televisión, las películas y hasta los videojuegos, los comics tienen toda una variedad de géneros y estilos. Los más populares son los de superhéroes, pero también están los dramas y romances, como Local y Play Ball; de terror, como The Walking Dead; de fantasía, como The Hunt; de thriller, como Collin Hill; manga, como Spirited Away y Blue Exorcist; los strips como Mafalda, Garfield y Peanuts; y así continúa la lista. Un dato importante es que los comics se clasifican en miniseries, novelas gráficas, manga, strips y series continuas. Yo he encontrado cierta comodidad escribiendo el mismo estilo que escribo en guiones para cine y TV: thrillers, dramas o comedias negras. 

3. El lenguaje se adapta a la audiencia: Sí, hay muchos comics para niños, pero así también hay muchos para adultos. Ninguno de los comics que yo leo los podría leer un niño, por el contenido adulto y los gráficos que posee. Uno de mis favoritos se llama Sex Criminals, sobre una pareja que cada vez que están teniendo relaciones sexuales, el tiempo se detiene... exacto.

4. Su publicación es mucho más fácil: Debido a que los comics tienen un mercado muy específico, hay publicistas que son exclusivamente para cómics. Además de Marvel y DC, también están IMAGE, Dark Horse y Top Shelf. Y si no lo puedes imprimir, también está la opción de venderlos online con Amazon Publishing, Tumblr y Liberty Hill Publishing.

5. El guionista controla todo: Los guionistas hemos sido excluidos de todas las áreas donde entregamos un guión... con excepción de los comics. Este es el único espacio donde verdaderamente controlamos todos los aspectos de la producción del comic, desde cómo se verán los dibujos/paneles, el arte de los personajes, los diálogos finales y hasta los colores.

Actualmente estoy escribiendo mi primera miniserie de cómics, la cual se estará publicando el próximo año. Lo que más me emociona es que es un trabajo que estoy haciendo en conjunto con mi hermana y ¡que parte de mi primera franquicia! Pero eso es una conversación para otro día.

Venom

Tras haber perdido su trabajo y su relación, tratando tratando de revelar los experimentos de la poderosa Fundación Vica, Eddie Brock termina como el huesped de un extraño organismo alienígena llamado Venom. 

Marvel habrá colaborado, pero se le olvidó ser parte de la mesa de guionistas, y el resultado es un producto final que, sin importar cuantas taquillas ha vendido alrededor del mundo, es mediocre tanto en personajes como en narrativa.

Como periodista, Eddie Brock lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake, una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne. Al investigar uno de los experimentos de Drake, un ente alienígena  que se hace llamar Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más.

Lo peor no es que 'Venom' pueda hacer todo lo que dice poder hacer sin dejarse estorbar por obstáculos en escena (como la lógica, la lucidez, los personajes); es algo normal para su público potencial. Lo peor es que no resulta ser el espectáculo suficiente para compensar toda la estupidez narrativa que trata de ocultarse detrás de efectos especiales maquillaje digital y la cara bonita de Tom Hardy. De paso, el hecho de que la historia se relaciona a Life (2017) hace que pierda mucho más sentido del que no tiene.

El primer defecto de esta película es el miserable desarrollo de personajes, el cual pretendía darle libertad a los actores para hacer con ellos los que le plazca, pero dado a la poca información junto con las líneas llenas de clichés sobre superhéroes y villanos, desaprovecharon en su totalidad a un elenco que pudo haber salvado la historia completa, y que conste que la culpa no la tienen Tom Hardy y Michelle Williams.

Un problema importante en este desastre cinematográfico es que Eddie aparece como un tonto, un imbécil ansioso que no convence como un periodista que supera los límites o alguien que puede superar a un titán de la tecnología. Independientemente de sus defectos como periodista o compañero, el personaje necesitaba un depósito profundo de inteligencia e ingenio que no se puede detectar en ninguna parte.

Sin embargo, algunos actores tampoco parecen haber sido los más indicados para sus roles, como es el caso de Riz Ahmed en el papel de Carlton, quien (seamos bien honestos) no llenó los zapatos del villano, se sintió muy forzado, y de paso las líneas extremadamente clichés no le ayudaron. Pero la culpa la tienen los guionistas. Desafortunadamente, la fórmula de Marvel sigue siendo la misma que la habitual, e incluye la doble identidad de un genio emprendedor como hombre de ciencia y un monstruo secreto con planes grandiosos. El potencial de la trama de Drake parece claramente poco convincente, incluso para los estándares de Marvel.

El mayor esfuerzo cerebral lo hicieron con Venom, donde agotaron cada neurona existente y lo hicieron un antihéroe que, no solo resulta interesante, sino más completo que el resto del elenco estelar. Ni siquiera el personaje de Tom Hardy le llega al mismo nivel. Lo único que resulta extremadamente poco creíble es el cambio repentino a querer quedarse en el mundo y hacer "bien". No obstante, sí hay que reconocer que la química entre Eddy y Venom es donde la audiencia invierte más gozo, y es la que mejor funciona de toda la película.

En un momento en que el universo Marvel se está expandiendo de forma aventurera y envolviendo otras historias, Venom se siente como un retroceso. En parte, esto se debe al hecho de que, como historia de origen, esta carece de memoria y poca imaginación. Además de eso, la escritura del guión le mata los demás aspectos. La película parece un imitador y un aspirante a algo grande que no alcanzó a ser ni siquiera en los últimos minutos de la misma.

Entretiene, es verdad, pero no es una película del calibre de los grandes de Marvel debido a la poca inversión de tiempo en la historia, más un elenco que no conectó a profundidad con sus personajes. A Venom que le hagan otra película, donde él sea el único personaje de la historia. Creo que resultará mejor.

Teen Titans Go! To the Movies

Cuando los Jóvenes Titanes se enteran de que otros superhéroes de DC han realizado sus propias películas, estos buscaran encontrar en un viaje épico un director perfecto para su debut en la gran pantalla, pero un viejo enemigo tiene otras ideas planeadas para ellos. (FILMAFFINITY)

¿Cuanto tiempo ha pasado desde que DC hizo una película buena y divertida a la vez? Quizás lo suficiente para decir que Teen Titans Go! es la que por fin logra realzar el título de esta marca. Los jóvenes superhéroes de DC Comics llegan a la gran pantalla para salvar nuestra perspectiva del Universo de DC. 

Producida por el equipo de animación de Warner Bros., Jóvenes titanes en acción parte del deseo de un grupo de superhéroes marginales de conseguir a toda costa una película propia. Este grupo adolescente de superhéroes, que comparte piso y vive toda clase de cómicas y alocadas situaciones, está formado por Robin, el líder de los Jóvenes Titanes; el medio-humano y medio-robot Ciborg; Raven, una chica mitad-humana y mitad-demonio que posee oscuros poderes místicos; Beast Boy, un héroe que se transforma en todo tipo de animales; y Starfire, una princesa Tamaraniana con una fuerza similar a la de Superman. 

Claro que los jóvenes Teen titans, especialmente Robin, sueñan con convertirse en estrellas de Hollywood. Pero, en un momento en el que se están haciendo películas de todos los superhéroes posibles, a ellos no les tienen en cuenta por no tener suficiente experiencia. Mientras, un villano está poniendo en práctica un plan para la dominación del mundo. ¿Podrán los Jóvenes Titanes derrotar a su archi-enemigo y de paso conseguir el estrellato?

Como en la serie de Cartoon Network, Robin y compañía se ríen de sí mismos y de los superhéroes en general. Los personajes logran la misma esencia que ya los habían dado a conocer en su serie de televisión, y deciden irse a un extremo más alto burlándose de los superheroes que dicen ser mejores que ellos. Es interesante ver cómo los Teen Titans, quienes algunos han sido "sidekicks" de otros superhéroes, toman las decisiones más extrañas para lograr su cometido (SUPER SPOILER: los Teen Titans deciden regresar al momento que les cambió la vida a quienes hoy son superhéroes, pero al ver el caos que esto provoca en el presente, deciden volver al pasado).

El mismo equipo de creadores, directores y productores de la serie se hacen cargo de la película, que mantiene las características del dibujito animado de la televisión. En pocas palabras, la sinvergüencería ante todo. Es muy similar al tono de Deadpool, pero con un humor apto para todo público: sin doble sentido, violencia ni palabrotas. 

Con una estructura narrativa que fluye con naturalidad y chistes para todas las edades, la película no sacrifica la emoción en virtud del distanciamiento irónico, sino que elude la seriedad para volver a pensar en el universo de héroes y villanos como el mejor y más fascinante de los juegos. Mientras el guión es uno de los elementos mejor desarrollados de la película con las mejores referencias del pop culture, clásicos de Warner Brothers y los tiempos en que los comics de superhéroes se hicieron famosos, además de las constantes alusiones al propio Deadpool y un par de “cameos” de Stan Lee.

Lo que hace de esta película un verdadero entretenimiento es la insistencia de estos superhéroes por burlarse de ellos mismos y de todo lo que les sucede durante la historia, sin olvidar la música pegajosa que hará que toda la audiencia salga del cine tarareando cada una de ellas. Go go Teen Titans!

Deadpool 2

Wade Wilson (Ryan Reynolds), mejor conocido como Deadpool, regresa con la misión de salvar a un chico llamado Russell (Julian Dennison) de las manos de un poderoso rival llamado Cable (Josh Brolin). Para dar cumplimiento a su tarea el antihéroe formará un grupo al cual pondrá el nombre de X-Force. (FILMAFFINITY)

Conocí a Deadpool recientemente porque nunca tuve la oportunidad (ni el interés) de ver la primera película. La idea de un superhéroe que resulta ser un antihéroe, y a parte es mutante, no me atrajo tanto en su primer momento de gloria. Pero con toda la promoción que le han dado a esta segunda entrega, no podía volver a ignorarlo. 

Sí, ya vi la primera, la cual es una película muy de "origen" y de entender quién es Deadpool; pero la segunda tiene mucha más personalidad y está mejor trabajada.

Mientras Deadpool (2016) habla sobre la persecusión tras Francis, quien fue el responsable de que él terminara como un mutante; Deadpool 2 (2018) trata de su vida después de este enfrentamiento y cómo se ha convertido en un "héroe" a su manera. Pero todo cambia cuando le arrebatan lo único que él valora. A partir de ese instante, decide convertirse en una especie de X-Men, y proteger a otro mutante llamado Russell, quien es buscado por Cable, un viajero del tiempo que quiere asesinarlo para evitar los desastres del futuro que Russell causa. 

La personalidad de Deadpool la conocemos: a pesar de sus ridiculeces y niñadas, pelea de manera incansable como un profesional; no obstante, los guionistas se tomaron su tiempo y profundizaron más en los complejos y debilidades del personaje para crear a un antihéroe aún más interesante y completo. Deadpool no es ese villano de villanos que conocieron hace dos años, y ya no se trata de aceptación de su físico; él tiene sentimientos y procura demostrarlos en cada acción y parodia que hace.

Pero además de Deadpool, hay que reconocer el resto de los personajes introducidos en esta película, que no solo le dieron color y más momentos de risas, sino que demostraron la mejoría en el desarrollo de sus personalidades y en el objetivo que cada uno representaba para la historia, resaltando a Russell, quien da un cambio totalmente inesperado durante la historia, y Cable, que terminó siento el villano que nadie se imaginó, ni siquiera los que anticipaban el inicio de un mini-Thanos.

A pesar de que la historia sigue la misma estructura que la primera película: Deadpool inicia con una narración de por qué está allí, comienza su misión, hace un pequeño grupo de contraátaque, y al final se sale con la suya. No obstante, esta estructura funciona mejor en su segunda entrega. La historia está más concentrada y definida hacia un objétivo lógico de Deadpool; ya no se trata de una aventura a ver qué pasa, sino un plan para definitivamente conseguir salvarle la vida a una persona.

Por otro lado, mantiene en esencia los aspectos estructurales y de diseño que hicieron de la primera entrega tan única: como el intro de la película (haciendo honor a Spectre -James Bond-), las escenas slow-motion de batalla (que se agradecen muchísimo para ver en detalle las barbaridades de Deadpool), su relación complicada con Colossus, la burla a Wolverine y autobullying a Ryan Reynolds. Hay que resaltar las escenas post-crédito, en las que no se trató de un adelanto de otra película, sino más de las locuras de Deadpool, con puntos que ya él mismo había dicho durante la trama.

Otro aspecto que retoma de la primera es la banda sonora inspirada en música de los 80, que hacen contraste con las locuras de Deadpool y todo lo que acontece de por medio, complementada a la perfección con la dirección de fotografía haciendo honor a la línea establecida por la película anterior.

Sin dudas, esta versión es mucho más entretenida, pero sobretodo más centrada que su antecesora. Tiene comedia, drama, sangre por todos lados y más razones para enamorarse de Deadpool y cogerle cariño a todas sus maldades. El, al final, termina siendo el chico bueno.