Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Minions - The Rise of Gru

Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. 

El problema en el corazón de la extrañamente densa mitología de "Despicable Me" -cinco largometrajes, otro en camino, quince cortometrajes, libros, videojuegos e incluso un paseo en un parque temático- siempre ha sido su verdadera fortaleza: para una serie sobre un supervillano nefasto, es terriblemente adorable, repleta de referencias de los 80. Y mientras que el gruñón Gru (con la voz de Steve Carell a lo largo de la franquicia), se aleja de sus planes malvados y va más a favor de la familia, la serie intenta minar sus años de juventud pero la temática se está volviendo extrañamente complicadas.

Complicado para los adultos que todavía recuerdan con entusiasmo los encantos de la primera película de la franquicia, "Despicable Me" de 2010. Mientras que la primera película, una oferta animada que sirvió como primer largometraje de Illumination Entertainment, finalmente dio lugar a dos de sus propias secuelas, los rendimientos creativos fueron disminuyendo. Realmente fue sobreviviendo gracias a las verdaderas estrellas de la serie: los Minions, los pequeños secuaces amarillos que sirven a Gru y, a pesar de estar literalmente diseñados para ayudar solo a los más malos de los malos, no pueden evitar provocar esa reacción "awww".

Por supuesto, los Minions tendrían su propio spin-off, y uno astuto en eso: "Minions" de 2015 siguieron inteligentemente la ruta de la precuela, rastreando la loca historia de estas criaturas, erigiéndolos en una elegante aventura alimentada por los años 70 y, finalmente, llevándolos a su amado "mini jefe", el niño Gru. Siete años más tarde, los pequeños han vuelto para otra historia, aunque esta está asediada por problemas clásicos de secuelas, sobretodo con respecto a Gru. ¿Habrá alguna lección que necesite aprender cuando tenía 11 años, que ya no hemos visto en el transcurso de otras tres películas?

Quizás este es probablemente el punto, porque no importa lo agradable o tonta que pueda ser (y haya sido) esta franquicia para una amplia audiencia antes, es una serie dirigida principalmente a los niños. "Minions: The Rise of Gru" de Kyle Balda va en esa línea de pensamiento, ofreciendo una secuela desordenada y loca que es estrictamente para los más pequeños. ¿Hay muchos minions? Sí. ¿Son lindos y divertidos y tontos e ininteligibles y realmente no malvados en absoluto? Sí. ¿Llevan una amplia gama de atuendos y pelucas inclinados de los años 70? Sí. ¿Aprenden kung fu de Michelle Yeoh? De alguna manera, sí.

Pero esa es solo una pequeña porción de una película que, incluso con solo 88 minutos, se siente insoportablemente y despiadadamente poco cocida. Los minions parloteantes deleitan, el malvado grupo de supervillanos en su centro tiene habilidades y nombres hilarantes (como Jean Clawed, que tiene una garra de langosta gigante por una mano y tiene la voz de Jean-Claude Van Damme), y hay más atascos de discoteca en repetición de lo que nadie podría esperar. Es suficiente para que a los más jóvenes les encante, pero añade poca frescura o estilo a una franquicia que necesita mucho de eso.

Mientras que los primeros vistazos a la vida del joven Gru son divertidos, desde su madre que vende Tupperwares, cómo conoce al Doctor Nefario, hasta sus compañeros desconcertados, "Minions: The Rise of Gru" pronto se aleja de las minucias de la vida del pequeño alborotador y se pone a crear una misión que resonará durante el resto de su vida. Gru está loco por The Vicious 6, un supergrupo de supervillanos una vez liderado por Wild Knuckles (con la voz de Alan Arkin) y recientemente tomado por Belle Bottom (Taraji P. Henson), y cuando tiene la oportunidad de unirse a ellos, aprovecha la oportunidad.

Pero The Vicious 6 solo lo ven como un niño, incluso si es Gru, y el mini jefe promulga su venganza, arrebatándoles un collar con gemas que se basa en el poder del zodíaco. Basta con llamar la atención de Wild Knuckles, una vez que se creía muerto, que secuestra a Gru y luego, como es el habitual de estas películas, lo recluta como un pupilo, nivel Karate Kid. Lástima entonces que los Minions hayan extraviado el collar, lo que resulta en una misión bifurcada que requiere que lo encuentren y salven a Gru de The Vicious 6, Wild Knuckles, y de cualquier otra persona que quiera salir de la mini amenaza.

Los queridos Minions Kevin, Stuart y Bob (todos con la voz de Pierre Coffin, que también ha dirigido o codirigido cada película de "Despicable Me" hasta esta) finalmente se encuentran en San Francisco, donde se reúnen con Chow de Yeoh, que les enseña kung fu, mientras que el solitario Minion Otto termina en una aventura con un motorista de buen corazón (voz de RZA). Balda salta y salta entre cada una de estas extrañas subtramas con un frenético comprensible, todas ellas destinadas a terminar juntas para una gran batalla, incluso si cada hilo individual se siente decididamente débil.

Llegan momentos dispersos de trascendencia cómica, del tipo que atraerá a todo el público, aunque puedan dejar cicatrices a algunos jóvenes, un sello distintivo clásico de cualquier buena película infantil, incluida una secuencia en la que los Minions intentan pilotar un jet comercial. Inevitablemente, tienen éxito, incluso si uno de ellos es desnudado en el proceso. Tal es el caso de "Minions: The Rise of Gru": inevitablemente, tiene éxito, incluso si eso significa confiar en mordazas tontas, muchos traseros al descubierto y el tipo de escenarios que solo funcionan (literalmente) en el espacio animado. Es colorido, loco y estrafalario, y aunque eso podría no hacerlo adecuado para todos los públicos, hará las delicias de aquel para el que está hecho. Eso está bien por ahora, pero si esta franquicia quiere sobrevivir, la próxima entrada tendrá que asumir una misión mucho más difícil: ser tonta, pero ser mucho más inteligente.

Welcome to Marwen

Film inspirado en el documental "Marwencol" (2010), que narraba la historia real de Mark Hogancamp, un hombre que tras sufrir un terrible asalto estuvo en coma nueve días, tras el cual se despertó con una amnesia completa. Su única terapia fue construir en su jardín unas maquetas con figuras de soldados de la 2da Guerra Mundial.

Los fanáticos del documental Marwencol (2010) de Jeff Malmberg podrían confirmar comprensiblemente que el relato de la vida real que Robert Zemeckis ha construido ha llamado la atención de manera considerable. ¿Los antecedentes? Abril de 2000, Mark Hogancamp, residente en el estado de Nueva York, quien fue golpeado y dejado a su muerte después de que borracho le contó a algunos clientes del bar donde trabajaba que disfrutaba usar zapatos de mujer. Pasó nueve días en coma y más de un mes en recuperación. El ataque borró efectivamente todos los recuerdos de su pasado y erradicó su adicción al alcohol.

Hogancamp siempre había sido un reconocido ilustrador de la segunda Guerra Mundial, pero desde aquel encuentro que lo dejó con manos temblorosas, se dedicó a la fotografía y así fue que construyó un modelo a escala de una aldea belga ficticia durante la Segunda Guerra Mundial en el patio trasero de su casa y lo llenó de muñecas y figuras de acción restauradas, muchas de las cuales tenían análogos de la vida real. Él bautizó a la aldea como "Marwencol", una combinación de su nombre y dos personas de las cuales estuvo enamorado y le ayudaron a salir adelante de sus problemas físicos e inseguridades: Wendy y Colleen. Luego actuó y fotografió una serie de melodramas imaginados dentro de sus fronteras con un soldado estadounidense, un ejército de mujeres y villanos nazis. Esto lo ayudó a lidiar con su asalto y sus ausentes recuerdos, hasta que un encuentro casual con otro fotógrafo, David Naugle, le dio la oportunidad de mostrar su trabajo en una galería de arte de Nueva York, algo que la película no cuenta con especificidad. Pero todo lo anterior es retratado con mucha altura y sensibilidad sobre el tema.

La publicidad de "Welcome to Marwen" sin duda intenta vender una película genérica y dramática a la vez. Sin embargo, Zemeckis y la co-guionista Caroline Thompson logran equilibrar las demandas de una producción que satisface a la multitud, manteniendo la idiosincrasia de Hogancamp (su afición por los zapatos de mujer es parte integral de su personaje; lo define como una "esencia" en lugar de un "fetiche") así como sus tendencias introvertidas totalmente intactas.

Ayuda que el mismo Zemeckis sea un cineasta muy particular de su estilo, especialmente cuando se trata de asuntos técnicos. La escena inicial de Welcome to Marwen visualiza uno de los elegantes vuelos de Hogancamp cuando su alter ego en miniatura, el capitán de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Hoagie, se estrella en un avión justo fuera de la ficticia aldea belga. Hoagie fue creado a través de la captura de movimiento, por lo que su rostro tiene ese aspecto de "valle extraño" (Steve Carell, pero suavizado y de plastilina) por el cual muchos críticos y espectadores han golpeado a Zemeckis repetidamente desde sus primeros experimentos de mo-cap en The Polar Express (2004) y Beowulf (2007). No obstante, este resulta ser el mayor atractivo de esta película, creando dos historias paralelas: las aventuras de Hoagie y como él logra ser feliz junto a una mujer durante sus enfrentamientos con los nazis, y un fracturado (física y emocionalmente) Mark que trata de dar la cara en el juicio contra sus agresores y a la vez poder ser protagonista de su propia exhibición sobre Marwen.

El efecto de los muñecos es muy apropiado aquí, como lo fue en su adaptación subestimada de A Christmas Carol (2009), ya que la inmoralidad encaja perfectamente en la fantasía autocreada de Hogancamp, y porque Zemeckis contrasta el sueño terapéutico de su protagonista con su sueño menos complejo: la realidad ideal. Hogancamp es demasiado humano y rápidamente se hace evidente que está utilizando este universo que ha creado sus fotografías de la misma, para ahogar una realidad triste y dolorosa.

Steve Carell y Diane Kruger son los rostros principales que se encargan de que los mensajes de esperanza y aceptación sean bien aceptados por los seguidores de la trama. Zemeckis y Thompson condensan la verdadera historia para lograr un efecto dramático. La muestra de arte de Hogancamp, sus cálculos en la cancha con sus atacantes y su nueva amistad con Nicol (Leslie Mann) ocurren en el mismo lapso de tiempo. Esto refleja la frenética acción en Marwen, donde Hoagie, con su alto nivel de tacones, cuenta con un batallón de mujeres interpretado por Mann, Eiza González, Merritt Wever, Gwendoline Christie, Janelle Monae y Leslie Zemeckis, la esposa del director.

El grupo se enfrenta a una pandilla de oficiales de las SS, que son alteregos de los atacantes de Hogancamp y el abusivo ex novio de Nicol, Kurt (Neil Jackson). Estos nazis nunca quedan muertos, algo que parece ser el trabajo de bruja de Deja Thoris (Diane Kruger), una psicópata que acosa a Mark en su fantasía y realidad.

Como era de esperar, Zemeckis está en casa en las escenas de Marwen, que se deleitan en los anacronismos y en un aura de adolescentes detenidos. La decoración puede ser la Segunda Guerra Mundial, pero eso no impide que las heroínas armadas de Hoagie se pasean por la plaza de la ciudad con "Adicto al amor" de Robert Palmer. Abundan los toques ingeniosos: cada vez que una muñeca muere, se rompe en las articulaciones con un chasquido demasiado suave  o se colapsa en un rigor mortis hilarantemente exagerado. Zemeckis también saquea hábilmente varias filmografías, incluida la suya. La secuencia de batalla climática implica un campanario directamente del vértigo de Hitchcock, una película que el crítico estimable y defensor de Zemeckis, Dave Kehr, ha comparado temáticamente con Marwen. Así mismo, hay una máquina de tiempo improvisada que se asemeja a un cierto DeLorean alimentado con 1.21 gigavatios.

Sin embargo, el VFX no existe en el vacío, pero comenta y se mezcla de manera provocativa con la existencia inadaptada de Hogancamp. Zemeckis no trata las escenas de acción en vivo como respiro o relleno; los usa para iluminar las muchas formas en que la vida de ensueño de su protagonista invade sus terrores y temores verosímiles.

En su abortiva primera visita a la corte, un Hogancamp petrificado imagina a sus atacantes transformándose en los antagonistas nazis de plástico, disparando a jueces y abogados, causando estragos hasta que Hoagie aparece y lo lleva a la seguridad. No menos angustiosas son las escenas en las que la fantasía no se entromete, como cuando Hogancamp confiesa su amor por Nicol y la cámara se mantiene firme mientras se produce un encuentro extremadamente incómodo. Ambas secuencias demuestran la inclinación de Zemeckis y su excelente director de fotografía C. Kim Miles por tomas largas y expresivas que delinean a los personajes.

El único eslabón débil en la producción es Carell como el Hogancamp del mundo real. A menudo exagera los tics de sabio de su personaje y, en el peor de los casos, se acerca a la parodia. Por otro lado, como un juguete plástico macho y sexualmente simultáneo, es perfecto.

El hecho de que esta mitad de la falla no altere completamente la película es una prueba de cómo Zemeckis y sus colaboradores generan los mundos duales de Hogancamp: realidad y arte, siempre en colisión, siempre en combinación. Los aspectos nudosos de la historia reverberan bajo su superficie sentimental y inspiradora. Con el pretexto de un entretenimiento brillante, Welcome to Marwen descubre algunas verdades inquietantemente irresolubles sobre la humanidad.

Beautiful Boy

Crónica sobre la adicción a la metanfetamina y el intento de recuperación y de salir de las drogas a través de los ojos de un padre que observa a su hijo mientras lucha contra la enfermedad de la drogodependencia.

Cuando dos estrellas (de generaciones completamente diferentes) se unen para compartir el rol protagónico, la razón deque el cine independiente exista se da a notar. Steve Carell y Timothée Chalamet encarnan a David y Nic Sheff, padre e hijo que, a pesar de las circunstancias de la vida, se demuestran incondicionales el uno para el otro.

La película está adaptada de las memorias del veterano periodista David Sheff y su hijo Nic, quienes documentaron la adicción a las drogas que afectó a Nic en su adolescencia y casi destruyó a la familia. Mientras Nic ha saltado de un internado de rehabilitación a otro, David trata de encontrar respuestas al motivo de la adicción de su hijo y cuales opciones deberá cumplir en orden de evitar una tragedia mayor por parte de su hijo.

"Beautiful Boy" es una calamidad familiar bastante grande, angustiosa y horrorosa. La película tiene una clara intención educativa de hacer un llamado de atención a las adicciones de cualquier tipo. Timothée encarna a Nic, quien voluntariamente emprende un viaje al infierno e insiste en que es una opción más de una enfermedad que ha intentado consumir toda su vida hasta el final de sus días. Al mismo tiempo, Steve presenta a un padre preocupado por su hijo, quien dedica cada segundo de su energía para tratar de ayudarle a superar su adicción, hasta que se da cuenta que no podrá ayudarle en serio si su propio hijo no se compromete a salir de esta tóxica vida.

Steve Carell como David Sheff es un hombre cuyo modo predeterminado es la calma, pero que se topa con los límites de la razón una y otra vez. Mientras que Chalamet esboza la degradación total, pero también los matices sutiles de un usuario cuyas oraciones pueden ser un intento de manipulación.

A pesar de que la película se basa en dos libros (uno escrito por David y otro por Nic), está claro que se centra más en la perspectiva del padre y los conflictos que fue creando la adicción de su hijo en torno a su nuevo matrimonio, sus demás hijos e incluso su vida laboral. Solo después de varias decaídas de Nic es que la audiencia podrá ser testigo de sus decisiones, sus altas y bajas, y la relación que este tiene con su padre. La química entre Steve Carell y Timothée Chalamet es un agregado interesante para la historia, lo cual ayuda a la trama a evolucionar de manera más dramática.

Pero no se puede dejar de mencionar la actuación de Maura Tierney, quien representa la esposa de David, y quien, a pesar de no haber sido la madre biológica de Nic, lo aprecia como tal, sufre y llora sus decaídas, pero trata de mantenerse firme para darle fuerza a David en el momento de tomar decisiones.

Un aspecto narrativo, que para algunos espectadores podría resultar cansón, es la repetición constante de las decaídas de Nic y los intentos frustrados de David por salvar a su hijo. Parecería un proceso lento y repetitivo, casi metido en un loop sin salida, pero esto se debe a que representa la idea de la adicción. Ahora, la película va cambiando de la adicción a la rehabilitación una y otra vez, aumentando la apuesta por la miseria con cada nuevo turno, mientras que las piezas centrales son las conversaciones entre padre e hijo; algunas de las que es necesario resaltar son en el restaurante cuando Nic está tratando de estafar a su padre con dinero y luego por teléfono cuando David finalmente decide que no puede tratar de ayudar a su hijo por más tiempo.

La música es fundamental para "Beautiful Boy", con un uso astuto de canciones de un catálogo de depresivos, desde Bowie a Buckley, con Nirvana y Neil Young, Sigur Ros y Henryk Gorecki. Esta es complementada con los colores de las imágenes que representan los cambios en la vida de los protagonistas, y las alucinaciones que Nic irá experimentando a lo largo de su vida adolescente.

El verdadero camino de esta relación hijo-padre es el de la cura de la adicción (un cambio de vida y del enfoque de vida) y la de la cura de las obsesiones paternas. Uno debe aprender a lidiar con la pesadilla del abuso y el otro debe entender mucho más de sí mismo y es ahí donde Carell da su parte a la película con una interpretación bastante más alejada de los estereotipos y por lo tanto igualmente satisfactoria. Logra pasar del “villano” que no comprende al del hombre que ve sus errores, que conoce sus pecados y que debe aprender que probablemente ha provocado mucho del infierno de su hijo.

Lo impresionante de Beautiful Boy es como con un relato tan sencillo y honesto, abordan un tema tan delicado y que muchos cineastas evitan tratar con transparencia. Felix Van Groening ha logrado una pieza que, sin importar la cantidad de asientos que llene, el mensaje llevará un impacto en la vida de la audiencia.

Mi Villano Favorito 3 (Despicable Me 3)

Balthazar Pratt, un antiguo niño estrella obsesionado con el personaje que encarnó en los años ochenta, demuestra ser el peor enemigo al que Gru ha debido enfrentarse hasta la fecha. (FILMAFFINITY)

Continuando con nuestro capítulo de "películas que deberían dejar de hacer secuelas"... La historia de Gru y los Minions la conocimos en 2010, cuando estrenó Despicable Me. Para aquel entonces, y para la sorpresa de otras casas productoras de animación, la película fue un éxito, tanto para los niños como para los adultos, que nos enamoramos de esas criaturitas amarillas y de las niñas que llegan a la vida de Gru. De repente sale una segunda película que fue casi igual de graciosa y que da una continuación interesante a la vida amorosa de Gru. Ya para cuando anunciaron la tercera, mi pregunta fue: ¿y ahora qué veremos? ¿Gru será papá? ¿Esta vez robará la luna?

Para los que olvidaron, como yo, lo que sucedió en la segunda película, Gru estaba en una transición de ser supervillano a superespía (error garrafal #1). En este tercer encuentro con los Minions, ya Gru es parte de la agencia de superespías, ya no es el villano que nos hacía reír con sus planes de arruinar el mundo... pero para su mala suerte, y por el descuido de dejar escapar al villano Baltazar Bratt, es despedido junto a su esposa Lucy. Y los minions, cuando se dan cuenta de que Gru no volverá a ser villano, lo abandonan. Para completar la historia, llega la noticia de que Gru tienen un gemelo que quiere aprender de él para ser el villano perfecto. 

Con esta tercera historia, Despicable Me termina desvinculándose totalmente de la idea original de su protagonista y creando minitramas internas que se alejan del objetivo principal de esta entrega (que, por si no lo saben, es capturar a Baltazar para poder recuperar el trabajo como espías). El hecho de que Gru ya no es un villano hace que hasta el título del filme no tenga sentido y que lo que antes daba risa, ahora es muy repetitivo. El mismo villano Baltazar solo es divertido cuando da sus pasitos de baile o lanza una de sus bellaquerías, pero se pierde al abrir la boca. Los únicos que, en cierto sentido, no pierden su carisma y son lo mejor de toda esta película, son los minions, que no dejan de hacer de las suyas y siempre buscan demostrar la eterna lealtad que le tienen a Gru, y por supuesto Agnes con su eterna búsqueda del unicornio más esponjoso.

La musicalización es lo que le permite ganarse unos puntos a favor, con la sinfonía perfecta de Pharrell Williams, quien hizo la banda sonora de las dos primeras entregas de Despicable Me, complementada con música de los 60 y 70 para el personaje de Baltazar. Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar las secuencias de los minions, que a nivel narrativo, coreográfico y fotográfico representan las mejores escenas de toda la película.

Despicable me 3 es una película que, por el hecho de haber creado una gran simpatía con el público en la primera ocasión, ahora quiere volver a retomarlo con mucho force, subtramas desligadas de la historia y personajes alejados de su rumbo original. Quizás a los más chiquitos les entretenga, dado que sigue siendo animación y siguen estando los minions, pero quienes sentimos amor por el primer filme, sentiremos las ganas de mirar el reloj cada cinco minutos y preguntarnos qué ocurrió con ese super villano que sí hacia cosas divertidas.