Crítica Cinéfila: Sound of Metal

Narra la historia de un joven batería de una banda de música que comienza a perder la audición.

Riz Ahmed es el tipo de actor que siempre parece sobresalir del encuadre, y en "Sound of Metal", está atrapado. Como Ruben, el baterista de heavy metal que se queda sordo, Ahmed transmite las complejas frustraciones de perder el contacto con el mundo que lo rodea, sin importar cuánto luche por aferrarse a él. Este enigma devastador se basa en el mejor uso del diseño de sonido en la memoria reciente, ya que su director y guionista Darius Marder sumerge a los espectadores dentro de los límites de la relación en deterioro de Ruben con el mundo que lo rodea, y clasifica lo demás para construir uno nuevo. La brillante actuación de Ahmed se asienta en un complejo paisaje sonoro que resuena incluso en un silencio total.

Desde el momento en que Ruben aparece en pantalla, Marder sube el volumen. Golpeando su batería en el calor de un espectáculo a todo volumen, Ruben parece tener la rutina ideal para adaptarse a sus talentos. Viviendo en una casa rodante destartalada con su novia y compañera de banda Lou (Olivia Cooke), está inmerso en una gira y ha encontrado una partner-in-crime para mantener su vida en equilibrio. Mientras la pareja deambula por su casa móvil al ritmo del jazz clásico, su nerviosismo insinúa la historia de la adicción que se manifiesta más adelante; al mismo tiempo, está claro que han pasado de ese capítulo a una unión poderosa.

Ruben está sorprendido cuando, sin previo aviso, la música se amortigua en un zumbido sordo una noche, enviándolo en una búsqueda desesperada de un médico. El rostro de Ahmed encarna el puro horror de la situación cuando se da cuenta de que casi no escucha, dejándolo incapaz de comprender la mayoría de las palabras a su alrededor. Los profesionales médicos no se detienen a pensar por qué le sucedió (podría ser el ruido de la batería, podría ser una afección autoinmune) porque la conclusión es la misma: no regresa y necesita preservar la audición que le queda. En cambio, sigue sus instintos de regreso al escenario, hasta que casi lo destruye.

El primer acto desorientador de la película es la historia de un músico mugriento comprometido con el costo físico de su arte hasta el punto de la ignorancia voluntaria. Pero Lou, a quien Cooke interpreta con una convincente mezcla de empatía e ira, no quiere nada de eso. Marder nos da fragmentos de la condición en declive de Ruben mientras la pareja discute sobre la situación, haciendo malabares con las llamadas unilaterales con su gerente hasta que recibe ayuda de mala gana.

Esa decisión coloca la película en una sección intermedia fascinante, ya que Ruben se alista en una comunidad de sordos remota para adictos en recuperación y gradualmente se sumerge en su ecosistema único. Supervisada por el lector de labios Joe (Paul Raci), la casa le brinda a Ruben la oportunidad de aceptar su sordera en lugar de apresurarse a reunir fondos para un impacto coclear. El supervisor ve potencial en la actitud luchadora de Ruben, empujándolo a través de una vida dura para hacer las paces con su condición. A medida que Ruben comienza a aprender el lenguaje de señas, deambula por la propiedad e incluso se une a los niños sordos en una escuela primaria vecina/

Pero la vida tiende a seguir caminos irregulares, y la relación de Ruben con su vida anterior lo lleva a realizar una serie de actos desesperados que amenazan con arruinar su progreso. Marder, quien escribió la película con su hermano Abraham, deja caer pequeños detalles que apuntan al complejo conflicto interno de Ruben mientras lucha por clasificar sus prioridades. Incluso los momentos más cálidos y equilibrados de la película vienen teñidos de la inquietud de que todo podría desmoronarse en cualquier momento. 

Pero ese delicado equilibrio no funcionaría sin la encarnación de Ahmed del desafío en cuestión: el actor muestra un comportamiento furioso y conmocionado durante la mayor parte de la película, y siempre es una demostración convincente. Ahmed es tan creíble que mantiene el suspenso del drama en juego incluso cuando se empuja a circunstancias artificiales durante el prolongado acto final, y finalmente da un salto melodramático. La adicción tardía de la historia de fondo familiar, con un cameo glorificado de Mathieu Amalric como el padre perspicaz de Lou, tiene una cualidad de calzado que se siente como si estuviera sacada de una película menor. Por mucho que Marder sobresalga en la construcción de estas circunstancias, no puede conseguir el paquete completo.

Afortunadamente, la película llega en un momento solitario que lleva su poesía a un final satisfactorio. Tras una escena en la que los aplausos se desdibujan hasta convertirse en un siseo ensordecedor, Marder nos devuelve al silencio, poniendo en primer plano la forma en que Ruben debe desvincularse de una vida que ya no es sostenible. Gran parte del crédito de esta película se lo lleva el departamento de sonido, supervisado por el editor de sonido Nicolas Becker, quien tuvo créditos más pequeños en películas como "Gravity" y "Arrival". 

Durante gran parte de la película, Ruben exuda la desesperación de un hombre dispuesto a restaurar su audición a cualquier costo; el peso emocional de este drama conmovedor proviene de su capacidad para llegar a una nueva revelación. “Sound of Metal” trata, en última instancia, de lo que significa marchar al ritmo de un tambor diferente cuando la música familiar se detiene para siempre.

Crítica Cinéfila: Blinded by the Light

En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su familia a través de la música de Bruce Springsteen. 

En "Blinded by the Light", Javed (Viveik Kalra), un adolescente británico paquistaní que vive en un suburbio de Londres en 1987, descubre la música de Bruce Springsteen que le abre los ojos. Desde el momento en que se pone los audífonos del Walkman, es como si bebiese de algún dulce éxtasis y la desesperación que es "Dancing in the Dark", la letra gira alrededor de él en la pantalla, es más que un nuevo fan de Bruce. La música se convierte en su obsesión e identidad, su desbocado sueño americano. Casi sincroniza sus latidos con ese sonido y conversando en la letra de Bruce, pero le da el coraje de hacer cosas que de otra manera no se hubiera atrevido, como, por ejemplo, invitar a salir a una chica de su clase de literatura, Eliza (Nell Williams).

La fecha comienza como algo aburrido, y Javed se prepara para llamarlo una noche. Pero luego se pone esos auriculares, y es como si fuera Clark Kent entrando en una cabina telefónica. El hecho de que cada canción se ha convertido en una especie de karaoke en vivo es divertido, y la película lo sabe; estás completamente invitado a reír. 

"Blinded by the Light", está dirigida por Gurinder Chadha, quien en 2002 hizo la impresionante "Bend It Like Beckham", la película que puso a Keira Knightley en el mapa. Sin embargo, esta película marca un exuberante retorno de la increíble directora. Basado en una memoria de Sarfraz Manzoor (uno de los tres guionistas de la película), es el tipo de drama sin protección que solían hacer en los años 80, una historia de seriedad descarada, pero también es un rock delirante y romántico. Parábola 'n' roll. 

La música de Springsteen no solo refuerza el coraje de Javed, sino que le da una creencia profunda en la vida misma. Eso se debe en parte a que Javed, por primera vez, está haciendo lo que quiere hacer. Vive con su familia paquistaní en un complejo de viviendas en la ciudad fabril de Luton, donde su padre, Malik (Kulvinder Ghir), quien trabajó en la planta de GM local durante 16 años, es un esclavo asalariado que no piensa mucho más allá de pagar las cuentas, obligando a todos en la casa a proveer de sus ingresos, y asegurándose de que sus hijos se resistan a dejarse llevar por la decadente cultura británica que los rodea. Javed escribe poesía, pero es tímido al respecto, y se siente un poco culpable. Él piensa que no sirve para nada, es decir, inconscientemente refleja el desdén de su padre.

Para Javed, la catarsis de Bruce representa un escape de su depresión doméstica, pero se trata de algo más que eso. En la escuela, está rodeado de niños que se sumergen en la pálida ironía consciente de la moda de finales de los 80. La banda sonora de la película está inundada de clásicos de la época como Pet It's Boys y Cutting Crew.

Pero cuando suenan las canciones de Springsteen, no tienes que ser un amante de sus canciones para sentir la suprema falta de ironía, la majestad apasionada y la empatía con su lírica. Es una música tan antipática que es trascendente, hasta el punto de que cuando Javed comienza a lucir una camisa de franela con mangas cortadas, o cuando él y Roops (Aaron Phagura), el compañero paquistaní que lo introdujo por primera vez de Bruce, se escabullen a la cabina de DJ de la escuela y cambian la canción que tocaba en el momento, y la película de repente se convierte en un musical virtual, con Javed, Roos y Eliza bailando por la ciudad y los campos: es cursi e irresistible por esa razón. "Blinded by the Light" tiene el coraje de su propia sinceridad adolescente desvergonzada del dios del rock.

También es una película estimulante sobre el crecimiento. Los colores de Chadha a finales de los 80 hacen un llamado a diversas temáticas de la época: los cultos de Reagan y Thatcher, el aumento del desempleo en Inglaterra, las marchas del Frente Nacional que, en retrospectiva, fueron la versión embrionaria del fervor antiinmigrante que ayudó a conducir al Brexit. Pero ella nos mantiene enfocados en cómo esta vibración es parte de lo que Javed necesita para escapar. Su vida está tan enclaustrada que ni siquiera se da cuenta de sus propios atributos. Se comporta como un geek, pero Viveik Kalra, que salió de la nada, podría ser una estrella. Es como un flaco Jake Gyllenhaal, con toques de Dev Patel y Andrew Garfield, y es un actor tan vibrante que quizás tengan que volver a los días en que John Cusack estaba levantando una caja de música para encontrar un héroe adolescente tan emotivo y convincente.

"Blinded by the Light" te lleva a ese lugar donde el pop puede ser todo: la promesa de una vida que aún no tienes, pero la música dice que puedes conseguirlo. Javed comienza a escribir, y con orgullo, y lo que está sucediendo es que se está dando cuenta de que quiere ser escritor. Las letras de Bruce, que no necesitaban garabatearse en la pantalla, pero que así fuera, tocan la oscuridad, también se trata de una promesa religiosa: que puedes escapar. Y encontrarte a ti mismo. Eso es exactamente lo que hace Javed, y el discurso que va después de ganar un premio de escritura es un momento total. Se trata de la familia y el perdón, de la gloria del rock 'n' roll y de darse cuenta de que cualquiera puede caminar hacia al sol.

Crítica Cinéfila: Rocketman

Esta es la historia de Elton John, desde sus años como niño prodigio del piano en la Royal Academy of Music hasta llegar a ser una superestrella de fama mundial gracias a su influyente y duradera asociación con su colaborador y letrista Bernie Taupin. 

Elton John es uno de los artistas más importantes de la historia de la música. No solo es un compositor impresionante, sino que sus producciones de vestuario son parte de su servicio de entretenimiento para la audiencia. Ha trabajado en al menos 19 películas como compositor musical. Su actual tour, titulado Farewell Yellow Brick, será el último de su carrera, el cual será en cinco continentes con 300 conciertos. Es una persona que no solo se ha destacado en el ámbito artístico sino también en actividades humanitarias, donaciones, organizaciones sin fines de lucro y demás. Pero, ¿alguien conoce al Elton John de los años 70? Cuando su carrera apenas comenzaba y aparentemente muchas de sus locuras. Rocketman es esa versión que pocos conocen. 

De niño, Elton John era en realidad Reginald "Reggie" Dwight, criado por su fría madre Sheila (Bryce Dallas Howard) y por su abuela Ivy (Gemma Jones), mientras que su padre Stanley se encuentra en la Royal Air Force. Reggie mostraba interés en tocar el piano, y pronto comenzó a estudiar en la Royal Academy of Music. Stanley, que nunca ha mostrado ningún amor hacia su hijo, finalmente abandona a su familia después de que Sheila tiene una aventura con otro hombre. Para evitar más encontronazos con el drama familiar, Reggie se interesa por artistas de música rock como Elvis Presley, y comienza a presentarse en pubs locales antes de unirse a la banda, Bluesology.

Como adulto, Reggie (Taron Egerton) decide cambiarse su nombre a Elton John y trata de encontrar el éxito con la editorial Dick James bajo la dirección de Ray Williams. Williams presenta a Elton al compositor Bernie Taupin (Jamie Bell) y los dos forman una amistad rápidamente. El dúo impresiona a James con la canción "Your Song" y él prepara una actuación para ellos en el Trovador en Los Ángeles. La audiencia ama la actuación de Elton. En una fiesta, Elton es abordado por John Reid (Richard Madden), un gestor musical que se siente atraído por Elton. La influencia de Reid sobre Elton hace que se sumerja en una vida de libertinaje a medida que su carrera despega y se convierte en un músico de éxito, abrazando a una personalidad escénica extravagante. Sin embargo, mientras lucha con sus problemas parentales y un creciente abuso de Reid, Elton se vuelve adicto al alcohol, la cocaína, las compras compulsivas y el sexo.

El guión es de Lee Hall (Billy Elliot, Pride and Prejudice) es quién tuvo la ardúa tarea de hacer un contraste entre la historia del cantante y sus canciones, convirtiendo esta película en un musical de sus mejores hits. El título de Rocketman es apropiado porque este retrato audazmente poco convencional de Elton John, que traza las pistas paralelas de su ascenso meteórico al superestrella y su descenso simultáneo a un abismo de soledad y adicción, tiene un lanzamiento espectacular, todos los motores en llamas. Es en medio del vuelo que comienzan a surgir las maravillas narrativas, con una sucesión de secuencias de fantasía musical estilizadas surrealmente que son fabulosamente entretenidas y que permiten un tejido conectivo dramático sustancial que invitaría a una verdadera relación emocional con el protagonista. 

Con una melancólica voz, Egerton hace justicia al nombre del grandioso Elton John, otorgando una de sus mejores interpretaciones hasta estos tiempos, no solo demostrando que su talento es más que actoral, sino también dándole vida al músico de los 70 que pocos conocían. Entre clásicos y vestimentas extrambóticas, Egerton logra lo que el mismo cantante en vida hacía en cada uno de sus conciertos: esconder las cicatrices y moretones detrás de una vida llena de maltratos. A su vez, este famoso actor, reconocido por sus atractivos y seductores personajes, se transforma completamente en el cantante, mostrando no solo sus elocuentes estilos de peinado y sonrisa incómoda, sino también su actitud embarazosa, ataques de pánico y sus excesos salvajes del papel que lograron alejarlo de sus anteriores roles. Dejó su nombre y fama a un lado para otorgar un personaje que seguramente será foco de muchas nominaciones el próximo año en la temporada de premios. 

Definitivamente, ha sido una actuación totalmente comprometida que va desde la exuberante demostración teatral hasta la soberbia sensiblera y la miseria privada, y luego vuelve a subir con la vulnerabilidad bruta y el duro autoexamen de alguien que se aleja del precipicio para asumir la responsabilidad. El hecho de que Egerton verdaderamente cante con tanta confianza agrega una capa completamente distinta a la caracterización, apropiándose del estilo de John sin desviarse nunca en la personificación, pero claramente complementado por un juego de vestuarios que hacen referencia a los mejores momentos en escenario que el artista ha tenido a lo largo de su carrera.

El dispositivo de enmarcado de Hall funciona sorprendentemente bien. La película comienza con una magnífica versión instrumental lenta de la canción del título, mientras Elton irrumpe a través de una puerta con un halo de luz celestial y adornada con lentejuelas y plumas como un ardiente demonio de alas rojas. Toma asiento en ese grupo incongruente entre un grupo de terapia en un centro de rehabilitación de lujo, donde comienza a enumerar sus muchas adicciones, desde las drogas y el alcohol hasta el sexo y las compras, y también le dan problemas con la bulimia y el manejo de la ira. Esto hace que el punto de vista de la película se desvíe completamente: la introducción no busca que empaticemos sino simpatizar y reconocer que, alguien con tanta fama también tuvo momentos oscuros. Es aún más impresionante como todo se continúa contando desde ese mismo grupo de adictos, enseñándole a la audiencia cómo, al pasar su historia sobre sus años de adicción, el mismo Elton se fue recuperando.

Pero no se puede dejar de mencionar el trabajo de un elenco que no solo retratan a sus respectivos personajes, sino también logran tener su momento de gloria, y demostrar el papel constructivo y/o destructivo que representaron en la vida de Elton John. Entre los que más resaltan, Jamie Bell como su mejor amigo, Bryce Dallas como su madre y Richard Madden como su amante y manager, ellos hicieron soporte para resaltar las grandes debilidades que el artista poseía.

Musicalmente, dramáticamente, cinematográficamente hablando, este es un biopic bien hecho. Sin desperdicios ni escenas innecesarias, la película desarrolla un buen tiempo de entretenimiento, haciéndonos cantar con los clásicos más memorables, enseñándonos como surgieron importantes canciones y educándonos sobre la vida de una persona que ha sido de gran importancia para películas como El Rey León, Monalisa Smile, Tommy, entre otros títulos. Es un musical duro y mucho más oscuro que Bohemian Rhapsody, pero tan colorido y real al nivel de su cantante. 

Crítica Cinéfila: Teen Spirit

Violet (Fanning) es una introvertida adolescente que vive en la Isla de Wight (Inglaterra) y que sueña con convertise en una estrella del pop para poder así alejarse de tu triste panorama familiar. Con la ayuda de un inesperado mentor, Violet se inscribe en un concurso de canto que pondrá a prueba su integridad, talento y ambición. 

"Teen Spirit" cuenta una historia que has visto mil veces antes, pero una que las personas seguirán contándose hasta que todos lo creamos. En cierto modo, es tan antiguo como un cuento de hadas: una fábula de Cenicienta sobre una chica tímida de un pequeño pueblo que encuentra su voz y se adueña del mundo. En otras formas, la película es inextricablemente del momento, pero ambientada en el mundo de las competiciones de canto de televisión y marcada por artistas como Robyn, Ellie Goulding y Ariana Grande.

Lo que es tan valiente y emocionante sobre el debut como director de Max Minghella es que se niega a comprometerse en ambos extremos, un dulce espectáculo pop a la vez orgulloso y genérico de no serlo. Es un enfoque arriesgado que prioriza el sentimiento contundente sobre una experiencia más rica, pero la dirección sinuosa, la cinematografía deslumbrante y el rendimiento revelador de Elle Fanning ayuda a esta pequeña maravilla a convertirse en una fábula moderna contraintuitivamente única. No está mal para una película que es básicamente un anuncio glorificado para el grupo de artistas de Interscope, y cuenta con una nueva canción producida por Jack Antonoff como uno de sus principales puntos de venta.

En el lapso de una sola canción de Grimes, aprendemos todo lo que necesitamos saber sobre Violet (Fanning). Ella es una tranquila chica de 17 años que vive en Wight con su madre inmigrante polaca (Agnieszka Grochowska), un hermoso caballo y un iPod lleno de sueños lejanos; pasa la mayor parte de su tiempo libre trabajando en un restaurante de tercera y tratando de evitar a la "mean girl" que gobierna su escuela. Algunas noches, sin decírselo a nadie, se escapa para cantar su corazón en el abrevadero local para una pequeña audiencia de borrachos. Vlad (Zlatko Buric), una ex estrella de ópera que podría ser la más borracha de todas, se interesa por representar a Violet. Y cuando un concurso de canto al estilo de "American Idol" llamado "Teen Spirit" decide proyectar su luz en la isla y celebrar audiciones allí por primera vez, es a Vlad quien Violet le pide que la lleve allí, porque ella sabe que su madre nunca lo haría. Y así comienza una carrera improbable que lleva a nuestra joven heroína a las brillantes luces de Londres.

Resulta que Violet tiene una voz tremenda, y Fanning también. Puede ser un buen instrumento, y la actriz no se confundirá con Lady Gaga en el corto plazo, pero sus talentos son perfectos para las confecciones pop como "Dancing on My Own". No solo eso, sino que también es capaz de hacer espacio para lograr un interesante acento británico en cada canción, lograr conversaciones en polaco con su madre e incluso crear un espacio para ella misma. Es más que un poco difícil de tragar que su camino hacia la cima sea tan rápido, o que Violet no tenga que sacar algo de la virtuosidad de Christina Aguilera para lograrlo, pero funciona para la película. Esto no es "A Star Is Born" (si esa película solo tiene un pie en el mundo real, esta apenas tiene un dedo gordo).

Minghella, un actor notable cuyo padre nació en la Isla de Wight (y fue un cineasta bastante hábil por derecho propio), no tiene problemas para meterse en esta historia con el más amplio de los golpes. El escritor y director se basa en la música que nos arrastra al mundo de Violet. Al ver cómo se golpea y grita al lado de "Just a Girl" de No Doubt en su habitación, nos cuenta más sobre quién es ella.

Teen Spirit está en una carrera de velocidad muerta, y no tiene la historia suficiente para completar su breve tiempo de ejecución de 93 minutos, pero todo está tan arraigado en la primicía básica de la emoción que casi no importa. La poca información que se obtiene sobre lo que le sucedió a Vlad después de su carrera, o lo poco que se aprende sobre la relación de Violet con su madre, o lo que no se dice acerca de los niños en su banda de apoyo (hay una complicada cola de enamorados entre ellos, pero los detalles se dejan profunda en el fondo), son opacados para simplemente establecer la relación de hija/padre que se creó entre los personajes de Violet y Vlad, para a la vez dejar un final abierto a la interpretación personal de cada miembro de la audiencia. La música y las ubicaciones son específicas para que los personajes no tengan que serlo: los espectadores pueden interpretar la película en sus propios términos y al mismo tiempo proyectarse sobre ella.

El cineasta Autumn Durald Arkapaw, el genio anónimo que filmó "Palo Alto" y un grupo de videos musicales increíbles por Janelle Monáe y Solange Knowles, son fundamentales para ayudar a Minghella a enhebrar la aguja entre esos dos modos.

Ella tuerce el mundo de Violet con acentos brillantes y guiones de drama épico; la luz nocturna en su parada de autobús desierta extiende largos rayos de luz que no estarían fuera de lugar en un video de Hype Williams, mientras que el campo fuera de su casa es lo suficientemente mágico como para trabajar para Terrence Malick. Esa belleza es aún más importante porque Minghella tiene un miedo mortal a los sentimientos fáciles, un miedo que a veces convence a Fanning para que se convierta en su personaje, y deja la película prácticamente sin ninguna emoción legible.

Hay un sentido irreal de cumplimiento de deseos en el viaje de Violet, y "Teen Spirit" no se asusta. Es demasiado delgado y resbaladizo para tomarlo literalmente, pero si piensas en Vlad como una hada madrina alcohólica y adinerada a quien puedes oler desde el otro lado de la habitación, la película comienza a tener un cierto sentido que debería ser especialmente convincente a audiencias más jóvenes. La película está un poco seducida por nuestro malentendido colectivo del talento, que es un derecho de nacimiento que tratamos como una virtud, pero su debut funciona como una historia sobre el poder sostenible de la autoconfianza y cómo a veces solo se necesita una persona para ayudar empujarte a donde siempre quisiste ir, o llevarte allí. Casi no importa lo buena que sea realmente una cantante, o si logra ganar la gran competencia al final. Lo único que importa es que ella encuentre el coraje para reevaluar la distancia a sus sueños. Siempre están al menos un poco más cerca de lo que crees.

Green Book

Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley, durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos hoteles seguros para los afroamericanos. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.

Hay historias que saben lograr su cometido. Hay actores que logran impactar el público. Pero cuando el guión es bueno y los protagonistas no se quedan atrás, es imposible olvidar una película. Green Book es de esas historias que, quizás has escuchado situaciones similares, pero solo muy pocos saben contarla con la perfección y la sutileza que amerita.

Este filme cuenta con Viggo Mortensen como Tony Lip, un italoamericano que siempre sabe salirse con las suyas. Desde detener peleas a puñetazos hasta recibir dinero por comerse 26 hot dogs. Su personalidad y su actitud hacia la solución de problemas hacen que sea recomendado al reconocido pianista Don Shirley (encarnado por Mahershala Ali), un afroamericano que tendrá una gira por el sur de Estados Unidos y necesita un chófer que no solo lo lleve a tiempo a los diferentes escenarios, sino también servirle de asistente y hasta guardia de seguridad, pues él mismo Shirley sabe a los peligros que se enfrenta, por tratarse de la época de los 60.

En el camino, no solo conocemos el apetito sinfín de Tony, las exigencias y soledad de Don, la complicada relación entre ambos, y cómo aprenden a sobrellevarse para poder completar la gira. Don comienza concientizar a Tony sobre su presentación hacia las personas y le ayuda a escribirle cartas a su esposa Dolores. Tony deja a un lado el racismo que ha heredado de su familia y le otorga a Don una amistad que nunca ha sido capaz de tener debido a su condición de artista, su color de piel y sus preferencias sexuales (ups... lo siento por el spoiler).

Esta película retrata la extraordinaria dedicación que ambos actores pusieron en empeño para que los personajes de Tony y Don se sintiesen tan orgánicos y reales como ameritan. Viggo Mortensen aumentó casi 60 libras para llegar al "peso ideal" de su personaje, así como el acento que adoptó para verdaderamente aparentar un italoamericano; mientras que Mahershala Ali adquirió esa actitud tan específica que caracterizaba a Don Shirley, tanto en su postura, como en los gestos y la forma en que se movía/sentaba/caminaba, y no se puede dejar de mencionar el hecho de tener que tocar el piano, el cual (sin importar si lo sabe hacer o no) da esa sensación de que lo está haciendo y que es un genio musical. Pero a parte de la interpretación individual de los actores, cabe resaltar la química de ellos en escena, quienes en vida real son grandes amigos, y que en esta película se ve la evolución desde una relación patrón-empleado a una verdadera amistad en la que aprenden a cuidar el uno del otro.

No se puede dejar de mencionar aquellos otros actores que, ademas de complementar la historia y los personajes de Viggo y Mahershala, también sirven para comprobar la temática y realidad que esta película se ha empeñado en mostrar al mundo y lo logra con tanta pasión y calma. Otra actuación ha destacar es la de Linda Cardellini, como Dolores, quien presenta la paciencia y espera de la esposa de Tony durante las ocho semanas que él estuvo ausente mientras andaba en el tour con Don. Y a su vez, ella junto a otros actores presentan cómo una familia italoamericana se comporta, las tradiciones que siguen y el lenguaje (verbal y no verbal) que utilizan entre ellos.

Cada escena está pensada de una manera muy específica, dramática e inteligente. Sirven a la historia para la audiencia poder procesar las situaciones de la época, cómo los grupos marginados se comportan entre sí y aprenden a respetar las discriminaciones hacia ellos y otros grupos minoritarios. Aún más interesante es ver que el racismo hacia los afroamericanos era también desde el punto de vista de otros grupos que también fueron "maltratados" en algún momento de la historia estadounidense.

Otro aspecto importante es la musicalización, inspirada en los sencillos de Don, en lo que demuestran cómo la música puede dejar a un lado las diferencias y el racismo, y unir masas, sin importar el color de piel y los intereses de cada uno. Es notorio como la opinión de Tony sobre las diferencias raciales va cambiando a lo largo de las escenas, no solo por ser testigo de las discriminaciones que su jefe sufre por su color de piel, sino también por el impacto que el talento y la música de Don deja en él.

La temática de Green Book entra en muchas categorías, pero verdaderamente se enfoca en las relaciones de dos personas completamente diferentes, pero objetivos similares. Se trata de amistades honestas que buscan demostrar cómo, no importa cuantas opiniones contrarias tengamos, llega un punto en que todos estamos en la misma página. Es una película íntima, verdadera, empática y sobretodo agradable. Tiene sus momentos oscuros que son necesarios para encontrar la luz al final del tunel.

A Star is Born

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que se enamora de Ally (Lady Gaga), una artista que lucha por salir adelante. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. El camino será más duro de lo que imaginan. (FILMAFFINITY)

Este es un buen ejemplo de que hay algunas películas que pueden ser exitosas, aunque sean basadas en clásicos de años anteriores. Sobretodo por ser una obra que le hace honor al género y estilo que prometen desde su premisa.

La historia se enfoca en dos artistas: uno muy famoso pero con una fuerte adicción a las drogas y al alcohol; otra que nunca ha tenido una verdadera oportunidad para lanzarse como cantante y que esconde su voz en bares medio clandestinos. Pero cuando sus caminos se cruzan por pura casualidad, sus vidas cambian por completos. El decide incluirla en sus conciertos, ella encuentra las oportunidades que nunca tuvo. Pero mientras ella continua escalando a la fama, él sigue cayendo en un vacío de alcoholismo, y lo que parecía ser parte de su rutina se convierte en un problema para la carrera de ambos.

Los mejores artistas siempre serán los que sepan contar historias con su propio talento. Bradley Cooper se ha caracterizado por muchas comedias, un par de thrillers y acción, pero a la hora de hacer drama, él siempre ha sabido donde está el lado sensible de la audiencia. La manera tan natural en la que su personaje fue desarrollándose y creando caos y conflicto alrededor de él fue creíble, a parte de impresionante y cautivadora. 

Pero Lady Gaga no se queda atrás demostrando que el canto será su mejor talento, pero la actuación siempre ha sido su habilidad mejor escondida. Lo dejó claro en American Horror Story, y aquí regresa para llamar la atención de todo aquel que no se había percatado de lo que es capaz de hacer. La entrega y capacidad de encarnar este personaje, y la manera en que demostró que su peor debilidad la llevó a la tragedia hace que la audiencia se pregunte por qué no comenzó a actuar desde hace tiempo.

Del mismo modo, y a pesar de que la historia está enfocada únicamente en la relación de sus protagonistas, el rol de quienes los rodean es importante para entender las etapas por la que los protagonistas pasaron, de modo que los actores de reparto cumplen un rol muy específico pero a la vez muy importante para toda la película. No importa si salieron en 10 escenas o en una sola, sirven a la trama con triunfo y profesionalismo.

El detallismo de esta historia pretende hacerle honor a las películas de romance, desde el origen de "chico conoce chica"; pero a diferencia de estas películas, rompe con la típica estructura y da unos giros que, a pesar de que gritan querer volver a la fórmula cliché, pero que se sale con la suya y otorga una historia fresca para los ojos de la audiencia moderna. El desarrollo entre los dos personajes principales es tan orgánico y a la vez tan poco predecible, pues es difícil reconocer cuál será el siguiente movimiento de alguno de los dos.

Pero el verdadero enganche de esta película es la música, pues va escalando y cambiando de acuerdo a la fase por la que estén pasando los protagonista. A pesar de que la película está basada en una versión de los años 30 y los años 50, la banda sonora fue específicamente compuesta por Lady Gaga, Bradley Cooper y un equipo de compositores que se encargaron de que cada una de las canciones tuviesen valor narrativo por sí solas. Quizás Shallow, Is That Alright y Maybe it's Time serán las favoritas de la audiencia, pero el resto de la composición musical cuenta esta historia por sí misma.

Para ser su debut como director, Bradley Cooper ha demostrado tener el talento y la capacidad suficiente para renovar una historia que algunos tacharán de obsoleta y dándole aspectos modernos sin dejar atrás la esencia del romance, tragedia y legado que A Star is Born siempre estableció desde su primera presentación en los años 30.