Crítica Cinéfila: Ford v Ferrari

Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. 

Los personajes rara vez pueden competir con los autos en las películas de carreras de autos, pero ese no es el caso de Ford v Ferrari, una historia de la vida real con mucho cuerpo y emoción en la que los hombres detrás del volante son tan dinámicos como las máquinas que conducen. Protagonizado por los emblemáticos Christian Bale y Matt Damon como, respectivamente, las leyendas de carreras Ken Miles y Carroll Shelby, este es un vehículo bien construido en todos los aspectos que debería hacer un buen recorrido por los cines.

Esta es una saga de carreras con fuertes bases dramáticas e históricas. En el mundo de las carreras internacionales en la década de 1960, nadie podía tocar a Ferrari, la ultra compañía de los fabricantes de automóviles rápidos. Durante una recesión de la compañía, Henry Ford II y su teniente Lee Iacocca, que desempeñaron un papel importante en la presentación del Mustang y Ford Pinto, se les ocurrió producir un auto de carreras que pudiera desplazar a los italianos, lo que parecía una broma en el hora. Pero lo hicieron posible.

Con el director James Mangold mostrando una mano segura en todo momento, algunas tempranas escenas divertidas contrastan con la cultura corporativa de Ferrari y Ford. Dedicado a la calidad, el prestigio y la clase, Enzo Ferrari preside su imperio como un cruce entre un señor medieval y un jefe de la mafia, menospreciando a Ford como un príncipe le haría a un campesino. En todo caso, sin embargo, Ford es una figura aún más aterradora, un hombre grande que hace temblar a los subordinados en su presencia. 

Sin embargo, Ford a veces puede sorprender con sus edictos, y le ordena a su despiadado protegido Lee Iacocca que haga lo que sea necesario para darle a la compañía un ganador. El interludio de la interacción corporativa en el que el equipo de Ford viaja a Italia para proponer una fusión estalla con absurdo humorístico, ya que la presunción de que estas dos culturas automobilísticas podrían coexistir bajo un mismo techo se muestra como lo que es: casi una pelea de gallos.

Atractivamente, los hombres que podrían dar vida al sueño de Ford se sienten atraídos rápidamente por las virtudes y los defectos a la vista. Después de una carrera exitosa en su carrera, Shelby se embarcó en una variedad de proyectos automotrices, pero firmó el proyecto de Ford de crear un auto caliente que pudiera ganar las 24 Horas de Le Mans.

Por su parte, Shelby soportó cualquier cantidad de obstáculos al alistar a Miles para el loco pero atractivo proyecto de Ford. Al principio, Miles, un emigrante británico, que trabaja como un mecánico humilde en Los Ángeles y corre por pura pasión, vive con su esposa espía Mollie (una Caitriona Balfe luminosamente comprensiva) y con su hijo Peter (Noah Jupe). No es difícil deducir que Miles no ha llegado más lejos en la vida porque es un temperamental, fácilmente irritable y propenso a las cosas difíciles.

Pero Miles tiene talento y realmente conoce sus autos, por lo que él y Shelby se convierten en el boleto poco probable de Ford para la grandeza de las carreras. La sección media del drama revela los golpes duros y la combustión, tanto mecánica como humana, que se introdujeron en el desarrollo de un automóvil que podría vencer a los italianos, y cómo se hizo en un año.

Aplicando una sólida artesanía propia, los guionistas Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Jason Keller han forjado una sólida estructura de tres actos que invita a la inversión rápida del espectador en algunas personas difíciles pero empáticas, proporcionando dinámicas de carácter combativo entre conductores muy competitivos: los ejecutivos y la figura central, Miles, dándole la el toque perfecto al tratamiento cuando se trata de su inteligencia de carrera, ambiciones y vida familiar.

La dinámica de la película debe mucho a la naturaleza erizada de casi todas las relaciones e interacciones en la película. Miles es un cable en vivo impredecible con todos, excepto con su esposa e hijo; Shelby siempre parece estar haciendo malabarismos con más bolas de las que razonablemente pueden mantenerse en alto en cualquier momento dado; los exigentes Ford y Iacocca mantienen a todos fuera de balance y en alerta; y los inminentes plazos y el peligro inherentes a la profesión en sí proporcionan una sensación constante de inquietud por la mortalidad profesional y personal. Pero lo más interesante de todos estos momentos dramáticos son las analogías conclusivas y las metáforas, utilizando excelentes interludios para enfocarse en lo que interviene en la relación del conductor con su automóvil. 

Naturalmente, el tercer acto está dedicado al maratón de conducción francés de 24 horas de 1966, en el que dos conductores se turnan para pilotar sus automóviles durante el día, la noche y, en este caso, una pequeña cantidad de lluvia. Es una carrera que Shelby había ganado en 1959, mientras que Miles ya había prevalecido en las competencias de Daytona y Sebring del año en curso. Es una carrera difícil de dramatizar debido a su longitud y cambio de pilotos, y este en particular posee su propio problema peculiar debido a la forma en que terminó. Pero también tiene sus enormes satisfacciones, y todo el equipo que lo armó debe ser saludado.

Bale y Damon parecen entusiasmados, inmersos en los coloridos personajes que interpretan aquí y entrenan muy bien juntos de manera muy atractiva, tanto cuando están confabulados como en desacuerdo.

Las prácticas y actitudes, si no la habilidad, de la gran industria se colocan en una luz bastante fulminante, aunque con ingenio frecuente, y todas las manos aquí han puesto en trabajos de trabajo fuertes que pagan en la pantalla. A pesar de haber sido escrito por cuatro guionistas (lo cual siempre he considerado ser una multitud) y algunos detalles de la historia que no van completamente en acuerdo con lo que pasó en la vida real, Ford v Ferrari se desenvuelve como una película de un alto nivel, dándole el respeto que se merece a la historia y a sus personajes, y convirtiéndose en una competidora fuerte para la temporada de premios.

Crítica Cinéfila: The Best of Enemies

La amistad entre Ann Atwater (Henson), un activista negro sin pelos en la lengua, y Clairborne Paul Ellis (Rockwell), un miembro de alto rango del Ku Klux Klan, es el foco de atención de "The Best of Enemies". Ambientada en los años 60, justo en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles que sacudió Norteamérica, ambos personajes entablan una curiosa relación. 

"The Best of Enemies", otro drama inspirador de raza media sobre una persona negra y otra blanca que comienzan como adversarios para luego abrirse camino hacia una comprensión mutua, se siente como una película que un número de personas estará lista para atacar. Tal vez lo harán, pero yo no. Se basa en una historia real, pero cuando escuchas la premisa, la película casi parece que podría ser una parodia de "Saturday Night Live" de un drama de curación racial en parejas extrañas.

Ambientada en Durham, Carolina del Norte, en 1971, se centra en una reunión de dos semanas de duración de ciudadanos comunes sobre el tema de la integración escolar que reunió a miembros de las comunidades blancas y negras, y más dramáticamente, sus dos copresidentes, Ann Atwater (Taraji P. Henson), una marca de fuego local de un activista de los Derechos Civiles, y Claiborne Paul "CP" Ellis (Sam Rockwell), la cabecilla de Durham del Ku Klux Klan.

Al principio, hay una nota especial: CP y sus amigos de Klan disparan en la casa de una mujer blanca que está saliendo con un hombre negro. CP no es solo un enemigo, es un hombre violento. Entonces, ¿por qué un supremacista blanco declarado que vive para difundir el terror acuerda asistir a una cumbre comunitaria de detente de blanco y negro civilizada como la de esta película? Porque siente que no tiene otra opción. Después de que un incendio eléctrico amenace con cerrar una escuela primaria negra local, el problema de la integración escolar encabeza su cabeza (es, después de todo, la ley de la tierra), y CP siente que asistir a la reunión le dará una mejor oportunidad para mantener la segregación que no atenderla. Como líder del Klan, está conectado con el jefe del Consejo Municipal (Bruce McGill) y con los negocios locales, y representa los sentimientos de un subconjunto significativo de la comunidad blanca.

El PC de Rockwell es un hombre de familia campesina y anciano que dirige una estación de servicio y se siente, en el fondo, como uno de los perdedores de la vida, o, al menos, lo hizo hasta que se unió al Klan. Por su propia descripción, convertirse en parte de esa fraternidad de odio le dio un propósito, solidaridad, una causa más alta que él mismo. Lleva una vida de desesperación tranquila, luchando por criar a cuatro hijos, uno de ellos con discapacidad mental que vive en el hospital psiquiátrico local; pero en el Klan es tanto un líder como la versión retorcida de un entrenador de vida, que preside legiones de hombres blancos enojados, así como un cuerpo de jóvenes que él introdujo en la organización.

La razón por la que la reunión, se organiza en primer lugar es que un juez local sabe que no puede salirse con la suya con la emisión de una resolución contra la integración. Entonces llama a Bill Riddick (Babou Ceesay), un organizador de la comunidad negra de Raleigh que ya ha orquestado charrettes en varios lugares. No son, en la medida más estricta, procedimientos legales, pero son ejemplos de democracia en acción: una manera para que una ciudad tome su propia temperatura en un asunto candente y avance, casi terapéuticamente, en el proceso.

En "The Best of Enemies", el charrette es en realidad un poco falso. Pretende ser un seminario de ideas, pero la película no nos muestra mucho de la discusión, y no es necesario, porque es sobre todo un pretexto para obtener dos comunidades raciales que apenas se han integrado sentados y hablando, los unos a los otros. Es un experimento social enmascarado.

Ann y CP han estado peleando durante años, y no es difícil ver por qué. Han pasado casi dos décadas desde el lanzamiento de la era de los Derechos Civiles, y ella es el tipo de activista que golpeará a un miembro del consejo de la ciudad blanca con un teléfono porque está tan motivada por su impaciencia ante las promesas incumplidas. Taraji P. Henson cambia todo su aspecto; ella hace de Ann una guerrera, todos los días impulsada por una furia que nunca está lejos de la depresión. Ella no da discursos, ella arremete. Sin embargo, su ira por el trato que le da a su gente es tan grande que las palabras logran una elocuencia escabrosa, desgarrada y sangrante. Así es como se ve el activismo verdadero, o lo que alguna vez fue.

Ann no necesita un viaje de la iluminación. Pero CP lo hace. Bissell, que adapta partes de un libro de no ficción de Osha Gray Davidson, describe el viaje psicológico de CP como las estaciones de la cruz de trabajo. Ayuda que Ann y CP gasten casi toda la película manteniendo su disgusto: no hay calentamiento falso. Pero ella tira de las cuerdas para que el hijo de CP tenga una habitación privada en el hospital, y lo que empieza a hacer pensar a CP es su observación de las tácticas utilizadas para intimidar al comité de 12 jueces (que votarán, por mayoría de dos tercios, para recomendar la integración escolar al Concejo Municipal).

Si bien no es una película del "salvador blanco", "The Best of Enemies" es otro drama en el que la causa de la justicia racial se convierte en una manera para que una persona blanca "crezca". En su forma, la película se convierte en el pecado primordial del racismo estadounidense en un problema negro / blanco "simétrico". 

"The Best of Enemies", aunque no es tan buena como "Green Book", es una película sólida: deliberadamente recta, un poco larga y predecible, pero lo suficientemente honesta y atenta, precisa en su período y lugar, con actuaciones fuertes. Puede tener una estructura sentimental, pero en tono se solapa más que un poco con el “BlacKkKlansman” de Spike Lee, porque está impulsado por un impulso similar: mostrar la enfermedad del racismo desde adentro hacia afuera.

Teniendo en cuenta que hace solo dos años se celebró a Sam Rockwell por interpretar a un policía racista que sufrió una conversión similar en "Three Billboards outside Ebbing, Missouri", puede que se pregunte por qué asumió este papel tan poco después. Sin embargo, mientras observa la actuación, deja de preguntarse: es un estudio de la mentalidad racista estadounidense.

Al ver "The Best of Enemies", hay una parte de nosotros que quiere poner los frenos morales, porque pensamos: ¿el punto de la película es que el jefe del Klan es realmente un buen tipo? Pero en realidad, ese no es el punto de la película. Es que el racismo, por desagradable que sea, es verdaderamente una máscara para el miedo y la ignorancia. CP crece con respecto a los negros. A medida que pasa más y más tiempo en una habitación, hablando con ellos en pie de igualdad, su ignorancia comienza a desaparecer, a pesar de sus mejores esfuerzos para mantenerla en su lugar. Y no puede escapar viendo que sus propios compinches del Klan son hipócritas. Rockwell no suaviza el racismo de CP, pero su desempeño fino y sutil separa al pecador del pecado. Al final, la película nos conmueve con un mensaje elemental: un hombre del Klan que se purga del odio puede parecer poco probable, pero una versión colectiva de eso es lo que este país ahora tiene que pasar. O bien destruimos el odio o nos destruye.

Green Book

Cuando Tony Lip, un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley, durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos hoteles seguros para los afroamericanos. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.

Hay historias que saben lograr su cometido. Hay actores que logran impactar el público. Pero cuando el guión es bueno y los protagonistas no se quedan atrás, es imposible olvidar una película. Green Book es de esas historias que, quizás has escuchado situaciones similares, pero solo muy pocos saben contarla con la perfección y la sutileza que amerita.

Este filme cuenta con Viggo Mortensen como Tony Lip, un italoamericano que siempre sabe salirse con las suyas. Desde detener peleas a puñetazos hasta recibir dinero por comerse 26 hot dogs. Su personalidad y su actitud hacia la solución de problemas hacen que sea recomendado al reconocido pianista Don Shirley (encarnado por Mahershala Ali), un afroamericano que tendrá una gira por el sur de Estados Unidos y necesita un chófer que no solo lo lleve a tiempo a los diferentes escenarios, sino también servirle de asistente y hasta guardia de seguridad, pues él mismo Shirley sabe a los peligros que se enfrenta, por tratarse de la época de los 60.

En el camino, no solo conocemos el apetito sinfín de Tony, las exigencias y soledad de Don, la complicada relación entre ambos, y cómo aprenden a sobrellevarse para poder completar la gira. Don comienza concientizar a Tony sobre su presentación hacia las personas y le ayuda a escribirle cartas a su esposa Dolores. Tony deja a un lado el racismo que ha heredado de su familia y le otorga a Don una amistad que nunca ha sido capaz de tener debido a su condición de artista, su color de piel y sus preferencias sexuales (ups... lo siento por el spoiler).

Esta película retrata la extraordinaria dedicación que ambos actores pusieron en empeño para que los personajes de Tony y Don se sintiesen tan orgánicos y reales como ameritan. Viggo Mortensen aumentó casi 60 libras para llegar al "peso ideal" de su personaje, así como el acento que adoptó para verdaderamente aparentar un italoamericano; mientras que Mahershala Ali adquirió esa actitud tan específica que caracterizaba a Don Shirley, tanto en su postura, como en los gestos y la forma en que se movía/sentaba/caminaba, y no se puede dejar de mencionar el hecho de tener que tocar el piano, el cual (sin importar si lo sabe hacer o no) da esa sensación de que lo está haciendo y que es un genio musical. Pero a parte de la interpretación individual de los actores, cabe resaltar la química de ellos en escena, quienes en vida real son grandes amigos, y que en esta película se ve la evolución desde una relación patrón-empleado a una verdadera amistad en la que aprenden a cuidar el uno del otro.

No se puede dejar de mencionar aquellos otros actores que, ademas de complementar la historia y los personajes de Viggo y Mahershala, también sirven para comprobar la temática y realidad que esta película se ha empeñado en mostrar al mundo y lo logra con tanta pasión y calma. Otra actuación ha destacar es la de Linda Cardellini, como Dolores, quien presenta la paciencia y espera de la esposa de Tony durante las ocho semanas que él estuvo ausente mientras andaba en el tour con Don. Y a su vez, ella junto a otros actores presentan cómo una familia italoamericana se comporta, las tradiciones que siguen y el lenguaje (verbal y no verbal) que utilizan entre ellos.

Cada escena está pensada de una manera muy específica, dramática e inteligente. Sirven a la historia para la audiencia poder procesar las situaciones de la época, cómo los grupos marginados se comportan entre sí y aprenden a respetar las discriminaciones hacia ellos y otros grupos minoritarios. Aún más interesante es ver que el racismo hacia los afroamericanos era también desde el punto de vista de otros grupos que también fueron "maltratados" en algún momento de la historia estadounidense.

Otro aspecto importante es la musicalización, inspirada en los sencillos de Don, en lo que demuestran cómo la música puede dejar a un lado las diferencias y el racismo, y unir masas, sin importar el color de piel y los intereses de cada uno. Es notorio como la opinión de Tony sobre las diferencias raciales va cambiando a lo largo de las escenas, no solo por ser testigo de las discriminaciones que su jefe sufre por su color de piel, sino también por el impacto que el talento y la música de Don deja en él.

La temática de Green Book entra en muchas categorías, pero verdaderamente se enfoca en las relaciones de dos personas completamente diferentes, pero objetivos similares. Se trata de amistades honestas que buscan demostrar cómo, no importa cuantas opiniones contrarias tengamos, llega un punto en que todos estamos en la misma página. Es una película íntima, verdadera, empática y sobretodo agradable. Tiene sus momentos oscuros que son necesarios para encontrar la luz al final del tunel.

Operation Finale

15 años después de la Segunda Guerra Mundial, un equipo de agentes secretos se reúne para rastrear a Adolf Eichmann, el infame arquitecto nazi del Holocausto, que había escapado de la justicia tras la guerra. (FILMAFFINITY)

Cuando los Aliados marcharon hacia Berlín en la primavera de 1945 y quedó muy claro que el Tercer Reich se derrumbaría, Hitler, Goebbels y Himmler se suicidaron en lugar de ser capturados vivos. Adolf Eichmann no lo hizo. El arquitecto de sangre fría de "la solución final" huyó con su familia a Argentina. Su captura tendría que esperar casi 15 años. La historia de su alto secuestro secreto por parte de un equipo de agentes de inteligencia israelíes y su audaz misión de llevarlo a Jerusalén para ser juzgado por sus crímenes es la verdadera historia que impulsa "Operación Finale" de Chris Weitz .

El thriller dramático basado en hechos reales, protagonizado por el ganador del Oscar Ben Kingsley y el ganador del Globo de Oro Oscar Isaac, detalla la osadía y brillantemente ejecutada misión para capturar a Eichmann. Quince años después del final de la Segunda Guerra Mundial, la agencia de inteligencia israelí Mossad y la agencia de seguridad Shin Bet, liderada por el incansable y heroico agente Peter Malkin, lanzaron una audaz incursión secreta para capturar al famoso Eichmann, quien había sido reportado muerto en el caos tras el colapso de la Alemania nazi pero, de hecho, vivía y trabajaba en un suburbio de Buenos Aires, Argentina bajo una identidad asumida junto con su esposa y dos hijos.

Monitoreando su rutina diaria, Malkin y sus agentes planean y ejecutan el secuestro bajo la sombra de la oscuridad a pocos metros de la casa de Eichmann. Decididos a escabullirse de Argentina para enfrentar un juicio en Israel. Malkin y Eichmann se involucran en un intenso y apasionante juego del gato y el ratón.

Una vez que Eichmann es vendado y atado en el último piso de la casa de seguridad del grupo, la película se convierte explícitamente en cómo uno debe tratar con los sospechosos de crímenes inhumanos. No solo sobre cuestiones de tortura o ejecución sin el debido proceso, sino incluso preguntas más difíciles sobre si reconocemos que aquellos que hacen cosas horribles siguen siendo seres humanos identificables, y si interactuar con ellos a nivel humano nos pone en peligro o nos salva de nuestros peores instintos .

En la narración de la película, tratar con Eichmann es necesario porque El Al, la aerolínea que enviaría al equipo disfrazado de regreso a Israel, decidió que no cooperaría a menos que firmara un documento diciendo que iría voluntariamente a Israel para enfrentar un juicio. La cuestión de la falsificación apenas es abordada por el equipo, ahora atrapado en una casa con el hombre que odian: ¿Pueden batirle una firma? ¿Le obsesiona con la privación y el interrogatorio pasado de moda? ¿O podría simplemente estar convencido?

Malkin se convierte en el actor crucial aquí a medida que pasan los días. En vez de tratar a Eichmann de manera tortuosa, decide ser "amigable" con él, afeitándole, dándole de comer, y hablándole de su vida. Kingsley ofrece moderación, proyectando a lo sumo una indignación intelectual cuando Eichmann argumenta que no debe ser juzgado por personas cuyas mentes están inventadas de antemano. Es allí donde la química entre Kingsley e Isaac se hace aún más notoria, pues no solo se encierran a la relación de captor y prisionero, sino a crear una empatía obvia el uno por el otro que produce las sacudidas de electricidad más cargadas de la película, terminan salvando la situación y obteniendo la muy necesaria firma de Eichmann para lograr escapar a tiempo antes de ser encontrados por militares nazis. 

A pesar de que hay otras películas de secuestro/rescates más dramáticas y angustiosas (como Argo), o películas más dramáticas sobre el Holocausto (Schindler's List, Sophie's Choice), el drama se beneficia de un reparto fuerte y puede reemplazar fácilmente a "The Man Who Captured Eichmann" de 1996, que presenta este mismo episodio de la historia humana.

Operation Finale nunca alcanza la intensidad emocional, debido a una banda sonora que desconecta con mucha facilidad, y que en ocasiones es salvada por una escenografía que traslada a cualquiera a esa época, pero lo que verdaderamente intercede para que la película logre la transmitir el mensaje de justicia y venganza, es la increíble actuación de sus protagonistas, las secuencias de acción limitadas pero suficientes para contar la historia y ese cierre de mal sabor de que estas historias solo nos recuerdan los terribles pecados de la humanidad.