Crítica Cinéfila: Four Good Days

Diez años de consumo de opioides han dejado en ruinas la vida de la joven Molly. Una nueva medicina podría darle alas para comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb, una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Por una extraña razón, el director Rodrigo García encaja perfectamente en Four Good Days, protagonizada por su colaboradora frecuente Glenn Close como una madre cuya confianza se ha roto por años de mentiras, robos, degradación y angustia de su hija drogadicta, interpretada por Mila Kunis. Por supuesto, para que haya una historia, el adicto debe tener otra oportunidad, y el título se refiere al período tenso que necesita para mantenerse limpia a fin de calificar para un tratamiento que podría salvarla de sí misma. Actuado de manera persuasiva, observado con compasión, aunque sin gran información sorprendente, este es un material bien intencionado que nunca va más allá de su plantilla de película inspirada en una historia real y/o basada en un tema.

Mientras que el personaje de Kunis, Molly, ha ampliado hace mucho tiempo su consumo de analgésicos a heroína, crack y cualquier otra cosa que pueda conseguir en sus manos temblorosas, el trastorno por consumo de opioides está en la raíz de este drama, que se basó en un artículo del Washington Post del coguionista de García, Eli Saslow, y sobre la historia de la vida real de los sujetos de esa pieza, Amanda Wendler y Libby Alexander.

Haciéndose eco de los titulares de noticias recientes sobre las grandes farmacéuticas notificadas de que los ejecutivos podrían ser responsables penalmente de alimentar la epidemia de adicción a los opioides en Estados Unidos, Deb, amargamente preocupada, señala más de una vez con el dedo acusador a los profesionales médicos por iniciar a su hija con Oxy recetado con resurtidos ilimitados tratar una lesión en la escuela secundaria. Pero García está más interesado en el drama personal que en los comentarios sociales más amplios, lo que coloca a Four Good Days en el mismo campo que otras películas recientes sobre padres afligidos pero obstinadamente esperanzados que atraviesan el agonizante proceso de llevar a sus hijos hacia la recuperación, como Beautiful Boy y Ben is back.

Lo que esas películas y otras similares tienen en común es el sello sincero del servicio público, de llegar a familias que atraviesan situaciones similares para demostrar que no están solas.

Ha habido excepciones memorables a lo largo de los años, como Requiem for a Dream, que convirtió su inmersión en la cultura de las drogas en una película de terror desgarradora y alucinante; Drugstore Cowboy, sincero y contemplativo en su descripción de adictos transitorios; Rachel Getting Married, que encontró un equilibrio exquisito entre la comedia y el drama de Chejovia en las consecuencias de los problemas de adicción de la hermana de la novia; o Heaven Knows What de los hermanos Safdie, una odisea de textura áspera de la drogadicta vida callejera de Nueva York que rindió homenaje al clásico de 1971, The Panic in Needle Park.

Pero en su mayor parte, las películas recientes sobre drogas son un fastidio ingrato. O un vehículo para que los actores realicen actuaciones sin reservas a las que a menudo se elogia como "valientes".

Molly ya ha tocado fondo cuando aparece en la puerta de Deb y su segundo esposo Chris (Stephen Root) después de más de una década de adicción incondicional y 14 intentos fallidos en rehabilitación. Ella se ha vislumbrado al comienzo de la película en tiempos más felices, una adolescente morena sana riendo en una playa. Pero ahora Molly se ve como el infierno: demacrada, su cabello de un rubio sucio, su piel hecha un desastre, sus manos intentando esconder una boca desdentada plagada de enfermedad de las encías.

Deb ha escuchado las promesas poco sinceras de Molly tantas veces que no confía en dejarla entrar en su casa suburbana segura, y Chris le asegura que está tomando la decisión correcta. Pero su endurecido desapego solo dura hasta cierto punto una vez que Molly acampa temblando en el camino de la entrada. Deb acepta ayudar en la medida en que la ingresa en un centro de desintoxicación, pero su amor maternal la mantiene despierta por las noches, imaginando a Molly atormentada por el dolor de pies a cabeza.

Cuando terminan sus tres días cubiertos por el seguro, un médico le informa a Molly que la evidencia estadística de las recaídas está en su contra, y su mejor oportunidad para una recuperación duradera es una inyección mensual de naltrexona, un antagonista químico opiáceo que hace imposible drogarse. El problema es que su sistema debe estar libre de drogas durante una semana completa para evitar efectos secundarios peligrosos, por lo que durante cuatro días más debe estar en un lugar acompañada y lejos de otros usuarios.

Si bien gran parte del guión de García y Saslow se deriva directamente del artículo de este último sobre la experiencia de Wendler y Alexander, los ritmos dramáticos se sienten terriblemente familiares. Molly inicialmente es hosca y resentida, aunque con destellos de vergüenza cuando se enfrenta a la evidencia de sus peores crímenes a lo largo de los años. Deb le recuerda pacientemente: "Esto es una enfermedad, no eres tú". Un reencuentro con los dos hijos de Molly es incómodo al principio ya que la miran como una extraña, pero ella los afloja mientras la abuela mira con una vigilancia de ojos de halcón.

El intento de aprovechar el dolor de la experiencia auténtica se ve socavado aquí y allá por pasajes excesivamente "escritos", en particular cuando Molly, después de afirmar que no tiene don para hablar en público, se dirige a una clase de los alumnos de su antigua entrenadora de secundaria con una expresión feroz y una efusión emocional. Del mismo modo, Chris tiene un gran discurso sobre la inutilidad de buscar la causa de la adicción de Molly o del posible papel de Deb en desencadenarla.

Los roces con el peligro cuando Molly insiste en volver a su antiguo territorio para ayudar a una adolescente con problemas es sinónimo de agregar urgencia al drama, al igual que su desaparición por un fin de semana a medida que se acerca a su primera inyección de naltrexona. Pero esta es una película que es más eficiente que emocional, un factor subrayado por el uso torpe de la partitura pensativa de Edward Shearmur dominada por el tintineo del piano.

Ninguna de las actuaciones principales se limita al compromiso y, sin embargo, no hay nada terriblemente revelador en ellas. Kunis rebota entre quebrado y en guerra constantemente, forjando gradualmente un camino frágil hacia la luz, mientras que Close, envuelta en una peluca de matrona y un maquillaje bougie de canasta-club, pasa la mayor parte de la película con la misma mandíbula apretada y la misma ansiedad con los ojos abiertos, salpicada de sollozos o rabia. Al final, resulta una sensación palpable de que todos creen que están haciendo un drama poderoso sobre los sacrificios ilimitados del amor de los padres. 

Crítica Cinéfila: Cherry

Cuenta la historia real de Nico Walker, que volvió de la guerra de Iraq con un trastorno de estrés postraumático no diagnosticado que le llevó primero a hacerse adicto al opio y posteriormente a robar bancos.

Llega un momento en la vida de todo joven en el que debe alejarse de las historias de Marvel y enfrentarse a las duras realidades del mundo. Esto también aplica para los directores de esas historias. Así surge Cherry, la nueva colaboración entre los directores principales de Marvel Universe, Anthony y Joe Russo, y su Spider-Man, Tom Holland. La película, basada en la novela semiautobiográfica de Nico Walker, se ocupa de los terribles males de la América actual y del pasado reciente: las guerras desastrosas en Irak y Afganistán y la crisis de los adictos al opio. Ciertamente, muy lejos de parecerse a la lucha contra Thanos.

Cherry sigue al personaje principal mientras se transforma de un estudiante universitario sensible a un médico del ejército a la deriva, a luego un veterano con PTSD, un adicto a la heroína y más tarde un ladrón de bancos. Los Russo, libres de preocupaciones sobre la propiedad intelectual y la supervisión severamente invertida de Disney, apuestan por el alto estilo en Cherry, con tarjetas de título de capítulo, el rompimiento de la cuarta pared, una voz narrativa muy en off y un intrincado trabajo de cámara. La película está casi tan ocupada como una producción de Marvel, a pesar de lo que está en juego en la vida real y sus sombrías implicaciones sobre la difícil situación de tantos jóvenes estadounidenses. 

Pero la realidad es que está demasiado cargada: la película es un intento excesivamente esforzado de hacer algo grande, nervioso y relevante. Hay una especie de curva de tolerancia en campana; comienza ruidosa y exagerada, gradualmente se convierte en un tono triste y retorcido, y luego se apaga con un final teatral. Es una experiencia agotadora, lo cual puede ser la intención de sus cineastas. Lo que más se nota de Cherry es la generosidad de su alcance épico. Quizás este tema merece este tipo de escala. Es una gran historia, o más bien miles de historias entrelazadas. Y tal vez la profundidad esté mejor equipada para resumir la inmensidad y la surrealidad de sus sujetos, y para reflejarse en la gente de la que se trata de una manera nebulosa y reverente. 

Cherry es una película hecha ardientemente para hombres de la generación de mi hermano, que estaban en edad universitaria cuando ocurrió el 11 de septiembre y luego se vieron atrapados en la resaca del imperialismo, y para los jóvenes de hoy, que pueden sentir algo similar, aunque un poco menos insistente. Hay empatía en ese cuidado, en honrar esas historias con una grandiosidad visual y auditiva que les corresponde. Sin embargo, con demasiada frecuencia es fácil ver las costuras de la ambición de los Russo, un esfuerzo creativo que va más allá de la compasión proporcionada y se vuelve demasiado maquillado. La película parece menos que seria, a veces, un ejercicio demasiado obvio de flexión artística. 

Holland, sin embargo, no pierde de vista la misión. Sin duda, está tratando de demostrar algo por sí mismo, pero mantiene a raya ese interés propio. Mientras Cherry desciende a la ruina, Holland evita los clichés de la adicción. Tampoco muestra al Cherry de antes de la guerra en un ángel: hay una oscuridad colgando a su alrededor incluso en ese entonces, una marca de su introversión visible en la cuidadoso físico y cadencia de Holland. Del mismo modo ofrece líneas tan desafiantes para la marca sin la llamativa despreocupación de muchos actores jóvenes en la historia del cine que han intentado ser valientes.

El guión de Jessica Goldberg y Angela Russo-Otstot intenta darle a otros personajes, como Emily, el gran amor de Cherry, algo de redondez y un arco vago, pero ella sobre todo ronda la película como un espíritu de preocupación y pérdida. Cherry no es, en realidad, una película hecha para o sobre las mujeres que se vieron arrastradas por las mismas fuerzas que se apoderaron de hombres como Cherry. Sus historias tendrán que esperar a otro noble proyecto de los autores de superhéroes. 

En cuanto a este noble proyecto en particular, la contundencia del enfoque de Cherry puede desanimar a algunas personas. Tal vez sea una señal de los tiempos cambiantes que una película que gira sobre tantos ejes familiares —la masculinidad, la guerra, el crimen— se sienta casi como un nicho, un producto de otra época extrañamente acerca de la nuestra. Pero también, durante la larga duración de la película, parece que eso es todo lo que Cherry es: una película de guerra cínica hecha porque todos los grandes directores necesitan una película de guerra. Otras veces en la película, cuando Holland expresa palpablemente la confusión y el desaliento de las circunstancias de Cherry, y lo terriblemente joven que permanece durante esa lucha, Cherry se eleva hacia la urgencia. Y, sí, complica el perfil de sus creadores como sin duda se pretendía, mostrando que tienen más sentimientos realistas y agridulces que simplemente la idea heroína constante de salvar el mundo.

Crítica Cinéfila: Miss Bala

La historia gira en torno a los sueños rotos de Gloria, una joven que visita Tijuana para ayudar a una amiga a concursar en un certamen de bellza, pero termina en manos de una banda que tiene aterrorizado a todo el norte de México.

El narcotráfico y el tráfico de personas son dos aspectos de la realidad que afectan al mundo cada día. Por más que se trate de escapar de estas y otras malicias de la humanidad, acosa en las esquinas, sobretodo en los lugares que menos se esperan. Pero, ¿qué sucede si ocurre en el lugar que siempre pasa, pero las personas no están preparadas para esto, o se han hecho los ciegos sobre la situación y ahora son víctimas de esta? Es básicamente lo que sucede en Miss Bala, realizada por la directora Catherine Hardwicke; sin embargo, y para la desilusión personal, lo hacen victimizando a la mujer, casi diciendo que esta siempre será frágil y dominada.

La historia sigue a Gloria, una maquilladora profesional, hija de mexicanos pero criada en los Estados Unidos. Ella vive en Los Angeles y después de un largo día de trabajo, visita Tijuana para ayudar a su amiga Susu a prepararse para que asista al certamen de belleza de Miss Baja California. A pesar de no haber crecido en México, está alerta de las situaciones que se dan allí, pero esto no es impedimento para que esa misma noche de su llegada saliese a celebrar con su amiga. Ahí, en medio de la discoteca, miembros de una banda conocido como Los Estrellas, entran por los ventiladores de aire y atacan el lugar con planes de matar al jefe de la Policía. Allí, Gloria logra salir con vida, pero solo para darse cuenta que su amiga está desaparecida. Mientras trata de encontrarla, ella es raptada por Los Estrellas, quienes la obligan a cometer una serie de delitos, con la condición de que la ayudarán a encontrar a su amiga.

Entre corrupción policíaca, tráfico de mujeres inocentes y dominio ilegal de armas de fuego, Miss Bala se enfoca en representar los puntos más angustiantes que se viven en la frontera entre México y Estados Unidos, desde una locación, pero que involucra ambas. Mientras parecería que el nombre le haría honor a una mujer que tiene un poder oculto en toda esta situación, realmente es sobre una mujer que le permite a todo hombre que se le cruza por su camino tomar control de su vida. A pesar de que Gloria tiene una única y complicada meta (encontrar a su amiga), en el camino debe enfrentarse a una serie de machos que la obligan a hacer una serie de cosas que ella en su vida se imaginó que debería ser víctima de esto. No solo se trata de lo que la banda la obliga a hacer, pero también la misma DEA, la policía y hasta la CIA. 

Por otro lado, el resto del elenco, sobretodo el equipo de los Estrellas y los agentes de la CIA en secreto, se apoderan del principal entretenimiento de la película, retratando a honestidad como la guerra de la policía y las bandas narcotraficantes es la verdadera problemática de este escenario, que mantienen a un personaje como pelota de Ping Pong, saltando de un territorio/bando a otro, únicamente porque teme por su vida. La gran lástima es que esta temática se debilita por un personaje principal escasamente construido, casi enterrado en el machismo de la sociedad en que esta historia se desarrolla.

A pesar del talento de Gina Rodríguez, quien ya ha demostrado ser capaz de poder encarnar cualquier tipo de personaje (de Jane the Virgin a Annihilation hay más de 7 diferencias); no obstante, las cualidades y debilidades del personaje de Gloria la estancan en la categoría de personajes pasivos, que no hace más que recibir órdenes y cumplirlas. Al final, encuentra a su amiga porque el líder de la banda la ayuda, todos los hombres que han prometido ayudarla la traicionan, y mata al único hombre que supuestamente ha estado ayudándola porque todo este tiempo sabía dónde estaba su amiga. Y mucho peor a esto, la presentan como un personaje que no sabe tomar decisiones por sí misma a lo largo de la historia, y que entre jipidos y súplicas es que evita ser asesinada.

La directora Catherine Hardwicke quiso tomar referencias de la historia original, pero en vez de mantener la misma estructura, o incluso los mismos tipos de personajes, ella junto con el guionista Gareth Dunnnett-Alcocer se desentendieron de esta y construyeron una historia antifeminista, que a pesar de querer decir a gritos que las mujeres viven esto en realidad, no busca en ninguna ocasión darle empoderamiento a su protagonista más que al final donde definitivamente debe jalar el gatillo si quiere vivir.

Como mujer, me resulta incómodo y casi poco creíble que quisieron darle tan poca toma de decisión a un personaje que en principio se mostraba rebelde y hasta rompedor de clichés, pero que resultó ser una víctima más del sistema.

The Mule

 Earl Stone (Eastwood), un octogenario que está en quiebra, solo, y que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio, se le ofrece un trabajo aparentemente facil: sólo requiere conducir. Pero, sin saberlo, Earl se convirte en traficante de drogas para un cártel mexicano, y pasa a estar bajo el radar del agente de la DEA Colin Bates (Cooper).

A sus 88 años, Clint Eastwood demuestra una vez más su talento en pantalla y detrás de cámara, trayendo a la vida a The Mule. Este hilo basado en una historia real acerca de un veterano todavía casi indigente que comienza a transportar drogas para un cartel mexicano, es atractivo, humorístico y, al parecer, bastante personal en la forma en que retrata a un hombre que hace un intento para mejorar como esposo y padre. El veterano de Eastwood, que busca buenos momentos, es un contraste temperamental con el insultante que jugó en el gran éxito de Gran Torino una década atrás.

Visto por primera vez con un sombrero para el sol y cuidando algunas flores en un invernadero, Eastwood se ve notablemente más viejo que cuando estuvo la última vez en la pantalla grande; camina lentamente, se ve un poco frágil y por primera vez carece de toda la impresionante estructura que ha tenido desde el principio de su carrera. Verlo participar en algo llamado la Liga Nacional de Daylily parece una broma.

Al darle vida a Earl Stone, muestra como este es despreciado por su familia inmediata, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Alison Eastwood), a quien dejó plantada en su propia boda y todavía no puede perdonarlo. Parece que el hombre nunca estuvo allí cuando necesitaba estar y ahora está pagando el precio.

Pero lo peor está por venir para el viejo Earl cuando se queda sin dinero y lo echan de su vivienda. Sin embargo, Chance lo rescata cuando es contratado, en parte debido a su perfecto historial de manejo, para "simplemente conducir" a El Paso para hacer una entrega. Es el comienzo de un hermoso arreglo, por no mencionar lucrativo, y durante un buen rato se demuestra que es mutuamente beneficioso para el cartel (Earl es tan confiable en el trabajo como no estaba disponible para su familia) y para el mismo Earl, quien puede utilizar bien el dinero y eventualmente regresar a su casa.

Al mismo tiempo, los agentes federales en Chicago, liderados por un agente especial de la DEA a cargo (Laurence Fishburne), están tratando de atrapar a algunos narcotraficantes del cártel en el oeste, pero están sufriendo un período largo y seco. Puede tomar un tiempo, pero sabes que eventualmente los hombres de la unidad se cruzarán con el no sospechoso Earl, especialmente después de que un nuevo agente, Colin Bates (Bradley Cooper), suba a bordo.

Durante algún tiempo, el arreglo funciona maravillosamente bien: los narcotraficantes obtienen lo que quieren sin problemas, mientras que Earl recupera su equilibrio financiero y sobra lo suficiente para las damas que quiere en su vida. Aunque no es nada en comparación con los arrebatos del anciano hacia las minorías en Gran Torino, la nueva película presenta deliberadamente algunas de las anticuadas nomenclaturas de Earl, incluso hasta caer en momentos racistas y estereotipados.

El viejo Earl de repente lo está llevando bien, en la medida en que ayudar a su nieta con los gastos de la boda y puede financiar la reapertura de un bar de amigos; el éxito del acuerdo finalmente llega a la atención del jefe del cartel Laton (Andy Garcia), quien lleva a cabo reuniones de negocios en su finca mientras dispara con un rifle de oro macizo. A Laton le gusta tanto el viejo gringo que lo invita a una de sus grandes fiestas y le regala dos amigas para la noche (todo lo que pase está implícito pero, felizmente, no se ve). Pero, de repente, las cosas se van al sur, con nuevos supervisores desagradables que hacen que la vida sea miserable para Earl y la DEA cada vez más frustrada siente la necesidad de obtener resultados rápidos.

También hay malas noticias en el frente doméstico, ya que Mary se enferma. Cuando Earl, a modo de explicación y disculpa por no estar allí para ella cuando ella y la familia lo necesitaban, dice: "Pensé que era más importante ser alguien allá afuera", la sensación es ineludible de que Eastwood se esté dirigiendo a su propia persona, una inmersión constante en su carrera cinematográfica, incluso cuando dice que modelaba algunos de los hábitos del anciano según su propio abuelo.

La dirección de Eastwood despierta cierto suspenso a finales de los años; no hay garantía de que Earl salga de este lío con vida, ya que el director ha matado a su propio personaje más de una vez en el pasado. El clímax de la historia toma algunos giros y giros que son a la vez melodramáticos e inesperados, y el Earl generalmente prosaico finalmente concluye: "Pude comprar cualquier cosa, menos tiempo".

Pocos hombres importantes en la historia del cine han estado activos durante tanto tiempo (Eastwood hizo su debut en la pantalla hace 63 años), y probablemente ninguno haya tenido a la estrella por encima del título durante tanto tiempo. ¿Y cuántos directores modernos han hecho tantas películas como él? (Spielberg ha dirigido 31 durante un período similar). Eastwood ha hecho algunas películas flojas y demasiado largas a lo largo de los años, pero esta no es una de ellas, y aquí hay vitalidad visual como resultado de la primera colaboración entre el director y el director de fotografía canadiense Yves Belanger. También es fresca y bienvenida la discreta partitura del gran músico de jazz cubano Arturo Sandoval.

Menos molesto e incitante que Gran Torino, pero persuasivamente expresivo al mostrar los lamentos de un anciano junto con su deseo de superarse incluso a una edad avanzada, The Mule muestra que Eastwood todavía lo tiene, tanto como director como actor.

Beautiful Boy

Crónica sobre la adicción a la metanfetamina y el intento de recuperación y de salir de las drogas a través de los ojos de un padre que observa a su hijo mientras lucha contra la enfermedad de la drogodependencia.

Cuando dos estrellas (de generaciones completamente diferentes) se unen para compartir el rol protagónico, la razón deque el cine independiente exista se da a notar. Steve Carell y Timothée Chalamet encarnan a David y Nic Sheff, padre e hijo que, a pesar de las circunstancias de la vida, se demuestran incondicionales el uno para el otro.

La película está adaptada de las memorias del veterano periodista David Sheff y su hijo Nic, quienes documentaron la adicción a las drogas que afectó a Nic en su adolescencia y casi destruyó a la familia. Mientras Nic ha saltado de un internado de rehabilitación a otro, David trata de encontrar respuestas al motivo de la adicción de su hijo y cuales opciones deberá cumplir en orden de evitar una tragedia mayor por parte de su hijo.

"Beautiful Boy" es una calamidad familiar bastante grande, angustiosa y horrorosa. La película tiene una clara intención educativa de hacer un llamado de atención a las adicciones de cualquier tipo. Timothée encarna a Nic, quien voluntariamente emprende un viaje al infierno e insiste en que es una opción más de una enfermedad que ha intentado consumir toda su vida hasta el final de sus días. Al mismo tiempo, Steve presenta a un padre preocupado por su hijo, quien dedica cada segundo de su energía para tratar de ayudarle a superar su adicción, hasta que se da cuenta que no podrá ayudarle en serio si su propio hijo no se compromete a salir de esta tóxica vida.

Steve Carell como David Sheff es un hombre cuyo modo predeterminado es la calma, pero que se topa con los límites de la razón una y otra vez. Mientras que Chalamet esboza la degradación total, pero también los matices sutiles de un usuario cuyas oraciones pueden ser un intento de manipulación.

A pesar de que la película se basa en dos libros (uno escrito por David y otro por Nic), está claro que se centra más en la perspectiva del padre y los conflictos que fue creando la adicción de su hijo en torno a su nuevo matrimonio, sus demás hijos e incluso su vida laboral. Solo después de varias decaídas de Nic es que la audiencia podrá ser testigo de sus decisiones, sus altas y bajas, y la relación que este tiene con su padre. La química entre Steve Carell y Timothée Chalamet es un agregado interesante para la historia, lo cual ayuda a la trama a evolucionar de manera más dramática.

Pero no se puede dejar de mencionar la actuación de Maura Tierney, quien representa la esposa de David, y quien, a pesar de no haber sido la madre biológica de Nic, lo aprecia como tal, sufre y llora sus decaídas, pero trata de mantenerse firme para darle fuerza a David en el momento de tomar decisiones.

Un aspecto narrativo, que para algunos espectadores podría resultar cansón, es la repetición constante de las decaídas de Nic y los intentos frustrados de David por salvar a su hijo. Parecería un proceso lento y repetitivo, casi metido en un loop sin salida, pero esto se debe a que representa la idea de la adicción. Ahora, la película va cambiando de la adicción a la rehabilitación una y otra vez, aumentando la apuesta por la miseria con cada nuevo turno, mientras que las piezas centrales son las conversaciones entre padre e hijo; algunas de las que es necesario resaltar son en el restaurante cuando Nic está tratando de estafar a su padre con dinero y luego por teléfono cuando David finalmente decide que no puede tratar de ayudar a su hijo por más tiempo.

La música es fundamental para "Beautiful Boy", con un uso astuto de canciones de un catálogo de depresivos, desde Bowie a Buckley, con Nirvana y Neil Young, Sigur Ros y Henryk Gorecki. Esta es complementada con los colores de las imágenes que representan los cambios en la vida de los protagonistas, y las alucinaciones que Nic irá experimentando a lo largo de su vida adolescente.

El verdadero camino de esta relación hijo-padre es el de la cura de la adicción (un cambio de vida y del enfoque de vida) y la de la cura de las obsesiones paternas. Uno debe aprender a lidiar con la pesadilla del abuso y el otro debe entender mucho más de sí mismo y es ahí donde Carell da su parte a la película con una interpretación bastante más alejada de los estereotipos y por lo tanto igualmente satisfactoria. Logra pasar del “villano” que no comprende al del hombre que ve sus errores, que conoce sus pecados y que debe aprender que probablemente ha provocado mucho del infierno de su hijo.

Lo impresionante de Beautiful Boy es como con un relato tan sencillo y honesto, abordan un tema tan delicado y que muchos cineastas evitan tratar con transparencia. Felix Van Groening ha logrado una pieza que, sin importar la cantidad de asientos que llene, el mensaje llevará un impacto en la vida de la audiencia.

A Star is Born

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que se enamora de Ally (Lady Gaga), una artista que lucha por salir adelante. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. El camino será más duro de lo que imaginan. (FILMAFFINITY)

Este es un buen ejemplo de que hay algunas películas que pueden ser exitosas, aunque sean basadas en clásicos de años anteriores. Sobretodo por ser una obra que le hace honor al género y estilo que prometen desde su premisa.

La historia se enfoca en dos artistas: uno muy famoso pero con una fuerte adicción a las drogas y al alcohol; otra que nunca ha tenido una verdadera oportunidad para lanzarse como cantante y que esconde su voz en bares medio clandestinos. Pero cuando sus caminos se cruzan por pura casualidad, sus vidas cambian por completos. El decide incluirla en sus conciertos, ella encuentra las oportunidades que nunca tuvo. Pero mientras ella continua escalando a la fama, él sigue cayendo en un vacío de alcoholismo, y lo que parecía ser parte de su rutina se convierte en un problema para la carrera de ambos.

Los mejores artistas siempre serán los que sepan contar historias con su propio talento. Bradley Cooper se ha caracterizado por muchas comedias, un par de thrillers y acción, pero a la hora de hacer drama, él siempre ha sabido donde está el lado sensible de la audiencia. La manera tan natural en la que su personaje fue desarrollándose y creando caos y conflicto alrededor de él fue creíble, a parte de impresionante y cautivadora. 

Pero Lady Gaga no se queda atrás demostrando que el canto será su mejor talento, pero la actuación siempre ha sido su habilidad mejor escondida. Lo dejó claro en American Horror Story, y aquí regresa para llamar la atención de todo aquel que no se había percatado de lo que es capaz de hacer. La entrega y capacidad de encarnar este personaje, y la manera en que demostró que su peor debilidad la llevó a la tragedia hace que la audiencia se pregunte por qué no comenzó a actuar desde hace tiempo.

Del mismo modo, y a pesar de que la historia está enfocada únicamente en la relación de sus protagonistas, el rol de quienes los rodean es importante para entender las etapas por la que los protagonistas pasaron, de modo que los actores de reparto cumplen un rol muy específico pero a la vez muy importante para toda la película. No importa si salieron en 10 escenas o en una sola, sirven a la trama con triunfo y profesionalismo.

El detallismo de esta historia pretende hacerle honor a las películas de romance, desde el origen de "chico conoce chica"; pero a diferencia de estas películas, rompe con la típica estructura y da unos giros que, a pesar de que gritan querer volver a la fórmula cliché, pero que se sale con la suya y otorga una historia fresca para los ojos de la audiencia moderna. El desarrollo entre los dos personajes principales es tan orgánico y a la vez tan poco predecible, pues es difícil reconocer cuál será el siguiente movimiento de alguno de los dos.

Pero el verdadero enganche de esta película es la música, pues va escalando y cambiando de acuerdo a la fase por la que estén pasando los protagonista. A pesar de que la película está basada en una versión de los años 30 y los años 50, la banda sonora fue específicamente compuesta por Lady Gaga, Bradley Cooper y un equipo de compositores que se encargaron de que cada una de las canciones tuviesen valor narrativo por sí solas. Quizás Shallow, Is That Alright y Maybe it's Time serán las favoritas de la audiencia, pero el resto de la composición musical cuenta esta historia por sí misma.

Para ser su debut como director, Bradley Cooper ha demostrado tener el talento y la capacidad suficiente para renovar una historia que algunos tacharán de obsoleta y dándole aspectos modernos sin dejar atrás la esencia del romance, tragedia y legado que A Star is Born siempre estableció desde su primera presentación en los años 30.

Peppermint

Peppermint es una historia de venganza que se centra en una joven madre que, sin nada que perder, está decidida a arrebatarle a sus rivales la misma vida que le fue robada. (FILMAFFINITY)

En el año 2000 se estrenó una de las películas más aclamadas por la crítica; la historia era sobre un hombre que vengaba la muerte de su esposa e hijo, asesinando a quien encargo la muerte de ambos. El tuvo que pasar lo imposible, pasar por el calvario una y otra vez y estar frente a frente con su enemigo en múltiples ocasiones hasta que finalmente pudo clavar la daga en su corazón. ¿Por qué tuvo éxito? Por el estilo tan elegante pero a la vez visceral de la película. Peppermint trató de lograr lo mismo que esta historia, invirtiendo el sexo, cambiando el tiempo y dándole un motivo de venganza aún más real... pero lamentablemente no le da ni por los talones.

Jennifer Garner interpreta a Riley North, una madre y cajera de banco que ve a su marido y su hija de 10 años morir a tiros frente a ella mientras regresan de un carnaval. (El esposo tenía un amigo que se puso del lado equivocado de un capo de la droga local.) Aunque North identifica a los sospechosos, el caso se desestima gracias a un juez, un fiscal y un DA corruptos. Ese mismo día, una mujer que hasta ese momento solo fue ama de casa de bajo nivel desaparece de la red, roba miles de dólares del banco en el que trabajaba, y comienza su vida como un vigilante badass internacional que, cinco años más tarde, regresa a Los Ángeles para castigar a quienes arruinaron su vida.

A pesar de las asombrosas armas que le dieron a Garner para sus escenas, es muy difícil creer todo lo que hace. Esta mujer es una experta en "todo": allanamiento de morada, vigilancia, armas de fuego, combate mano a mano, cirugía, explosivos. Al menos Liam Neeson ya tenía un "conjunto particular de habilidades" para empezar, y Batman tenía el poder económico... pero en serio, ¿cómo es que ella lo logra?

Jennifer Garner es una superdotada en casi todos los papeles que se le entregan, pero la actriz es demasiado para el de Riley: por más malona que quisieron convertirla, al personaje le hace falta mucha lógica y sobretodo falta ese momento de entrenamiento, pues el backstory está muy reducido y no muestra realmente cómo llegó a estar tan preparada para estos actos de venganza. Por igual, el resto de los personajes son totales extraños para la historia: no sabes quién será el bueno o el malo, y a pesar de que la sorpresa es buena, lo es cuando tiene un suspenso o sospecha previo.

No obstante a esto, la trama es muy predecible. Muchas de las acciones y los sentimientos ya lo hemos vivsto en películas con un estilo muy similar a este. Las visiones de la hija de Riley, la lista de venganza, el seguimiento de los antagonistas y cómo se dan cuenta de lo que viene tras ellos: es como si hubiese tomado partes de distintos clásicos y hubiese intentado ser un mashup perfecto, pero terminó siendo muy convencional y repetitivo.

Este thriller dirigido por Pierre Morel (quien también dirigió Taken) luce y se siente cortado, como una película de dos horas que fue hackeada a un errático 95 minutos después de tratar de eliminar escenas innecesarias. Empieza lo suficientemente bien, con un gancho rápido que, afortunadamente, resulta ser un momento muy temprano en la narrativa para entretener al público, dando más oportunidad de conocer algunos de los personajes, como Riley y su condenado esposo e hija. Nos dice que no es un acto de violencia al azar, sino más bien una retribución por un complot para robar a un traficante de drogas que en realidad nunca tuvo lugar.

Una vez que ocurre el incidente, la película francamente se estrella a la tierra. A pesar de los mejores esfuerzos de John Gallagher Jr. como el detective principal (y John Ortiz como su cuidadoso compañero), el resto de la película nunca se consolida. Resulta muy fácil cómo la policía relaciona todas las muertes a Riley, cómo los medios la glorifican en tan poco tiempo y la forma en que los tres sospechosos son liberados, pero sobretodo, es demasiado confuso cómo la viuda de luto pasa a la clandestinidad y aparece cinco años más tarde, con un plan de venganza. Y no se pueden dejar de mencionar los grandes clichés que, a pesar de querer quedarse en la realidad, terminan siendo lo más obvio: los narcotraficantes mexicanos, la madre que le cambia la vida con la muerte de un hijo, el policía blanco que termina siendo corrupto, el intento de detective que no hace nada al final. 

En conclusíon, la película es muy pobre. A pesar de sus muchos intentos, la violencia excesiva y un elenco que prometía mucho en conjunto, se quedó corta y terminó siendo más de lo mismo.