Crítica Cinéfila: Wake Up Dead Man - A Knives Out Mystery

El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. 

“Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery” es una obra de misterio y asesinato cautivadoramente ingeniosa y divertida, casi perfecta; una novela policíaca que cumple con las expectativas creadas hace seis años por “Knives Out”, que ofreció su propio y perfecto renacimiento del espíritu de Agatha Christie, con un delicioso toque de descaro meta. Hace tres años, “Glass Onion: A Knives Out Mystery” fue igual de ingeniosa, pero como muchas secuelas de éxitos icónicos, exhibió una cualidad de "a lo grande o vete a casa" que la hizo, al final, un poco demasiado pesada. Seguía siendo buena, pero no tan buena.

"Wake Up Dead Man" nos ofrece lo mejor de ambos mundos. Es una película gótica extensa y profusamente escenificada, y también intenta algo más grandioso que la primera "Knives Out". Pero esta es más arraigada y orgánica que "Glass Onion", y nos devuelve a la ingeniosa trampa de la realidad de la primera película. Estas son películas que usan su astucia elemental para ponernos en contacto con nuestro niño interior de ojos abiertos. Son inmersivas, en ese estilo de "¿qué va a pasar después?", aunque parte de la razón por la que "Wake Up Dead Man" es más cautivadora que "Glass Onion" es que la película funciona tan plenamente a escala humana.

La película se ambienta en un pequeño pueblo del norte del estado de Nueva York, donde Monseñor Jefferson Wicks (Josh Brolin), de pelo canoso y barba, es la versión contemporánea de un líder de culto implacable, que predica la furia bajo la forma de piedad. La primera parte de la película se dedica a adentrarnos en su imperio local de creencias distorsionadas, que se inclina hacia la derecha. Pero en cuanto muere (créanme, esto es solo el preámbulo de la película), su media docena de feligreses se convierten en sospechosos. Y la película se convierte en una película con múltiples matices y, por momentos, casi filosófica.

“Wake Up Dead Man” es a la vez una alegoría guiñando un ojo a la era política que vive Estados Unidos, con Monseñor Wicks como una figura simbólica de Trump y sus seguidores como creyentes verdaderos y comprometidos; una película que se basa en autores desde John Dickson Carr hasta GK Chesterton para jugar con la logística minuciosa del homicidio; un debate tortuoso sobre los temas de la racionalidad vs. la fe, el amor vs. el odio; y un misterio empapado de sangre al estilo “Scooby-Doo” con esteroides barrocos que sabe, a cada paso, que está jugando contigo.

El escritor y director, Rian Johnson, que probablemente recibiría incluso más crédito por mantener la viabilidad de las películas sofisticadas para adultos si no estuviera haciendo las películas de "Knives Out" para Netflix, se le ocurre una forma inspirada de enmarcar la película al elegir a Josh O'Connor, con su sonrisa entusiasta y su ingenuo carisma de cabello rizado, como el reverendo Jud Duplenticy, un joven sacerdote de Albany que es asignado a la parroquia de Wicks después de golpear a un diácono. Jud es un exboxeador que mató a alguien en el ring. Es por eso que se convirtió en un hombre de la iglesia: toda su vida se ha convertido en un viaje de arrepentimiento. O'Connor es el tipo de actor astuto que puede interpretar a alguien que se compromete con Jesús y uno se lo cree, porque te muestra tanto la sinceridad como la lucha, pero también ves al niño escéptico y sonriente que vive dentro del creyente.

Jud quiere hacer lo correcto y ser bueno, pero cuando llega a Nuestra Señora de la Gracia Perpetua, donde ha sido asignado como asistente de Monseñor Wicks (y es visto por Wicks como un desafío a su autoridad que debe ser castrado), lo que encuentra es una iglesia rota que es un semillero de agresión. Johnson lanza la primera de muchas bolas curvas bien lanzadas al sumergirnos en la loca saga de esta iglesia, con su congregación de egocéntricos mezquinos amargados: el escritor de ciencia ficción en una pendiente cuesta abajo (Andrew Scott); el médico cuya esposa e hijos lo abandonaron (Jeremy Renner, en su primer papel desde su accidente); la ex violonchelista que sufre de dolorosas convulsiones y ahora pasa sus días en una silla de ruedas (Cailee Spaeny); la abogada tensa (Kerry Washington) que tuvo que criar al hijo ilegítimo de su padre; y ese hijo adulto, un político conservador ambicionado pero fracasado (Daryl McCormack), que ahora es un fenómeno en YouTube publicando videos voyeuristas. La historia de la iglesia es una deliciosa historia de pecado y castigo, centrada en la madre de Wicks, la "ramera" que destrozó el lugar después de que su padre destruyera su herencia.

La primera señal de que algo anda mal con Wilks es cuando le pide a Jud que le tome la confesión, y esta consiste en que Wilks habla de la frecuencia con la que se ha masturbado en el último mes. Eso tiene un tono intencionadamente gracioso e hiperbólico, pero Josh Brolin no permite que se descarte al personaje como una broma. Es una amenaza de ojos pequeños y brillantes, con sotana, que tiene a su rebaño bajo un hechizo. Lo matan de una forma fascinante, porque es un "crimen imposible", lo que permite a la película recrear cómo funciona ese mecanismo en las novelas policíacas clásicas. En el clímax de su sermón de Viernes Santo (que en sus manos suena más a Viernes Malo), entra en el armario junto al santuario de la iglesia y termina muerto, tendido en el suelo, con la espalda apuñalada por un cuchillo coronado por una cabeza de diablo tallada. ¿Cómo pudo pasar esto? Todo ocurrió en 30 segundos, delante de la congregación, y no había nadie en el armario con él.

Por supuesto, será Benoit Blanc quien resuelva esto, y si el personaje de Daniel Craig en la película anterior fue empujado en una dirección inesperada, aquí vuelve a mostrarse casi desafiantemente indiferente con su hastiada y cansada curiosidad sureña. Craig, esta vez, ofrece lo que yo llamaría su interpretación más rica de Benoit Blanc. Blanc intenta armar un rompecabezas, pero la mayoría de sus piezas se basan en las debilidades humanas que llevan a la gente a cometer actos ruines. Y Blanc intenta resolver lo sucedido viendo el panorama general, sintonizando con los espíritus que guían las cosas y conectando al público con ellos. A lo largo de la película, se burla de la religión, presentando la racionalidad como la única fe verdadera. Sin embargo, la verdadera fe de Blanc reside en la cualidad casi mística que implica ver de lo que es capaz el animal humano. Su nivel de percepción, propio de Sherlock Holmes, se basa en la misma empatía cósmica que el Jud de O'Connor busca como ideal cristiano. Por eso estos dos pueden encontrarse en un punto intermedio.

“Wake Up Dead Man” toma la forma de una película de colegas en la que Blanc y Jud se unen para resolver el crimen. El guion, escrito por Johnson, es una fusión impecable de intriga y confesión. Siempre encuentra nuevas maneras de sorprendernos, de sumergirnos en personajes que inicialmente creíamos típicos. Y la forma en que la película entrelaza temas como el pecado, la culpa, la avaricia y Dios la convierte en un auténtico acto de equilibrio dramático, que plantea la posibilidad de que los personajes resuciten como Jesús. Rian Johnson simplemente se divierte, pero también introduce un toque de indagación espiritual en este thriller de misterio que te deja sin aliento, que es la película más aguda de “Knives Out” hasta la fecha. 

Crítica Cinéfila: Four Good Days

Diez años de consumo de opioides han dejado en ruinas la vida de la joven Molly. Una nueva medicina podría darle alas para comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb, una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Por una extraña razón, el director Rodrigo García encaja perfectamente en Four Good Days, protagonizada por su colaboradora frecuente Glenn Close como una madre cuya confianza se ha roto por años de mentiras, robos, degradación y angustia de su hija drogadicta, interpretada por Mila Kunis. Por supuesto, para que haya una historia, el adicto debe tener otra oportunidad, y el título se refiere al período tenso que necesita para mantenerse limpia a fin de calificar para un tratamiento que podría salvarla de sí misma. Actuado de manera persuasiva, observado con compasión, aunque sin gran información sorprendente, este es un material bien intencionado que nunca va más allá de su plantilla de película inspirada en una historia real y/o basada en un tema.

Mientras que el personaje de Kunis, Molly, ha ampliado hace mucho tiempo su consumo de analgésicos a heroína, crack y cualquier otra cosa que pueda conseguir en sus manos temblorosas, el trastorno por consumo de opioides está en la raíz de este drama, que se basó en un artículo del Washington Post del coguionista de García, Eli Saslow, y sobre la historia de la vida real de los sujetos de esa pieza, Amanda Wendler y Libby Alexander.

Haciéndose eco de los titulares de noticias recientes sobre las grandes farmacéuticas notificadas de que los ejecutivos podrían ser responsables penalmente de alimentar la epidemia de adicción a los opioides en Estados Unidos, Deb, amargamente preocupada, señala más de una vez con el dedo acusador a los profesionales médicos por iniciar a su hija con Oxy recetado con resurtidos ilimitados tratar una lesión en la escuela secundaria. Pero García está más interesado en el drama personal que en los comentarios sociales más amplios, lo que coloca a Four Good Days en el mismo campo que otras películas recientes sobre padres afligidos pero obstinadamente esperanzados que atraviesan el agonizante proceso de llevar a sus hijos hacia la recuperación, como Beautiful Boy y Ben is back.

Lo que esas películas y otras similares tienen en común es el sello sincero del servicio público, de llegar a familias que atraviesan situaciones similares para demostrar que no están solas.

Ha habido excepciones memorables a lo largo de los años, como Requiem for a Dream, que convirtió su inmersión en la cultura de las drogas en una película de terror desgarradora y alucinante; Drugstore Cowboy, sincero y contemplativo en su descripción de adictos transitorios; Rachel Getting Married, que encontró un equilibrio exquisito entre la comedia y el drama de Chejovia en las consecuencias de los problemas de adicción de la hermana de la novia; o Heaven Knows What de los hermanos Safdie, una odisea de textura áspera de la drogadicta vida callejera de Nueva York que rindió homenaje al clásico de 1971, The Panic in Needle Park.

Pero en su mayor parte, las películas recientes sobre drogas son un fastidio ingrato. O un vehículo para que los actores realicen actuaciones sin reservas a las que a menudo se elogia como "valientes".

Molly ya ha tocado fondo cuando aparece en la puerta de Deb y su segundo esposo Chris (Stephen Root) después de más de una década de adicción incondicional y 14 intentos fallidos en rehabilitación. Ella se ha vislumbrado al comienzo de la película en tiempos más felices, una adolescente morena sana riendo en una playa. Pero ahora Molly se ve como el infierno: demacrada, su cabello de un rubio sucio, su piel hecha un desastre, sus manos intentando esconder una boca desdentada plagada de enfermedad de las encías.

Deb ha escuchado las promesas poco sinceras de Molly tantas veces que no confía en dejarla entrar en su casa suburbana segura, y Chris le asegura que está tomando la decisión correcta. Pero su endurecido desapego solo dura hasta cierto punto una vez que Molly acampa temblando en el camino de la entrada. Deb acepta ayudar en la medida en que la ingresa en un centro de desintoxicación, pero su amor maternal la mantiene despierta por las noches, imaginando a Molly atormentada por el dolor de pies a cabeza.

Cuando terminan sus tres días cubiertos por el seguro, un médico le informa a Molly que la evidencia estadística de las recaídas está en su contra, y su mejor oportunidad para una recuperación duradera es una inyección mensual de naltrexona, un antagonista químico opiáceo que hace imposible drogarse. El problema es que su sistema debe estar libre de drogas durante una semana completa para evitar efectos secundarios peligrosos, por lo que durante cuatro días más debe estar en un lugar acompañada y lejos de otros usuarios.

Si bien gran parte del guión de García y Saslow se deriva directamente del artículo de este último sobre la experiencia de Wendler y Alexander, los ritmos dramáticos se sienten terriblemente familiares. Molly inicialmente es hosca y resentida, aunque con destellos de vergüenza cuando se enfrenta a la evidencia de sus peores crímenes a lo largo de los años. Deb le recuerda pacientemente: "Esto es una enfermedad, no eres tú". Un reencuentro con los dos hijos de Molly es incómodo al principio ya que la miran como una extraña, pero ella los afloja mientras la abuela mira con una vigilancia de ojos de halcón.

El intento de aprovechar el dolor de la experiencia auténtica se ve socavado aquí y allá por pasajes excesivamente "escritos", en particular cuando Molly, después de afirmar que no tiene don para hablar en público, se dirige a una clase de los alumnos de su antigua entrenadora de secundaria con una expresión feroz y una efusión emocional. Del mismo modo, Chris tiene un gran discurso sobre la inutilidad de buscar la causa de la adicción de Molly o del posible papel de Deb en desencadenarla.

Los roces con el peligro cuando Molly insiste en volver a su antiguo territorio para ayudar a una adolescente con problemas es sinónimo de agregar urgencia al drama, al igual que su desaparición por un fin de semana a medida que se acerca a su primera inyección de naltrexona. Pero esta es una película que es más eficiente que emocional, un factor subrayado por el uso torpe de la partitura pensativa de Edward Shearmur dominada por el tintineo del piano.

Ninguna de las actuaciones principales se limita al compromiso y, sin embargo, no hay nada terriblemente revelador en ellas. Kunis rebota entre quebrado y en guerra constantemente, forjando gradualmente un camino frágil hacia la luz, mientras que Close, envuelta en una peluca de matrona y un maquillaje bougie de canasta-club, pasa la mayor parte de la película con la misma mandíbula apretada y la misma ansiedad con los ojos abiertos, salpicada de sollozos o rabia. Al final, resulta una sensación palpable de que todos creen que están haciendo un drama poderoso sobre los sacrificios ilimitados del amor de los padres. 

The Spy who Dumped me

Audrey y Morgan son dos amigas que se ven involucradas en una conspiración internacional cuando una de ellas descubre que su ex-novio era en realidad un espía. (FILMAFFINITY)

"The Spy Who Dumped Me" es un entretenimiento exagerado y extrañamente combustible, una película que parece no poder decidir si quiere ser una comedia ligera o un ejercicio pesado en B-Muy-violencia cinematográfica.

Audrey (Mila Kunis), una cajera de mercado orgánico de Los Ángeles con el pelo castaño lacio y una actitud a la par, y Morgan (Kate McKinnon), su feminista BFF, terminan en medio de una gran trampa de espionaje balístico después de que resulta que el novio ausente de Audrey, Drew ( Justin Theroux ), es un operativo feroz que trabaja para la CIA. Antes de que comience la historia, ya lo visto en acción, atravesando paredes, eliminando matones continentales y saltando por una ventana hacia un camión en una única que Tom Cruise lo haría. Esto casi podría ser el preludio de una película de Jason Statham, y el público piensa: "Está bien, deben estar tratando de ponernos de humor". Una vez que Drew es asesinado a tiros delante de Audrey, ella y Morgan intentan llevar a cabo su misión tomando el paquete que llevaba y volando a Viena para entregarlo a su contacto en un café. 

Los punch line nunca llegan a tiempo y la mayoría de las veces no se registran completamente como comedia (más como relleno). La imagen está tan empeñada en ser una extravagancia de caos directo que siempre resulta una exageración. Ese café de Viena, por ejemplo, explota en una sangrienta lucha libre (ametralladoras, dagas, cuerpos que se estrellan), incluyendo cuando un hombre se hunde la cabeza en una olla de fondue. Es una forma genial de matar a alguien pero no se ve tan creíble en pantalla.

La historia tiene peleas de cuchillos y persecuciones, docena de disparos de armas de fuego, dobles cruces y traiciones, una estructura de trote en Europa que lleva a las heroínas de Viena a París a Praga a Berlín, un agente (Sam Heughan) que puede o no pueden estar de su lado, una asesina rusa (Ivanna Sakhno) que es como una gimnasta androide con cejas invisibles, un clímax del Cirque du Soleil que presenta a Morgan en un trapecio, y más jibber-jabber de lo que puedes soportar sobre una unidad flash que contiene información que salvará innumerables vidas. 

Sin embargo, bajo sus propios términos, la película es incompetente. Es difícil tener mucha inversión con todo lo que estamos viendo, es ilógica, le falta comedia en la mayoría de sus escenas, y la actuación de Kate McKinnon es DEMASIADO. "The Spy Who Dumped Me" no es una película para verla dos veces.