Crítica Cinéfila: Materialists

El lucrativo negocio de una casamentera se complica cuando cae en un tóxico triángulo amoroso que amenaza a sus clientes.

¿Cómo habría sido "Sex and the City" si se hubiera presentado, a veces, como una comedia menos desenfrenada y un poco más realista? “ Materialists”, una encantadora y suntuosa historia neoyorquina de amor, dinero y citas, es la película que finalmente responde a esa pregunta. Es el segundo largometraje escrito y dirigido por Céline Song, autora de la melancólica y sublime “Past Lives”, y está protagonizada por Dakota Johnson como una matchmaker profesional, elegante y con un gran poder, y Chris Evans y Pedro Pascal como los hombres entre los que termina atrapada.

“Materialists” suena a comedia romántica, y sin duda la vende como tal. Sin embargo, la película es más bien una contradicción cautivadora: una comedia romántica con un toque de seriedad. Si bien es muy fácil imaginar la versión desenfadada de los 90 de esta película, “Materialists” no es para nada esa película. Es un drama romántico social, agudo y serio, lleno de observaciones reveladoras sobre cómo vivimos ahora y sobre cuán conectado está (o no) con cómo hemos vivido siempre. Y tiene un lado oscuro.  

La película se ambienta en la élite de la sociedad neoyorquina, donde la gente busca pareja que lo tenga todo: belleza, personalidad, buen gusto, altura (y eso es fundamental), ingresos anuales superiores a la media de seis cifras. Y la razón por la que este ambiente enrarecido libera la película, en lugar de encerrarla en un mundo pretencioso y detestable, es que permite que "Materalists" trate realmente sobre el dinero y las transacciones matrimoniales, o, mejor dicho, sobre cómo el amor y el dinero han llegado a bailar juntos.

Lucy (Dakota Johnson) es consultora de citas para Adore, una empresa que promete a cada uno de sus clientes: "Te casarás con el amor de tu vida". El servicio intenta cumplir esa promesa respetando la exigencia de los clientes y mimando su perfeccionismo. Después de cada cita, Lucy llama por teléfono a cada uno para ver cómo les fue, para calmar sus egos y para evaluar si es posible una segunda cita. Es un emparejamiento científico con un toque de terapia para sentirse bien. 

Adore no es una app de citas online, pero el servicio que ofrece refleja el cambio de conciencia que supuso este tipo de citas, que convirtió el paradigma del "romance" en un centro comercial interminable. Convirtió la búsqueda del amor en compras. Podría decirse que siempre fue así, pero quienes recordamos las citas antes de internet podemos dar fe de ello: no, no lo era (no como ahora). Sin embargo, aunque los clientes de Lucy, hombres y mujeres por igual, son prima donnas con estándares imposibles (los vemos en ingeniosos montajes) que intentan reunir sus "rasgos" ideales en un solo ser humano, hay una forma en que la película también mira hacia atrás: al espíritu de Jane Austen, que impulsó gran parte del género del "teatro de obras maestras" que prevaleció antes de la llegada de Internet, y a Edith Wharton, esa suprema cronista del amor y el dinero que es la novelista más importante de Estados Unidos debido a la profundidad con la que exploró la complejidad de los deseos de las mujeres.

Los diálogos de Celine Song rebosan ingenio y perspicacia, pero también fluyen; si se pudiera embotellar esa habilidad, Hollywood estaría a salvo. Y Dakota Johnson ofrece la actuación más contundente de su carrera. Lucy conecta de lleno con sus clientes (es una maestra de frases como «No eres feo, simplemente no tienes dinero»), pero el misterio de la película reside en lo que ella realmente cree y desea. En cierto modo, ella misma parece una trepadora materialista. Pero solo gana 80,000 dólares al año y sigue siendo buena amiga de su ex, el actor John (Chris Evans), quien sobrevive trabajando de camarero a tiempo parcial en un catering y aún tiene dos compañeros de piso que son unos fracasados. Suena cómico (y da lugar a una escena mordaz), pero Song no se deja llevar por los golpes bajos ni las risas fáciles. La falta de éxito de John es muy real, y también lo es el hecho de por qué se terminó su relación con Lucy. Vemos un flashback de su cita del quinto aniversario, y es un desastre vivido de mala planificación y tacañería. El mensaje es molesto pero contundente: en el romance, el dinero importa.

Evans está completamente despierto aquí, con una ira que hace que su ternura sea aún más atractiva. Y Pedro Pascal está impecable como un personaje que resulta ser el equivalente cinematográfico del Sr. Big de Chris Noth. Pascal, con un aspecto similar al de Burt Reynolds en sus días de bigote sexy, triunfa sin esfuerzo como el jefe de finanzas que milagrosamente parece ser tan bueno como se merece. Es lo que Lucy y el equipo de Adore lo llaman un unicornio: el hombre "perfecto" que toda mujer busca.

“Materialists” es una historia de amor en la era de la elección infinita y el control obsesivo, cuando las personas han llegado a creer que pueden escribir y diseñar sus propias vidas. La cirugía estética está presente en los intercambios pícaros de la película, y también en su trama (hay un procedimiento extremo, que cuesta varios cientos de miles de dólares, que existe en la vida real - para que el público reflexione). En el fondo, la película reconoce, sin decirlo abiertamente, que en la nueva era dorada de la aspiración, con el dinero cada vez más concentrado en la cima, el “romance”, para demasiadas personas, se está convirtiendo en una competencia por entrar en los estratos superiores (Cuando organizan una fiesta ritual en las oficinas de Adore para celebrar el noveno matrimonio de Lucy de dos de sus clientes, es como si estuvieran celebrando un experimento exitoso). Cada vez más, la percepción es que es todo o nada. Y que es su propia forma de corrupción.

En una comedia romántica clásica, la situación de Lucy se resolvería de una manera efervescente y un poco loca, y ese sería el placer del champán de todo. Pero "Materialists", en sus giros y vueltas culminantes, en realidad se topa con un pequeño dilema debido a su tono realista directo. Vemos con qué hombre pertenece Lucy y sentimos el tirón romántico entre ellos. Sin embargo, no hay esa loca carga de descubrimiento, y la película de hecho tiene que engañar un poco la situación del dinero. La película no te da una sobredosis de carga romántica. 

Crítica Cinéfila: Scott Pilgrim takes off

Scott Pilgrim conoce a Ramona Flowers, la chica de sus sueños. Pero pronto descubre que los siete diabólicos ex de la joven no le van a poner las cosas nada fáciles. Serie anime basada en el cómic 'Scott Pilgrim', con el reparto original de la película de imagen real volviendo a repetir sus papeles.

Hay un chiste en Scott Pilgrim Takes Off sobre las diferentes formas (y todos los diferentes medios de comunicación) en las que la historia de Scott Pilgrim y Ramona Flowers se puede contar una y otra vez. Incluso con todas sus desviaciones del material original, la nueva serie de Netflix aún captura las mariposas de un primer beso realmente bueno, la emoción de escuchar una nueva canción favorita y la sensación de esconderse al encontrarse con una antigua novia. Un espíritu de redescubrimiento recorre la serie: no es solo el deseo de encontrar algo novedoso en un cómic de casi 20 años, sino una investigación sobre por qué él y sus personajes resonaron en primer lugar. Sus agallas, su corazón y su jocosidad evitan que todo el proyecto desaparezca por sí solo, al igual que el inconfundible interés personal del creador Bryan Lee O'Malley en el proyecto. Es más que las alusiones a juegos antiguos, música y fragmentos de Cánada entrelazados a lo largo de los ocho episodios: existe la sensación de que volver a visitar a Scott Pilgrim en esta etapa es casi una forma de terapia.

Si eres fanático de Scott Pilgrim, "Takes Off" merece ser visto lo antes posible. Este es un ávido respaldo, así como un anuncio de servicio público: la serie animada basada en las queridas novelas gráficas de O'Malley es así de buena, pero también es una historia reinventada de "chico conoce a chica, chico pelea con ex" en una serie intensiva de batallas contra jefes de videojuegos, y sus sorpresas deben vivirse de primera mano. Ni traducción directa ni continuación tradicional, representa una nueva evolución de una saga que ya se ha adaptado con éxito a una película de acción real de Edgar Wright y a un "beat-'em-up" de desplazamiento lateral. No debería sorprendernos que haya rincones inexplorados dentro de un universo ficticio inspirado en espectáculos de anime de vida o muerte, con un pegadizo rock indie de principios de siglo, nostalgia por los 8 bits y la vertiginosa ansiedad del amor joven. Lo sorprendente es la valentía con la que O'Malley, junto con el coguionista BenDavid Grabinski, el director Abel Góngora y el estudio de animación Science SARU, remezcla su creación característica.

Lo mismo de siempre: Scott Pilgrim es un chico  de 23 años de Toronto con una ambición insignificante que, en una clara y temprana señal de la mayor realidad de la serie, se siente atraído por Ramona Flowers, la expatriada estadounidense con quién se encuentra mientras ella patina a través de sus sueños. Como estaban en la película, Scott es interpretado por Michael Cera y Ramona es interpretada por Mary Elizabeth Winstead; en la mitad de la carrera de los cómics, Scott, Ramona y sus amigos aparecen representados en un estilo redondeado y con ojos saltones que se presta bien a reacciones exageradas y la sensación de que todos son un grupo de niños demasiado grandes que esquivan la "vida real”, tocando en bandas, intercambiando bromas y trabajando en trabajos sin futuro hasta que factores externos los empujan al siguiente nivel de responsabilidad y rendición de cuentas. Para nuestros amantes súper desaventurados, ese factor externo es la idea que une a todas las encarnaciones de Scott Pilgrim, para bien o para mal: la Liga de los Ex malvados, el desafío de antiguas llamas que Scott y Ramona deben enfrentar para vivir felices para siempre.

Con el espacio añadido de una serie de televisión en streaming, los miembros de la liga, interpretados por las voces súper reconocibles de algunos veteranos del live action -Chris Evans, Jason Schwartzman y Mae Whitman-, pueden adquirir dimensiones que solo se insinuaban. En parte, esto se siente como un guiño al elenco aparentemente clarividente de "Scott Pilgrim vs. the World" de Wright: es mucho más importante que Evans esté gruñendo las palabras del patinador convertido en estrella de acción Lucas Lee en 2023, por lo que obtiene un papel más importante que desempeñar: lo mismo ocurre con Kieran Culkin como Wallace, el compañero de cuarto de Scott, o Aubrey Plaza como su enemiga Julie Powers. También está en sintonía con un mayor enfoque en Ramona, quien termina en una historia similar a un clásico diferente, cuyos capítulos avanzan mientras están enmarcados por su propia chica mágica y discreta, con una representación hipnótica y mejorada con foley de su rutina de coloración del cabello.

Animation y Scott Pilgrim son una combinación obvia de chocolate y mantequilla de maní. "Scott Pilgrim vs. the World" es esencialmente una caricatura de acción real, pero incluso esa ejecución tuvo sus limitaciones, de las cuales "Scott Pilgrim Takes Off" se libera alegremente. Obviamente, eso es una bendición para las peleas, que se desvían hacia intercambios de explosiones de energía en un páramo al estilo Dragon Ball y un vuelo de fantasía en deuda con el corto clásico de Looney Tunes “Book Revue”. Pero también es genial para las secuencias musicales: hay una electricidad nerviosa en la introducción de la banda de Scott, Sex Bob-omb, mientras que una improvisación posterior en la sala de estar estalla en una abstracción psicodélica.

Esta vez el elenco también parece disfrutar interpretando dibujos animados genuinos. Satya Bhabha interpreta a Matthew Patel, elevando a Evil Ex #1 al estado de supervillano parloteante. Cera encuentra un registro más alegre para su personaje que suena como si estuviera haciendo una parodia del doblaje de anime en inglés; se adapta a la sensibilidad cómica de corte rápido de "Scott Pilgrim Takes Off", pero requiere algo de tiempo para acostumbrarse. Otros optan por la sutileza: Winstead, que se ha convertido en un avatar de la intimidación en pantalla en los años transcurridos desde "Scott Pilgrim vs. the World", reduce esa intensidad a un punto de ebullición lento para expresar la irónica diversión de Ramona con Scott y su incrédula consternación ante la situación a la que la ha arrastrado. Es una capa de inexpresividad que camufla la vulnerabilidad y que le permite descubrir las capas del personaje más complicado de O'Malley.

Como muchas secuelas recientes (Top Gun: Maverick, la trilogía de Halloween de David Gordon Green, Justified: City Primeval), esta continuación de una serie inactiva trata, en última instancia, sobre el pasado y cómo no hay forma de dejarlo atrás. Esto podría parecer contradecir algunos de los inventos más ingeniosos de Scott Pilgrim: su historia de citas como escalera de Mortal Kombat, la destrucción de la maleta subespacial de Ramona, un equipaje literal y sin fondo que lleva consigo dondequiera que vaya. Pero incluso los Evil Exes comienzan a debilitarse un poco en el cuarto o quinto volumen de los cómics; Si algo adapta fielmente la serie de Netflix de los libros es la sensación de que los personajes eclipsan el llamativo concepto que los une. Esto hace que el parecido de los episodios posteriores con el fanfiction acogedor y de reunión sea un poco más excusable. Con más de una década de perspectiva y un lente fresco y animado, "Scott Pilgrim Takes Off" sostiene radicalmente que el pasado es algo que debe aceptarse, no derrotarse.

Cuanto antes mires Scott Pilgrim Takes Off, menos tiempo pasarás preocupándote por los spoilers y podrás disfrutar de una impresionante reinvención de las novelas gráficas de Bryan Lee O'Malley. Incluso con el elenco principal de Scott Pilgrim vs. the World acompañándolo, no es un mero ejercicio de nostalgia, sino una nueva capa de pintura en una historia versátil sobre la mayoría de edad, cuya animación vibrante y alcance ampliado aportan nuevas dimensiones a los rockeros de garaje, los empleados de las tiendas de videos, los mensajeros ninja y los ex malvados que habitan “Toronto, Canadá, no hace mucho”. 

Crítica Cinéfila: The Gray Man

El agente de la CIA Court Gentry (Ryan Gosling), alias Sierra Seis, es sacado de una cárcel federal reclutado por su supervisor, Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton), Gentry fue en su día un mercader de la muerte altamente cualificado, autorizado por la Agencia. Pero ahora las tornas han cambiado y Seis es el objetivo, perseguido por todo el mundo por Lloyd Hansen (Chris Evans), un antiguo compañero de la CIA que no se detendrá ante nada para acabar con él.

A los 13 años, Ryan Gosling estaba difundiendo alegría en "The Mickey Mouse Club". Pero algo debió ocurrir entre los años que llegaron "The Notebook" y "La La Land", porque está empeñado en querer transformarse en un asesino a sangre fría y poco sentimental. Así exploró "Drive" de Nicolas Winding Refn, "Only God Forgives" del director danés, "Blade Runner 2049" de Denis Villeneuve, y ahora interpretando al personaje principal en "The Gray Man" de los hermanos Russo; es propio confesar que un actor que una vez irradiaba carisma en "Crazy Stupid Love", esté perfeccionando una frialdad en su interpretación de estos personajes es interesante, pues ha logrado mantener su pulso estable y su cara inexpresiva fija mientras se aleja de cualquier adversario que se le presente.

"The Gray Man" es la recompensa de la reinvención discreta de Gosling: un vehículo de acción increíblemente costoso y sorprendentemente ejecutado en el que interpreta a Sierra Six, un ex recluso convertido en asesino de la CIA que es tan bueno en su trabajo que se convierte en una especie de responsabilidad, lo que lo coloca en la parte superior de la lista de asesinatos de la agencia. Esta película tiene el enorme peso de la franquicia de Avengers que le dio fuerza a la carrera cinematográfica a los hermanos Russo. Pero es importante resaltar que en el coprotagonista (y ex Capitán América) Chris Evans, tiene un villano que es tan extravagantemente exagerado como Gosling es en discreto.

Ambos interpretan a asesinos profesionales que operan fuera de los límites de lo que es legalmente aceptable por los Estados Unidos, al acecho de la red, en la sombría "zona gris" que ofrece a la CIA una negación plausible para cualquier asesinato que cometan. Ninguno de los dos tiene licencia para matar, exactamente, aunque ambos lo hacen a instancias del mismo jefe: el recién nombrado jefe del grupo de la CIA, Denny Carmichael (Regé-Jean Page).

El personaje sin nombre de Gosling fue reclutado directamente de la cárcel por el veterano Donald Fitzroy (Billy Bob Thornton) como parte del programa experimental Sierra. La idea: tomar a los asesinos condenados y convertirlos en asesinos estratégicos, ofreciéndoles "libertad" a cambio de una especie de servicio obligatorio a la agencia. Suena como una idea imprudente y condenada al fracaso, aunque pistas sutiles, y más tarde, flashbacks más abiertos, revelan que el crimen que llevó a Six tras las rejas fue relativamente moral.

Six es un asesino con conciencia, incluso si la mayoría de sus golpes se ordenan desde arriba, lo que no requiere un juicio real de su parte. Por otro lado, Lloyd Hansen de Evans es un asesino a sueldo con apetito por la tortura que disfruta de cualquier oportunidad de burlarse de las reglas.

 

En el primer encargo en la película, ambientado en Bangkok con luz fluorescente, Six y su compañera agente Dani Miranda (Ana de Armas) han recibido la orden de eliminar a una persona en una llamativa fiesta de Nochevieja. El director de fotografía Stephen F. Windon dispara la acción desde la distancia, enfatizando la coreografía y la puesta en escena sobre la logística inmersiva, áspera y tropiezo de una pelea a puñetazos.

Gran parte de "The Gray Man" depende de la familiaridad de su ADN con las películas de acción y los thrillers de conspiración, lo que permite que el guion (acreditado a Joe Russo, Christopher Markus y Stephen McFeely) tome atajos y saltos lógicos sobre giros descabellados, como el descubrimiento de Six de que se le había ordenado eliminar a Sierra Four. Parece que ha habido un cambio de régimen en la agencia: Fitzroy y la jefa de la oficina Margaret Cahill (Alfre Woodard) están fuera, y Carmichael está desmantelando el programa Sierra un asesino a la vez. Antes de que Six complete su tarea, Four le pasa una unidad USB con pruebas incriminatorias. Y de ahí comienza la carrera.

A diferencia de la última entrega de Bond, el público no está seriamente preocupado por la vida de Six. Desde el principio, Fitzroy dejó claro que era "desechable". Una vez que Six se da cuenta de que su contrato ha terminado, llama a su antiguo jefe. 

No hay nada terriblemente original en la narración. Se inspira de muchos thrillers de acción grandiosos, como "Shooter", "John Wick", "Nobody" y hasta Jason Bourne, con unas pizcas de la fórmula de licencia para matar. Lo que hace que "The Gray Man" sea emocionante (y hablando con mucha honestidad) es que es la película de acción original más atractiva que Netflix ha realizado desde "Bright", con tonos que el conjunto aporta a sus personajes y las pequeñas formas en que los Russo pasan por donde esas otras películas se quedaron cortas.

En un papel secundario demasiado pequeño, de Armas fue una de los mejores detalles de "No time to die". Aquí, los Russo le dan mucho más que hacer. Ya sea volando helicópteros con un lanzacohetes o rescatando a Six en un Audi RS7 rojo cereza, ella está a la misma altura que Gosling y cualquier otro personaje. En otra superposición, sobretodo con los rumores de que Page podría llenar los zapatos del agente 007, es aún más interesante verlo como antagonista titiritero. En lugar de dar por enésima vez la entrega de un supervillano empeñado en la dominación mundial, "The Gray Man" sirve a algo mucho más aterrador: refuerza la desconfianza en las instituciones que supuestamente mantienen la paz y el orden. El único que personalmente se la luce de manera negativa es el personaje de Chris Evans, haciendo de un lunático mercenario dispuesto a eliminar a policías, civiles y manzanas enteras en su intento de rechazar que Six puede tanto como él. Evans lo hace genial, pero Lloyd Hansen es demasiado extra.

Gosling lo toma todo con calma, manteniendo sus expresiones lo más pasivas posible en todo momento, aparte de dos escenas en las que rompe la máscara de Noh para guiñar un ojo a la sobrina adolescente de Fitzroy (Julia Butters), tomada como rehén por Hansen. Ese es un detalle barato de peligro infantil (aunque no peor que el de "No Time to Die") en un espacio cinematográfico mucho más serio, que es más fuerte cuando se sirven piezas de set internacionales y destrucciones masivas: el golpe de Bangkok, una extracción a gran altitud convertida en escape, el épico espectáculo en Praga y el ataque de locura en el Castillo croata, donde Six va eliminando a todos los mercenarios que buscan darle un tiro en la cabeza sin mucha dificultad aparente. "The Gray Man" logra esos cuatro momentos y se convierte en una película de acción memorable y hasta recomendable.

Crítica Cinéfila: Lightyear

La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans.

Pixar ha hecho que su audiencia se enamore de juguetes, animar a los insectos y registrar incontrolablemente a un amigo imaginario. Así que tal vez no debería ser sorprendente que el último lanzamiento del estudio de animación sea más efectivo cuando se centra en un gato robot de apoyo emocional llamado Sox.

Específicamente, Sox es un gatito de apoyo emocional para Buzz, el guardabosques espacial en el centro de Lightyear. La película comienza con una tarjeta de título que informa que Buzz de Toy Story se vendió en 1995 para promocionar la película favorita de Andy: "esta es esa película". Y advierte que, si Lightyear se hubiera estrenado en 1995, habría sido la película favorita de todos. La animación es impecable, como siempre, a veces tan realista y sobretodo innovadora.

El equipo de Pixar eligió los juguetes como temas de su primer largometraje porque aún no habían descubierto cómo hacer que los humanos parecieran realistas (un problema que han resuelto muy claramente a lo largo de los años). Sin embargo, la habitación de Andy albergaba a toda una comunidad de juguetes de plástico complicados y matizados, con la excepción de Buzz Lightyear de Tim Allen, que aún no había aceptado que era un juguete y no un guardabosques espacial en una misión singular: derrotar al emperador Zurg. Allen fue un codirector, pero realmente un personaje secundario de Woody, un vaquero egoísta cuya compleja relación con ser el "favorito" de Andy estaba en el corazón de una historia muy humana.

En Lightyear, Buzz ocupa el centro del escenario. Después de que la nave de su gran tripulación sea abandonada en un planeta extraño, se encarga de jugar al héroe, a pesar de ser el que los abarrocó en primer lugar. Cuando los robots se apoderan del planeta, trabaja a regañadientes con una banda de guardabosques voluntarios para salvar la colonia.

Este Buzz (Chris Evans) no es un juguete, pero todavía tiene el objetivo singular de derrotar a Zurg. Y lo va a hacer solo, porque este Buzz no necesita la ayuda de nadie, ya que se recuerda a los que le rodean (y al público) en numerosas ocasiones durante toda la película. El director Angus MacLane (Finding Dory) y su coguionista Jason Headley (Onward) rodean a su personaje principal con voluntarios extravagantes (con la deliciosa voz de Dale Soules, Taika Waititi, Keke Palmer y más), pero Buzz no se molesta en aprender la mayoría de sus nombres, así que uno tampoco.

El guardabosques espacial establece una estrecha conexión con Sox, un compañero robot de ojos de cierva claramente incluido para derretir los corazones de la audiencia. El vínculo de Buzz con su gatito robot (Peter Sohn) se convierte en el centro emocional de la película. Sox es una de las pocas cosas más allá de la misión que nuestro héroe se preocupa durante el tiempo de la audiencia con él. Cuando el felino está en peligro, o usando una de sus habilidades aparentemente infinitas (y más allá) para salvar el día, la película crepita con esa magia de Pixar que hemos llegado a esperar en el último cuarto de siglo. 

La conexión de Buzz con los demás de la colonia rivaliza únicamente por su vínculo con el único guardabosques espacial que consideró su semejante, Alisha (Uzo Aduba). Buzz y Alisha comienzan la película lado a lado, pero, debido a un giro de trama oportuno y astuto que conduce a romper canones sin límites, Alisha sigue viviendo una vida plena mientras Buzz no envejece, física o emocionalmente.

El público, como Buzz, verá los hitos de su amigo a través de viñetas similares a la apertura universalmente elogiada de Up: Alisha conoce al amor de su vida, comienza una familia con su esposa, se convierte en madre y abuela, y celebra su 40 aniversario de boda. Gracias a las habilidades de telecomunicaciones de Sox, Buzz disfruta de un último momento con su amiga en un momento crucial de la película. En medio de lo que es esencialmente una película de acción, es una respiración profundamente conmovedora, una que hubiese sido bueno tener varias veces durante toda la película, en términos de tono, pero que a lo mejor no fue muy necesario porque le dio oportunidad al tema desarollarse en toda su totalidad, hasta incluir el gran significado de la famosa frase "al infinito y más allá".

Crítica Cinéfila: Knives Out

Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión, justo después de la celebración familiar de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar el asunto. Se moverá entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la muerte del escritor.

En la toma de apertura de Knives Out, la cámara enmarca una mansión espeluznante del Renacimiento gótico bordeada por la niebla de la mañana mientras los perros guardianes corren por los frondosos terrenos. La escena podría ser de hace un siglo o más hasta que se corta en una toma interior de la cocina y se cierra en una taza novedosa con las palabras: "Mi casa. Mis reglas. Mi café". Esa taza, como todo lo demás en el ingenioso placer de Rian Johnson, tremendamente entretenido y despiadadamente irreverente, figurará significativamente en una recompensa posterior. Este thriller de comedia, un retroceso al juego de estrellas, es una delicia de principio a fin, lo que debería convertirlo en un éxito considerable para Lionsgate.

"Mire a su alrededor, el hombre prácticamente vive en un tablero de Clue", observa el oficial de la Policía Estatal de Massachusetts (Noah Segan) asignado para trabajar en el caso junto al Detective Elliott (LaKeith Stanfield), cuando Harlan Thrombey (Christopher Plummer), un reconocido escritor de misterio, se encuentra con la garganta cortada la mañana después de su fiesta de cumpleaños número 85.

La figura clave es el detective Blanc,  la contraparte de Hercule Poirot de la historia, en este caso interpretado por Daniel Craig. Mientras que los policías están listos para llamar la muerte de Harlan un caso de suicidio cerrado, Blanc sospecha de un juego sucio, y cuando reúne metódicamente suficiente evidencia, todos se vuelven sospechosos. Por lo menos, casi todos parecen haber tenido un motivo, aún más una vez que la lectura del testamento los saca del patrimonio multimillonario.

Esa configuración crea la oportunidad para un poco de trabajo de personajes de un elenco de alta clase. La hija de Harlan, Linda (Jamie Lee Curtis) es una experta en bienes raíces casada con el petulante presumido Richard (Don Johnson). Su acertadamente llamado hijo Ransom (Chris Evans) es la oveja negra de la familia, un playboy cuyas formas ociosas están mal vistas por un clan al que le gusta considerarse, algo falsamente, como emprendedores hechos a sí mismos. El hermano de Linda, Walt (Michael Shannon) maneja el imperio editorial de su padre, aunque no con una mano totalmente libre, mientras que su hijo adolescente Jacob (Jaeden Martell) se mantiene ocupado trolleando a los liberales en las redes sociales. Joni (Toni Collette), es la nuera de Harlan, y es una gurú del estilo de vida cuyo imperio de salud, belleza y bienestar espiritual es una total locura.

Mientras que la película comienza con el ama de llaves de Harlan (Edi Patterson) encontrándolo muerto, los resúmenes de la celebración del cumpleaños de la noche anterior desde múltiples puntos de vista le permiten al siempre formidable Plummer mostrar cuán burlón era el autor. Su gusto por los juegos elaborados se refleja en todos los detalles intrincados del maravilloso conjunto del diseñador de producción David Crank, donde se desarrolla la mayor parte de la acción.

Un gran acertijo que incluso el hombre mismo toma tiempo para resolver es quién contrató a Blanc con un sobre anónimo lleno de dinero en efectivo y por qué. Alista a la enfermera de confianza de Harlan, Marta (Ana de Armas) para que sirva como Watson para su Holmes, y su presencia entre los Thrombeys complacientemente adinerados le permite al escritor-director agregar algún comentario de clase inteligente y finalmente subversivo, apuntando a los derechos de los blancos. Hay una broma muy divertida sobre cómo ninguno de ellos puede recordar de qué país latinoamericano proviene la madre de Marta, y una discusión sobre el debate actual de los inmigrantes en Estados Unidos es un puntazo que provoca escalofríos, con Richard sobresaliendo en su tono sordo. 

El guión de Johnson en muchos sentidos es la estrella aquí, con su mecánica de trama bien elaborada y giros y vueltas engañosos, sacando constantemente la alfombra de debajo de la audiencia y los personajes. Blanc llama al misterio "un caso con un agujero en el medio. Una rosquilla". Y a medida que las complicaciones se acumulan, revisa esa descripción en un agujero de rosquilla dentro de un agujero de rosquilla.

Pero el guión inteligente no sería nada sin actores capaces de mantenerse al día con sus sorpresas, y no hay un eslabón débil en el conjunto. Todos tienen sus momentos, pero si tuviera que destacar algunas contribuciones especialmente selectas, Curtis está en una forma impecablemente frágil, Evans es hilarantemente reprensible y Collette es divina con su falsa sonrisa. Craig, masticando el paisaje con gusto, y la encantadora de Armas (utilizada mucho mejor aquí que en la decepcionante Red Wasp de Olivier Assayas) proporcionan el hilo indispensable que une la gran galería de personajes.

En un florecimiento especialmente divertido, Crank se inspira en Game of Thrones al colocar, detrás de los diversos miembros de la familia Thrombey y el personal que son interrogados, una macabra pieza de arte con cuchillos, hachas y sierras desplegadas como la parte posterior del Trono de Hierro.

Junto con el set de Crank, que es como un gabinete de maravillas que desea más tiempo para explorar, los disfraces de Jenny Eagan revelan mucho sobre los personajes. La cámara de Steve Yedlin recorre la vieja casa con un ojo que todo lo ve, y la exuberante partitura orquestal del primo y colaborador frecuente del director, Nathan Johnson, proporciona el complemento perfecto para una película que hace un trabajo experto de malabarismo apasionante, humorístico y de suspenso.

El don para el truco vertiginoso que se incorporó al título de la característica de Johnson de 2012, Looper, parece haber encontrado su forma ideal.

Gifted

La película narra la historia de un hombre que debe hacerse cargo de su sobrina ante el fallecimiento de su hermana. La situación se complica cuando debe luchar por la custodia de la niña. (FILMAFFINITY)

Las películas sobre niños prodigio parten de una temática muy utilizada en el cine estadounidense: Matilda, Hidden Figures, Captain Fantastic, y la lista continua. En el caso de Gifted, parece una recopilación de distintos detalles que ya hemos visto, más sencillo, convencional pero tierno, que busca hacer énfasis en el amor incondicional de un niño por su padre o tutor.

La historia, escrita por el director y guionista Tom Flynn, nos presenta a Frank Adler (Chris Evans), un hombre soltero, residente en un pueblo costero de Florida que es tutor de su sobrina Mary (Mckenna Grace), después que su madre, una mujer extremadamente inteligente dedicada a resolver las ecuaciones de Navier-Stoke -uno de los siete problemas del milenio que la Clay Mathematics Institute premia con uno millón de dólares cada uno a quien sea capaz de resolverlos- se suicidara cuando Mary tenía tan solo seis meses. La pequeña de siete años ha heredado las habilidades de su madre y esa información llega a manos de su abuela adinerada que destina para ella otros planes, amenazando con separarlos. Frank encuentra apoyo en su mejor amiga Roberta (Octavia Spencer) y la profesora de Mary (Jenny Slate) para evitar que sean alejados y la niña sufra presiones innecesarias.

Gifted, que fue uno de los guiones ganadores del “Annual Black List” en 2014, la famosa lista negra de las historias no producidas por Hollywood, tiene el propósito de desarrollar dos ideas: cómo tratar a un niño superdotado y quién realmente es responsable de él o ella cuando sus padres han fallecido o no están.

Es una película bien intencionada, con personajes convencionales pero sentimientos muy nobles en cada uno de ellos, principalmente los de Chris Evans y Mckenna Grace (hay mucha química entre estos dos personajes). Personalmente, me enamoré de Mary, quien, a pesar de ser un minigenio y no sentirse muy cómoda con las "cosas de niños", siempre demostró que quería ser tratada como una persona normal y respetaba mucho a sus seres más queridos.

Sin embargo, es una película estándar que, por la temática que desarrolla, no podrá sobresalir más de lo que ya lo ha hecho. A pesar del equipo actoral que posee, el giro de la historia al final y un par de escenas que le encantarán al público, es muy parecida a otros filmes y muy tradicional en los aspectos técnicos.