Crítica Cinéfila: Leave the World Behind

Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona. 

Escuchaba por la radio a un comentarista que decía que este es el tipo de películas que amas u odias. Desconozco la cantidad de personas que realmente disfrutaron esta película... pero yo me incluyo en esa misteriosa lista. Quizás es una fórmula cinematográfica que no le funcionará a los que no entienden las historias de doble sentido, donde se explora los distintos puntos de vista de los personajes con la moraleja final del "te lo dije", pero es un estilo que con el tiempo se ha ido acentuando bastante bien, logrando grandes películas, y que poco a poco será mejor interpretado por la audiencia, si esta aprende a tener paciencia mientras observa una historia como esta.

Es una mañana luminosa y soleada. Julia Roberts, como Amanda, una ejecutiva de publicidad de Nueva York, mira por la ventana de su dormitorio en un apartamento de Park Slope y le cuenta a su marido Clay (Ethan Hawke), un tranquilo profesor universitario que todavía está en la cama, sobre cómo contemplar el amanecer y ver tantas personas que comienzan su día, decididas a hacer algo de sí mismas, hacer algo de nuestro mundo. "Me sentí muy afortunada de ser parte de eso. Entonces recordé cómo es realmente el mundo y llegué a una conclusión más precisa: Odio a la gente”.

Esta es la salva inicial del thriller psicológico mordazmente efectivo e impresionantemente desconcertante del escritor, productor y director Sam Esmail, "Leave the World Behind", que incluye comentarios agudos y precisos sobre teorías de conspiración (que podrían no ser teorías) sutiles y no tan sutiles, divisiones raciales, la dependencia casi total de la tecnología que existe actualmente y el hecho de que ahora se tiene una generación entera de jóvenes que realmente no entienden qué es una “reposición”.

Adaptando la novela homónima de 2020 de Rumaan Alam, el talentoso Esmail, que anteriormente trabajó con Roberts en las series de televisión “Homecoming” y “Gaslit”, ha creado un drama tenso, en ocasiones oscuramente divertido pero en última instancia aleccionador, de construcción lenta y con ecos de todo, desde cierto episodio clásico de “The Twilight Zone” hasta la película de 1983 “Testament” y las películas de 2022 “Gone in the Night” y “Alone Together”. Es el tipo de película en la que sigues pensando en lo que uno haría en las situaciones que se les presentan a los personajes principales, mientras la vida tal como la conocen parece desmoronarse de manera permanente.

Después de ese revelador monólogo, Amanda y Clay y sus hijos Archie (Charlie Evans) y Rosie (Farrah Mackenzie) se van a unas vacaciones espontáneas a la idílica aldea de Point Comfort en Long Island, donde se instalan en una hermosa y moderna casa en expansión para pasar una escapada muy necesaria. Al principio, todo parece soleado y luminoso, pero con la música siniestra y contundente de Mac Quayle marcando el tono, las cosas rápidamente se vuelven inusuales.

Mientras la familia descansa en la playa, un enorme barco petrolero se acerca, como el tiburón de “Jaws”, y no se detiene hasta que se adentra en la playa. Mientras va a comprar comida, Amanda ve a un hombre de aspecto hostil (Kevin Bacon) que está llenando la caja de su camioneta con artículos básicos de supervivencia. El servicio de Wi-Fi y teléfono se suspende de repente, para consternación de la joven Rosie, que está obsesionada con “Friends” y estaba a punto de ver el final de la serie, muriéndose por saber si Ross y Rachel terminarán juntos (al parecer también Rosie no parece darse cuenta de que su madre tiene un sorprendente parecido con la estrella de cine Julia Roberts, quien apareció como invitada en el famoso episodio de "Friends" titulado "The One After the Superbowl"). Al buscar noticias en la televisión, lo único que encuentran es una pantalla de “Alerta de emergencia no reconocida” en cada canal. Pero esto no es una prueba.

Hasta ahora, muy lento. Ese es el modelo que Shyamalan estableció para este género (llamémoslos thrillers lentos de “muerte por pavor”) en el que provocar gradualmente a personalidades aterradoras durante dos tercios de la película alienta nuestra imaginación a hacer la mayor parte, pero no todo, del trabajo. Ya entrada la primera noche de vacaciones, llaman a la puerta y allí están un tal GH “George” Scott (Mahershala Ali) y su hija de veintitantos años, Ruth (Myha'la). George explica que esta es su casa y que él y Ruth vinieron aquí porque hubo un corte de energía en la ciudad y no pudieron llegar a su apartamento de gran altura. "¿Esta es tu casa?" dice Amanda de una manera que deja claro que le resulta un poco difícil creer que este hombre (negro) pueda permitirse una casa como esa. No es la última vez que Amanda mostrará algunas tendencias serias de "Karen", y Ruth la criticará por esto.

Se ha decidido que George y Ruth se quedarán en la habitación de invitados en el sótano de su casa, mientras que Amanda, Clay y los niños permanecerán en la casa principal (La esposa de George y madre de Ruth, recolectora de arte, está viajando del extranjero). ¿Qué más pueden hacer? Como dice el siempre optimista Clay, todo quedará más claro a la luz del día y solucionarán todo este asunto. Seguramente se restablecerán los servicios de Wi-Fi, TV y teléfono, se enterarán de lo que está pasando en el mundo y todo estará bien.

Excepto que eso no es lo que sucede. Queda claro que algo catastrófico podría estar ocurriendo en todo el mundo, o por lo menos en Estados Unidos. Se alteran los patrones de migración animal. Varios aviones cae del cielo. De vez en cuando, se oye un ruido ensordecedor que surge de la nada. El viaje de Clay hacia la ciudad y el intento de George de conectarse con los vecinos fracasan. Podríamos tener un giro tipo M. Night Shyamalan, o tal vez no. Te lo dejo para que lo descubras.

Con información limitada sobre lo que está sucediendo, ¿es un ciberataque? ¿Podría Estados Unidos estar en guerra? — Los Sandford y los Scott forman una alianza incómoda muy alejada de la civilización. Pero, ¿puede este microcosmos de seis personas llegar a algún tipo de arreglo viable, o es la incertidumbre suficiente para destruir la delgada fachada de civilidad que existía entre la humanidad antes del apagón? La película eventualmente ofrece algo parecido a una explicación de lo que está sucediendo, justo cuando inevitablemente regresa al personaje de Kevin Bacon. Pero su triple teoría sobre cómo paralizar una nación ya dividida parece tan simplista como su mensaje bien intencionado sobre las actitudes de los estadounidenses ante situaciones de su propio país y hacia lo que sucede fuera de su "mundo" (atado a la culpa que Clay siente por abandonar a una mujer de habla hispana que evidentemente necesita ayuda), y va concluyendo hacia un buen ejemplo de qué ocurre cuando su propio mundo comienza a derrumbarse.

En cierto modo, todo el escenario se beneficia de la ambigüedad, lo que permite ciertos detalles casi sobrenaturales, como una manada de ciervos que se reúne en el bosque detrás de la casa, mirando amenazadoramente a los humanos. Más tarde, en uno de los momentos más originales de la película, los Sandford intentan regresar a la ciudad, solo para encontrar la autopista obstruida por una enorme acumulación de autos en piloto automático estrellándose sin control.

Como “Testament”, la película de 1983 que imaginaba las consecuencias, tanto nucleares como psicológicas, después del lanzamiento de una bomba atómica en suelo estadounidense, “Deja el mundo atrás” describe un escenario apocalíptico plausible desde la perspectiva de un puñado de personajes comunes y corrientes. Ni expertos militares, ni científicos, sino dos familias obligadas a refugiarse bajo el mismo techo mientras algo aterrador sucede a unas horas de distancia, fuera de la pantalla, en Nueva York.

El guionista y director Esmail tiene un agudo sentido del ritmo y hace un gran uso del sonido para realzar la sensación de fatalidad inminente. Es una maravilla ver el elenco, particularmente a Roberts y Myha'la como dos mujeres que instantáneamente se odian pero que tal vez tengan que depender una de la otra para sobrevivir. Si, según la rúbrica de Howard Hawks, una buena película consta de tres escenas buenas y ninguna escena mala, entonces esta es la que se mantiene. La mejor escena puede ser la última, lo que sorprende en una película de Netflix, considerando que el servicio de streaming es una de las primeras víctimas cuando se cae la conectividad a Internet. No es un final estilo Shyamalan, pero pone una sonrisa de satisfacción en una situación que de otro modo sería angustiosa.

“Leave the world behind” es un esfuerzo audaz y complicado que rinde frutos de manera casi perfecta. Es posible que nunca vuelvas a pensar en “Friends” de la misma manera. Igualmente, quizás pueda ser más observador ante las ignorancias del ser humano mientras la tecnologías y otras banalidades de la vida se apropian de nuestra mente.

Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Green Book

Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley, durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos hoteles seguros para los afroamericanos. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.

Hay historias que saben lograr su cometido. Hay actores que logran impactar el público. Pero cuando el guión es bueno y los protagonistas no se quedan atrás, es imposible olvidar una película. Green Book es de esas historias que, quizás has escuchado situaciones similares, pero solo muy pocos saben contarla con la perfección y la sutileza que amerita.

Este filme cuenta con Viggo Mortensen como Tony Lip, un italoamericano que siempre sabe salirse con las suyas. Desde detener peleas a puñetazos hasta recibir dinero por comerse 26 hot dogs. Su personalidad y su actitud hacia la solución de problemas hacen que sea recomendado al reconocido pianista Don Shirley (encarnado por Mahershala Ali), un afroamericano que tendrá una gira por el sur de Estados Unidos y necesita un chófer que no solo lo lleve a tiempo a los diferentes escenarios, sino también servirle de asistente y hasta guardia de seguridad, pues él mismo Shirley sabe a los peligros que se enfrenta, por tratarse de la época de los 60.

En el camino, no solo conocemos el apetito sinfín de Tony, las exigencias y soledad de Don, la complicada relación entre ambos, y cómo aprenden a sobrellevarse para poder completar la gira. Don comienza concientizar a Tony sobre su presentación hacia las personas y le ayuda a escribirle cartas a su esposa Dolores. Tony deja a un lado el racismo que ha heredado de su familia y le otorga a Don una amistad que nunca ha sido capaz de tener debido a su condición de artista, su color de piel y sus preferencias sexuales (ups... lo siento por el spoiler).

Esta película retrata la extraordinaria dedicación que ambos actores pusieron en empeño para que los personajes de Tony y Don se sintiesen tan orgánicos y reales como ameritan. Viggo Mortensen aumentó casi 60 libras para llegar al "peso ideal" de su personaje, así como el acento que adoptó para verdaderamente aparentar un italoamericano; mientras que Mahershala Ali adquirió esa actitud tan específica que caracterizaba a Don Shirley, tanto en su postura, como en los gestos y la forma en que se movía/sentaba/caminaba, y no se puede dejar de mencionar el hecho de tener que tocar el piano, el cual (sin importar si lo sabe hacer o no) da esa sensación de que lo está haciendo y que es un genio musical. Pero a parte de la interpretación individual de los actores, cabe resaltar la química de ellos en escena, quienes en vida real son grandes amigos, y que en esta película se ve la evolución desde una relación patrón-empleado a una verdadera amistad en la que aprenden a cuidar el uno del otro.

No se puede dejar de mencionar aquellos otros actores que, ademas de complementar la historia y los personajes de Viggo y Mahershala, también sirven para comprobar la temática y realidad que esta película se ha empeñado en mostrar al mundo y lo logra con tanta pasión y calma. Otra actuación ha destacar es la de Linda Cardellini, como Dolores, quien presenta la paciencia y espera de la esposa de Tony durante las ocho semanas que él estuvo ausente mientras andaba en el tour con Don. Y a su vez, ella junto a otros actores presentan cómo una familia italoamericana se comporta, las tradiciones que siguen y el lenguaje (verbal y no verbal) que utilizan entre ellos.

Cada escena está pensada de una manera muy específica, dramática e inteligente. Sirven a la historia para la audiencia poder procesar las situaciones de la época, cómo los grupos marginados se comportan entre sí y aprenden a respetar las discriminaciones hacia ellos y otros grupos minoritarios. Aún más interesante es ver que el racismo hacia los afroamericanos era también desde el punto de vista de otros grupos que también fueron "maltratados" en algún momento de la historia estadounidense.

Otro aspecto importante es la musicalización, inspirada en los sencillos de Don, en lo que demuestran cómo la música puede dejar a un lado las diferencias y el racismo, y unir masas, sin importar el color de piel y los intereses de cada uno. Es notorio como la opinión de Tony sobre las diferencias raciales va cambiando a lo largo de las escenas, no solo por ser testigo de las discriminaciones que su jefe sufre por su color de piel, sino también por el impacto que el talento y la música de Don deja en él.

La temática de Green Book entra en muchas categorías, pero verdaderamente se enfoca en las relaciones de dos personas completamente diferentes, pero objetivos similares. Se trata de amistades honestas que buscan demostrar cómo, no importa cuantas opiniones contrarias tengamos, llega un punto en que todos estamos en la misma página. Es una película íntima, verdadera, empática y sobretodo agradable. Tiene sus momentos oscuros que son necesarios para encontrar la luz al final del tunel.