Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Lightyear

La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans.

Pixar ha hecho que su audiencia se enamore de juguetes, animar a los insectos y registrar incontrolablemente a un amigo imaginario. Así que tal vez no debería ser sorprendente que el último lanzamiento del estudio de animación sea más efectivo cuando se centra en un gato robot de apoyo emocional llamado Sox.

Específicamente, Sox es un gatito de apoyo emocional para Buzz, el guardabosques espacial en el centro de Lightyear. La película comienza con una tarjeta de título que informa que Buzz de Toy Story se vendió en 1995 para promocionar la película favorita de Andy: "esta es esa película". Y advierte que, si Lightyear se hubiera estrenado en 1995, habría sido la película favorita de todos. La animación es impecable, como siempre, a veces tan realista y sobretodo innovadora.

El equipo de Pixar eligió los juguetes como temas de su primer largometraje porque aún no habían descubierto cómo hacer que los humanos parecieran realistas (un problema que han resuelto muy claramente a lo largo de los años). Sin embargo, la habitación de Andy albergaba a toda una comunidad de juguetes de plástico complicados y matizados, con la excepción de Buzz Lightyear de Tim Allen, que aún no había aceptado que era un juguete y no un guardabosques espacial en una misión singular: derrotar al emperador Zurg. Allen fue un codirector, pero realmente un personaje secundario de Woody, un vaquero egoísta cuya compleja relación con ser el "favorito" de Andy estaba en el corazón de una historia muy humana.

En Lightyear, Buzz ocupa el centro del escenario. Después de que la nave de su gran tripulación sea abandonada en un planeta extraño, se encarga de jugar al héroe, a pesar de ser el que los abarrocó en primer lugar. Cuando los robots se apoderan del planeta, trabaja a regañadientes con una banda de guardabosques voluntarios para salvar la colonia.

Este Buzz (Chris Evans) no es un juguete, pero todavía tiene el objetivo singular de derrotar a Zurg. Y lo va a hacer solo, porque este Buzz no necesita la ayuda de nadie, ya que se recuerda a los que le rodean (y al público) en numerosas ocasiones durante toda la película. El director Angus MacLane (Finding Dory) y su coguionista Jason Headley (Onward) rodean a su personaje principal con voluntarios extravagantes (con la deliciosa voz de Dale Soules, Taika Waititi, Keke Palmer y más), pero Buzz no se molesta en aprender la mayoría de sus nombres, así que uno tampoco.

El guardabosques espacial establece una estrecha conexión con Sox, un compañero robot de ojos de cierva claramente incluido para derretir los corazones de la audiencia. El vínculo de Buzz con su gatito robot (Peter Sohn) se convierte en el centro emocional de la película. Sox es una de las pocas cosas más allá de la misión que nuestro héroe se preocupa durante el tiempo de la audiencia con él. Cuando el felino está en peligro, o usando una de sus habilidades aparentemente infinitas (y más allá) para salvar el día, la película crepita con esa magia de Pixar que hemos llegado a esperar en el último cuarto de siglo. 

La conexión de Buzz con los demás de la colonia rivaliza únicamente por su vínculo con el único guardabosques espacial que consideró su semejante, Alisha (Uzo Aduba). Buzz y Alisha comienzan la película lado a lado, pero, debido a un giro de trama oportuno y astuto que conduce a romper canones sin límites, Alisha sigue viviendo una vida plena mientras Buzz no envejece, física o emocionalmente.

El público, como Buzz, verá los hitos de su amigo a través de viñetas similares a la apertura universalmente elogiada de Up: Alisha conoce al amor de su vida, comienza una familia con su esposa, se convierte en madre y abuela, y celebra su 40 aniversario de boda. Gracias a las habilidades de telecomunicaciones de Sox, Buzz disfruta de un último momento con su amiga en un momento crucial de la película. En medio de lo que es esencialmente una película de acción, es una respiración profundamente conmovedora, una que hubiese sido bueno tener varias veces durante toda la película, en términos de tono, pero que a lo mejor no fue muy necesario porque le dio oportunidad al tema desarollarse en toda su totalidad, hasta incluir el gran significado de la famosa frase "al infinito y más allá".

Crítica Cinéfila: Turning Red

Mei Lee, una niña de 13 años un poco rara pero segura de sí misma, se debate entre ser la hija obediente que su madre quiere que sea y el caos propio de la adolescencia. Y por si los cambios en su vida y en su cuerpo no fueran suficientes, cada vez que se emociona demasiado (lo que le ocurre prácticamente todo el tiempo), se convierte en un panda rojo gigante.

Mei Lee, de trece años, tiene grandes problemas mucho antes de convertirse inesperadamente en un panda rojo gigante que camina y habla. Quiere pasar el rato con sus amigos, soñar anhelando a su banda de chicos favorita (4*Town, aunque inexplicablemente hay cinco miembros), reírse un poco, y todo esto simplemente por ser una niña. Pero en casa, ella tiene que ser otra persona, abotonada y adecuada, una estudiante perfecta y una hija cariñosa, no solo una adolescente en la edad del pavo. Ser un adolescente ya es lo suficientemente duro, extraño más allá de toda medida, confuso como cualquier cosa, muy hormonal y luego además de todo eso... convertirse en un panda rojo gigante que camina y habla.

Pixar nunca ha rehuido las cosas difíciles: hay generaciones enteras de niños que han sido guiados a través del frío terror de nada menos que la muerte, la destrucción mundial e incluso el más allá a través de las encantadoras producciones del gigante de la animación, pero lo que Domee Shi logra con "Turning Red" marca la primera vez que Pixar se ha metido de lleno en quizás la cosa más aterradora, divertida y extraña de todas: la pubertad.

Comenzando con una energía increíble e inquebrantable, Shi nos presenta a su maravillosa Mei (con la voz de la encantadora Rosalie Chiang), una nativa de Toronto que intenta navegar por la naturaleza de la escuela secundaria, siendo hija única y todo el poder de la fuerza de un primer amor. Sí, Mei a menudo puede sentirse dividida entre sí (piense en ellas como la Mei de la escuela y la Mei del hogar), pero también tiene un conocimiento firme de su espíritu central: es una orgullosa triunfadora, una genio de las matemáticas, un cerebro total y amable.

Eso está totalmente bien para Mei, porque tiene un equipo sólido de tres mejores amigas que la apoyan en todo lo que hace. Miriam es un poco marimacho, Priya es estoica y sarcástica, y Abby es propensa a gritar sin importar si está feliz, triste, enojada o cualquier otra cosa (un rasgo de carácter increíblemente específico y maravillosamente universal, porque todos conocían chicas como estas en la escuela secundaria).

Al igual que su estrella animada, Shi es una orgullosa chino-canadiense, y el afecto de la cineasta por su ciudad natal de Toronto es evidente en cada escena. Es una ciudad vibrante y multicultural, llena de gente y lugares interesantes (Shi y sus animadores incluso se las arreglan para hacer que el mini mercado del vecindario sea tan atractivo como el hermoso templo de los Lin), y Mei lo navega con facilidad. ¿El resto de su vida? Eso es un poco más complicado.

El templo de su familia es el más antiguo de Toronto, y esa no es la única razón por la que es especial: también es el único que honra a todos los ancestros del clan, particularmente a su matriarca, quien tenía un vínculo profundo con los pandas rojos que ejemplificaba tanto su valentía como su creatividad. La tensa madre de Mei, Ming (con la voz de Sandra Oh), administra el templo, un tesoro familiar y su principal fuente de ingresos (a los turistas les encanta, especialmente cuando Mei se viste con un disfraz casero de panda rojo).

En su impecable dormitorio, un trío de carteles le recuerdan a Mei cuáles son sus prioridades: "ESTUDIO", "TRABAJO" y "ESCUCHA". La cuestión es que Mei hace todo eso, con estilo y dedicación, pero también quiere más.

Como cualquier niña apasionada de 13 años, eso involucra a sus amigos y música pop y sí, una banda de chicos compuesta por cinco miembros igualmente atractivos. Impulsada tanto por su deseo de asistir a un concierto masivo de 4*Town con sus mejores amigas como por la posibilidad de que sienta algo por el empleado adolescente de ojos saltones en el mini mercado, Mei parece estar a punto de hacer algo grande. Sin embargo, sigue siendo toda una sorpresa cuando se despierta una mañana como un panda rojo gigante.

Mientras Mei, desesperada y totalmente adorable, trata de ocultar su condición a sus padres, es totalmente comprensible que Ming pregunte: "¿Floreció la peonía roja?". en un portazo del baño, un momento que me trajo recuerdos tan viscerales de mi propia juventud femenina. Mei, siempre ingeniosa y extremadamente inteligente, pronto descubre que, si puede calmarse a sí misma, puede deshacerse de sus cosas de panda. Sin embargo, la escuela secundaria no es exactamente el mejor lugar para mantener la calma.

Incluso cuando está completamente de vuelta en su cuerpo humano, el cabello que alguna vez fue negro de Mei sigue siendo de un rojo vibrante; su interior revuelto parece muy visible en el exterior: el panda rojo siempre amenaza con soltarse y causar estragos en el mundo. Pronto, Mei se da cuenta de que su dolencia podría no ser del todo exclusiva de ella, y "Turning Red" revela una nueva mitología fresca, divertida y centrada en la familia destinada a convertirse en un icono.

Pero lo más inspirador y especial de la película es cómo Shi, junto con la coguionista Julia Cho, logra unir los elementos fantásticos de la historia con las reglas de películas de coming-of-age. Y debe tenerse en cuenta que la banda sonora de la película, completa con una gran cantidad de improvisaciones falsas de 4 * Town, es literalmente perfecta.

Los fans del gran éxito de Shi, el cortometraje ganador del Oscar "Bao", también encontrarán mucho que les encantará aquí. Sí, hay exuberantes secuencias animadas centradas en la comida (en este caso, preparada con amor por el padre de Mei, Jin, con la voz de Orion Lee) que harán babear a cualquiera, pero es la respuesta multifacética de Shi a las tensiones de las familias divididas culturalmente lo que golpea más fuerte. Mei, a pesar de toda su fanfarronería inicial, quiere complacer a su familia, pero las reglas rígidas de Ming y su naturaleza mojigata dejan poco espacio para que Mei sea su adolescente loca, salvaje y extraña.

Esa tensión, más toda la confusión de las adolescentes, multiplicada por la manía del panda rojo, se manifiesta en animaciones brillantes, coloridas y enérgicas, con Shi y sus animadores a menudo desplegando gráficos de estilo más clásico para contar escenas de cuentos o para contextualizar el legado de lo que está soportando Mei. Es emotivo, impresionante y un placer para la vista. Eso se puede decir de toda la película, que marca el rumbo de cómo puede (y debe) verse, sonar y obsesionarse una película moderna de Pixar. Las lecciones son del tipo habitual: cómo ser sincero contigo mismo, cómo honrar a tu familia y amigos, el valor de la cultura en todas sus formas, la necesidad de encontrar el humor, pero se vuelven frescas y nuevas, convirtiéndose en una de las mejores películas de Pixar no solo sobre el dolor de la vida, sino también sobre su alegría.

Crítica Cinéfila: I Lost My Body

Una mano cortada se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los escollos de París, recuerda su vida con el joven al que una vez estuvo apegado... hasta que conocieron a Gabrielle.

¿Cuál es la mejor parte de hacer una película animada? La cantidad de reglas sobre lógica que puedes romper y que funcionarán, sin importar si son creíbles o no. Lo hemos visto desde animés como Spirited Away hasta las películas de Tim Burton como Nightmare before Christmas. Pero sin duda alguna, todo el que vea I Lost My Body va a quedar impactado por la manera tan inteligente en que la historia se desarrolla, marcando el debut en la categoría de animación para el escritor-director francés Jeremy Clapin.

Estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes, la película sigue a una mano tratando de reconectarse con su cuerpo mientras hace sentido de su "vida". A su vez, sigue a Naoufel, un joven que ha anda perdido sin saber cuál es su verdadera pasión, hasta que conoce a Gabrielle y decide ir por ella, encontrando finalmente algo de felicidad en el camino. Es una historia sobre la pérdida a nivel original, bastante conmovedora, tanto física como emocional, con un tipo de animación madura que podría encontrar tracción más allá del circuito festivo.  

Adaptado por Clapin y el guionista de Amelie Guillaume Laurant de la novela de este último, el guión retrata la existencia problemática de Naoufel (expresado por Hakim Faris), un niño que pasó una infancia feliz en el norte de África hasta que sus padres murieron en un accidente automobilístico y fue enviado a vivir con un tío en París.

Tímido y todavía traumatizado por el incidente que lo dejó huérfano, Naoufel pasa a ser un humilde repartidor de pizzas sin planes reales para el futuro. Pero cuando se enamora perdidamente de la bibliotecaria Gabrielle (Victoire Du Bois) durante un parto fallido, decide perseguirla, conseguir un trabajo en el taller de carpintería de su tío (Patrick D'Assumcao) y, tal vez por primera vez, tomar su vida en sus propias manos.

Mientras tanto, la mano sigue su camino por reconectar con su dueño. De momentos nos delata a quien pertenece, por algunos lunares que ya hemos visto en alguien y por los recuerdos que mantiene entre sus huellas; toda la historia se cuenta a través del punto de vista de la extremidad desmembrada, ya que lenta pero seguramente se arrastra hacia su maestro. En el camino, se encuentra con una serie de obstáculos que se convierten en verdaderos escenarios de películas de acción en miniatura, desde un feroz ataque de paloma hasta un enfrentamiento con ratas en el metro. Esas escenas, compuestas de dibujos realistas en 2D, se entrelazan con flashbacks impresionistas: dedos que tamizan la arena en una playa o tocan el piano; sangre que mana de un pulgar, donde la mano recuerda los eventos clave que condujeron a su situación actual.

Clapin utiliza esos momentos de memoria sensorial para revelar cómo Naoufel, que alguna vez fue un niño despreocupado con gusto por la música y la grabación de sonido, se transformó en alguien inseguro por un trauma que lo ha llevado a un trabajo sin salida. Cuando se encuentra con la pensativa Gabrielle, durante una reunión ingeniosamente organizada donde se comunican a través del intercomunicador de su edificio, de repente hay un destello de luz en su desesperada existencia. Es una manera inteligente de conectar personajes y mostrar la química incómoda de tratar de acercarte a personas que no conoces porque allí ves algo de esperanza.

Además de la animación que parecerá sencilla pero en realidad es bien agradable para la historia, la musicalización ayuda para establecer el tono y punto de vista de la historia, enfocándose en el sufrimiento de la soledad y la pérdida de contacto con las personas cercanas a tí. Clapin hace un buen trabajo para conectar cada punto técnico con su historia y llevarnos a emociones que nadie esperará sentir.

A la vez espeluznante y melancólico, I Lost My Body emplea su improbable escenario de horror para canalizar algo más profundo y oscuro, yendo más allá de lo simple para llegar a lo personal. La película trata tanto de una mano que llora la pérdida de su cuerpo como de que Naoufel acepta las pérdidas que ha experimentado en su corta y triste vida. Si de alguna manera puede reconstruir las cosas, finalmente puede volverse completo nuevamente.

Crítica Cinéfila: How to Train Your Dragon, the Hidden World

En esta nueva entrega, Hiccup y Toothless descubrirán finalmente su verdadero destino: para uno, gobernar Isla Mema junto a Astrid; para el otro, ser el líder de su especie. Pero, por el camino, deberán poner a prueba los lazos que los unen, plantando cara a la mayor amenaza que jamás hayan afrontado... y a la aparición de una Furia Nocturna hembra.

Habiendo aprendido desde hace mucho tiempo con una historia conmovedora de Vikingos y Dragones, la franquicia de DreamWorks se ha convertido en una temática más grande de lo que seguro esperaba y, como resultado, ha mejorado. Rara es la secuela animada que no forma parte de los mitos para justificar su existencia a nadie más que a los niños, y aún así "Cómo entrenar a tu dragón: El mundo oculto" logra hacer eso al terminar la trilogía ahora completa en una nota alta.

Eso es en parte porque la serie se ha tomado su tiempo. Han pasado casi cinco años desde "Cómo entrenar a tu dragón 2", que siguió al original por cuatro años. Ahora hemos estado viendo Hiccup Horrendous Haddock III y su dragón Toothless durante casi una década, y las películas han madurado con ellos. Dirigido una vez más por Dean DeBlois, "The Hidden World" toca un acorde agridulce al recordar a su joven audiencia que todas las cosas buenas, incluida la edad de los dragones, deben llegar a su fin.

Hiccup, ahora el líder de su tribu, ha ayudado a crear "la primera utopía del vikingo-dragón", pero esas cosas nunca duran. Hay dos desarrollos principales en esta ocasión: el plan de Hiccup para trasladar su colonia al Mundo Oculto, un mítico paraíso de los dragones, y Toothless se enamora de una Night Fury. Las secuencias más cautivadoras involucran su cortejo sorprendentemente dulce, un momento casi silencioso en el que aparecen solo ellos.

No es que Hiccup y su cohorte quieran moverse. La peregrinación es estimulada por las malas acciones de Grimmel, un cazador de dragones cuya visión de las criaturas es considerablemente menos utópica que la de Hiccup. La existencia de Toothless está en riesgo, por no decir nada de su estilo de vida, lo cual pone a la defensiva de un joven líder para enfrentar el desafío y sacar a su gente del camino del peligro.

Ahí radica el mayor problema con "El mundo oculto": su héroe. Hiccup se convierte en un protagonista mucho menos convincente que su amigo volador, entre otras cosas porque el joven advenedizo hace que sea fácil estar de acuerdo con su miedo profundo de que es un líder poco inspirador, quien no estaría en ninguna parte sin Toothless. No ayuda que el trabajo de voz de Baruchel sea más adecuado para un niño valiente que el líder de una tribu vikinga, lo que solo se ve subrayado por el hecho de que el padre de Hiccup es interpretado por Gerard Butler. También prestan sus voces a esta entrega Cate Blanchett, Craig Ferguson, America Ferrera, Jonah Hill, Kit Harington, Justin Rupple, Kristen Wiig y Christopher Mintz-Plasse. Sin embargo, y a pesar de la voz adolescente y "congestionada" del protagonista, las decisiones que toma demuestra que no solo sabe tomar sacrificios, sino también puede convertirse en un líder sin necesidad de estar acompañado por su dragón.

Por otro lado, el villano es digno de desprecio. Grimmel, que se parece un poco a la era de Drácula, cree que el único dragón bueno es un dragón muerto, no que le importe usar un pequeño ejército de ellos para lograr este fin depredador. Expresado con el estilo apropiado de Abraham, es lo suficientemente siniestro como para hacerte olvidar brevemente, a veces, que no hay forma de que "Cómo entrenar a tu dragón" termine con la extinción de todos los dragones (¡pero qué clímax sería!).

Luego está el propio Mundo Oculto, un lugar brillante y edénico que cobra vida con algunos de los CGI más llamativos de la memoria reciente. La animación en sí es sorprendente: una secuencia temprana en la que el cielo está lleno de dragones es un signo temprano de las delicias visuales por venir, y termina siendo el punto culminante de la película.

Aunque obviamente dirigido a los niños, este capítulo de "Cómo entrenar a tu dragón" podría ser mejor apreciado por los entusiastas de las historias medievales. Puede ver cada centavo en la pantalla, a menudo con más detalles que el viaje interno de Hiccup. Eso es suficiente para llevar a "The Hidden World" más allá de la línea de meta, y hacer que esperes que se mantenga terminado.

Coco

Miguel es un joven con el sueño de convertirse en leyenda de la música a pesar de la prohibición de su familia. Su pasión le llevará a adentrarse en la "Tierra de los Muertos" para conocer su verdadero legado familiar. (FILMAFFINITY)

La fórmula de Pixar fue creada con la intención de provocar la emociones más intensas y poderosas en su espectador: nostalgia, encanto, cariño, y sobretodo empatía. Por eso, el público se mantiene fiel a sus historias. Por eso, Coco no es la excepción y se ha convertido en un éxito en sus primeros días de estreno.

En el pueblo de Santa Cecilia vive Miguel, un niño que pertenece a una familia de zapateros: todos han arreglado y producido zapatos en la compañía familiar desde que la tátara abuela Mamá Imelda la comenzó, cuando su esposo la abandonó a su suerte por perseguir su carrera musical. Por esta razón, la música está prohibida en su familia y todos parecen estar de acuerdo con esto, excepto Miguel que sueña con ser un músico famoso como su ídolo Ernesto de la Cruz y decide participar en la competencia de talentos del pueblo.

Como tradición para el Día de los Muertos, la familia pone ofrendas y las fotografías de sus difuntos, para que ellos puedan regresar al mundo de los vivos, y aceptar las ofrendas. También es una manera de que no queden en el olvido y sobrevivan en el mundo de los Muertos. Cuando Miguel rompe el portaretrato de Mamá Imelda y descubre que su ídolo, quién falleció hace varias décadas, podría ser el tátara abuelo que todos no quieren recordar, decide tomar su guitarra para participar en la competencia. Por error, termina en el mundo de los Muertos, donde su tátara abuela está determinada a regresarlo, con la condición de que no vuelva a querer incursionar por la música. Sin embargo, él escapa y se plantea encontrar a su ídolo/posible tátara-abuelo para recibir su bendición, con la ayuda de su nuevo amigo Héctor.

El guion posee técnicas intuitivas de humor y melodrama, con el objetivo de atraer a su audiencia con su historia, sus pesonajes y la cultura que busca transmitir en cada escena y detalle de la trama. El conflicto y resolución de este filme se enfoca en la tradición cultural mexicana y la búsqueda de la pasión de cada ser humano.

Cada personaje de Coco, desde Miguel hasta su perro, están construídos con un rol específico para sumarle más detalles importantes a la historia, que en un momento quedarán establecidos y que permitirán que sean recordados, aunque su participación haya sido totalmente mínima. Y aquellos que menos esperamos, guían la historia en un camino inesperado. 

Las películas de Pixar se toman un tiempo estimado de producción de 5 años, y esto se debe al desarrollo del diseño gráfico, musicalización y efectos de sonido. Coco posee una imagen poderosa compuesta de una colorización que pretende reflejar la tradición cultural de México con el día de los Muertos, tanto en la creación de sus personajes como en la producción de sus escenarios, destacando específicamente el Mundo de los Muertos. La musicalización, que es para mi uno de sus atractivos principales, está compuesto por clásicos mexicanos como La Llorona, La Bikina, Bésame Mucho y Juanita, y algunos son originales de la película como Recuérdame, Un Poco Loco y  El latido de mi corazón. Las canciones tienen una lírica poderosa y contagiosa, con el estilo típico de mariachi.

Coco es una película que, gracias a los aspectos que desarrolla como la vida de pueblo, la matriarca que se hace cargo de su familia cuando el padre está ausente y la tradición de una fecha importante en esta cultura, se gana el respeto y cariño de su audiencia, complementada con un diseño de producción y música que le suman atractivos y la proponen como una posible nominada en la próxima temporada de premios.

Emoji

Los protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo. (FILMAFFINITY)

Erasé una vez, cuando ya no habían más criaturas que se pudieran utilizar para el cine de animación, los emojis salieron al rescate, con un paquete de emociones exageradas, sátiras un poco ridículas y una historia que solo es apta para menores de 8 años.

Los emojis son uno de los mejores inventos que hay en el mundo digital: te pueden resolver cualquier conversación en segundos y pueden ahorrarte palabras que no quieres decir. Quizás en base a eso, el director Anthony Leondis se inspira para crear esta película, que narra como el emoji del Meh (todavía no descubro cuál es ese en mi celular) tenía una falla, y dado a eso el usuario del celular cree que es necesario formatear el aparato. Para poder evitar que todo su mundo sea eliminado, Meh junto a hi-5 y Lady Hacker deberán dirigirse a la nube para arreglar la falla y poder salvar Metrópolis. A mitad de camino se toparán con una serie de aplicaciones, spams, virus y demás que tratarán de mantener el ritmo por buen camino.

El tema con esta película radica en la misma historia: es literal solo para niños. A diferencia de otras películas animadas que en un sentido u otro son para todo tipo de público, el lenguaje y las acciones de Emoji es dirigido para un publico infantil, para que puedan seguirle el hilo y la puedan entender. No significa que sea aburrida, pero es ridícula y llega a desesperar. A parte, parece una eterna publicidad de todas las aplicaciones, como candy crush, Spotify, Dropbox, Just Dance e incluso WhatsApp, aunque no se le haga mención. Esto quizás a otros no les afecte, pero a mi sí.

Aunque consta de un tremendo elenco, que los personajes están muy claros de su trabajo dentro de la historia y uno mismo logra identificarse con algunos aspectos del mensaje principal, no deja de ser un poco infantil y arriesgada, principalmente cuando se trata de entretener a un público adulto.

Por otro lado, la fotografía y la animación es en esencia lo mejor de la película, lo cual servirá de atractivo para gran parte del público, complementada por una musicalización que, aunque son canciones populares, no dejan de ser un elemento fundamental para mantenernos atento a lo que ocurre.

Aún con todo el conflicto interno que ronda a lo largo de esta película, lo más importante y la esencia de la trama es entender la funcionabilidad de lo que tenemos dentro de nuestros aparatos y cómo cada ícono y cada emoji tiene su razón de ser para responder nuestros mensajes en segundos.

Mi Villano Favorito 3 (Despicable Me 3)

Balthazar Pratt, un antiguo niño estrella obsesionado con el personaje que encarnó en los años ochenta, demuestra ser el peor enemigo al que Gru ha debido enfrentarse hasta la fecha. (FILMAFFINITY)

Continuando con nuestro capítulo de "películas que deberían dejar de hacer secuelas"... La historia de Gru y los Minions la conocimos en 2010, cuando estrenó Despicable Me. Para aquel entonces, y para la sorpresa de otras casas productoras de animación, la película fue un éxito, tanto para los niños como para los adultos, que nos enamoramos de esas criaturitas amarillas y de las niñas que llegan a la vida de Gru. De repente sale una segunda película que fue casi igual de graciosa y que da una continuación interesante a la vida amorosa de Gru. Ya para cuando anunciaron la tercera, mi pregunta fue: ¿y ahora qué veremos? ¿Gru será papá? ¿Esta vez robará la luna?

Para los que olvidaron, como yo, lo que sucedió en la segunda película, Gru estaba en una transición de ser supervillano a superespía (error garrafal #1). En este tercer encuentro con los Minions, ya Gru es parte de la agencia de superespías, ya no es el villano que nos hacía reír con sus planes de arruinar el mundo... pero para su mala suerte, y por el descuido de dejar escapar al villano Baltazar Bratt, es despedido junto a su esposa Lucy. Y los minions, cuando se dan cuenta de que Gru no volverá a ser villano, lo abandonan. Para completar la historia, llega la noticia de que Gru tienen un gemelo que quiere aprender de él para ser el villano perfecto. 

Con esta tercera historia, Despicable Me termina desvinculándose totalmente de la idea original de su protagonista y creando minitramas internas que se alejan del objetivo principal de esta entrega (que, por si no lo saben, es capturar a Baltazar para poder recuperar el trabajo como espías). El hecho de que Gru ya no es un villano hace que hasta el título del filme no tenga sentido y que lo que antes daba risa, ahora es muy repetitivo. El mismo villano Baltazar solo es divertido cuando da sus pasitos de baile o lanza una de sus bellaquerías, pero se pierde al abrir la boca. Los únicos que, en cierto sentido, no pierden su carisma y son lo mejor de toda esta película, son los minions, que no dejan de hacer de las suyas y siempre buscan demostrar la eterna lealtad que le tienen a Gru, y por supuesto Agnes con su eterna búsqueda del unicornio más esponjoso.

La musicalización es lo que le permite ganarse unos puntos a favor, con la sinfonía perfecta de Pharrell Williams, quien hizo la banda sonora de las dos primeras entregas de Despicable Me, complementada con música de los 60 y 70 para el personaje de Baltazar. Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar las secuencias de los minions, que a nivel narrativo, coreográfico y fotográfico representan las mejores escenas de toda la película.

Despicable me 3 es una película que, por el hecho de haber creado una gran simpatía con el público en la primera ocasión, ahora quiere volver a retomarlo con mucho force, subtramas desligadas de la historia y personajes alejados de su rumbo original. Quizás a los más chiquitos les entretenga, dado que sigue siendo animación y siguen estando los minions, pero quienes sentimos amor por el primer filme, sentiremos las ganas de mirar el reloj cada cinco minutos y preguntarnos qué ocurrió con ese super villano que sí hacia cosas divertidas.

Bebé Jefazo (The Boss Baby)

La llegada de un hermanito trastoca por completo la idílica vida del pequeño Tim, hasta entonces hijo único de 7 años y el ojito derecho de sus padres. Su nuevo hermano es un peculiar bebé, que viste traje y corbata y lleva maletín. Tim comienza a sospechar de él, hasta que descubre que puede hablar. (FILMAFFINITY)

En una época donde los niños juegan videojuegos, tienen celulares antes de escribir y son expertos en selfies, The Boss Baby es una propuesta con el fin de enseñar lo que es tener una infancia sana.

Basada en el cuento de Marla Frazee, la película se enfoca en Tim, un jovencito de 7 años con una tremenda imaginación, capaz de crear cualquier mundo que se proponga y dueño único del corazón de sus padres... hasta que llega su hermano (mejor entérense de su nombre viendo la película). Sin embargo, lo que parecía un dulce bebé es en realidad un agente en secreto de la empresa Baby Corp. En esta historia, los bebés son producto de esta empresa donde separa a aquellos que estarán con una familia (si tienen cosquillas) y a los que trabajarán en la empresa como mini jefecitos y se mantendrán con su tamañito gracias a una fórmula que les permitirá permanecer como bebés pero con inteligencia de empresario. Frente a sus "nuevos padres" se comportará como un inocente recién nacido, pero Tim se da cuenta de que puede hablar y moverse como un adulto. Rapidamente se alían para que así, Boss Baby pueda volver a su empresa y sea ascendido de puesto, y Tim recupere el amor de sus padres.

Es una película sumamente divertida, con un trabajo de guion interesante que permite que todo público que lo vea sea entretenido por sus escenas.

Si Alec Baldwin nunca imaginó que interpretaría a un bebé, puede contarlo con orgullo pues es el punto clave del éxito de esta historia, gracias a la tonalidad sarcástica y divertida que le da al Boss Baby.

Por otro lado, la película tiene un diseño de producción bastante colorido y creativo, que recrea las imaginaciones del pequeño Tim y un mundo interesante de Baby Corp, con el apoyo de la fotografía animada en 3D. De esta manera, Dreamworks atraviesa la frontera de sus producciones cinematográficas y realiza una más imaginativa, casi llegando a los estándares de Pixar; quizás se convierta en su nueva competencia (tampoco nos hagamos muchas ilusiones). 

The Boss Baby es una excelente propuesta, que tiene el propósito de recordarnos que es tener una verdadera infancia con imaginación incluída y lejos de las tecnologías, cuáles son las diferencias y confraternidades entre hermanos y la gran incógnita para los niños: "¿de dónde vienen los bebés?". Es una película divertida, llena de añoranzas y risas.

Les advierto a los padres: se divertirán aún más que sus hijos.

Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the two Strings)

"Si debes parpadear, hazlo ahora". Si lo hacen y se distraen, se perderán cualquier detalle valioso. 

Para los seguidores de las películas japonesas, esta es una que no se deben perder; para aquellos que se enamoraron de "El Viaje de Chihiro", Kubo les robará el corazón.

Hay tres tipos de películas animadas: las que enseñan, las que entretienen y las que logran ambas cosas. Para mi gran sorpresa, Kubo entra en la tercera categoría.

Esta historia se trata de un niño con un poder mágico capaz de mover y crear con su Shamisen -también llamado samisen o sangen. Él lleva una vida tranquila junto a su madre en un pequeño pueblo costero del antiguo Japón, con el deber de siempre volver a casa antes de que se oculte el sol. Se gana la vida como cuentacuentos, relatando a los aldeanos historias maravillosas con figuras de origami (que se crean mágicamente con su shamisen). Pero un día su vida se ve trastocada por completo cuando, sin hacer caso a su madre, no regresa a casa antes del anochecer. 

Tras este incidente, Kubo se ve obligado a luchar contra dioses y monstruos tan peligrosos como el resentido Rey Luna (quien es su abuelo) o las malvadas gemelas (sus tías), aunque por suerte contará con la ayuda de Mona, Escarabajo y de su shamisen. Pero, si quiere salvar a su familia y resolver el misterio que lo rodea, tendrá que encontrar la armadura mágica que pertenecía a su padre, quien fue un legendario guerrero samurái. 

Todo lo que he contado hasta ahora les parecerá lo que quieran (aburrido, infantil, muy fantasioso), pero yo soy fiel fanática de la fantasía, y Kubo me robó el corazón, tanto como lo han logrado decenas de historias parecidas. Solo que esta está mejorada en ciertos puntos.

Hay tres factores que influyen en que esta pueda convertirse en un clásico del cine animado: el mensaje sobre la importancia de la familia, como los padres representa lo más importante para un niño, sin importar si siempre estuvieron presente; el significado de toda la magia que posee nuestro personaje principal, más allá de lo que es capaz en acción, como puede hacer realidad los anhelos espirituales de quienes lo rodean; y el empleo de dioses y criaturas mitológicas japonesas entre los personajes principales, tanto en los monstruos que atacaban a Kubo, como en sus aliados durante toda la trama.

Esta película no es para personas que no se dejan llevar por el mundo creativo de la historia, es solo para aquellos que, además de emocionarse con la increíble animación (siendo este el filme más largo en stop-motion), también le den la oportunidad a su imaginación y crean por un momento que todo lo que ven es real.

Quería ver esta película, pero después de verla me quedo con las ganas de más historias animadas como las de Kubo: no del todo una película infantil, pero sí para sensibilizar los corazones de adultos sin imaginación. Con una historia capaz de conectar cada detalle contado, sin dejar desperdicios.