Crítica Cinéfila: The Color Purple

En 1909, Celie, una chica negra norteamericana, es entregada en matrimonio por su maltratador padre a un granjero local, Albert, que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y su liberación llega en forma de una cantante de jazz. 

Para una historia tan llena de trauma y dolor (violencia, sufrimiento, racismo, secuestro de niños, abuso conyugal), la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Alice Walker ganadora del Premio Pulitzer de 1982, "El color púrpura", es una experiencia sorprendentemente alegre y satisfactoria. La conclusión predominante son sus temas resonantes de espiritualidad, autodescubrimiento, redención y resiliencia. Basada en el musical de Broadway de 2005 que fue revivido con gran éxito 10 años después, la producción marca un paso seguro hacia un lienzo mucho más grande para el artista multimedia Blitz Bazawule. Hace un guiño elegante a la huella de la película de Steven Spielberg de 1985 mientras forja vigorosamente su propia identidad.

El musical teatral presenta canciones de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray y un libro de Marsha Norman, que acredita tanto la novela de Walker como el guión de Menno Meyjes para la película de Spielberg como material fuente. El dramaturgo Marcus Gardley escribió la última adaptación, que se mantiene fiel a las versiones anteriores de la historia y a su retrato indeleble de las vidas de las mujeres negras en el sur rural de principios del siglo XX. Donde podría decirse que esta nueva película gana en complejidad es en su mayor comprensión de los personajes masculinos clave y la viveza con la que da forma al entorno en torno a la importancia de la cultura popular, la música y la fe.

Fantasia Barrino asumió el papel principal de Celie en el segundo año de la presentación original del programa en Broadway. Ella demostró ser no sólo una vocalista potente sino también una actriz instintiva, aprovechando con ternura y vulnerabilidad lo que parecía una fuerte conexión personal con la historia. Su actuación fue cruda y real, colocando a Celie más firmemente en el centro emocional de un musical en el que la protagonista pasa mucho tiempo como una figura pasiva al margen. Ese es uno de los riesgos inherentes de tener personajes secundarios que roban escenas como la indomable Sofía y el extravagante cantante de juke-joint Shug Avery.

En un impresionante debut cinematográfico dramático, Barrino hace un conmovedor viaje del surgimiento de Celie, de las dificultades y la opresión a la independencia, su orgullosa autoestima y su amor desbordante. Incluso si la película de Bazawule vuelve a tomarse su tiempo para centrar a Celie en su propia narrativa, pocos se quejarán cuando comparta la atención con la maravillosa Danielle Brooks, una fuerza titánica que retoma el papel de Sofía que interpretó en Broadway en la reposición de 2015; y con una igualmente divina Taraji P. Henson, que muestra un carisma indescriptible, una musicalidad exultante y un glamour estridente al nivel que Shug lo requiere.

Como Mister, el marido que adquiere a Celie por el precio de una vaca y un par de huevos y luego la trata como a un caballo de batalla que golpea a su voluntad, Colman Domingo es adecuadamente despreciable. Pero también es un hombre dañado que heredó los peores rasgos de su padre dominante y mezquino (Louis Gossett Jr.). No puede estar con Shug, la mujer que ama de verdad, que va y viene de su vida cuando le place y está destinada a seguir siendo esquiva. Domingo localiza un anhelo inarticulado debajo del quebrantamiento de Mister que hace que su eventual expiación sea creíble y conmovedora.

El hijo de Mister, Harpo, también adquiere más matices en la caracterización de Corey Hawkins, sin mencionar que se basa en el trabajo del actor de "In the Heights" que pone en más evidencia sus habilidades para cantar y bailar. Impulsado por su corazón y no por los condicionamientos sociales de su educación, Harpo parece decidido a romper el ciclo de los hombres regidos por su dureza. Tropieza gravemente y se arrepiente al instante al sucumbir a nociones anticuadas sobre cómo mantener a raya a su luchadora esposa Sofía. Pero hasta ese error de juicio, que provocó la estruendosa negativa de Brooks a dejarse subyugar en una de las canciones más destacadas, "Hell No!" — su matrimonio es el feliz opuesto de la unión sin amor que tienen su padre y Celie.

Bazawule y Nick Baxter han escrito una nueva canción para Harpo, “Workin'”, interpretada mientras construían el local de música junto al pantano que lo encamina en su camino empresarial. La marcada diferencia entre Mister y su hijo mayor se resume con humor cuando Harpo y los hombres de su equipo de construcción son dejados de lado mientras Sofia y las mujeres toman el control. Esa canción casi desechable, como muchos de los interludios musicales, es impulsada por la enérgica coreografía de Fatima Robinson en un número de producción sólido. Si hay un defecto persistente en el enfoque de Bazawule hacia el material, es la sensación desde el principio de que no todas las canciones necesitan ser tan grandes.

Hay un espectáculo innegable en los feligreses arremolinados que se dirigen al servicio dominical, una cuadrilla de percusivos blandiendo picos, un grupo de mujeres lavando ropa contra la cortina de una cascada (estas últimas imágenes evocadas de la imaginación de Celie) o el júbilo general de “Shug Avery Comin' to town." Pero la película podría haberse beneficiado de la colocación anterior de una o dos baladas íntimas, particularmente en términos de acceso emocional a una protagonista que, por diseño narrativo, tarda mucho en encontrar su voz.

El florecimiento estilístico de Celie imaginándose a sí misma y a Shug en un tocadiscos de gramófono también parece fuera de sintonía con el resto de la película. Es como si Bazawule no pudiera decidir entre integrar dramáticamente las canciones o desviarse hacia desvíos fantasiosos, una distracción innecesaria que también ocurre a mitad del espectacular tema de Henson, "Push Da Button". El toque del director es más consistente en las escenas dramáticas, donde la narración y las actuaciones son lo suficientemente fuertes como para superar los errores.

Phylicia Pearl Mpasi es conmovedora como la joven Celie, cuyo corazón se abre cuando su adorada hermana menor Nettie (Halle Bailey) es arrancada de su vida. También es un testimonio de la encantadora presencia de Bailey (Nettie es alegre, extrovertida y segura de sí misma en formas que su oprimida hermana puede admirar pero aún no emular) que el anhelo representado por la ausencia de Nettie en la vida de Celie se sienta palpablemente en todo momento.

Esa ausencia se ve mejorada hasta cierto punto por la entrada explosiva de Sofía, cuya actitud de no aceptar nada que Brooks transmite con gusto y dominio naturales. Su contagioso humor y efervescencia hacen que sea aún más aplastante ver al personaje brutalizado por su franqueza con la condescendiente esposa del alcalde (Elizabeth Marvel). Aún así, incluso si Sofía queda deprimida durante gran parte de la historia, la radiante actuación de Brooks es una de las principales fuentes de la ligereza de la película, atravesando constantemente como rayos de sol a través de las nubes.

La otra persona que abre los ojos hipnotizados de Celie a un modelo diferente de feminidad dueña de sí misma es Shug, quien captura su imaginación incluso antes de conocerse, a partir de una fotografía enmarcada que Mister guarda junto a su cama. Henson convierte a Shug en un faro de calidez y vitalidad sensual, incluso cuando aparece en la casa de Mister necesitando secarse después de una borrachera. Nunca se burla de Celie ni la trata como a una inferior, sino que toma bajo su protección a la servil esposa de su amante intermitente con una edificante hermandad, brindándole una felicidad que no ha conocido desde la partida de Nettie. Si bien el elemento lésbico de la relación de la novela de Walker se ha diluido aún más con cada recuento, no se borra del todo, y el dúo rapsódico de Barrino y Henson en "What About Love?" es un punto de inflexión emocional cuando la esperanza comienza a iluminar la vida de Celie.

Las señales de su emancipación están escritas en gran medida, primero en una conmovedora reescenificación de la clásica escena de la comida familiar en la que finalmente se enfrenta a Mister. Para entonces, todos los presentes en el público compartirán la indignación de Celie, su recién adquirida autoridad y el derecho que Dios les ha concedido a exigir retribución, interpretada con fuego formidable por Barrino y reproducida con humor salado por Brooks mientras Sofía más o menos regresa de la muerte.

Shug también celebra la liberación de Celie una vez que sale de la bota de Mister en Memphis, rindiendo un cariñoso homenaje cantando “Miss Celie’s Blues (Sister)”, una de las melodías de Jones heredadas de la película de Spielberg. El otro es "Maybe God is Tryin’ to Tell You Somethin’", un himno que marca el final del exilio de Shug como una "mujer suelta" marginada y su renovada aceptación por parte de su padre predicador (David Alan Grier). Los atuendos de la vestuarista Francine Jamison-Tanchuck para Shug son deslumbrantes, particularmente el impresionante conjunto rojo que usa para su debut como atracción estrella en Harpo's, haciendo una gran entrada en barco.

Cualquiera que aprecie el estilo disfrutará con los pantalones de cintura alta de los años 40, utilizados como símbolo de autorrealización triunfante femenina, y el excelente trabajo de Jamison-Tanchuck resulta especialmente vibrante una vez que el negocio de sastrería de Celie despega. “Miss Celie's Pants” es un número de producción exuberante donde la gran energía se siente totalmente ganada. A partir de ahí, Barrino navega por la transición hacia la independencia y la orgullosa autoestima con un sentimiento de éxtasis en "I'm Here". Ella interpreta la gran versión de la canción directamente ante la cámara, lo que le permite a Celie tomar posesión decisiva de su historia y hacer la transición a un acto final que se convierte en una declaración total de gratitud y elogio.

Si bien Bazawule y sus compañeros productores musicales ejecutivos Baxter y Bray honran la mezcla estilística del musical de gospel, pop, R&B, blues, jazz y melodías de espectáculos de Broadway, también hay un bienvenido sabor contemporáneo en algunos de los números aquí, en particular “Keep It Movin'” dirigido por la joven Nettie de Bailey con una voz preciosa.

Además de Grier, Gossett y Marvel, el casting de lujo, incluso para papeles menores, incluye a Ciara interviniendo para una breve aparición como la Nettie adulta; Gabriella Wilson, también conocida como HER, como Squeak, la novia de Harpo; Aunjanue Ellis-Taylor (tan intensamente conmovedora en Origin de Ava DuVernay) como la madre de Celie en flashbacks; y Jon Batiste, luciendo fabuloso con trajes elegantes como Grady, el elegante esposo de Shug.

La experiencia de Bazawule como artista con múltiples guiones (anteriormente codirigió el álbum visual de Beyoncé "Black Is King", hizo su debut cinematográfico en 2019 con la fábula afrofuturista con buenas críticas "The Burial of Kojo" y también actúa como artista de grabación de hip-hop "Blitz the Ambassador") garantiza que la película no sólo suene genial sino que también luzca suntuosa. El uso de la luz y el color en la cinematografía de Dan Laustsen es cautivador, y el diseño de producción de época de Paul Denham Austerberry añade un atractivo toque de magia teatral a escenarios auténticos. Las características de la ubicación, como una playa de Georgia con enormes marañas esculturales de madera flotante o árboles cubiertos de musgo español, son hermosas.

Es prácticamente imposible resistirse a la explosiva recuperación de la vida en las enormemente satisfactorias escenas finales de la película, que deberían cumplir el doble objetivo de reinventar "The Color Purple" para una nueva audiencia y, al mismo tiempo, darle un brillo fresco y brillante a la historia para la generación que creció con la versión de Spielberg.

Crítica Cinéfila: Minions - The Rise of Gru

Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. 

El problema en el corazón de la extrañamente densa mitología de "Despicable Me" -cinco largometrajes, otro en camino, quince cortometrajes, libros, videojuegos e incluso un paseo en un parque temático- siempre ha sido su verdadera fortaleza: para una serie sobre un supervillano nefasto, es terriblemente adorable, repleta de referencias de los 80. Y mientras que el gruñón Gru (con la voz de Steve Carell a lo largo de la franquicia), se aleja de sus planes malvados y va más a favor de la familia, la serie intenta minar sus años de juventud pero la temática se está volviendo extrañamente complicadas.

Complicado para los adultos que todavía recuerdan con entusiasmo los encantos de la primera película de la franquicia, "Despicable Me" de 2010. Mientras que la primera película, una oferta animada que sirvió como primer largometraje de Illumination Entertainment, finalmente dio lugar a dos de sus propias secuelas, los rendimientos creativos fueron disminuyendo. Realmente fue sobreviviendo gracias a las verdaderas estrellas de la serie: los Minions, los pequeños secuaces amarillos que sirven a Gru y, a pesar de estar literalmente diseñados para ayudar solo a los más malos de los malos, no pueden evitar provocar esa reacción "awww".

Por supuesto, los Minions tendrían su propio spin-off, y uno astuto en eso: "Minions" de 2015 siguieron inteligentemente la ruta de la precuela, rastreando la loca historia de estas criaturas, erigiéndolos en una elegante aventura alimentada por los años 70 y, finalmente, llevándolos a su amado "mini jefe", el niño Gru. Siete años más tarde, los pequeños han vuelto para otra historia, aunque esta está asediada por problemas clásicos de secuelas, sobretodo con respecto a Gru. ¿Habrá alguna lección que necesite aprender cuando tenía 11 años, que ya no hemos visto en el transcurso de otras tres películas?

Quizás este es probablemente el punto, porque no importa lo agradable o tonta que pueda ser (y haya sido) esta franquicia para una amplia audiencia antes, es una serie dirigida principalmente a los niños. "Minions: The Rise of Gru" de Kyle Balda va en esa línea de pensamiento, ofreciendo una secuela desordenada y loca que es estrictamente para los más pequeños. ¿Hay muchos minions? Sí. ¿Son lindos y divertidos y tontos e ininteligibles y realmente no malvados en absoluto? Sí. ¿Llevan una amplia gama de atuendos y pelucas inclinados de los años 70? Sí. ¿Aprenden kung fu de Michelle Yeoh? De alguna manera, sí.

Pero esa es solo una pequeña porción de una película que, incluso con solo 88 minutos, se siente insoportablemente y despiadadamente poco cocida. Los minions parloteantes deleitan, el malvado grupo de supervillanos en su centro tiene habilidades y nombres hilarantes (como Jean Clawed, que tiene una garra de langosta gigante por una mano y tiene la voz de Jean-Claude Van Damme), y hay más atascos de discoteca en repetición de lo que nadie podría esperar. Es suficiente para que a los más jóvenes les encante, pero añade poca frescura o estilo a una franquicia que necesita mucho de eso.

Mientras que los primeros vistazos a la vida del joven Gru son divertidos, desde su madre que vende Tupperwares, cómo conoce al Doctor Nefario, hasta sus compañeros desconcertados, "Minions: The Rise of Gru" pronto se aleja de las minucias de la vida del pequeño alborotador y se pone a crear una misión que resonará durante el resto de su vida. Gru está loco por The Vicious 6, un supergrupo de supervillanos una vez liderado por Wild Knuckles (con la voz de Alan Arkin) y recientemente tomado por Belle Bottom (Taraji P. Henson), y cuando tiene la oportunidad de unirse a ellos, aprovecha la oportunidad.

Pero The Vicious 6 solo lo ven como un niño, incluso si es Gru, y el mini jefe promulga su venganza, arrebatándoles un collar con gemas que se basa en el poder del zodíaco. Basta con llamar la atención de Wild Knuckles, una vez que se creía muerto, que secuestra a Gru y luego, como es el habitual de estas películas, lo recluta como un pupilo, nivel Karate Kid. Lástima entonces que los Minions hayan extraviado el collar, lo que resulta en una misión bifurcada que requiere que lo encuentren y salven a Gru de The Vicious 6, Wild Knuckles, y de cualquier otra persona que quiera salir de la mini amenaza.

Los queridos Minions Kevin, Stuart y Bob (todos con la voz de Pierre Coffin, que también ha dirigido o codirigido cada película de "Despicable Me" hasta esta) finalmente se encuentran en San Francisco, donde se reúnen con Chow de Yeoh, que les enseña kung fu, mientras que el solitario Minion Otto termina en una aventura con un motorista de buen corazón (voz de RZA). Balda salta y salta entre cada una de estas extrañas subtramas con un frenético comprensible, todas ellas destinadas a terminar juntas para una gran batalla, incluso si cada hilo individual se siente decididamente débil.

Llegan momentos dispersos de trascendencia cómica, del tipo que atraerá a todo el público, aunque puedan dejar cicatrices a algunos jóvenes, un sello distintivo clásico de cualquier buena película infantil, incluida una secuencia en la que los Minions intentan pilotar un jet comercial. Inevitablemente, tienen éxito, incluso si uno de ellos es desnudado en el proceso. Tal es el caso de "Minions: The Rise of Gru": inevitablemente, tiene éxito, incluso si eso significa confiar en mordazas tontas, muchos traseros al descubierto y el tipo de escenarios que solo funcionan (literalmente) en el espacio animado. Es colorido, loco y estrafalario, y aunque eso podría no hacerlo adecuado para todos los públicos, hará las delicias de aquel para el que está hecho. Eso está bien por ahora, pero si esta franquicia quiere sobrevivir, la próxima entrada tendrá que asumir una misión mucho más difícil: ser tonta, pero ser mucho más inteligente.

Crítica Cinéfila: The Best of Enemies

La amistad entre Ann Atwater (Henson), un activista negro sin pelos en la lengua, y Clairborne Paul Ellis (Rockwell), un miembro de alto rango del Ku Klux Klan, es el foco de atención de "The Best of Enemies". Ambientada en los años 60, justo en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles que sacudió Norteamérica, ambos personajes entablan una curiosa relación. 

"The Best of Enemies", otro drama inspirador de raza media sobre una persona negra y otra blanca que comienzan como adversarios para luego abrirse camino hacia una comprensión mutua, se siente como una película que un número de personas estará lista para atacar. Tal vez lo harán, pero yo no. Se basa en una historia real, pero cuando escuchas la premisa, la película casi parece que podría ser una parodia de "Saturday Night Live" de un drama de curación racial en parejas extrañas.

Ambientada en Durham, Carolina del Norte, en 1971, se centra en una reunión de dos semanas de duración de ciudadanos comunes sobre el tema de la integración escolar que reunió a miembros de las comunidades blancas y negras, y más dramáticamente, sus dos copresidentes, Ann Atwater (Taraji P. Henson), una marca de fuego local de un activista de los Derechos Civiles, y Claiborne Paul "CP" Ellis (Sam Rockwell), la cabecilla de Durham del Ku Klux Klan.

Al principio, hay una nota especial: CP y sus amigos de Klan disparan en la casa de una mujer blanca que está saliendo con un hombre negro. CP no es solo un enemigo, es un hombre violento. Entonces, ¿por qué un supremacista blanco declarado que vive para difundir el terror acuerda asistir a una cumbre comunitaria de detente de blanco y negro civilizada como la de esta película? Porque siente que no tiene otra opción. Después de que un incendio eléctrico amenace con cerrar una escuela primaria negra local, el problema de la integración escolar encabeza su cabeza (es, después de todo, la ley de la tierra), y CP siente que asistir a la reunión le dará una mejor oportunidad para mantener la segregación que no atenderla. Como líder del Klan, está conectado con el jefe del Consejo Municipal (Bruce McGill) y con los negocios locales, y representa los sentimientos de un subconjunto significativo de la comunidad blanca.

El PC de Rockwell es un hombre de familia campesina y anciano que dirige una estación de servicio y se siente, en el fondo, como uno de los perdedores de la vida, o, al menos, lo hizo hasta que se unió al Klan. Por su propia descripción, convertirse en parte de esa fraternidad de odio le dio un propósito, solidaridad, una causa más alta que él mismo. Lleva una vida de desesperación tranquila, luchando por criar a cuatro hijos, uno de ellos con discapacidad mental que vive en el hospital psiquiátrico local; pero en el Klan es tanto un líder como la versión retorcida de un entrenador de vida, que preside legiones de hombres blancos enojados, así como un cuerpo de jóvenes que él introdujo en la organización.

La razón por la que la reunión, se organiza en primer lugar es que un juez local sabe que no puede salirse con la suya con la emisión de una resolución contra la integración. Entonces llama a Bill Riddick (Babou Ceesay), un organizador de la comunidad negra de Raleigh que ya ha orquestado charrettes en varios lugares. No son, en la medida más estricta, procedimientos legales, pero son ejemplos de democracia en acción: una manera para que una ciudad tome su propia temperatura en un asunto candente y avance, casi terapéuticamente, en el proceso.

En "The Best of Enemies", el charrette es en realidad un poco falso. Pretende ser un seminario de ideas, pero la película no nos muestra mucho de la discusión, y no es necesario, porque es sobre todo un pretexto para obtener dos comunidades raciales que apenas se han integrado sentados y hablando, los unos a los otros. Es un experimento social enmascarado.

Ann y CP han estado peleando durante años, y no es difícil ver por qué. Han pasado casi dos décadas desde el lanzamiento de la era de los Derechos Civiles, y ella es el tipo de activista que golpeará a un miembro del consejo de la ciudad blanca con un teléfono porque está tan motivada por su impaciencia ante las promesas incumplidas. Taraji P. Henson cambia todo su aspecto; ella hace de Ann una guerrera, todos los días impulsada por una furia que nunca está lejos de la depresión. Ella no da discursos, ella arremete. Sin embargo, su ira por el trato que le da a su gente es tan grande que las palabras logran una elocuencia escabrosa, desgarrada y sangrante. Así es como se ve el activismo verdadero, o lo que alguna vez fue.

Ann no necesita un viaje de la iluminación. Pero CP lo hace. Bissell, que adapta partes de un libro de no ficción de Osha Gray Davidson, describe el viaje psicológico de CP como las estaciones de la cruz de trabajo. Ayuda que Ann y CP gasten casi toda la película manteniendo su disgusto: no hay calentamiento falso. Pero ella tira de las cuerdas para que el hijo de CP tenga una habitación privada en el hospital, y lo que empieza a hacer pensar a CP es su observación de las tácticas utilizadas para intimidar al comité de 12 jueces (que votarán, por mayoría de dos tercios, para recomendar la integración escolar al Concejo Municipal).

Si bien no es una película del "salvador blanco", "The Best of Enemies" es otro drama en el que la causa de la justicia racial se convierte en una manera para que una persona blanca "crezca". En su forma, la película se convierte en el pecado primordial del racismo estadounidense en un problema negro / blanco "simétrico". 

"The Best of Enemies", aunque no es tan buena como "Green Book", es una película sólida: deliberadamente recta, un poco larga y predecible, pero lo suficientemente honesta y atenta, precisa en su período y lugar, con actuaciones fuertes. Puede tener una estructura sentimental, pero en tono se solapa más que un poco con el “BlacKkKlansman” de Spike Lee, porque está impulsado por un impulso similar: mostrar la enfermedad del racismo desde adentro hacia afuera.

Teniendo en cuenta que hace solo dos años se celebró a Sam Rockwell por interpretar a un policía racista que sufrió una conversión similar en "Three Billboards outside Ebbing, Missouri", puede que se pregunte por qué asumió este papel tan poco después. Sin embargo, mientras observa la actuación, deja de preguntarse: es un estudio de la mentalidad racista estadounidense.

Al ver "The Best of Enemies", hay una parte de nosotros que quiere poner los frenos morales, porque pensamos: ¿el punto de la película es que el jefe del Klan es realmente un buen tipo? Pero en realidad, ese no es el punto de la película. Es que el racismo, por desagradable que sea, es verdaderamente una máscara para el miedo y la ignorancia. CP crece con respecto a los negros. A medida que pasa más y más tiempo en una habitación, hablando con ellos en pie de igualdad, su ignorancia comienza a desaparecer, a pesar de sus mejores esfuerzos para mantenerla en su lugar. Y no puede escapar viendo que sus propios compinches del Klan son hipócritas. Rockwell no suaviza el racismo de CP, pero su desempeño fino y sutil separa al pecador del pecado. Al final, la película nos conmueve con un mensaje elemental: un hombre del Klan que se purga del odio puede parecer poco probable, pero una versión colectiva de eso es lo que este país ahora tiene que pasar. O bien destruimos el odio o nos destruye.