Crítica Cinéfila: Avatar - The Last Airbender, 2da temporada

Aang, Katara y Sokka viajan por el Reino Tierra en busca de un maestro para que Aang aprenda Tierra-control. En su camino conocen a Toph, quien se une al equipo para enseñarle. Juntos deben llegar a la ciudad de Ba Sing Se para detener a la Nación del Fuego, enfrentándose a la policía secreta Dai Li y a la princesa Azula.

Al ver la primera temporada de Avatar, tuve una mezcla de emociones: fue una temporada televisiva que no sabía si debía ser cruda y oscura para los adultos que vieron la original hace 20 años, o si debía replicar la diversión y el humor para una nueva generación de niños. Al final, encontró el equilibrio entre ambos tonos; por suerte, cuando el mundo más lo necesitaba, el avatar regresó.

La segunda temporada de "Avatar: The Last Airbender" mejora prácticamente todos los aspectos de la primera, de forma realmente impresionante. El ritmo es mucho mejor; la condensación de las tramas crea una historia más sustanciosa que permite a cada personaje tener su propio arco argumental satisfactorio; y hay algunas subtramas originales que suponen una mejora genuina respecto al material original. La serie también resuelve por fin su problema de tono al hacer que la historia madure. Al igual que la serie animada original empezó a madurar en el segundo libro de su historia, la versión de acción real también adopta un enfoque más serio con sus personajes ya adultos —literalmente, en el caso del estirón de Gordon Cormier, que la temporada intenta explicar torpemente— y la historia madura junto con ellos.

Al ser el segundo libro un capítulo tan extenso de la saga de Aang, resulta difícil adaptarlo, ya que abarca demasiados lugares e historias secundarias. La adaptación de acción real opta por centrarse casi de inmediato en la parte de Ba Sing Se, aumentando la emoción y los peligros de la metrópolis. Funciona, pues nos permite comprender bien el funcionamiento interno de la capital del Reino Tierra y su cultura, la vida protegida de sus ciudadanos y la vasta red de secretismo y vigilancia a la que están sometidos.

La temporada logra un buen equilibrio al dotar a la trama principal de urgencia, a la vez que justifica la ralentización del ritmo para que los personajes tengan tiempo suficiente para explorar la ciudad y desarrollar sus propias historias. Resultan especialmente interesantes las subtramas de Aang, quien se ve obligado a jugar a la política con Long Feng para intentar conseguir una audiencia con el rey; la de Toph y sus dificultades con su terrible historia familiar; y los intentos de Zuko e Iroh por empezar una nueva vida. Y no dejó de dar ciertas pinceladas al creciente interés amoroso de Aang hacia Katara y lo que eso significará en la siguiente temporada.

Miya Cech hace un trabajo excelente como Toph, encarnando la dureza y la destreza del personaje, pero también su vulnerabilidad, especialmente cuando se trata de su familia. Y hablando de familia, la Nación del Fuego sigue siendo uno de los puntos fuertes de esta adaptación. Azula, interpretada por Elizabeth Yu, es una villana fenomenal, y en esta temporada tiene un papel más importante que nos permite comprender su resentimiento hacia Zuko y sus padres, así como su desesperada y despiadada búsqueda de aprobación. Dallas Liu es un Zuko impecable, y su interpretación de la historia de Zuko es un placer de ver incluso en este nuevo formato. Sin embargo, en esta ocasión, es el tío Iroh, interpretado por Paul Sun-Hyung Lee, quien se lleva las mejores partes de la historia.

Esta serie sabe cuándo remezclar las tramas y cuándo añadir ideas originales para que los elementos posteriores tengan mayor impacto, como en el caso de Iroh. La segunda temporada profundiza en la historia de Iroh con el Reino Tierra, no solo con la pérdida de su hijo, sino también recordándonos explícitamente que antes de ser un tío divertido y sabio, fue un criminal de guerra. "Avatar: The Last Airbender" confronta a Iroh y lo obliga a afrontar las vidas que destruyó y las atrocidades cometidas bajo su mando. Se basa en momentos sutiles e implícitos del material original, presentándolos de una manera que Nickelodeon no habría permitido.

Lamentablemente, no todo es perfecto. Visualmente, la serie se ambienta mayormente de noche con una iluminación deficiente que dificulta seguir la acción. Los doblajes y los combates lucen genial, pero hay cierta torpeza en los efectos especiales y algunas criaturas en acción (aunque Wan Shi Tong se ve fantásticamente terrorífico). Peor aún es el uso constante de imágenes generadas por computadora, aunque hay escenas ambientadas en escenarios físicos que no sean simplemente habitaciones cerradas y que se sienten bastante creíbles. Destaco personalmente el planetario.

Asimismo, aunque gran parte del material añadido y la reorganización de los elementos originales dan como resultado una buena historia en general, la adaptación se resiente al forzar algunos de esos elementos en lugares quizás inadecuados. Esto se nota especialmente con la desaparición de Appa; ocurre al principio de la serie animada y se convierte en un elemento clave de la mayor parte del Libro Dos, pero la serie de acción real la deja para los últimos episodios de la temporada; sin embargo, es una oportunidad para crear situaciones y confrontaciones más complejas entre los personajes, sobre todo en el Aang de Gordon Cormier. Aunque pierde gran parte de su impacto emocional y se percibe como un giro forzado e inesperado cuando ya existen suficientes subtramas que impulsan la historia hacia su conclusión, el corazón sigue estando presente en cada momento, y en cada episodio. 

Y aunque el mayor problema de esta adaptación sigue siendo como se siente obligada a incluir cada detalle memorable de la serie animada original, incluso si para cuando se incluye, ya no tiene sentido, "Avatar: The Last Airbender" regresa con una segunda temporada muy mejorada que encuentra un buen equilibrio entre momentos divertidos y una historia más oscura y madura. El ritmo genera una sensación de urgencia que, a la vez, permite el desarrollo de tramas secundarias, incluyendo un papel más importante para el tío Iroh, que no solo es lo mejor de la temporada, sino que supera al material original.

Crítica Cinéfila: Deadpool & Wolverine

Un apático Wade Wilson se afana en la vida civil tras dejar atrás sus días como Deadpool, un mercenario moralmente flexible. Pero cuando su mundo natal se enfrenta a una amenaza existencial, Wade debe volver a vestirse a regañadientes con un Lobezno aún más reacio a ayudar.

En un momento dado, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel se volvió mucho más convincentes que cualquiera de las historias de cualquier Universo Cinematográfico. Para mí, ese momento llegó durante los créditos finales de la primera película de “Iron Man” en 2008. Para el propio MCU, ese momento llegó con “Avengers: Endgame” unos 11 años después, cuando la megafranquicia definitoria del siglo XXI alcanzó su momento más sumativo, atravesó la nube de lo inalcanzable y, en una medida aún mayor de lo que lo había hecho hasta ahora, comenzó a volver a centrar el milagro de su propio éxito como su mito prevaleciente. 

Ese proceso condujo inevitablemente a la creación de un multiverso, que convirtió al MCU en un rompecabezas metatextual que solo podía volver a armarse buscando piezas sueltas fuera de la pantalla. No pasó mucho tiempo antes de que el tipo de conocimiento que solía mejorar estas películas se volviera necesario para comprenderlas, ya que éxitos de taquilla como "Spider-Man: No Way Home" y " Doctor Strange in the Multiverse of Madness" se basaban en una familiaridad práctica con el tipo de líos corporativos (por ejemplo, derechos de los personajes, ambiciones de transmisión y datos de taquilla) que solo los nerds y los accionistas deberían tener que conocer. 

Ese giro pareció una respuesta natural a un momento en el que la conversación en torno a la cultura cinematográfica se había vuelto completamente inseparable de la cultura misma, pero las películas sufrieron sin una fuerza sustentadora propia, y se desencadenó un grado de fatiga de superhéroes que ninguno de los Vengadores fue lo suficientemente poderoso para combatir.

Ojalá hubiera alguien en ese mundo (o al menos adyacente a él) que pudiera reconciliar la realidad emocional del MCU con toda su sustancia extracurricular que se había acumulado a su alrededor. Alguien que pudiera hacer agujeros en la cuarta pared con la misma fluidez con la que el Dr. Strange baila un vals a través del continuo espacio-tiempo, usar ese don especial para reparar la relación de su estudio con las masas y adoptar felizmente varias décadas de destructivo disparate corporativo como su propia cruz. Ojalá hubiera alguien que pudiera salirse con la suya llamándose a sí mismo "Jesús de Marvel" en una película de superhéroes, porque el género se ha desgastado hasta un punto en el que nadie menos consciente de sí mismo podría esperar redimirlo. 

Por suerte para Disney, su decisión de tragarse a 20th Century Fox le ha permitido a Deadpool entrar en el MCU. Y por suerte para Deadpool, entrar en el MCU le ha permitido evolucionar hasta convertirse en algo más que el hermano menor desagradable del cine de superhéroes. Deadpool sabe que está en el MCU. No solo eso, Deadpool sabe que el MCU necesita desesperadamente que lo salven. Y además, Deadpool también sabe que salvarlo podría ser su única oportunidad de demostrar, tanto a los Vengadores como a la audiencia, que no es el "pony molesto de un solo truco". 

En ese sentido, Deadpool & Wolverine, de Shawn Levy, es un éxito triunfal a medias, lo que la convierte en la mitad más exitosa que cualquier otra película que haya dirigido Shawn Levy. La mitad buena tiene poco que ver con Deadpool como personaje, ya que el mercenario aún combina el patetismo emocional de una papa frita con el rango cómico de un estudiante de sexto grado que cree que está a un chiste gay de conseguir un especial de HBO. Por el contrario, tiene todo que ver con Deadpool como una presunción, ya que la autoconciencia desenfrenada del personaje lo coloca en una posición singularmente buena para recordarle a la "gente" por qué "amaban" las "películas" de superhéroes en primer lugar. 

¿Los reinicios interminables? ¿Las franquicias huérfanas? ¿La transparencia desnuda de explotar la lealtad nostálgica de una audiencia a los personajes con los que crecieron? "Deadpool & Wolverine" es una cinta de megapresupuesto de una película que está decidida en convertir esos defectos en fortalezas que definan el género. Toda la premisa de su historia depende de su capacidad para recuperar la molestia más constante del público casual: el hecho de que la gente casi nunca permanece muerta en estas películas.

Deadpool, que se ha vuelto tan inseparable de la personalidad pública de Ryan Reynolds que su referencia a Blake Lively, que rompe con la realidad, apenas parece una broma, es rechazado para unirse a los Vengadores y se resigna a pasar el resto de sus días trabajando como vendedor de coches usados ​​en una triste línea temporal en la que está soltero y comparte un apartamento con una ciega adicta a la cocaína de 80 años llamada Blind Al (Leslie Uggams). Pero la esperanza se hace presente cuando un gerente intermedio cósmico llamado Paradox (Matthew Macfadyen) convoca a nuestro héroe ante la Autoridad de Variación Temporal y le dice que todo su universo se reducirá hasta desaparecer a menos que encuentre a alguien lo suficientemente interesante como para relacionarlo. 

Deadpool no podría alcanzar esa meta ni de broma, pero Wolverine definitivamente encajaría en el perfil.  El único problema: en esta línea temporal, murió al final de "Logan", una situación que Deadpool intenta -y no logra - arreglar en una secuencia de créditos iniciales que personifica lo bueno y lo malo de la audacia conceptual, la bancarrota artística y la alegre clasificación R de Marvel para salvar su marca.

"¿Cómo podemos [exhumar a Hugh Jackman] sin faltarle el respeto a la memoria de Logan?", nos pregunta Deadpool. Luego responde a su propia pregunta: "No lo haremos". Señal: Deadpool usa alegremente los huesos cubiertos de adamantium del cadáver de Wolverine para desmembrar a un pequeño ejército de militares mientras baila "Bye Bye Bye" de NSYNC. La acción es endeble y estridente, el chiste es más fuerte que el de cualquiera de los malos, y lo irónico es que Deadpool ha abierto la caja de Pandora. Como tantas escenas en esta película, el hecho básico de que esté sucediendo es más divertido que todo lo que realmente sucede en ella. 

De todos modos, el resultado es que Deadpool tiene que viajar a otras líneas temporales para encontrar un Wolverine que pueda arrastrar de vuelta a la suya, una búsqueda alimentada por el montaje que llega a su fin cuando se decide por el peor Logan del multiverso: un alcohólico volátil que lleva su trauma tan pesadamente como el icónico traje amarillo que se niega a quitarse. Por desgracia, nuestros enemigos desiguales son enviados al desierto incoloro donde los personajes de Marvel poco rentables van a morir y/o a quedar atrapados en la memoria, una pesadilla purgatoria gobernada por una mutante psíquica que sueña con convertir cada línea temporal en el Vacío. Su nombre es Cassandra Nova (Emma Corrin), es la hermana pequeña retorcida de Charles Xavier, y su ambición enfermiza representa la amenaza existencial que enfrenta todo el género de Deadpool. Películas de superhéroes: imagina el mundo sin ellos. 

Los cameos son espectaculares de una manera que resonará en cualquiera que haya estado yendo a los multicines durante los últimos 30 años, y los mejores de ellos se extienden con cariño a papeles secundarios genuinos. La lógica rara vez es coherente y la trama nunca es más que una excusa débil para poner a estos personajes en el mismo lugar, pero "Deadpool & Wolverine" logra millas a su ventaja al convertir los recuerdos de 20th Century Fox en una isla de juguetes inadaptados, una que permite que algunos de los chistes más grandes y las promesas abandonadas en la historia del cine de superhéroes tengan la segunda oportunidad que ningún otro género podría esperar darles. 

Los actores que encarnan esa oportunidad la abrazan con todo su corazón, entregando un puñado de actuaciones entrañablemente hilarantes que se alimentan de la naturaleza metatextual de su existencia para crear un sentimiento real a partir de las tonterías de la industria cinematográfica. Es como ver una producción de "Our Town" donde Deadpool ha sido elegido como el director de escena, que se queda a un lado y deja que una serie de fantasmas cuenten una historia que en realidad solo lo necesita para hacer comentarios, y para participar en una fiesta de puñaladas ocasional con Wolverine, los dos inmortales luchando para extraer una película entera del combate de entrenamiento sin muerte que hizo que el duelo culminante de Jack Sparrow con el Capitán Barbossa se sintiera como una pérdida de tiempo. Fiel a su estilo, Levy desperdicia por completo a Wolverine como personaje, pero el propio Jackman es capaz de ser una fuente frecuente de deleite; la recompensa emocional al final de su actuación no tiene nada que ver con el Logan que interpreta aquí, sino con cómo la película le permite al actor completar el círculo con el Logan que interpretó en la primera “X-Men”. 

Por más doloroso que pueda resultar ver a Reynolds posar frente a la cámara y desgranar sus peores partes mientras el director de “Free Guy” usa el dinero restante de Marvel para darle su propio toque al nivel de “Mad Max”, “Deadpool & Wolverine” rescata algo hermoso de la fealdad que las películas de superhéroes han perpetuado durante tanto tiempo. No visualmente, por supuesto (aunque ubicar la mayor parte de la historia en un lugar llamado “el Vacío” al menos hace que esta película de aspecto imposiblemente monótono parezca haber logrado su objetivo estético), pero sí en varios otros aspectos clave.

Nadie es nunca un inútil. Nadie está nunca más allá de la salvación, incluso décadas después de que el mundo le haya dado la espalda. Nadie está nunca verdaderamente muerto, al menos mientras la gente siga amándolo en su corazón y/o esté dispuesta a dejar que Ryan Reynolds haga bromas desagradables/sexualizadas. Estos sentimientos parecerían plásticos en el vacío, pero el contexto de su género permite reubicarlos en un mito de spandex desordenado que lleva gestándose varias décadas y, al hacerlo, les otorga el peso de varias vidas de Hollywood. “Deadpool & Wolverine” nos dice que el multiverso no importa más allá de su capacidad de darle a todos el final que merecen.

Sí, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel ha sido durante mucho tiempo más convincente que cualquiera de las historias contadas en el Universo Cinematográfico y, en el proceso de reconciliar esas dos historias como solo Jesús de Marvel podría hacerlo, Deadpool presenta un argumento muy persuasivo de que esta debería ser la última película de superhéroes jamás realizada. No lo será. Ya no lo es. Lo mejor que probablemente podamos esperar es que “Deadpool 4” esté igualmente dispuesta a morir por todos los pecados que su género cometerá de aquí a entonces.

Crítica Cinéfila: Furiosa - A Mad Max Saga

Al caer el mundo, la joven Furiosa es arrebatada del 'Lugar Verde de Muchas Madres' y cae en manos de una horda de motoristas liderada por el Señor de la Guerra, Dementus. Arrasando el Páramo, se topan con la Ciudadela, presidida por Inmortal Joe. Mientras los dos tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino de vuelta a casa. 

No se puede deshacer el mundo. La Imperator Furiosa de Charlize Theron aprendió esa lección de la manera más difícil cuando se llevó a las preciosas novias de guerra de Immortan Joe y atravesó a toda velocidad el desierto hacia el Edén matriarcal del que fue robada cuando era niña. Ella y su variopinto grupo de aliados reacios condujeron hasta donde les permitían las carreteras del Valhalla, sólo para descubrir que el Lugar Verde de Muchas Madres no estaba más allá del pantano inhabitable por el que habían pasado para llegar allí; era el pantano inhabitable por el que habían pasado. Cualquier esperanza vaga pero eterna que Furiosa todavía mantuviera para el futuro tendría que ser sembrada en el mismo Yermo estéril que había absorbido toda su vida; al negarle dos veces la utopía que le habían prometido, Furiosa tendría que regresar a la Ciudadela de la que acababa de escapar y reclamarla para sí misma. No hay vuelta atrás, pero a veces sólo se puede encontrar el camino hacia delante mirando por el retrovisor.

Y por eso es lógico que el loco empedernido George Miller haya seguido la película de acción más espectacular del siglo XXI no con una secuela que continúe donde lo dejó “Mad Max: Fury Road” (aunque espera hacer una de esas algún día), sino más bien con una precuela que allana el camino hasta donde empezó. Del mismo modo, también es lógico que Miller no haya intentado superar el caos orgiástico que llevó su franquicia Ozploitation al siglo XXI, brillante y cromada: el tipo puede estar loco, pero no está loco. Tampoco está dispuesto a conformarse con rendimientos decrecientes. En lugar de alcanzar (y no lograr superar) el listón increíblemente alto que se había fijado, Miller ha decidido hacer algo aún más loco y gratificante: ha creado una saga de venganza sinfónica, de cinco partes y que abarca décadas, tan inmensa y autosuficiente, negándose a que sea vista como la mera extensión de otra película, aunque logra profundizar el impacto de “Fury Road” en cada paso.

Por el contrario, " Furiosa: A Mad Max Saga " no parece una obertura para la carnicería vehicular de "Fury Road", sino que retroactivamente hace que "Fury Road" parezca una coda de la historia épica que Miller cuenta aquí. Si esa obra maestra magníficamente inteligente siempre ha parecido la obra de un artista visionario que se estaba purgando de cada idea frustrada que nunca le habían permitido filmar, este éxito de taquilla de verano igualmente extático desentierra las raíces de la catarsis de Miller con la misma precisión y mucho vigor creativo. ¿Proporciona “Furiosa” el tipo de shock sistémico que hizo que su predecesora pareciera una reprimenda tan violenta al Hollywood de la era de los superhéroes? No lo creo, aunque sus dos escenarios auténticos eclipsan los momentos más eléctricos de “Fury Road”, al mismo tiempo que los repiten de maneras nuevas y fantásticas. Pero la decisión de Miller de cambiar de marcha finalmente demuestra ser la mayor fortaleza de su precuela. 

Evitando las mismas trampas que han hecho que muchas franquicias recientes parezcan menos de lo mismo (en parte porque fue escrita en su totalidad antes de que se filmara “Fury Road”), “Furiosa” no intenta revertir la situación. Diseña una de las experiencias cinematográficas más propulsoras jamás concebidas mientras recorre Wasteland en busca de la emoción que se necesitará para alimentarla. Mientras que “Fury Road” fue impulsada por la búsqueda de esperanza, “Furiosa” es una película gloriosa sobre por qué la necesitas en primer lugar. Miller no es sutil al respecto. No necesita serlo; una fábula post-apocalíptica cuyos nombres de personajes son más expresivos que los guiones completos de algunas películas (los nuevos favoritos como “Piss Boy” y “The Octoboss” se unen a clásicos que regresan como “Rictus Erectus” y “The People Eater”), “Furiosa” es menos interesado en la ambigüedad de sus matices que en lo épico de sus detalles, y la atención que le presta a este último es tan palpablemente amoroso que no puedes evitar sentir que este mundo en ruinas todavía tiene historias que vale la pena contar. 

Comienza con una pregunta sencilla: “Mientras el mundo se derrumba a nuestro alrededor, ¿cómo debemos afrontar sus crueldades?” Antes de que “Furiosa” termine con el primero de sus cinco capítulos distintos, comenzará a ofrecer dos respuestas competitivas a esa pregunta. Uno está enterrado dentro de la joven Furiosa (Alyla Browne, su actuación tan feroz e hipercapaz que podrías olvidar que su papel se reestructurará una hora más tarde). Secuestrada de su idílico hogar como un mapa humano que sus captores pretenden vender al señor de la guerra más cercano (siempre que puedan superar a la madre de la niña, que carga rifles, a través del desierto en una silenciosa persecución de día y noche que sería la secuencia más genial en casi cualquier otra película), Furiosa recibe instrucciones de nunca revelar la ubicación del Lugar Verde de donde vino. En cambio, le dan su propia semilla para plantar en otro lugar, aunque no entenderá todas las implicaciones de ese gesto hasta la mitad de la siguiente película, cuando se da cuenta de la diferencia entre un hogar y un recuerdo. 

El señor de la guerra que deja huérfana a Furiosa y la adopta como navegante de su horda ambulante de motocicletas (un “congreso de destrucción”) es una figura trágica que ha perdido la capacidad de apreciar esa distinción. Su nombre es Dementus (interpretado por Chris Hemsworth en una actuación vertiginosa y espectacular que sugiere cómo sería si Shakespeare escribiera una comedia ambientada en un mitin de Monster Truck). Despiadado pero teatral, Dementus solo da miedo porque sabes que tomará cualquier cosa y todo lo que pueda para evitar pensar en lo que ha perdido. Habría sido fácil para Miller y su coguionista Nico Lathouris imaginar al principal antagonista de esta precuela como un simple subjefe del malo de “Fury Road”, Immortan Joe, pero “Furiosa” va en la dirección opuesta al convertir a Dementus en el personaje principal más locuaz en la historia de esta franquicia; al enfatizar su humanidad descarriada en un páramo de traficantes de poder endogámicos. Menos motivado para gobernar que para construir, Dementus comparte el impulso de Furiosa por la creación, con la única diferencia de su tonta creencia de que algo útil podría surgir de un mundo sembrado de odio. 

Pero las ambiciones de Dementus, por oportunistas que sean, invariablemente conducirán a su amada horda a la inexpugnable Ciudadela donde Immortan Joe (Lachy Hulme, reemplazando sin problemas al difunto Hugh Keays-Byrne), sus hijos adultos y sus War Boys, aturdidos por el nitruro, reinan de forma suprema. Así que Dementus tendrá que conformarse con el control de Gas Town, un trato que consigue ofreciendo a Furiosa como la próxima de las muchas esposas de Immortan Joe. Furiosa tiene otras ideas. Se disfraza como un War Boy mudo en la primera oportunidad que tiene, y luego espera el momento oportuno durante la mayor parte de una década hasta que se transforma en Anya Taylor-Joy y se aprovecha la oportunidad para esconderse en un War Rig que podría llevarla lejos de la Ciudadela. El conductor de esa enorme bestia de metal es un guerrero de la carretera llamado Praetorian Jack (Tom Burke, la fuga de “The Souvenir”), y Furiosa siente que él es capaz de ser lo suficientemente amable como para ayudarla a guiarla en la dirección correcta. 

O tal vez sea suficiente para ella saber que él es capaz de ejercer suficiente violencia para ayudarla a sobrevivir a los Mortificadores voladores que patrullan Fury Road en busca de puntos vulnerables en la cadena de suministro de Immortan Joe, y luego se lanzan en paracaídas sobre ellos desde arriba en motocicletas aéreas que le permiten a Miller eleva la acción incluso más alto de lo que los War Boys de salto con pértiga pudieron llevarla en la película anterior. En cualquier caso, una amistad concisa se forja en una erupción operística de acero oxidado, y el vínculo silencioso que se forma entre Furiosa y Praetorian Jack jugará un papel crucial en la guerra que está a punto de estallar entre Dementus e Immortan Joe.

Esta configuración ofrece muchas oportunidades para los fanáticos de buscarle lógica y justificación narrativa a las precuelas y secuelas, pero Miller no analiza el lindo encuentro entre Furiosa y su "boom stick" de doble acción, e incluso la inevitable revelación de cómo pierde su brazo izquierdo se maneja con refrescante naturalidad. Llamar la atención indebida sobre tales detalles en medio de una carrera de vida o muerte a través de las dunas de arena alteraría el ritmo de una película que se desarrolla con la precisión de una sinfonía (a menudo me recordaba a Park Chan-wook en ese sentido), especialmente cuando “Furiosa” se convierte en una saga de venganza maximalista; su violencia es tan inexplicable que incluso sus momentos de descanso tienden a vibrar en la pantalla con el estremecimiento de 1,000 motores acelerados a la vez.

Cada faceta de “Furiosa” –no sólo el inmaculado diseño de sonido de Rob Mackenzie y la estruendosa partitura de Tom Holkenberg, sino también el diálogo mínimo que se intercala entre ellos– está orientada al propósito compartido de crear una armonía con la fuerza del diesel entre las personas y la maquinaria del Wasteland, de modo que el enorme rugido del carro de Dementus o el ronroneo gutural de “Valiant” de Praetorian Jack se vuelven más expresivos que cualquier cosa que estos personajes pudieran decir. Ninguna película tan cacofónica ha sonado más. 

El virtuosismo del enfoque de Miller es tan sorprendente que es posible que ni siquiera notes lo poco que Furiosa habla; como Charlize Theron, Taylor-Joy transmite tanta fuerza y ​​desesperación solo a través del blanco de sus ojos que las palabras solo le arrebatarían la pureza incomparable de su propósito. Esa intensidad naciente coincide tan perfectamente con el modelo establecido para el personaje que el parecido creíble de Taylor-Joy con Theron es solo la guinda del pastel, y la ex actriz merece sus propios elogios por la intencionalidad con la que enciende la llama que enciende la actuación Taylor-Joy. En sus manos, Furiosa renace como el raro personaje cinematográfico que se ha vuelto icónico dos veces en dos formas distintas (pero inseparables), y las generaciones futuras quedarán asombradas por el hecho de que “Fury Road” fue lo primero. 

Si no fuera por sus velocidades y períodos de tiempo completamente diferentes, "Furiosa" y su secuela podrían parecer una sola película cortada en dos. Pero permite a Miller trabajar un poco más en el evidente CGI aquí que en el pasado. Tal como están las cosas, su relación se parece más a la que existe entre “Before Sunrise” y “Before Sunset”, una promesa ingenua y serpenteante para el futuro que da paso a una carrera tremendamente urgente para recuperar el presente. 

En ciertas coyunturas, la amplitud de “Furiosa” puede parecer perjudicial, ya que Miller ocasionalmente acelera los desarrollos masivos de la trama como si fueran errores menores; la mentoría y cambio de vida que Praetorian Jack ofrece a Furiosa se resuelve en el lapso de un solo desvanecimiento, mientras que el tan esperado enfrentamiento entre Dementus e Immortan Joe es avanzado con la ayuda de una narración rápida. Lo más atroz de todo es cómo las brechas de tiempo dificultan el seguimiento de las respectivas relaciones de Dementus e Immortan Joe con Furiosa, tal como son.

Sin embargo, en su mayor parte, el hecho de que tales omisiones puedan malinterpretarse como descuidos es un testimonio de la riqueza de la historia de esta franquicia, del mismo modo que la negativa de Miller a distraerse del enfoque decidido de su heroína beneficia en última instancia a una película que ve el caos como la mayor oportunidad de Furiosa de buscar un hogar, y no (como Dementus podría concebirlo) como un hogar en sí mismo. No es de extrañar que el maníaco señor de la guerra ni siquiera pueda comprender lo que Furiosa está tratando de encontrar. “¿Adónde vas tan llena de esperanza?” él la llama, sonriendo con una amargura que él confunde con sabiduría. El chico apenas puede contenerse después de que Furiosa pierde el mismo brazo en el que se había tatuado un mapa estelar del Lugar Verde de Muchas Madres. Lo que Dementus no sabe, y tal vez tenga que aprender de la manera más difícil, es que su cinismo maníaco efectivamente guiará a Furiosa hacia el único hogar que podrá encontrar. 

Su búsqueda para vengar la muerte de su madre es lo que impulsa esta historia, pero no es eso lo que hace que valga la pena contarla. "Furiosa" obtiene su inestimable potencia de cómo obliga a su heroína a observar a la horda de motocicletas de Dementus dar vueltas en círculos durante 15 años, matándose a sí mismos y a muchos otros en un intento inútil de controlar una parte de un páramo irradiado que ya sabemos que no lo harán o podrían mantener. Cada nueva indignidad la acerca a aceptar que no ir a ninguna parte con esperanza es mejor que ir a ninguna parte sin ella.

¿Cómo enfrentamos las crueldades del mundo? Negándonos a convertirnos en crueldades nosotros mismos. Una precuela tan ardiente internamente puede parecer una introducción extraña a una película que escupe fuego en todas direcciones, pero no te preocupes: George Miller todavía tiene lo necesario para hacerla épica. 

Critica Cinéfila: Civil War

En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.

Los miembros de la prensa son los buenos, pero también los malos, en la virtuosa “Civil War” de Alex Garland, un impactante relato básico de cómo podría ser una desunificación de Estados Unidos en un futuro cercano. Diseñado como una llamada de atención, el thriller de larga duración, que comienza lentamente y aumenta hasta llegar a una incursión asombrosa en Washington DC, integrando a los espectadores junto a un dedicado equipo de periodistas que se dirigen al Capitolio mientras el país se desmorona a su alrededor. Es la visión distópica más perturbadora hasta ahora del cerebro de ciencia ficción que acabó con todo Londres durante el levantamiento zombie representado en “28 days later”, y una que no puede consumirse fácilmente como entretenimiento. “Civil War”, un shock provocador para el sistema, está diseñado para causar división. Irónicamente, también pretende unir a la gente.

Guiados por la veterana fotógrafa de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), el reducido equipo de periodistas son profesionales totales. Representan una forma preocupante de desapego, esencial para su trabajo pero prácticamente contrahumano, ya que se esfuerzan por no tomar partido, lo que sirve como una acusación en sí mismo. Los medios de comunicación prosperan gracias al conflicto, que vende periódicos e impulsa los índices de audiencia, llegando incluso a fomentar el miedo en torno a la posibilidad de una segunda guerra civil estadounidense. A Garland no le importa cómo sucedió esto. Su guión omite el motivo por el que comenzó el conflicto y ofrece sólo la noción cuestionable de que Texas y California se separaron y posteriormente unieron recursos (llamándose a sí mismos “West Forces”) contra un presidente hambriento de poder durante tres mandatos (Nick Offerman).

Aunque parece otra entrada en el popular género de suspenso post-apocalíptico, no se equivoquen: “Civil War” describe el apocalipsis mismo. El país está en plena crisis, lo que se sugiere más que lo que se describe abiertamente. Los estadounidenses se han vuelto unos contra otros, y las únicas personas a las que se les permite moverse libremente a través de espacios con fuego activo son aquellas que tienen la palabra "PRENSA" escrita en sus chalecos antibalas. Garland establece el caos desde el principio, mientras Lee cubre una escena de mafia donde los civiles reducidos a refugiados en su propio país claman por agua. De repente, una mujer entra corriendo agitando una bandera estadounidense y con una mochila llena de explosivos atada al pecho.

Al igual que la explosión de la cafetería en “Children of Men” de Alfonso Cuarón, la explosión de estilo vérité nos pone nerviosos, aunque el mundo en general nunca podría presenciarlo, si no fuera por Lee, quien toma su cámara y comienza a documentar la carnicería. Segundos antes, había llevado a una joven admiradora, Jessie (la estrella de "Priscilla", Cailee Spaeny), a un lugar seguro, salvando efectivamente la vida de esta aspirante fotógrafa. El objetivo de Jessie es ser fotógrafa de guerra, aunque trabaja con películas en blanco y negro: una joven artista comparada a Lee. La ambiciosa joven se abre camino hacia la próxima misión de Lee, conduciendo con el reportero Joel (Wagner Moura) y el veterano periodista político Sammy (Stephen McKinley Henderson) a DC para entrevistar al presidente: tres generaciones de periodistas con agendas muy diferentes.

Jessie se ve a sí misma en la niña, incluso si ya no se ve en su propio reflejo. En una escena tranquila pero reveladora, el cuarteto llega a una ciudad que parece no haber sido tocada por la guerra. Entran en una tienda, donde Lee se prueba un vestido y se estudia en el espejo. La película es ese espejo, que muestra a Estados Unidos los riesgos de las luchas internas y los costos potenciales de la división. “Civil War” es una historia con moraleja que reutiliza el tipo de imágenes que el público ha visto en zonas de guerra en el extranjero (disidentes colgados de puentes, cadáveres cubiertos de cal apilados en fosas comunes) y las aplica a entornos familiares y totalmente estadounidenses.

Es sorprendente, por decir lo menos. Aún así, Lee ha visto cosas peores en su vida (al principio, mientras se relaja en su baño, recorre una muestra de horrores que ha documentado a lo largo de su carrera, incluido un hombre prendido fuego). Si alguna vez conoció la empatía, Lee ahora parece insensible sin posibilidad de reparación. Cuando Jessie le pregunta a su ídola si retrataría el momento si Jessie estuviera muriendo, Lee le devuelve la mirada fríamente y dice: "¿Qué piensas?".

El público nunca había visto a Dunst así. Parecía ruda en “The Power of the Dog”, pero aquí, cubrir conflictos le ha quitado la esencia. Garland le brinda al personaje varias oportunidades para reconectarse con su humanidad, incluso cuando es en un viaje por carretera tenso y cada vez más brutal mientras empuja al equipo hacia el proverbial corazón de la oscuridad. La mayor parte de la película se desarrolla a plena luz del día, lo que no tiene en absoluto la estética que el público espera de una película de guerra moderna, que normalmente utiliza filtros estratégicos para que todo parezca áspero.

"Civil War” puede desarrollarse en una dimensión paralela (el equipo de Cal-Texan no aclara si los estados azules o rojos están dirigiendo este levantamiento), pero se parece mucho a los Estados Unidos que conocemos. A veces, en medio de la confusión, los personajes no se pueden distinguir entre rebeldes y patriotas, como en una escena en una atracción al aire libre de Winter Wonderland, donde los soldados intentan eliminar a un francotirador. En esa situación, poco importa en qué equipo esté. Más tarde, Jessie Plemons aparece vistiendo un uniforme de camuflaje y gafas de sol en forma de corazón, apuntando con su arma a los periodistas desarmados. “¿Qué clase de estadounidense eres?” exige de cada uno de ellos. En el clima político actual, algunos plantean preguntas similares, con un subtexto igualmente intimidante.

En este punto, la película se ha inclinado hacia el terror en toda regla. De hecho, la recta final parece más sacada de Stephen King (“The Mist” o “The Stand”) que de cualquier película de guerra anterior, mientras el pequeño grupo de periodistas acompaña a las Fuerzas Occidentales en su gran avance en DC. Aunque Garland Mostró a Offerman preparando un discurso como presidente al principio, sembró dudas sobre la sinceridad del hombre al intercalar levantamientos del mundo real con sus palabras. Aún así, seguramente ningún estadounidense quiere ver lo que viene después, mientras las tropas en la sombra de Jessie y Lee intentan abrirse camino hacia la Casa Blanca.

Antes, las batallas eran intensas pero de alguna manera teóricas. Este asedio culminante parece aterrador, aunque tremendamente diferente del tipo de guerra del mundo real presenciado en Ucrania. Al principio, Jessie tendía a congelarse bajo el fuego, pero ahora parece valiente, mientras que Lee sufre ataques de ansiedad porque ya está llegando a su tope. Si vieras botas de combate pisoteando la bandera estadounidense, ¿podrías quedarte quieto y tomar fotografías? Enferma del alma, la reacción de Lee parece prácticamente fuera de lugar, ya que la visión de la democracia derrocada la detiene en seco. Pero sólo por un momento. Incrustados junto a insurrectos a quienes los medios bien pudieron haber inspirado, estos testigos presenciales de la historia están impulsados ​​por un sentido del deber totalmente distorsionado: su único objetivo es conseguir la foto, o la historia, según sea el caso.

Cualquiera que haya visto la película anterior de Garland, una de mis favoritas del 2022, “Men”, sabe que el director no rehuye a llevar las cosas al extremo más nauseabundo. “Civil War” no es diferente. Garland comercializa imágenes desencadenantes, no sólo de crímenes de guerra de los propios creadores de imágenes, actos que están lejos de ser neutrales y casi alentadores que hacen que el 6 de enero parezca leve. Mientras tanto, las ambigüedades que rodean los orígenes del conflicto significan que no hay manera de desactivar lo que estamos viendo. Sin ser vista, “Civil War” ha sido criticada por explotar las tensiones en un año electoral, cuando en realidad pretende ilustrar la inutilidad de los “bandos”. Garland es la última persona que sugiere un abrazo grupal. A medida que avanzan las declaraciones, su poderosa visión nos deja conmocionados, repitiendo efectivamente la pregunta que sofocó los disturbios de Los Ángeles: ¿Podemos llevarnos bien todos?

Crítica Cinéfila: Damsel

Una obediente damisela acepta casarse con un apuesto príncipe. Pronto descubre que lo que en realidad quiere de ella la familia del novio es sacrificarla y, de este modo, saldar una antigua deuda. 

Cuando las jóvenes se miran a los ojos, florece una tranquila intimidad. Elodie ( Millie Bobby Brown ) no conoce a la chica anónima que se encuentra con su mirada desde un balcón a cierta distancia, pero se siente conectada con ella. Sus sonrisas despiertan destellos de mutuo reconocimiento. Pero esta extraña es más que el espejo de Elodie; ella es un inquietante presagio del destino de la joven princesa.  

En "Damsel", Elodie intenta escapar de las convenciones de su propia historia. Atrapada en un mundo de modales y expectativas, la princesa busca aventuras y anhela demostrar su independencia. La presunción es familiar: un puñado de películas (y series de televisión) recientes han presentado al público mujeres de la realeza que subvierten con entusiasmo los arquetipos de los romances medievales. "Brave" de Disney presentó a Mérida, una rebelde arquera que aportó un feminismo contemporáneo más abierto a la marca del conglomerado de entretenimiento. "The Princess" protagonizó a Joey King como la realeza titular que se abre paso a patadas para salir de un desafortunado compromiso. Y en "Cenicienta" de Kay Cannon  la protagonista con exceso de trabajo (Camilla Cabello) se preocupa más por abrir una tienda de ropa que por encontrar un príncipe. Estas historias presentan heroínas activas que entienden que deben liberarse de la angustia más allá que encontrar a un príncipe que las salve.

Al igual que sus predecesores, "Damsel" se organiza sin rodeos en torno a esta poderosa noción. La película, dirigida por Juan Carlos Fresnadillo y escrita por Dan Mazeau, trata sobre una joven mujer fuerte de un reino vagamente esbozado cuyo compromiso (con un príncipe más rico) toma un giro inesperado y casi fatal. La película de Fresnadillo da menos aires de disrupción que otras versiones de esta historia, por lo que la narrativa parece menos satisfecha de sí misma. Y le cuesta mantener un tenor inspirador.

La película comienza con una declaración de intenciones. “Hay muchas historias de caballería, donde el heroico caballero salva a la damisela en apuros”, dice Elodie, a través de voz en off. "Esta no es una de esas". Conocemos el rostro detrás de la voz y a su hermana menor Floria (Brooke Carter) mientras cortan leña y discuten formas de ayudar a su empobrecido reino. Un invierno particularmente duro ha dejado a la gente del pueblo con frío y hambre. Elodie, con un gran sentido de responsabilidad, sugiere a la familia que done sus pertenencias. Floria, menos proclive al sacrificio, no está de acuerdo. Debe haber otra manera. 

En esos tiempos, el matrimonio se convierte en la única otra opción. Cuando Elodie y Floria regresan al castillo, su reservado padre (Ray Winstone) y su esforzada madrastra (Angela Bassett) anuncian que la hija mayor se casará con el príncipe Harry de Aurea (Nick Robinson), sin importar que Elodie nunca haya oído hablar de este reino ni de su realeza. La familia prepara un barco y navega hacia el castillo más próspero. Aquí y en otros lugares, el guión de Mazeau adolece de una falta de detalles que reforzarían la historia. Es posible que "Damsel" haya comenzado con una proclamación confiada, pero falla tan pronto como comienza la acción. 

Cuando Elodie y su familia llegan a Aurea, la diferencia entre esta tierra y la de ellos es evidente. El director de fotografía Larry Fong utiliza tomas aéreas para observar el paisaje, un terreno verde decorado con una flora sorprendente y texturizada por sus montañas escarpadas. Nos adentramos en el castillo, donde la familia real vive una vida de lujoso encanto. El diseño de vestuario de Amanda Monk diferencia hábilmente el estatus de las dos familias. La reina Isabelle (Robin Wright, apropiadamente furtiva en una inteligente elección de reparto) corteja a Elodie y a su padre, Lord Bayford, con halagos y sonrisas fáciles, pero la malevolencia acecha en las sombras. La política de esta tierra ficticia se reduce a una vieja historia y una antigua maldición. Hace siglos, una violenta transgresión obligó al entonces rey de Aurea a hacer un pacto con un dragón. La expiación requeriría el sacrificio de tres hijas al mítico reptil por la eternidad. 

Así que la unión entre Elodie y el príncipe Harry es una trampa, un siniestro complot para sacrificar a la princesa al dragón. Un destino similar corrió la joven mujer anónima que Elodie vio desde su ventana el día de su llegada. Su interacción plantea algunas preguntas, y uno se pregunta si Elodie, a pesar de toda su inteligencia sugerida, alguna vez preguntó sobre la existencia de otra princesa en el castillo.

"Damsel" se encuentra en un terreno más sólido cuando puede abandonar la lógica de la narrativa por el músculo de la acción. La familia real deposita a Elodie, cada vez más escéptica, en una cueva, dejándola enfrentar una muerte feroz. Pero la joven rechaza este destino y se esfuerza por encontrar una vía de escape. El diseño de vestuario de Monk impresiona, ya que Elodie debe usar partes de su vestuario de boda para salir de los terribles encuentros con el dragón (con la voz de Shohreh Aghdashloo) y el laberinto de su guarida subterránea. 

Mientras intenta salir, Elodie se encuentra con los espíritus de otras damiselas sacrificadas. Brown aporta aquí la misma energía que en su papel en la saga "Enola Holmes". Elodie, como la detective de la época victoriana, aborda los acertijos con determinación. Apoyarla no es complicado. Como siempre, la fuerza de la actriz de Stranger Things como intérprete radica en su expresividad: los ojos muy abiertos por el miedo y las muecas de dolor. Su interpretación, que tiene matices de Daenerys Targaryen de Emilia Clarke, sostiene una película que se habría beneficiado de una mayor profundidad, especialmente porque su penúltima batalla ofrece un momento de inteligencia. En esa escena, Elodie reúne fuerzas para enfrentar al monstruo que la persigue. Su encuentro, un encuentro en el umbral de la vida y la muerte, es tenso, pero en su contacto visual hay algo familiar: un escalofriante destello de reconocimiento mutuo. 

Con esto no promuevo descartar esta película en su totalidad; tiene sus momentos de satisfacción y otros de conexión, pero es el tipo de historia que solo motivaría para un sábado por la tarde con entretenimiento superficial, y sin búsqueda de historias profundas que cuestionen las decisiones y traiciones que una joven damisela puede enfrentar en pocas horas después de casarse.

Crítica Cinéfila: The Brothers Sun - 1ra temporada

Cuando un misterioso enemigo pone a su familia en el punto de mira, un miembro de una tríada de Taipéi va a Los Ángeles para proteger a su madre y a su hermano menor. 

Muchas personas tienen vidas familiares complejas. Los asuntos privados están escondidos en los rincones de los áticos, guardados en armarios o los mayores de la familia los mantienen en secreto, lo que sorprende a las generaciones más jóvenes cuando estas historias ocultas finalmente se revelan. Para los Suns, cuyos lazos familiares se extienden desde Los Ángeles hasta Taiwán, los secretos son sólo la punta del iceberg. Creada por Brad Falchuk y Byron Wu, “The Brothers Sun” es una comedia dramática brillante y emocionante sobre obligaciones familiares, esqueletos enterrados y vínculos que nunca podrán romperse. 

La serie de ocho episodios comienza en un lujoso ático en la brillante ciudad de Taipei. Charles (Justin Chien), el hermano mayor Sun, pasa la noche viendo “The Great British Baking Show” y perfeccionando su última receta de postre. Sin embargo, antes de que suene el cronómetro de su pastel, es atacado por asesinos. Aunque sale ileso de la lucha, a su padre, Big Sun (Johnny Kou), el líder de una tríada secreta de gangsters taiwaneses, los Dragones de Jade, recibe un disparo. Con Big Sun en coma y enemigos anónimos todavía en marcha, Charles emprende una búsqueda hacia Los Ángeles, donde su madre, Eileen (Michelle Yeoh) y su hermano menor, Bruce (Sam Song Li), han estado viviendo una vida "normal". durante los últimos 15 años. 

Mientras Charles, que parece una figura de acción hecha realidad, pasa sus días empuñando armas, perfeccionando patadas y siendo la mano derecha de su padre, Bruce ha vivido una existencia muy diferente. Un estudiante de medicina que conduce Lyft para ganar dinero extra y oculta su amor por el teatro de improvisación, que apenas se atreve a hablar con mujeres, y mucho menos defenderse. Totalmente protegido y ajeno al negocio familiar, Bruce es adoctrinado rápidamente en el mundo de la tríada cuando se encuentra con su hermano y su madre, desmembrando un cuerpo en su cocina. 

Las electrizantes secuencias de “The Brothers Sun” son divertidas y dinámicas, pero los episodios contienen mucho más que pura emoción. Dado que los adversarios persiguen a la familia Sun, Bruce rápidamente se ve arrojado a un mundo del que no sabe nada. Desesperado por impresionar a su hermano mayor y mantener a su madre a salvo, la serie está llena de un montón de momentos humorísticos en los que Bruce intenta entender el mandarín, se encoge de miedo ante cualquier visión de sangre (irónico, siendo él estudiante de medicina) y trata de seguir las severas instrucciones de Eileen de no faltar nunca a la escuela. 

Infinitamente entretenida, la serie tiene una especificidad cultural que revela comunidades que rara vez se ven en las representaciones de Los Ángeles (incluido el grupo de tías chinas que chismean en juegos de mahjong en el Korean Spa), donde una reunión entre los Suns y otra poderosa tríada sale terriblemente mal. La serie muestra cuán vitales son estos centros para sus comunidades y cómo un público en general los pasa por alto con tanta facilidad que a menudo intenta ignorarlos.

Mientras Bruce intenta desentrañar los secretos familiares, Charles considera una vida más tranquila lejos de la influencia de su padre. Incluso se reencuentra con una vieja amiga, Alexis (Highdee Kuan), que tiene sus propios motivos para acercarse a él. Si bien la serie se centra en el tenue vínculo entre los hermanos, “The Brothers Sun” también trata sobre Eileen, el verdadero cerebro detrás de los Dragones de Jade. Yeoh es feroz y despiadada en el papel, alternativamente maternal y cruel de un turno a otro. Incluso tiene intrincadas secuencias de lucha, mostrando sus habilidades con el cuchillo para que los niños no se diviertan solos. 

Con una narrativa que abarca solo unas pocas semanas, el público lo acompaña mientras Bruce intenta comprender el legado y la tradición, y cómo la emoción y la obligación influyen en ambos. Mientras Charles intenta decidir si debe vivir para él o para su familia, Eileen y Big Sun consideran las promesas que se hicieron mutuamente y cómo sus mentiras y ambiciones finalmente han herido a sus hijos. 

“The Brothers Sun” tiene la mezcla perfecta de comedia y drama. Es una narrativa sobre lo que se espera, lo que se puede soportar y cuánto estamos dispuestos a renunciar para que otros puedan vivir sus sueños. Aunque le brinda a Yeoh una muestra de que se lo merece con creces, la serie también presenta a Chien y Li como dos talentos que sin duda continuarán adornando nuestras pantallas. 

Crítica Cinéfila: Black Widow

Natasha Romanoff, alias Viuda Negra, se enfrenta a los capítulos más oscuros de su historia cuando surge una peligrosa conspiración relacionada con su pasado. Perseguida por una fuerza que no se detendrá ante nada para acabar con ella, Natasha debe lidiar con su historia como espía y con la estela de relaciones destruidas que dejó atrás mucho antes de convertirse en Vengadora. 

Desde su introducción en Iron Man 2 de 2010, Black Widow / Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) ha tenido una presencia constante en el MCU, pero mientras sus contemporáneos obtuvieron películas en solitario, ella fue relegada constantemente a un personaje de reparto con Marvel prometiendo constantemente que le haría propia película a su debido tiempo. Y ahora, como murió en Avengers: Endgame parece que es el debido tiempo para obtener una especie de precuela incómoda que pretende completar la historia de fondo de Natasha, pero que en realidad es más un empujón para su hermana (y probablemente futura poseedor del manto de "Viuda Negra"), Yelena Belova (Florence Pugh) ser introducida. Sí, aprendemos sobre los orígenes de Natasha, pero hay un curioso agujero en esta película. Su arco es dolorosamente fino, y hace que "Black Widow" se sienta más interesante en el personaje como una marca que continuará que en un héroe/persona que, especialmente las mujeres (como la única mujer miembro de los Vengadores originales) podríamos admirar.

Después de un prólogo que narra parte de la infancia de Natasha, la historia comienza después de "Captain America: Civil War". Natasha está huyendo del general Ross (William Hurt) y busca permanecer oculta cuando recibe un paquete de su hermana Yelena, incomunicada de ella desde hace mucho tiempo. Sin embargo, el paquete también está siendo rastreado por el infame Taskmaster, un soldado enmascarado cuyos movimientos pueden imitar a cualquiera, pero para los propósitos de la película, imita solo a los Vengadores. El paquete pone a las hermanas en el punto de mira del malvado Dreykov (Ray Winstone), por lo que piden la ayuda de sus ex padres sustitutos Melina (Rachel Weisz) y Alexei/Red Guardian (David Harbour), el súper soldado ruso similar al Capitán América, para derribar la Sala Roja, el lugar donde Dreykov hace sus viudas negras, de una vez por todas.

Puedes ver el esquema más tenue del arco del personaje destinado a Natasha con esta película, ya que aparentemente se trata de la familia. Después de Civil War, Natasha había perdido a los Vengadores, la única familia que había conocido, y eso probablemente habría tenido un impacto diferente si esta película hubiera salido en 2016 o 2017 en lugar de en 2021 cuando el personaje ya había muerto en Endgame. Pero como concepto, Natasha pierde a su familia de los Vengadores y recupera a la familia de su infancia, no está mal, especialmente cuando tienes una química tan fuerte entre los cuatro actores, y especialmente entre Johansson y Pugh, con Pugh trayendo una perfecta energía de "hermana malcriada” a los procedimientos. Para una película que parece depender de esta dinámica familiar, Black Widow es una experiencia bastante agradable.

El problema es que estas temáticas familiares, y especialmente Yelena, están desplazando en gran medida a Natasha de protagonizar su propia película. La película rara vez tarda un momento en asentarse antes de que Natasha vuelva a una nueva misión y esa misión involucre a Yelena, pero nunca llegamos a entender realmente de dónde viene Natasha. La película está llena de marcadores de Natasha enfrentándose a sí misma (la llegada de su familia, la participación de otras Viudas Negras, el hecho de que la habilidad de Taskmaster es básicamente un "espejo" de su enemigo), pero poca introspección por parte del personaje. De esta manera, Black Widow crea más el perfil de Natasha que ahondar en su personaje y desafiarla de tal manera que crea una especie de crecimiento personal, aunque un crecimiento que se sentiría algo decepcionante dado que ahora está muerta.

Como película de Marvel, Black Widow se siente como si estuviera en la parte inferior de esta fase. Si bien sigue siendo entretenimiento y tiene algunas escenas de acción buenas, todo el esfuerzo juega como en gran parte superficial y en muchos de los casos imposible para el personaje. Los fanáticos exigieron constantemente una película en solitario de Black Widow, Marvel arrastró los pies, y ahora finalmente está aquí como algo a medio formar que es parte del origen de Natasha pero también de Yelena. Imagínese si nunca hubieran hecho ninguna película del Capitán América y luego, después de Endgame, finalmente hicieron una en la que Cap le entrega el escudo a Bucky. Una de las secuencias que seguro fueron de las más costosas de producir pero una de las más incoherentes es la confrontación final en la sala Roja con su caída al vacío. Recordemos por un momento que Natasha, a pesar de tener un entrenamiento incomparable y una capacidad de planificación lógica superior a otros personajes, no es inmortal, por lo que ¿cómo, después de ustedes haberla sacrificado cayendo por un declive, me dicen que cayendo desde el cielo no va a morir ni a tener lesiones mayores? ¿O que iba a poder pelear y correr con toda la potencia que tuvo después de haber sido casi mutilada a golpes por las demás viudas negras? ¿O que se cae por la ventana de un edificio junto a otra viuda, y esa muere pero Natasha no? Repito, no es inmortal. A parte de esto, la falta de continuidad narrativa entre las situaciones y acciones de los personajes no hacen mucho sentido.

Lo sorprendente es que Black Widow casi lo logra porque Yelena es inolvidable. Si puede dejar de lado cualquier afinidad hacia Natasha y lo que el MCU le debe a su narrativa, entonces tiene un nuevo personaje brillante que probablemente se establecerá como un nuevo favorito de los fanáticos. Pugh ha estado escalando grandemente en las películas durante años, y es estupenda como Yelena. Como mínimo, sabemos que cuando Yelena inevitablemente asuma el título de "Black Widow", tendrá un giro diferente al héroe que Johansson, lo que hace que el futuro del personaje sea brillante, incluso si esta película en solitario no lo hace. 

Si bien la dinámica familiar es divertida y la misión es la tarifa estándar de Marvel, Black Widow parece estar contando la historia equivocada, pero no tiene otra opción dada en qué parte de la línea de tiempo de MCU cae. Si esta película hubiera salido a mediados de la década de 2010, aún podrían haber seguido la ruta de la precuela, pero contaron la historia sobre Budapest y su fatídico encuentro con Hawkeye / Clint Barton (Jeremy Renner). Sabemos que es un punto de inflexión importante en su vida, y hubiera sido genial ver cómo se desarrolló y cambió su dirección de asesina a sueldo a agente de SHIELD. En cambio, la historia que estamos recibiendo es más un piloto de puerta trasera para Yelena Belova. Solo espero que Marvel le haga mejor honor.

Crítica Cinéfila: Without Remorse

Un comando SEAL de élite descubre una conspiración internacional mientras busca hacer justicia por el asesinato de su mujer en Sin remordimientos, de Tom Clancy. 

No puedes matar a un hombre de Tom Clancy. El famoso imperio de espionaje del difunto autor ha mantenido a estrellas desde Harrison Ford hasta John Krasinki empleadas durante décadas en las diversas propiedades de cine y televisión de su propiedad.

Varios talentos, incluidos Willem Dafoe y Liev Schreiber, ya ha representado al personaje de John T. Clark en la pantalla, aunque Michael B. Jordan se convierte en el primer actor de color en interpretarlo en Without Remorse dirigido por Stefano Sollima. Lamentablemente, y por más que siga a este reconocido actor, la película total decepciona. Pero lo que hace que sea mucho más decepcionante que la trama, y sea tan contundente y ridícula como lo logra ser es la letanía sangrienta y demasiado familiar de intrigas de la Guerra Fría y cliché occidental.

El guion está coescrito por el guionista nominado al Oscar Taylor Sheridan (Sicario, Hell or High Water ) con Will Staples, mejor conocido por su trabajo en el videojuego Call of Duty: Modern Warfare 3, pero es el videojuego en primera persona de este último.modo de tirador que domina; para cuando aparecen los créditos iniciales, el recuento de cadáveres ya ha pasado de 10. Aunque para ser justos, es una redada: Clark de Jordan, un SEAL de la Marina, que lidera a su equipo para rescatar a un secuestrado de la CIA en Siria de los insurgentes rusos bajo la dirección de un imperioso oficial de la agencia llamado Robert Ritter (Jamie Bell).

Tres meses después, esos mismos miembros del equipo comienzan a aparecer muertos en suelo estadounidense, y cuando la joven familia de John se convierte en el objetivo, nace una historia de venganza. A partir de allí, John se balancea entre una serie de escenarios internacionales que funcionan mejor cuando pasan del zumbido de las balas a algo más análogo de mano a mano (una escena de hombre contra SWAT absurda pero entretenida en una celda de prisión, zambullida de agua en algún lugar sobre el mar de Bering).

El director Stefano Sollima tiene como objetivo convertir a John en un héroe de primer orden: mata porque le importa. Jordan, una presencia naturalmente magnética, hace todo lo posible para invertir eso con algún (o cualquier) tipo de significado, pero es un largo camino para poder creerlo. Mientras tanto, Guy Pearce aparece para representar al Gran Gobierno y pone en marcha varias misiones de "esto es altamente clasificado"; la actriz de Queen & Slim, Jodie Turner-Smith, como una compañera de Seal, lucha para entregar líneas de madera sobre la precaución y la lealtad; y el talentoso Bell, encargado de interpretar al antagonista de John, está mayormente cargado de travesuras de nivel Bravo y exposición de historias, un personaje naturalmente odiado.

A medida que se desarrolla una vasta conspiración al estilo Clancy que logra ser a la vez vaga y casi cómicamente explícita, las cosas se disparan con una regularidad paralizante y varios combatientes sin rostro mueren; los planes mejor trazados salen mal. La venganza se realiza sin remordimiento y con menos sentido aún. Lo único seguro, a juzgar por la promesa de una escena posterior a los créditos, es una secuela sin ser solicitada por la audiencia.

Crítica Cinéfila: Project Power

En las calles de Nueva Orleans, se empieza a correr la voz sobre una misteriosa nueva píldora que desbloquea superpoderes únicos para cada usuario. La trampa: no sabes cómo te afectará hasta que la tomes. 

Todos tenemos un superpoder único. O por lo menos eso es lo que dicen en Project Power. Algunos están relacionado con las temperaturas, otros con condiciones animales y vegetales, y también está el grupo de los que se se van más allá de lo creíble. Pero mientras algunos desarrollan una piel a prueba de balas, invisibilidad y una fuerza sobrenatural, otros exhiben una reacción más mortal. Cuando la ciudad de New Orleans es tomada como conejillo de indias para probar estas nuevas píldoras y estas elevan el crimen dentro de la ciudad a niveles peligrosos, un policía local (Joseph Gordon-Levitt) se une a una traficante adolescente (Dominique Fishback) y a un ex soldado alimentado por una venganza secreta (Jamie Foxx) para luchar contra el poder con poder y arriesgarse a tomar la píldora con el fin de localizar y detener al grupo responsable de crearla.

"Project Power" se siente como parte de una nueva tendencia en las películas de Netflix, o tal vez de un nuevo género: una película que no es una película de superhéroes tradicional, es más un thriller callejero excitado, pero está llena de toques que recordarán usted de las películas de superhéroes, por lo que en ciertos momentos cuenta. (Ya que estás sentado en casa, disfrutando del entretenimiento en la pantalla chica, sientes el impulso de decir: "¡Mira esto! ¡Es lo suficientemente bueno!") El éxito de Netflix "The Old Guard" realmente fue una película de superhéroes. En "Project Power", sin embargo, no se nos pide que apoyemos a estas almas hambrientas de omnipotencia que están haciendo estallar cápsulas; son conejillos de indias humanos al azar. Estamos apoyando el arte, también conocido como el Mayor ( Jamie Foxx), un ex oficial militar que está en un curso de colisión del inframundo para saber quién distribuye la droga, para poder sofocarla en su origen. Se une a Robin ( Dominique Fishback ), un demonio de la escuela secundaria que ha estado vendiendo la droga de forma paralela, y se convierten en aliados incómodos en una carrera para ver qué significa realmente "poder".

“Project Power” tiene propulsión, pequeñas detonaciones de magia visual, el escenario resonante de una Nueva Orleans todavía desesperada y un reparto mejor que el que suele tener una película como ésta. Sin embargo, al verlo, es posible que se dé cuenta de lo arreglado que está todo. Los directores de la película, Henry Joost y Ariel Schulman (quienes hicieron el documental "Catfish" de 2011 y luego dirigieron dos secuelas de "Paranormal Activity"), quieren darle un rumor. Cada vez que se hace estallar la droga, hay montajes de ojos dilatados y sinapsis activadas que imitan crudamente a las de “Requiem for a Dream”.

En “Project Power”, estamos fuera de la experiencia de las drogas, pero la verdadera pista del alma bastante descuidada de esta aventura llamativa y deprimente es que se convierte en un thriller sobre una conspiración que es grandiosa pero irritantemente abstracta. La droga es parte de un plan maestro para controlar a las personas: quitarles su poder dándoles una falsa sensación de poder. El guión, de Mattson Tomlin es una obra raída que te hace desear la siniestra especificidad y el peligro arraigado de un buen drama sobre drogas. "Project Power" es básicamente un cuaderno de bocetos exagerado de una película con efectos de exhibición.

A pesar de una temática relevante y una premisa interesante sobre una sobrecargada reimaginación de la narrativa de superhéroes, hay que admitir que Henry Joost y Ariel Schulman son fanáticos de complicar las historias. Lo han hecho a lo largo de su carrera y lo más interesante de este dúo es que siempre encuentran la manera de salvar sus tramas de caer en lo extravagante o disfuncional. En el caso de Project Power, y a pesar de su nombre tan genérico, se salva por un elenco que sabe elevar el conflicto narrativo con estilo.

No es una fórmula secreta, pero está claro que hay que saber reunir actores de diferentes calibres. Joseph Gordon-Levitt (quien se ha mantenido extrañamente ausente de la pantalla grande desde hace unos años) y Jamie Foxx son dos potencias de diferentes bandos, y su punto neutral es el talento joven de Dominique Fishback parecen hacer una buena balanza. Pero aún con sus talentos en equilibrio, existen momentos que crean cuestionamientos sobre los ideales, principios e impulsos de cada personaje; por momentos contradictorios a lo que hacen entre escenas, e incluso conclusiones y decisiones que denotan a una persona completamente diferente. 

La diversidad de casting, que se ha convertido en un sello distintivo de Netflix, le da a la conspiración de la película, al menos en teoría, una nueva dimensión de fervor social, evocando connotaciones del Experimento Tuskegee de 1932 y la percepción generalizada de que las drogas que se derramaron en Estados Unidos el interior de las ciudades a finales de los 60, 70 y 80 lo hizo con un grado de aprobación gubernamental. Sin embargo, eso no libra a la película de la necesidad de completar la logística de la conspiración de una manera convincente. Al igual que otras películas de acción recientes de Netflix ("Extraction" y "The Old Guard"), "Project Power" te da la sensación de que se basa en tantas décadas de clichés que la película apenas se molesta en fingir que es cualquier cosa menos un remix.

Crítica Cinéfila: Terminator Dark Fate

Sarah Connor (Linda Hamilton) y Grace (Mackenzie Davis), una híbrido de cyborg y humano, deberán proteger a una joven del Rev-9, un nuevo Terminator que viene del futuro.

Después de convertir una película B de ciencia ficción en una innovadora saga de gran éxito, y luego ver a otros cineastas gradualmente desgastar la bienvenida de la serie, James Cameron quiere arreglar las cosas con Terminator: Dark Fate. Al regresar como productor y uno de los cinco hombres que escribieron la historia de esta entrega, dirigida por Tim Miller como la única secuela real de Terminator 2: Judgment Day de 1991. Todo lo demás, según Cameron, tiene lugar en una realidad alternativa, tal vez el mismo universo donde millones claman por cuatro secuelas de Avatar. Pero desde mi punto de vista, Dark Fate es una injusticia hacia los fanáticos, incluyéndome.

Dark Fate sufre mucho al obedecer el imperativo que estableció la primera secuela: tratar de volar las mentes y hacer que la aventura pionera de FX lo hiciera, esta ofrece una serie de piezas de acción que van de lo grande a lo ridículo, incluso las adiciones del guión a la mitología del miedo al futuro son decepcionantes. Lo único salvable son los CGI previsiblemente excelentes, una Mackenzie Davis sin decepcionar a nadie, y un Gabriel Luna igual de fuerte, un heredero más que capaz del T-1000 de Robert Patrick, que ofrece la misma amenaza centrada en el láser y agrega algunas habilidades de personas a la mezcla.

La película comienza con algunos clips de VHS de los episodios de T2, cuando Sarah Connor (Linda Hamilton) fue hospitalizada por sus presuntas ilusiones: despotricando sobre el futuro dominado por la Inteligencia Artificial mientras los psicólogos se burlaban. Presumiblemente, los cineastas eligieron clips específicos para establecer los temas de esta historia.

Pronto nos encontramos en Guatemala en 1998, donde Connor y su hijo John (Edward Furlong) disfrutan de haber detenido al malvado Skynet AI antes de que comenzara. De la nada llega una versión del robot T-800 de Arnold Schwarzenegger que claramente no es la que simplemente los ayudó a salvar el mundo.

Veintidós años más tarde, dos nuevos visitantes llegan a la Ciudad de México, provenientes de una versión del futuro diferente a la que los Connors lucharon para evitar. Ambos visitantes emergen desnudos de esferas azules que crepitan con electricidad, como en películas anteriores. Pero ambas esferas emergen muy por encima del nivel del suelo, dejando a los viajeros del tiempo soportar caídas castigadoras. Claramente, las personas en los controles necesitan trabajar en su objetivo.

Grace (Davis) resulta no ser un Terminator, de todos modos. Ella es una "humana aumentada", con súper fuerza y ​​sentidos de seis millones de dólares. La enviaron a tiempo para rescatar a una trabajadora de una fábrica de automóviles llamada Dani (Natalia Reyes) del último robo-asesino, una actualización T-1000 conocida como Rev-9 (Luna). Esto significa que la máquina mata a la familia de Dani mientras la rastrea, luego causa estragos en su lugar de trabajo, y los equipos de efectos de la película se divirtieron mucho diseñándolo: como el chico malo en T2, es un cambiaformas casi indestructible cuyo cuerpo de metal líquido repara cada herida. Pero cualquiera que tenga la suerte de frenarlo verá que puede dividir su cuerpo en dos, con la forma humanoide dejando atrás su esqueleto negro carbón y los dos robots luchando independientemente. Cuando termina una pelea, el esqueleto vuelve a entrar en su piel.

Grace no tiene tanta suerte. Los gastos intensos de energía la dejan cerca de la muerte, necesitando un cóctel de medicamentos para recargarse. Es bueno que un ser humano aparezca para salvar al salvador: resistida y feroz, Sarah Connor ha pasado décadas preparándose para este momento. Ella recoge a Grace y Dani, e inmediatamente comienza a discutir con la cyborg sobre cómo proteger a la joven humano. Grace, conociendo el poder de Rev-9, quiere huir y esconderse; Sarah, cuyo diálogo se inclina hacia pronunciamientos muerte, quiere usar a Dani como cebo.

Al decirle a Dani que es el útero del héroe del futuro, Sarah hace declaraciones que claramente afectan a Grace por el camino equivocado. Pero las dos mantienen a Dani a salvo hasta que puedan encontrar su propio equilibrio. Las mujeres comienzan a moverse hacia el norte, hacia un lugar cerca de Laredo cuyas coordenadas se les han dado misteriosamente. El público sabe a quién encontrarán allí, pero es posible que no entiendan cómo este señor, el asesino androide que ahora se hace pasar por un humano llamado Carl, se ha convertido en un anciano.

Parece poco probable que alguien en 1984 hubiera esperado que los Terminadores no solo sangraran cuando fueran heridos, sino que envejecieran junto a los humanos a los que fueron enviados a infiltrarse. Si ese hecho poco probable fue explicado en algún momento de esta franquicia, ciertamente ninguno de los guionistas de este episodio espera que deseemos un repaso. Tampoco esperan que nos preguntemos qué reglas podrían restringir el truco de división del cuerpo del Rev-9.

En cambio, los realizadores se centran en la acción: escenas de persecución muy agradables antes de que las mujeres se unan con T-800, casi convencidas de que realmente él es la solución. Recordemos que en T2 , los combatientes de la resistencia en el futuro capturaron un T-800 y lo reprogramaron para servir a su lado. Aquí, el robot realiza la reprogramación, aprendiendo empatía por los seres más débiles en este país donde la empatía parece estar escasa como lo es la frontera entre Estados Unidos y México.

Uno podría esperar que, después de contratar al director de Deadpool, los cineastas tendrían algún sentido de ironía sobre todo esto y le permitirían a él traer algo de ingenio a la acción, pero no hay tanta suerte. Esta película contiene incluso menos humor que la anterior, y en su lugar se centra en hacer de Carl un mártir; escena tras escena, presagiando su voluntad de morir por los humanos que una vez cazó. Por más fanática que sea de Schwarzenegger, su personaje no le hizo ningún bien a la historia; muy por el contrario, sirve como la falta de lógica y el surgimiento de muchos cuestionamientos sobre escenas que la misma película mostró a principio.

Estamos distraídos de la actualidad de esta historia por secuencias que se esfuerzan muchísimo para deslumbrarnos. Una larga pelea en la parte trasera de un avión de carga que cae hace que los combatientes se muevan de un lado a otro en caída libre; el siguiente los arroja sobre una presa en un Humvee, los hunde y coloca robot contra robot en el fondo de un lago. Para cuando la película está lista para matar a su último villano más grande, los fanáticos han recibido una buena lección sobre los peligros de la secuela.

En medio de una buena carga femenina, tratando de separar la cultura casi machista que las películas anteriores sembraron, es importante recalcar que ni la actuación de Davis y Hamilton juntas salvan esta película. De manera preocupante, nuestros héroes se van con la promesa explícita de prepararse para futuras batallas. ¿Pero llegará algún otro narrador para rescatar a la franquicia y a sus propios salvadores? Ojalá nunca lo sepamos.